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GIULIANO TOSIN
TRANSCRIAÇÕES
REINVENTANDO POEMAS EM MÍDIAS ELETRÔNICAS
CAMPINAS
2010
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GIULIANO TOSIN
TRANSCRIAÇÕES
REINVENTANDO POEMAS EM MÍDIAS ELETRÔNICAS
Tese apresentada ao Instituto de
Artes da Universidade Estadual
de Campinas, para obtenção do
título de Doutor em Artes.
Orientadora: Profa. Dra. Maria de
Fátima Morethy Couto
CAMPINAS
2010
iv
FICHA CATALOGRÁFICA ELABORADA PELA
BIBLIOTECA DO INSTITUTO DE ARTES DA UNICAMP
Tosin, Giuliano.
T639t Transcriações: reinventando poemas em mídias eletrônicas. /
Giuliano Tosin. – Campinas, SP: [s.n.], 2010.
Orientador: Profª. Drª. Maria de Fátima Morethy Couto
Tese(doutorado) - Universidade Estadual de Campinas,
Instituto de Artes.
1. Poesia. 2. Arte. 3. Mídia digital. 4. Poesia eletrônica. 5.
Transcriação. I. Couto, Maria de Fátima Morethy. II.
Universidade Estadual de Campinas. Instituto de Artes. III.
Título.
(em/ia)
Título em inglês: “Transcreations: reinventing poems in electronic media.”
Palavras-chave em inglês (Keywords): Poetry ; Arts ; Digital media ; Electronic
poetry ; Transcreation.
Titulação: Doutor em Artes.
Banca examinadora:
Profª. Drª. Maria de Fátima Morethy Couto.
Prof. Dr. Fábio Oliveira Nunes.
Prof. Dr. Hermes Renato Hildebrand.
Prof. Dr. Lucio José de Sá Leitão Agra.
Prof. Dr. Mauricius Martins Farina.
Profª. Drª. Sara Pereira Lopes (Suplente)
Prof. Dr. Fernando Cury de Tacca (Suplente)
Prof. Dr. Ricardo Zagallo Camargo (Suplente)
Data da Defesa: 24-02-2010
Programa de Pós-Graduação: Artes.
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vi
vii
Para Samira Marzochi, paixão da minha vida.
viii
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AGRADECIMENTOS
Maria de Fátima Morethy Couto, por ter me recebido e orientado com dedicação e
seriedade.
Arnaldo Antunes, Augusto de Campos, Décio Pignatari, Paulo Franchetti, Phillipe Bootz e
Toninho Vaz, pelas interlocuções.
Denis Koishi, Julio Oliveira, Marcel Rocha e Marco Scarassatti, pelo coleguismo e amizade
no coletivo Olho Caligari.
Daniel Ugarte e Luiz Tizei, pela parceria no desenvolvimento do nanopoema.
Fábio Oliveira Nunes e Soraya Braz, por serem companheiros tão animados em transcriar.
José Alberto Bombig, pelo interesse em divulgar este trabalho.
Irene Machado e Jorge Luiz Antonio, pelas gentis oportunidades de publicar meus textos.
Mara Verônica, pelo generoso auxílio com detalhes da língua inglesa.
Meu irmão Giancarlo, por ser um velho companheiro de projetos mirabolantes.
Meus familiares, pelo apoio e afeto de sempre.
x
xi
RESUMO:
Este trabalho apresenta um panorama do debate sobre tradução, enfocando-se nos
desvios e transgressões relativos à tradução de poesia. Prioriza o conceito de transcriação, e
explora seus vínculos com a tradução entre diferentes mídias. Apresenta autores e conceitos
afins, na tentativa de construir um percurso para pensar as questões relativas a esse tipo de
atividade. Paralelamente ao viés teórico, realiza uma série de experiências práticas de
transcriação de poemas para mídias eletrônicas, que tem por finalidade exercitar
empiricamente as idéias e conceitos abordados. Essas realizações visam também mostrar a
prática da transcriação como possibilidade de se reinventar uma obra original, tomando-a
como propulsora para um novo impulso criativo. Esta abordagem destaca o papel do
transcriador como autor de um novo original, onde os traços de sua interferência são
assumidos e marcantes. Através de analogias e livre-associações ele constrói diálogos com
a obra de partida, combinando-a com seu repertório pessoal e às características da mídia
utilizada. Nossa proposta ao apresentar os resultados desta pesquisa é procurar contribuir
para a melhor compreensão dos aspectos envolvidos no trânsito de conteúdo artístico
através de diferentes mídias, um procedimento muito presente nas poéticas da atualidade.
PALAVRAS-CHAVE: poesia; arte e mídia; poesia eletrônica; tradução; transcriação
xii
xiii
ABSTRACT:
This study presents a view of the discussions on translation, focusing on the
deviations and transgressions of poetry translation. It prioritizes the concept of transcreation
and explores its relations with the translation between different media. It also presents a
search for authors and concepts aiming at constructing a way of thinking the questions
regarding this kind of translation. Parallelly to the theoretical approach, this study
developed some practical cases of poem transcreations for electronic media, seeking to
exercise the concepts and ideas shown. These experiments aim to show the practice of
transcreation as a possibility of reinventing the original work, taking its characteristics as a
propulsion for a new creation leap, utilizing analogies and associations from the
imagination of who transcreates as well as the particularities offered by each utilized media.
This activity exposes the transcreator as the author of a new original work where the
impressions of his interference are clear. Our proposal is, by means of this trajectory, to
propose a contribution for a better comprehension of the aspects involved in a translation
with artistic content through different media, a frequent procedure in contemporary poetics.
KEY WORDS: poetry; media arts; electronic poetry; translation; transcreation
xiv
xv
SUMÁRIO
Introdução.....................................................................................................
1
PRIMEIRA PARTE: transcriação, poesia e mídias
1. Fidelidade e desvio na tradução
1.1. O tradutor e seu ofício.................................................................................. 11
1.2. Aquilo que se traduz..................................................................................... 22
1.3. A autonomia do tradutor............................................................................... 27
1.4. Tradução e transgressão: alguns conceitos................................................... 34
2. Transcriação e poesia
2.1. Particularidades da tradução de poesia......................................................... 41
2.2. Transcriação.................................................................................................. 44
3. Traduzir poesia com diferentes meios
3.1. Traduzir com os meios do seu tempo........................................................... 59
3.2. A tradução intersemiótica............................................................................. 65
3.3. Subsídios para um estudo da transcriação através de diferentes mídias....... 71
SEGUNDA PARTE: descrição e análise de casos práticos
Introdução à segunda parte.................................................................................. 89
1. Transcriando poesia com vídeo
1.1. Tarkovski Travelling.................................................................................... 95
1.2. O Anti-Eisenstein........................................................................................ 101
2. Transcriando poesia com animação digital
2.1. Poubelle...................................................................................................... 111
2.2. Sim / Oui..................................................................................................... 118
xvi
3. Transcriando poesia com recursos eletrônicos de áudio
3.1. Leve............................................................................................................ 125
3.2. Sim / Oui.................................................................................................... 130
3.3. Poubelle...................................................................................................... 133
4. Transcriando poesia com nanotecnologia
4.1. Nanotecnologia e nanoescrita..................................................................... 139
4.2. Infinitozinho............................................................................................... 142
Conclusões................................................................................................
151
Bibliografia............................................................................................... 161
Anexos
Lista de anexos.................................................................................................. 169
1
Introdução
Esta pesquisa teve seu início, de certo modo, em um trabalho de conclusão de
curso de graduação realizado doze anos atrás, na Universidade Federal do Rio Grande do
Sul, em Porto Alegre. Na ocasião analisei, sob orientação da Profa. Dra. Christa Berger, o
kit multimídia de poesia Nome, de Arnaldo Antunes
1
, escolha que destoou dos objetos de
estudo normalmente abordados em conclusão de curso de jornalismo. Mas isso se
justificava, à medida que sempre desenvolvi, paralelamente ao curso, trabalhos com arte.
Em 1999 me mudei para Campinas, com o propósito de cursar disciplinas de pós-graduação
no Instituto de Artes da UNICAMP. Durante uma conversa com o Prof. Dr. Ivan Santo
Barbosa me foi apresentada a teoria da tradução intersemiótica, desenvolvida por Julio
Plaza. Essa teoria, que se ocupa da tradução de obras artísticas através de diferentes mídias,
serviu perfeitamente para o propósito que eu tinha em vista para a pesquisa de mestrado em
Multimeios. Eu pretendia analisar poemas eletrônicos do kit Nome que eram “versões” de
poemas já publicados em livros de Antunes. Além desses, acabaram sendo analisadas
posteriormente na dissertação outras traduções de poemas para mídias eletrônicas,
realizadas por Augusto de Campos, Julio Plaza, Décio Pignatari, Philadelpho Menezes e
Wilton Azevedo.
A pesquisa de mestrado me aproximou mais de um conjunto de autores que eu
havia descoberto durante a graduação, entre eles Roman Jakobson, Haroldo de Campos e
Charles Sanders Peirce, utilizados por Plaza para conceber sua teoria. Nela o autor
classifica a tradução intersemiótica em três tipos: transposição, transcodificação e
transcriação. Dessas, a terceira chamou-me particularmente a atenção, pelo modo como
abre espaço para a liberdade criativa do tradutor, que acrescenta novidades ao contexto da
obra original. Entender melhor as características da transcriação, e sua atuação nos limites
daquilo que pode ser concebido como “tradução”, passou a ser uma curiosidade após o
término da dissertação.
1
Com co-autoria de Celia Catunda, Kiko Mistrorigo e Zaba Moreau.
2
Alguns questionamentos motivavam continuidade para a pesquisa, apontando
para um campo conceitual onde os termos não parecem bem definidos, e variam de acordo
com quem os utiliza, ou com a situação apresentada. Estudar a fundo o conceito de
transcriação, tentando entender suas dimensões, sobretudo no que diz respeito à autonomia
do tradutor, começou a transformar-se numa proposta sedutora para uma pesquisa de
doutorado. As principais questões eram: o que ocorre, em termos teóricos e práticos,
quando se gera uma nova obra a partir de outra anterior, num exercício de transcriação?
Essa operação, que normalmente é marcada pelas transgressões de quem traduz, ainda pode
ser definida como uma “tradução”? Existe “tradução” através de diferentes mídias, ou o uso
do termo é apenas uma metáfora da tradução entre diferentes línguas? Quais as teorias,
autores e conceitos mais adequados para tentar entender a transcriação de poesia através de
diferentes mídias? Como se trabalha, na prática, com a inserção de novidades numa obra
original, utilizando outra mídia? Quais os principais desafios e dificuldades de realizar esse
tipo de operação, atualmente? Além disso, apresentava-se como prioritário naquele
momento buscar situar a transcriação em relação a outros estudos, externos à teoria
semiótica de Peirce, usada como principal referência por Plaza, que requer, para qualquer
tipo de compreensão, um repertório muito específico.
A utilização de meios eletrônicos e digitais é um fator marcante na produção de
poesia contemporaneamente, e as questões que suscita têm sido tema de inúmeras
indagações. No conjunto de esforços com a finalidade de fomentar essas iniciativas e abrir
novas trajetórias de reflexão, achamos que uma pesquisa que se aprofundasse no estudo e
na prática da transcriação de poesia através de diferentes mídias poderia tornar-se um
dispositivo útil. Essa pesquisa poderia colaborar também com a reflexão sobre as diferentes
possibilidades de trânsito de poemas de um meio para outro, fornecendo subsídios para a
análise das relações entre uma obra original e sua reconstrução em outra mídia. A
finalidade não seria tentar afirmar algum modo correto ou ideal de traduzir; muito pelo
contrário, o mais importante parecia ser exercitar todos os tipos possíveis de tradução e
saber utilizá-los de modo lúcido, aliando a reflexão crítica à experiência prática.
A tese surgiu, portanto, como um desdobramento da dissertação, que de certa
forma, já era continuidade de uma pesquisa anterior. Sua abrangência é teórica e prática,
3
pois experimenta o conteúdo das reflexões através da realização de transcriações de poesia.
Divide-se em duas partes, sendo a primeira predominantemente teórica, e a segunda onde
constam as análises dos casos práticos. O viés teórico inicia abordando a bibliografia sobre
tradução, enfocando-se nos conceitos relativos à autonomia criativa do tradutor. A relativa
escassez de discussões específicas em torno do conceito de “transcriação”, que é o foco
principal deste trabalho, levou-nos a resgatar o ambiente onde este conceito foi elaborado,
ou seja, o campo da tradução. Somente abordando os estudos sobre tradução e, sobretudo,
as questões relativas à autonomia do tradutor, parece ser possível introduzir o conceito de
transcriação.
Em seguida, o trabalho concentra-se na análise do material bibliográfico que
aborda especificamente esse conceito, inicialmente situando-o no contexto da tradução em
geral para depois inseri-lo no âmbito da tradução de poesia e, enfim, no da tradução entre
diferentes mídias. Esse percurso promoveu um cruzamento inédito de autores oriundos de
diferentes áreas, como as teorias da tradução, os estudos culturalistas da linguagem, estudos
de literatura comparada, tradução intersemiótica e estudos interartes.
No viés prático realizamos transcriações de poemas para meios eletrônicos,
cujos resultados serão descritos e analisados, visando estabelecer diálogos com as idéias
abordadas no plano teórico. Tendo realizado no mestrado um exercício exclusivamente
teórico, mesmo que, simultaneamente, sempre tenha dado continuidade às atividades de
criação com poesia, música e arte multimídia, vi neste trabalho a possibilidade de unir a
pesquisa de cunho teórico com realizações práticas, estabelecendo um contato onde as duas
se complementem. Poemas que criei, obras que li, trabalhos artísticos dos quais participo,
todos começaram a ser vistos pelo prisma da transcriação. A ansiedade por vestir poemas
com “outras roupas” e fazê-los ressurgir em outros ambientes transformou-se num caminho
aberto, repleto de atrativos e clamando por ser trilhado.
É imprescindível deixar clara, desde o início do trabalho, a diferença entre tentar
repetir um poema em outro meio e reinventá-lo nele, e que o que diferencia os dois é o
acréscimo de novas informações à obra original. Desse modo, traduzir em outros suportes
técnicos não é satisfazer-se em emoldurar a obra num novo formato. A finalidade deste
trabalho é propor estratégias de tradução que tomem obras originais como fontes de
4
inspiração para novos saltos criativos, abrindo mão do compromisso de imitá-las, uma vez
que essas impulsionaram novos vôos, sem amarras. A incorporação dessa perspectiva
influenciou fortemente minha produção artística, gerando a expectativa de experimentar
pessoalmente a transcriação como um método criativo, aplicado a diferentes linguagens.
O procedimento de criar obras a partir de sugestões proporcionadas por outras,
buscando com cuidado não extingui-las na criação e, ao mesmo tempo, valorizando a
autonomia do transcriador, passou a ser um projeto ao qual me entreguei prazerosamente.
As mídias escolhidas para realizar as transcriações foram o vídeo, a animação
computadorizada, as técnicas digitais de gravação e tratamento sonoro e a nanoescrita. O
acesso aos meios e sua operacionalidade foram critérios determinantes para a escolha dos
mesmos. Foi utilizada uma razoável variedade de mídias nas transcriações realizadas, com
o intuito de construir uma amostragem pertinente com a diversidade das mídias eletrônicas
e seus recursos na atualidade.
Em alguns casos, elaborei por conta própria todas as etapas de produção das
transcriações, como nos videoartes Tarkovski Travelling e O Anti-Eisenstein. Já em outros,
tive o prazer de dividir as transcriações com parceiros, como o Prof. Dr. Fábio Oliveira
Nunes, responsável pelas animações de Poubelle e Sim / Oui (esta com a participação de
Soraya Braz). Também deve ser destacada a participação dos companheiros do coletivo
Olho Caligari (Marcel Rocha, Julio Oliveira, Denis Koishi e Marco Scarassatti), junto com
os quais gravei as transcriações sonoras de Poubelle, Leve e Sim / Oui, e dos parceiros do
Laboratório Nacional de Luz Síncrotron, Prof. Dr. Daniel Ugarte e Luiz Tizei, que co-
atuaram no planejamento e desenvolvimento do nanopoema Infinitozinho.
A escolha definitiva dos poemas para as transcriações dependeu bastante das
possibilidades e oportunidades de transcriá-los, que foram apresentando-se durante o
período da pesquisa. No início do planejamento de cada transcriação, procurava-se
averiguar se o uso do meio proposto para a mesma era viável tecnicamente ou não, e se o
poema original suscitava possíveis correspondências com as características desse meio, o
que era indispensável para o desenvolvimento do processo. Os poemas selecionados foram:
1) haicais da série Viagem à terra natal, de Paulo Franchetti, que originaram o videoarte
Tarkovski Travelling; 2) um trecho do livro-poema Catatau, de Paulo Leminski, que
5
originou o videoarte O Anti-Eisenstein; 3) o poema visual Poubelle, de minha autoria,
baseado em Luxo, de Augusto de Campos, que originou o poema digital Poubelle; 4) o
poema visual Sim / Oui, de minha autoria, igualmente transcriado em animação digital 5)
os poemas Poubelle, Sim / Oui e Leve, de minha autoria, que foram transcriados na
linguagem sonora digital; 6) o poema-instalação Infinitozinho, de Arnaldo Antunes,
transcriado com uso da nanoescrita.
6
7
PRIMEIRA PARTE
Transcriação, poesia e mídias.
8
9
CAPÍTULO 1
FIDELIDADE E DESVIO NA TRADUÇÃO
10
11
1.1. O tradutor e seu ofício
Um clássico sobre tradução, A Tarefa do Tradutor, ensaio escrito por Walter
Benjamin para servir de prefácio à sua tradução de poemas de Charles Baudelaire, parece
propício para constituir-se como ponto de partida para situar o debate acerca do assunto.
Considerado por muitos um texto complexo e obscuro, apresenta um ponto de vista
filosófico idealista e platônico, influenciado diretamente pela tese de doutorado de
Benjamin sobre romantismo alemão, apresentada dois anos antes. O ensaio situa a prática
da tradução como a busca por algo enigmático, misterioso e oculto nas línguas, que
proporciona o encontro com aquilo que não é dito, não é comunicado nos enunciados, com
uma essência metafísica e transcendente. A tradução estabelece um canal para o contato
com uma instância além da linguagem. O trecho do ensaio, selecionado a seguir, ilustra um
pouco o teor das proposições do autor:
Aquelas traduções que escolhem para si o papel de intermediário, que em
nome doutro transmite ou comunica, não conseguem transmitir senão a
comunicação, ou seja, o inessencial. É esta uma das características por
que se reconhece uma má tradução. Não será então aquilo que para além
da comunicação existe numa poesia – e até o mau tradutor concede que
aqui se situa o essencial – o que geralmente se cognomina de
inapreensível, misterioso e “poético”? (Op. Cit., p. 38)
O percurso obscuro proposto por Benjamin para interpretar a tradução foi
retomado por outros autores, e seu caráter enigmático rendeu ensaios com análises e
interpretações (Jacques Derrida, Paul De Mann, Haroldo de Campos, entre outros), de
modo que, por sua natureza, pode ser considerado bastante “aberto” a diferentes leituras.
Mas seus aspectos metafísicos e enigmáticos devem ser considerados uma premissa por
quem busca compreendê-lo. Suzana Lages, no artigo recente intitulado Babel Revisitada:
Reler e Re-traduzir A Tarefa do Tradutor, chegou a caracterizá-lo como “irritantemente
enigmático”, uma vez que, no lugar de informar o leitor sobre os procedimentos utilizados
pelo tradutor para superar as dificuldades em transpor para a língua alemã a poesia de
12
Baudelaire, não cita sequer um verso traduzido, ocupando-se unicamente de “sustentar sua
paradoxal concepção de tradução, em que o enigma e a obscuridade têm um papel central”.
Ainda nas palavras da autora, “Benjamin bate-se contra toda e qualquer finalidade
comunicativa da tradução do texto literário, pois identifica o elemento propriamente
literário, poético com aquilo que vai além do plano da comunicação empírica e que se liga a
algo misterioso”. (Ibid., p. 38)
Esse mistério reside, sobretudo, no encontro com aquilo que Benjamin chamou
no ensaio de “Língua pura”, ou “Pura linguagem”, dependendo da tradução para o
português. Seria um “domínio predestinado e inacessível onde as línguas se reconciliam e
atingem toda a sua plenitude”, (Ibid., p. 41) um lugar que conteria os alicerces de todas as
línguas, algo como uma língua absoluta e verdadeira, superior a todas e que a todas contém.
Todas as línguas apontam para a “Língua pura”, ou, segundo Benjamin, “aquilo que se
representa ou procura representar no advir das línguas será a própria essência da Língua
pura”. (p. 42) Ela conteria a chave para os mistérios de toda a comunicação:
Nesta Língua pura – que já nada pretende exprimir e que já nada
exprime, e que pelo contrário é como que a palavra inexpressiva e
criadora que é o conteúdo em todas as línguas – reúne-se finalmente toda
a comunicação, todo o significado, e toda a intenção num nível em que já
não se diferenciam ou distinguem uns dos outros. (Op. Cit., p. 42)
A “Língua da verdade” conserva, silenciosamente, “sem tensões nem conflitos”,
os mais antigos e profundos mistérios do pensamento, e a ela as diferentes línguas se
referem. O exercício da tradução, por sua vez, transferindo significados através de
diferentes línguas, expressa a relação mais íntima entre elas, revelando que as mesmas não
são alheias entre si, mas pertencem a algo maior, que reverenciam cada vez que funcionam
– a “Língua pura”, ponto de convergência entre todas. É importante observar que esta
relação transcende os parentescos históricos entre as línguas, e se refere ao parentesco que
elas possuem naquilo que pretendem exprimir: as mesmas coisas, as mesmas idéias. Para
Benjamin:
13
(...) a afinidade das línguas, que se situa para além dos laços históricos,
depende sobretudo do fato da totalidade de cada uma delas pretender o
mesmo que a outra, não conseguindo todavia alcançá-lo isoladamente,
pelo que as línguas se complementam umas às outras quanto à totalidade
das suas intenções, que aliás seriam apenas atingíveis pela língua pura.
Enquanto que por um lado todos os elementos particulares das línguas
estrangeiras – as palavras, as frases e as relações – se excluem
reciprocamente, por outro lado as próprias línguas completam-se nas
intenções comuns que pretendem alvejar. Apreender esta lei, que é um
dos princípios básicos da filosofia das línguas, equivale a reconhecer-se,
em termos da “intenção”, a diferença que separa o “conteúdo” e o
“modo-de-querer-dizer”. (Op. Cit., pp. 39-40)
Benjamin (Ibid., p. 41) cita as sagradas escrituras judaicas como exemplo da
manifestação da “Língua pura”, e usa igualmente uma imagem dessa tradição religiosa para
ilustrar o modo como se dão as relações entre as diferentes línguas no contexto de uma
língua maior. Essa imagem é a do vaso quebrado, uma imagem cabalística. Para o autor, se
quisermos juntar novamente os cacos de um vaso quebrado, “estes têm de corresponder uns
aos outros, sem serem todavia necessariamente iguais quanto às suas ínfimas
particularidades”. Do mesmo modo, a tradução, ao invés de imitar o original para se
aproximar dele, deve “insinuar-se com amor nas mais ínfimas particularidades tanto dos
modos do ‘querer dizer’ original como na sua própria língua”, para juntá-las como se
fossem cacos do vaso quebrado, para que “depois de as juntar elas nos deixem reconhecer
uma Língua mais ampla que as abranja a ambas.” O modo de “querer dizer” é o que
reconcilia as diferentes línguas, que tomadas em trechos isolados (frases, versos, sentenças,
etc.), nunca se harmonizam entre si. O tradutor deve perceber isso e entender a diferença
substancial na estrutura das línguas para identificar a “Língua pura” que as conecta.
É importante observar também aquilo que Benjamin chama de “traduzibilidade”
de uma obra. (Ibid., p. 38) Para ele, a tradução é, antes de mais nada, uma forma, inspirada
em outra forma anterior, que por sua vez, possuía em sua organização formal uma lei que
determinava o quanto ela era traduzível. Sendo assim, as obras possuem diferentes
naturezas, algumas mais propícias e outras menos, para a tradução. Todas contêm, em suas
entrelinhas, suas “traduções virtuais”, em graus variados. Pode ocorrer da obra possuir uma
natureza muito propícia à tradução, de sua forma “exigir” e “reclamar” uma tradução. Para
14
Benjamin, esta traduzibilidade é o que conecta a tradução e o original, como explica no
trecho que segue:
O fato da traduzibilidade ser própria de certas obras não significa que a
sua tradução lhes seja necessária e essencial mas sim que um
determinado significado, existente na essência do original, se expressa
através da sua traduzibilidade. É evidente que uma tradução, por muito
boa que seja, nunca consegue afetar ou mesmo ter um significado
positivo para o original. Ela mantém no entanto com o original uma
estreita conexão através da traduzibilidade. E esta conexão é tanto mais
estreita e íntima por não afetar o original, podendo ser denominada como
conexão natural, ou mesmo, num sentido mais rigoroso, como relação
vital. (Op. Cit. p. 38)
A tarefa do tradutor seria captar a essência da obra original através de sua
traduzibilidade e integrá-la a uma “Língua” única e verdadeira. A tradução, para Benjamin,
deve apenas tocar de leve o original, e somente num ponto infinitamente pequeno do seu
significado, para em seguida continuar o seu próprio caminho. O autor alemão cita
diferenças fundamentais entre os propósitos do autor do original e da tradução,
considerando o primeiro (original) ingênuo e primário, enquanto a segunda norteia-se por
uma intenção já derivada.
2
Porém, ao contrário do que ocorre com a obra original, a
tradução não se encontra situada no centro da “floresta da língua”, mas fora desta, e sem
entrar nela, a tradução invoca-a para um lugar onde um “eco”, através da própria
“ressonância da obra”, pode ser transmitido a uma língua estranha. (Ibid., p. 42)
2
Benjamin aponta as atividades do autor e do tradutor como intrinsecamente diferentes e incomparáveis, e
lembra que a história não confirma o preconceito corrente que diz que “o tradutor de importância é por
necessidade um grande poeta, e o poeta insignificante um mau tradutor.” (1979, p. 40) A querela que compara
a importância dos autores e tradutores é abordada recorrentemente na bibliografia sobre tradução. Suzana
Lages (2002, pp. 68-70) observa o extremismo das opiniões que dividem a questão: “as visões tradicionais do
tradutor e da tradução tendem a oscilar da impotência mais resignada a um ideal de onipotência sobre-
humana”. Algumas correntes do pensamento teórico e de realizações práticas de tradução acreditam que este
exercício deva buscar a fidelidade máxima ao sentido literal expresso no original, visto que o tradutor tem
esta dívida para com a verdade do autor. Defendem, como diz Lages, que “o tradutor não deveria ‘aparecer’,
deixar marcas suas no texto traduzido, devendo procurar neutralizar ao máximo sua operação sobre o texto
original, o qual é definido a priori como superior.” Essa noção, continua a autora, é proveniente de uma visão
que considera o texto original “um produto acabado, fechado, imutável, completamente imune às vicissitudes
histórico-temporais a que está exposto todo o produto da cultura humana.” (Ibid., p. 70) É um modelo
altamente idealizado, que gera uma sensação de inferioridade diante do original, inapreensível em sua
totalidade lingüística, histórica e subjetiva. Exaltando a unicidade do original, portanto, esta visão acaba
gerando a desvalorização da tradução e conseqüentemente, da própria tarefa do tradutor. Daí decorre o
complexo de inferioridade do tradutor que Lages irá analisar detalhadamente em seu livro. (2002)
15
Por causa da “Língua pura” o tradutor é capaz de remover e demolir as
“velharias obsoletas” da sua língua e “alarga-lhe as fronteiras”, fazendo com que sua língua
cresça e se renove a partir da tradução. Benjamin considerava um equívoco dos tradutores
alemães da época tentar germanizar o sânscrito, o grego, o inglês e outras línguas, ao passo
que deveriam “sanscritizar, grecizar e anglicizar o alemão”, aproveitando a oportunidade da
tradução para conferir dinamismo à sua língua. (Ibid., p. 39) Ele argumenta que essas
línguas “possuem um respeito muito maior diante dos próprios usos lingüísticos do que
diante do espírito da obra estrangeira”, e o erro fundamental do tradutor pode ser querer
conservar em estado permanente a sua própria língua, ao invés de “deixar-se abalar
violentamente pela língua estrangeira”. (p. 39) O filósofo Jacques Derrida observa que, na
visão de Benjamin, é como se cada língua estivesse atrofiada em sua solidão, magra e
parada em seu crescimento, enferma. Mas graças à tradução, mais precisamente à
“suplementaridade lingüística” pela qual uma língua dá harmoniosamente a outra o que lhe
falta, as línguas se cruzam e têm seu crescimento e desenvolvimento assegurado. (2002, p.
67)
Comentando o ensaio de Benjamin, Haroldo de Campos (1987, p. 67) define
que, de acordo com as idéias do autor, a tradução seria “o momento paradisíaco da
‘verdade’ das línguas, de sua transparência na plenitude de uma redenta linguagem
universal, quando a tradução se ultimaria como inscrição interlinear, absolutizada na
revelação da língua sagrada.” Para Haroldo de Campos (Ibid., p. 67) o papel do tradutor, de
acordo com Benjamin, é bem maior do que reivindicar sua liberdade na tradução; é um
papel de resgate. O tradutor tem que operar um “desocultamento”, uma “remissão”, no
“sentido salvífico da palavra” que Benjamin utiliza, para expor o “modo de representação,
de ‘encenação’, o modo de intencionar, o modo de significar do original”. Como
exemplificou o autor alemão, “em brot e pain o conteúdo é de fato o mesmo, mas o “modo”
de pretender expressá-lo é já diferente”. (1979, p.40) Este “modo de significar” não é o
“significado” da obra, seu conteúdo denotativo, mas a sua “forma significante”, as
intenções ocultas em seu modo de dizer. O exercício da tradução revela, portanto, a
16
“Língua pura”, que está por detrás das línguas e contém a intenção de tudo o que quer ser
dito.
3
A questão da vida da obra e de sua sobrevida através da tradução é outro ponto
marcante no ensaio de Benjamin:
Não é metafórica mas sim literalmente que se deve entender a vida e
sobrevivência de uma obra de arte. Já mesmo nos tempos do pensamento
mais acanhado e primitivo se suspeitava que se não devia atribuir vida
apenas a seres e corpos orgânicos. (...) Só se faz inteira justiça a este
conceito de Vida quando se reconhece a sua existência em tudo aquilo
que dá origem à história e que não se limita a ser simplesmente o palco
onde esta é representada. (...) A história mostra-nos como as grandes
obras de arte descenderam das suas fontes, deixa-nos ver como estas
adquiriram a sua forma durante a vida do artista, e revela-nos o período
fundamentalmente eterno da sua sobrevivência através das gerações
vindouras, dando-se a esta última fase, quando ela de fato se verifica, o
nome da glória. (1979, p. 38)
Benjamin acreditava, ao contrário de muitos autores da época, que as traduções
eram bem mais do que “meras intermediárias” que “só surgem quando uma obra atingiu a
época da sua glória”. (1979, p. 39) O original deve a sua sobrevivência, ou permanência na
história, à tradução, visto que “a vida da obra original chega até as traduções
constantemente renovada e com um desenvolvimento cada vez mais amplo e recente.” (p.
39) O autor diz que a tradução acende a “eterna flama da sobrevivência da obra original”
para o “fogo infinito do renascer das línguas”. (p. 40) Em outro ponto do ensaio, volta a
destacar que a tradução, muito mais do que transmitir o conteúdo do original, faz com que
ele renasça de novo, em diferentes aspectos.
3
É interessante observar como Jacques Derrida aponta a diversidade de significados da palavra “tarefa”, que
intitula o ensaio de Benjamin. Esses significados podem trazer outras dimensões de compreensão do texto;
são eles: “dever, dívida, taxa, contribuição, imposto, despesa de herança e sucessão, nobre obrigação”. (2002,
pp. 62-63) Todos colocam o tradutor numa condição de dependência e débito, como se o autor do original
também não fosse endividado, taxado, obrigado por outros textos de onde extraiu sua criação. Em outro
trecho, Derrida volta a salientar que “o tradutor é endividado, ele se apresenta como tradutor na situação da
dívida; e sua tarefa é de devolver o que devia ter sido dado.” (Ibid., p. 27) A visão desconstrutivista do autor
sobre a suposta dívida do tradutor propõe entender a questão de forma mais ampla: “o tradutor seria assim um
receptor endividado, submetido ao dom e ao dado de um original? De forma alguma. Por diversas razões,
entre as quais a que se segue: o elo ou a obrigação da dívida não passa entre um doador e um donatário, mas
entre dois textos (duas ‘produções’ ou duas ‘criações’).” (Ibid., pp. 62-63)
17
A leitura de Jacques Derrida para este antológico ensaio de Benjamin sobre o
qual ora nos debruçamos é o tema central do livro Torres de Babel. Nele, o autor francês
analisa o mito bíblico da torre de Babel à luz de A Tarefa do Tradutor. Parte da constatação
de que Babel, antes de tudo, se trata de um nome próprio, um nome que não sabemos
exatamente o que significa, senão através da figuração, da metáfora. O mito de Babel e das
inadequações entre as línguas não forma uma figura em meio a outras, ela é “o mito da
origem em si próprio”, a “metáfora da metáfora”, a “tradução da tradução”. (Derrida, 2002,
p.11) O nome próprio Babel deveria permanecer intraduzível, denominando o inominável,
ou seja, Deus, que é a origem da linguagem.
4
Mas em função de uma “confusão
associativa” gerada num ambiente onde se falava uma língua única, passou-se a definir
também Babel como uma palavra que significa “confusão”. (p.12) O poder de nomear
pertencia exclusivamente a Deus, o criador da língua única, mas diante do sacrilégio
humano de tentar tocar os céus com a torre, a penitência imposta pela cólera divina foi
exatamente anular o dom das línguas, desunindo-as e dando margem, indiretamente, à
tradução.
Segundo Derrida, antes do episódio de Babel a grande família semítica acabara
de fundar seu império, e pretendia universalizá-lo, juntamente com sua língua. Esta
pretensão levou à punição divina, “por terem querido assim se assegurar, por si mesmos,
uma genealogia única e universal”. (Ibid., p. 17) Diante desta constatação, o autor questiona
se não se pode falar de um ciúme de Deus, um ressentimento “contra esse nome e esse lábio
únicos dos homens”, que o levou a impor seu nome de Pai. (p.18) Essa violenta imposição
gerou a desconstrução da torre e da língua universal, trazendo confusão e a conseqüente
dispersão da genealogia. Com esse gesto, Deus impôs e interdisse ao mesmo tempo a
necessidade da tarefa impossível da tradução. A maldição contra o “imperialismo
lingüístico” dos semitas destinou os homens ao fardo da tradução, com sua impossibilidade.
Se, por um lado, Deus livrou o restante do mundo de ser submetido ao império de uma
nação particular, limitou a própria universalidade com a univocidade impossível das
línguas.
4
Apoiado em Voltaire, Derrida constata que Ba significa pai em línguas orientais, e Bel significa Deus. Desse
modo, podemos perceber quase uma redundância, ou reiteração do nome em torno da figura divina. (Op. Cit.,
p.13)
18
Derrida vê como problemática a tradução de A tarefa do tradutor, se não for
vista sob a ótica de uma obra que funciona ela mesma como “a assinatura de uma espécie
de nome próprio destinada a assegurar sua sobrevida como obra”. (Ibid., p. 35) A leitura de
Derrida para o ensaio de Benjamin considera que o autor alemão vê na tradução a criação
de um contrato especial: “no seu sentido quase transcendental, seria o contrato ele mesmo,
o contrato absoluto, a forma-contrato do contrato, o que permite a um contrato ser o que ele
é.” (p. 43) Esse contrato expõe as relações mais íntimas existentes entre as línguas, todas as
suas afinidades, no sentido de representarem algo possível dentro da essência da
“Linguagem pura”, segundo Derrida:
A tradução é transposição poética (Umdichtung). O que ela libera, a
“linguagem pura”, nós teremos que interrogar a essência disso. Mas
notemos por enquanto que essa liberação supõe ela mesma uma liberdade
do tradutor, que ela mesma não é mais do que uma relação com essa
“linguagem pura”; e a libertação que ela opera, eventualmente
transgredindo os limites da língua traduzante, por sua vez transformando-
a, deve estender, ampliar, fazer crescer a linguagem.” (Op. Cit. p. 47)
Em seguida, Derrida resgata no ensaio original o ponto que compara o contrato
da tradução ao contrato de casamento. A tradução esposa o original como dois fragmentos
que se juntam, e essa junção, no seio da “Língua” maior, verdadeira e absoluta, gera um
crescimento, um aumento e uma sobrevida para as obras e as próprias línguas, que se
alteram a partir desse contato. “É o que chamei o contrato de tradução: himineu ou contrato
de casamento com promessa de inventar um filho cuja semente dará lugar à história e ao
crescimento.” E completa: “Benjamin o diz, na tradução o original cresce”. (Ibid., p. 50) É
como se cada língua estivesse “atrofiada na sua solidão, magra, parada no seu crescimento,
enferma”, e graças à tradução, e mais especificamente à “suplementaridade linguística pela
qual uma língua dá a outra o que lhe falta” através da tradução, que está seguro o “santo
crescimento das línguas”, até o fim messiânico da história. (p. 67)
O contato dos “corpos” dos noivos no contrato da tradução, entretanto, é apenas
fugidio, ou “fugitivo”, conforme a tradução da obra de Benjamin. Os dois se tocam
levemente em um ponto infinitamente pequeno do sentido, onde as línguas afloram. Derrida
19
(Ibid., p. 48) analisa esse contato e questiona sobre o que pode ser o ponto infinitamente
pequeno do sentido ao qual Benjamin se refere, e em que medida é possível avaliá-lo:
Acompanhemos esse movimento de amor, o gesto desse amante (liebend)
que trabalha na tradução. Ele não reproduz, não restitui, não representa;
no essencial ele não devolve o sentido do original, a não ser nesse ponto
de contato ou de carícia, o infinitamente pequeno do sentido. Ele estende
o corpo das línguas, ele coloca a língua em expansão simbólica; e
simbólica aqui quer dizer que, quão pouco de restituição haja a cumprir,
o maior, o novo conjunto mais vasto deve ainda reconstituir alguma
coisa. Não é talvez um todo, mas é um conjunto cuja abertura não deve
contradizer a unidade. (...) Se o crescimento da linguagem deve também
reconstituir sem representar, se aí está o símbolo, pode a tradução aspirar
à verdade? Verdade, será esse ainda o nome do que faz a lei para uma
tradução? (Op. Cit., p.50)
Esse ponto infinitamente pequeno constitui-se, ainda na leitura de Derrida (Ibid.,
p. 57), o “limite da tradução”. Nele o “intraduzível puro” e o “traduzível puro” se
encontram, e se concretiza a “verdade”. Derrida observa que a palavra “verdade” aparece
diversas vezes no ensaio de Benjamin, e esclarece que não se trata da verdade como
fidelidade em relação ao original, o que seria muito óbvio, tampouco de uma adequação da
língua ao sentido ou à realidade. A verdade, no contexto de Benjamin, constitui-se em si
própria, mais um enigma do ensaio. O filósofo francês diz que “a verdade seria de
preferência a linguagem pura na qual o sentido e a letra não se dissociam mais.” A
tradução, ainda segundo Derrida, traz consigo uma promessa de reconciliação das línguas,
uma promessa simbólica se cumpre cada vez que duas línguas se casam como parte de um
todo maior, uma “Língua suprema”, ou o “ser-língua da língua” que é verdadeira à medida
que se refere a si mesma, e nela cada língua natural tenta construir seus significados.
Obra recente com referências marcantes ao ensaio A tarefa do tradutor, o livro
Walter Benjamin: Tradução e Melancolia, de Suzana Lages, trabalha com a noção de que a
impossibilidade da tradução é o grande fantasma que assombra a história e a teoria da
tradução. Esta coloca o tradutor em um permanente estado melancólico, a partir da triste
consciência de sua incapacidade de resgatar algo do original que ficou para trás com a
tradução. A constatação da não-coincidência entre as línguas acarreta o reconhecimento da
impossibilidade de se traduzir de uma língua para a outra sem que ocorram perdas. Dessa
20
sensação de perda, por sua vez, decorre uma sensação de impotência, e conseqüentemente,
a melancolia.
A autora descreve que, para a psicanálise contemporânea, o termo melancolia
significa um estado psíquico tendencialmente patológico, onde o sujeito alterna momentos
de profunda tristeza, com enorme empobrecimento e desvalorização do ego, e momentos de
muito entusiasmo, nos quais o ego recompõe sua imagem, apresentando um excesso de
autoconfiança (fase maníaca). Lages aproxima a melancolia da tradução, afirmando que a
história da tradução e dos tradutores que chegou até nós através dos estudos de tradução
pode ser descrita como uma história de rebaixamento e desvalorização do ego de quem
traduz. Por outro lado, existe uma exigência exagerada de que o tradutor tenha
“capacidades sobre-humanas”, no que diz respeito a conhecimentos culturais e lingüísticos.
Os dois pólos extremos representam bem a característica melancólica.
Segundo Lages (Op. Cit., p. 30), a impossibilidade de traduzir tem sido
interpretada pelos estudos de tradução, na maioria das vezes, como um fator negativo,
como um “entrave à reflexão”, algo que empobrece o tema e desprestigia o tradutor. Trata-
se, para a autora, de um preconceito que ofusca o que poderia ser “um ponto a partir do
qual questionar a natureza da linguagem e do pensamento humano.” O que pode ter sido
interpretado pejorativamente pelas teorias é, na concepção de Lages, um sentimento que
habita todo o tradutor. A consciência de sua existência não reduz a condição do tradutor
que com ele convive. Seu recalque é um objeto perdido, mas sua práxis não deixa de fazer
sentido sem alcançá-lo. Entretanto, a idealização da tradução idêntica ao original é uma
marca que persiste no cenário ambíguo de seu inconsciente.
A figura do tradutor melancólico demonstra a incorporação do recalque, a partir
da constatação de sua impotência diante do objeto inalcançável. Como salienta a autora, a
tradução é uma atividade de renúncia, onde o tradutor abdica de traduzir “tudo o que se
encontra potencialmente no original”, e se habitua a conviver com uma incompletude que é
própria da condição da linguagem e do traduzir. Ela considera inerente ao tradutor saber
conviver com a diversidade na estruturação de significados das diferentes línguas, “pela
qual certos conteúdos de uma língua correspondem apenas parcialmente aos conteúdos de
outra língua.” (Ibid., p. 66)
21
Analisando estudos contemporâneos sobre tradução sob a perspectiva
melancólica, Lages constata que a recorrente contabilização de perdas e ganhos usada para
analisar processos de tradução também reforça nitidamente a tese da melancolia. Nela,
normalmente, as perdas são consideradas “irrecuperáveis” e os ganhos, apenas
“compensações limitadas”, o que reflete mais uma vez uma inclinação pejorativa, uma
preferência pelo negativo, típico da melancolia. Em outro extremo, alguns estudos mostram
um movimento de reação à angústia melancólica, que tenta sair do círculo vicioso da
contabilidade de perdas e ganhos até chegar à concepção da atividade do tradutor como
uma “atividade autônoma”. Essa atitude representaria o lado “maníaco” da tradução, a parte
violenta e entusiasmada que busca romper triunfalmente com o original, usando a criação e
buscando sua própria originalidade. A autora salienta que essa “mania” não deve ser
interpretada negativamente, pois faz parte da melancolia como um todo, é a sua face alegre,
vital e extrovertida. (Ibid., pp. 72-73)
Observando A Tarefa do Tradutor sob os aspectos da melancolia, e
comparando-a a Torres de Babel, de Derrida, Lages realiza uma distinção substanciada nas
características históricas que cercam a visão moderna e pós-moderna. A segunda teria
conseguido superar a perda que a primeira não soube renunciar:
O ensaio benjaminiano sobre a tradução constitui, assim, uma referência
fundamental para um tipo de reflexão que parte da aceitação da perda,
secularmente pranteada, de uma origem estável e da impossibilidade de
se entender a tradução em termos de uma recuperação racional de
significados. Segundo Rosemary Arrojo, essa aceitação da
impossibilidade de se resgatar uma suposta origem perdida constitui a
própria condição de possibilidade de um pensamento “pós-moderno”,
enquanto a melancolia derivada de uma perda não adequadamente
elaborada, isto é, a perda de um objeto a que não se consegue renunciar,
caracteriza o “moderno”. Nesse sentido, sendo a tradução uma questão
central para autores reconhecidamente “pós-modernos”, como Derrida,
ela deveria se constituir também como uma forma de assimilação e
superação do moderno naquilo que tem de mais melancólico: a perda.
Toda renúncia (em alemão, a palavra Aufgabe pode significar tarefa e
renúncia (...) implica a perda de algo, perda que se pode reconhecer, mas
que permanece irrecuperável. (Op. Cit., p. 169)
22
A posição “pós-moderna” em relação ao ofício do tradutor renuncia, portanto, a
busca pela identidade com o original, conformando-se com a perda da suposta originalidade
na tradução. Isso se tornou pressuposto para constituir um novo ponto de partida para a
tarefa da tradução, no qual o tradutor irá tirar de seus ombros o peso da dívida eterna, da
maldição ancestral de Babel. Teremos assim, um tradutor menos oprimido, sobre o qual não
repousam expectativas sobre-humanas que poderiam vir lhe atormentar. Fica para trás a
melancolia moderna e a angústia do inalcançável, e instaura-se o lado eufórico da
bipolaridade melancólica, que questiona e viola a originalidade.
Se é impossível transpor a barreira das línguas, a atitude maníaca (pós-moderna)
tenta maneiras criativas de contorná-la. O conformismo moderno cede lugar a uma postura
ativa do tradutor, outro modo de se postar ante as dificuldades de sua tarefa, onde ele
partirá em busca de sua autonomia, sua própria originalidade e estilo.
5
1.2. Aquilo que se traduz
Continuaremos compondo o panorama acerca da tradução acrescentando-lhe
outras referências oriundas, sobretudo, do debate culturalista. Essas referências foram
selecionadas principalmente da obra de Susan Bassnett e André Lefevere, dois dos
principais autores culturalistas que abordam a tradução. A eles serão acrescidos outros,
cujas perspectivas coincidem ou contribuem com sua visão. Pretendemos mostrar que, num
processo de tradução, traduz-se junto com o texto fatores como ideologia, cultura, poder,
tempo, entre outros.
No livro Poética da Tradução, Mário Laranjeira apresenta a definição
etimológica de “traduzir”, e coloca alguns questionamentos a ela vinculados que despertam
reflexões sobre o trânsito de conteúdos que ela promove. Segundo o autor, a palavra
original latina “transducere” (trans + ducere) significa “levar através de”. A primeira série
5
A “violenta” perspectiva pós-moderna sobre o ensaio de Benjamin está muito presente na leitura de Haroldo
de Campos, que vê a tradução como “libertação”, “redenção” e “possibilidade aberta de recriação”, ao invés
de concentrar sua abordagem nas perdas e no endividamento. (1987, pp. 71-72)
23
de perguntas por ele colocadas diante dessa definição é: “O que se leva? Informação?
Emoção? Imagem? (...) De onde? Para onde? Mediante o quê?” Segundo o autor, “as
respostas a estas últimas perguntas expandem o lugar da tradução, levam-no para além do
lingüístico, situam-no em qualquer área da comunicação cultural em geral”. (1993, p. 15)
O fenômeno da tradução transcende a busca pela equivalência de um mesmo
texto em duas línguas diferentes. Para Roman Jakobson, a tradução é uma atividade
onipresente na formação de sentido através de signos. Observa o autor: “o significado de
um signo lingüístico não é mais que sua tradução por um outro signo que lhe pode ser
substituído, especialmente um signo no qual ele se ache desenvolvido de modo mais
completo”. (1971, p. 64) Tomando por base estudos de Charles Peirce, Jakobson afirma que
qualquer decodificação feita pela mente diante de signos que se apresentem é um ato de
tradução. O lingüista conclui que “nenhum espécime lingüístico pode ser interpretado pela
ciência da linguagem sem uma tradução dos seus signos em outros signos pertencentes ao
mesmo ou a outro sistema”. (p. 66) Ultrapassando o enfoque estritamente lingüístico, o
autor ressalta fatores da tradução que transcendem a linguagem na expressão
(metalingüísticos), e são permeados por outras manifestações culturais que a ela são
acrescidas, sempre através de processos de tradução. Para ele:
Em sua função cognitiva, a linguagem depende muito pouco do sistema
gramatical, porque a definição de nossa experiência está numa relação
complementar com as operações metalingüísticas – o nível cognitivo da
linguagem não só admite, mas exige a interpretação por meio de outros
códigos, a recodificação, isto é, a tradução. (Op. Cit., p. 70)
Todo ato de comunicação, ou seja, de transmissão de conteúdos, não é senão a
tradução de uma mensagem em novas interpretações. Mas cada interpretação apresenta
desvios e perdas em relação à mensagem anterior. Essas perdas inevitáveis não
necessariamente comprometem a transmissão do conteúdo anterior em termos factuais,
embora possam gerar nuances interpretativas. São características inerentes à tradução,
independente da forma que ela ocorra. Quanto à tradução literária e poética, iremos
perceber que a questão dos desvios em relação à obra original, e a impossibilidade de
reconstruí-la em outro sistema, são as preocupações centrais de seus estudos.
24
A maioria dos estudos teóricos sobre tradução literária e poética realizados nos
últimos anos busca visivelmente ultrapassar os questionamentos que vinham
tradicionalmente sendo propostos sobre o tema, passando a valorizar mais o tradutor e seu
trabalho, numa perspectiva denominada “ideológica” ou “culturalista”. Para essa
perspectiva, o percurso de transferência promovido pela tradução se dá permeado por
complexidades, frutos da tensão que se instaura a partir do momento em que o tradutor
estabelece com o autor da obra original uma relação de disputa. Conforme Susan Bassnett
(1998, p. 25), os debates recentes sobre tradução têm focado cada vez mais a exploração
das relações entre o que é chamado convencionalmente de “tradução” e “original”. Esses
debates são inevitavelmente ligados a questões que envolvem autoridade e poder, sobretudo
no que diz respeito à atuação do tradutor como representante de uma cultura diferente
daquela em que o original foi produzido.
O escritor Victor Hugo já observara que, quando se oferece uma tradução para
uma determinada cultura, essa cultura irá olhar para a tradução quase sempre como um ato
de violência contra si própria. Traduzir um escritor estrangeiro é acrescentar novidades a
uma língua, mas esse “alargamento do horizonte” da língua não agrada quem habitualmente
dele se aproveita, ao menos não no começo. Por isso, para Hugo, a primeira reação é de
repulsa contra o idioma estrangeiro, e a cultura faz tudo o que pode para rejeitá-lo. Seu
“gosto” é repugnante para ela. Suas “locuções não usuais”, suas “viradas de frase
inesperadas”, sua “corrupção selvagem” dos hábitos da língua, parecem simular uma
invasão. Segundo o autor, essa reação é muito compreensível, pois quem gostaria de pensar
em infundir uma substância de outro povo em seu próprio sangue? (Apud Lefevere, 1992a,
p. 18.)
Em consonância com a opinião de Victor Hugo, mas adequando-a a um tom
mais compatível com a contemporaneidade, André Lefevere (1992a, p. 14) afirma que toda
a tradução pode ser potencialmente ameaçadora, uma vez que confronta a “cultura de
chegada” com outra, que possui seu modo de ver a vida e a sociedade. Portanto, os valores
25
presentes naquilo que é traduzido podem ser eventualmente interpretados como
potencialmente subversivos, e precisam ser mantidos afastados.
6
De todo modo, o estudo e a compreensão dos fatores culturais presentes no texto
de partida, ou “original”, como sua época e seu contexto, são determinantes para a
tradução. Como diz Lefevere, referindo-se à tradução literária, os textos não são escritos no
vácuo: assim como a linguagem, a literatura preexiste a seus praticantes. Os escritores
nascem numa certa cultura e numa certa época e herdam a linguagem dessa cultura, suas
traduções literárias e poéticas, suas características materiais e conceituais, enfim, seu
“universo de discurso”. O tradutor precisa captar esse universo e saber como lidar com ele
no momento da tradução, para que a mesma não transforme o original em algo solto no
tempo e no espaço. Lefevere faz questão, entretanto, de chamar a atenção para o fato de que
os escritores não são meros receptores da cultura na qual escrevem, mas ao contrário,
podem escrever sem os parâmetros ditados por ela, ou ainda tentar driblá-los ou ir além
deles, uma vez que nem a poética ou a ideologia de uma cultura são monolíticas. Cabe ao
tradutor perceber quando isso ocorre. (1992b, p. 86)
O autor lembra que, nos casos em que o texto original choca-se com a ideologia
da cultura na qual sua tradução será inserida, os tradutores precisam adaptar o texto, o que
normalmente acarreta sérias transformações, quando não são deixados de fora certos
trechos. Cita também os casos em que algumas características do universo de discurso
presentes no texto de partida são incompreensíveis na cultura de chegada, seja por não
existirem similares, ou por adquirirem nessa significados diferentes do original. Em ambos
os casos, o tradutor precisa substituir as características por outras análogas da cultura-alvo,
ou tentar explicar ao leitor o universo do autor da melhor maneira possível, seja no prefácio
da tradução, em notas de rodapé, etc. (1992b, p. 87) Para Lefevere, os tradutores têm que
tomar decisões cada vez mais importantes nos níveis de ideologia, da poética e do universo
do discurso, para conseguir transpor a cultura e a época do texto-fonte. Essas decisões, por
6
Lauro Amorim observa que, para a tradição que pressupõe a possibilidade de traduções marcadas pela
neutralidade, as traduções nem sempre acarretam alguma forma de violência. Nessa tradição, o autor é menos
“visível”, tentando produzir traduções que dão ao leitor a impressão de estar lendo o próprio original. Mas
logicamente, a suposta “invisibilidade” do tradutor que fundamenta essa tradição é algo absolutamente
questionável. (2005, p. 35)
26
sua vez, estarão sempre abertas à crítica dos leitores, que subscrevem uma ideologia
diferente e nem sempre estão satisfeitos com as estratégias que os tradutores escolheram
para tornar os elementos do universo do discurso “inteligíveis ou mais fáceis de intuir”.
(p.88) É indispensável, de todo modo, entender a posição do original na literatura da qual
ele provém e em sua cultura, pois sem esse conhecimento torna-se impossível a construção
das analogias necessárias para o processo de tradução.
7
Alguns aspectos abordados nas reflexões de Friedrich Nietzsche sobre tradução
também cabem ser apresentados. O autor considera que o mais difícil na tradução de uma
linguagem para outra é traduzir o “tempo” de cada estilo, aquilo que está fundado “no
caráter da raça”, ou falando de maneira fisiológica, em seu “metabolismo”. Fala de
traduções bem resolvidas em termos de significado, mas que são “generalizações
involuntárias” do original, que às vezes podem ser consideradas “falsificações”. Isso
ocorre, ainda segundo Nietzsche, porque essas traduções falham ao traduzir o “tempo” do
original, sem o qual todas as palavras e coisas dele se tornam perigosas. (2001, p. 183)
Captar as características do universo da cultura onde o texto original foi
produzido, ou seu universo de discurso, nos parece ser um passo indispensável para uma
tradução, por permitir evitar possíveis distorções não propositais em relação à obra de
partida. É fundamental também conhecer o autor e saber como ele se inseriu ou se insere no
universo da cultura em que vive. O autor traz para sua obra a tradução de seu diálogo com a
cultura que convive, o tradutor deve entender isso e saber trabalhar essa abordagem em
cada caso. Ao perceber os traços da cultura como parte daquilo que se traduz, abre-se um
domínio mais amplo de percepção da obra pelo tradutor. Ao ler o universo que cerca o
discurso e o amarra ao seu tempo, o tradutor prepara a obra para a tradução. É importante
observar que cada tradutor irá ler esse universo a partir da ótica do seu próprio tempo.
Teremos então, obras originais ressurgindo de diversas maneiras, a partir das culturas de
7
Susan Bassnett (2003, p. 140) apresenta uma situação peculiarmente curiosa ao se referir a casos de tradução
de textos pertencentes a um período muito remoto no tempo, quando não só os autores e seus contemporâneos
já morreram, mas o significado e o contexto da obra também estão mortos. É o que acontece com a écloga,
por exemplo, um gênero extinto onde é impossível a fidelidade à forma da estrutura original, se a língua de
chegada não for colocada em destaque.
27
chegada em que ocorrem, ou em outros termos, a língua, cultura e época para a qual são
traduzidas.
Lauro Amorim observa que as traduções são fatos culturais influenciados
consideravelmente pelas normas vigentes na cultura de chegada. As omissões, acréscimos e
atualizações, entre outros, são “opções tradutórias que teriam uma relação muito próxima
com as normas ou tendências que influenciam a realização de uma tradução em uma
determinada época, em uma certa cultura.” (2005, p. 63) Ao recriar as características do
tempo da obra original na sua própria cultura, o tradutor reacende as disputas de poder entre
as normas e valores da sua cultura e os da obra original, promovendo um conflito
ideológico. Temos de lembrar que essa disputa pode ser violenta, e deixar marcas na língua
e na cultura de chegada. Essas marcas fazem com que a língua não seja mais a mesma
depois da tradução, o que coincide com a idéia presente em A Tarefa do Tradutor, de
Walter Benjamin, na qual a tradução altera, modifica a língua de chegada, transformando-a
e concedendo-lhe vida nova.
1.3. A autonomia do tradutor
Mário Laranjeira descreve o percurso de uma tradução como uma “expedição às
profundezas do texto alheio”, onde o tradutor rouba “a centelha viva do fogo sagrado”, que
é a “significância” do original, e com ela acende o seu próprio facho, passando a ter um
fogo “que é e não é o mesmo, como o poema traduzido é e não é o poema original”. (1993,
pp. 124-125) O autor exemplifica a situação com o trecho de uma carta de Mário de
Andrade para Hilke Kowsmann, que traduzira poemas seus para o alemão: “São pois
poesias já agora tanto minhas como suas, pois as suas traduções que vivem por si têm valor
próprio”, e completa alegando que uma tradução só adquire vida própria quando é fruto de
um trabalho de produção do sujeito, e não “uma simples translação de estruturas semântico-
sintáticas”. (p. 125) A tradução, portanto, carrega em si os traços autorais do tradutor, assim
como o original leva as marcas de seu autor. Essa visão desloca o foco central da produção
28
do “primeiro” autor, e desfaz a hierarquia entre ele e seu tradutor, que é também um autor
participante, responsável pela construção de traços originais e próprios.
Entre aceitar que o tradutor interfira no original como um novo autor, ou exigir
que ele se esconda atrás do mesmo, existe um espaço de conflitos que merece ser analisado.
Como questiona Francis Aubert, em As (In) Fidelidades da Tradução: “é cabível exigir do
tradutor o seu próprio apagamento? Em que medida é aceitável o desvio do texto traduzido
em relação ao original?” A diversidade cultural que o texto de partida e seu tradutor
compõem deve ser apresentada no resultado do processo de tradução, pois não há motivos
para encobri-la, como salienta, no trecho que segue, o mesmo autor: “admita a diversidade
lingüística e cultural, sem as quais estaria prejudicada a própria razão de ser da tradução,
até que ponto a diversidade constitui, efetivamente, um conjunto de ‘servidões’
impositivas?” (Op. Cit., p. 8)
Aubert explica a produção de linguagem na tradução como um processo que
envolve três tipos de mensagens: a mensagem pretendida, a mensagem virtual e a
mensagem efetiva. A mensagem pretendida seria o que o emissor “quis dizer”, ou seja, a
sua intenção comunicativa; a mensagem virtual são as possíveis leituras dela realizáveis, e
a mensagem efetiva é aquela que se realiza na percepção do destinatário. (Ibid., p. 73) O
autor considera evidente que não se possa exigir fidelidade àquilo que é por definição
inacessível, no caso, a mensagem pretendida do emissor original. Mesmo a mensagem
virtual, só é acessível parcialmente, durante o processo de decodificação. A “matriz
primária da fidelidade” será, portanto, a mensagem efetiva apreendida pelo tradutor como
“um entre vários receptores do texto original”, a sua experiência individual é única, “não-
reproduzível por inteiro nem mesmo pelo próprio receptor-tradutor, em outro momento ou
sob outras condições de recepção.” (p.75)
Para Aubert (Ibid., p. 76), a busca pela fidelidade cria no tradutor um ponto de
equilíbrio entre a procura da identidade e a tendência à alteridade, sendo esse ponto
mutável, que oscila a partir de três fatores sempre presentes na tradução: os vinculados aos
participantes do ato tradutório (competência, intencionalidade, relação diacrônica com o
texto original e com os destinatários, e outros tantos); os fatores relacionados com o
complexo código/referente (semelhanças e dessemelhanças entre a língua/cultura de partida
29
e a língua/cultura de chegada), e os fatores que derivam das funções do texto (referencial,
apelativa, estética, metalingüística etc.). O autor afirma que o tradutor não é um “médium
passivo” através do qual o autor se manifesta, e lembra a importância do seu papel ao tomar
decisões no nível comunicativo, lingüístico e técnico. Conclui assim que o tradutor é um
“agente, elemento ativo, produtor de texto, de discurso”, e que qualquer tentativa de
apagamento de sua presença será em vão. Além de um objetivo inalcançável, tal atitude
seria ela própria uma opção pessoal do tradutor e, portanto, o texto portaria, no mínimo, as
marcas dessa opção pessoal. (p. 81)
Para André Lefevere, uma tradução não é como a mera cópia de uma pintura,
onde quem faz segue as linhas, proporções, formas e atitudes do original que imita. Uma
tradução é inteiramente diferente, e um bom tradutor não trabalha sob esse tipo de
restrições. Ele assemelha-se mais a um escultor que tenta recriar a obra de um pintor, ou
vice-versa. É preciso “intoxicar-se” com as “exalações” emergentes dessa “fonte fértil” que
é o texto original, e permitir-se ser levado pelo “entusiasmo” que a mesma causa. Em
seguida, tornar esse entusiasmo o seu próprio e, fazendo isso, produzir imagens e
expressões que são similares, embora completamente diferentes do original. Segundo o
autor, a diferença entre as boas e as más traduções, é que as últimas processam os textos
sem seu espírito, numa imitação servil, enquanto as primeiras mantêm o espírito do texto e
o imitam livremente, transformando o que é familiar em algo novo. (1992a, p.13)
Lefevere chama atenção para o fato de que a primeira análise crítica de uma
tradução normalmente é fundada em aspectos negativos. Por exemplo, quando uma
tradução é analisada, os críticos tendem a considerar qualquer desvio feito pelo tradutor um
erro, um equívoco de tradução. Deveriam antes, segundo o autor, captar os padrões que o
tradutor está empregando no trabalho em questão, para perceber se esses “erros” aparentes
não são “estratégias” desenvolvidas pelo tradutor para “jogar” com o texto como um todo.
(1992b, p. 109)
Quanto ao leitor de um texto traduzido, segundo John Frere, ele vive sempre um
impasse ao lembrar que, por melhor que seja a tradução, estará no máximo diante de uma
“tradução admirável”, e nunca concederia a si próprio perder-se nos pensamentos e
imagens do texto, e esquecer por um momento que foram convertidos de outra língua para
30
ele. O domínio específico do tradutor encontra-se em uma vasta massa de sentimentos,
paixão, interesse, ações e hábitos comuns aos homens em todos os países e épocas,
revestida com as formas apropriadas de expressão capazes de representá-la em sua
variedade infinita, em todas as distinções permanentes de época e outras variantes. Para
Frere, os tradutores se dividem entre os “espirituosos” e os “fiéis”. Os primeiros são
freqüentemente confundidos como petulantes, e se distinguem dos segundos por terem
espírito e habilidade para substituir uma antiga variedade e peculiaridade por uma moderna,
confundindo as unidades de tempo, espaço e caráter, deixando a mente do leitor confusa
com modernos e antigos costumes. (Apud Lefevere 1992a, pp. 40-41)
De acordo com Lefevere, toda tradução tanto pode efetivar a adequação de um
texto original a uma poética vigente, como pode opor-se a ela, inserindo-lhe elementos
alheios. (Apud Amorim, 2005, p. 30) Sendo assim, a tradução participa tanto de forças que
tendem a conservar a organização das coisas, quanto de impulsos em direção a mudanças.
Mas as mudanças que podem ser consideradas “transgressoras” segundo uma determinada
perspectiva, também podem ser consideradas uma forma de leitura aceitável em outra,
atendendo às expectativas de certa noção de fidelidade. Por sua vez, a transgressão pode ser
considerada alinhada a textos e práticas que estão fora do domínio considerado aceitável
por muitos discursos. Nesse sentido, transgredir pode significar o cruzamento de limites
que “não são simplesmente universais ou objetivos, mas articulados de acordo com uma
comunidade interpretativa ou com certos domínios discursivos.” (pp. 38-39) No trecho
seguinte, Amorim apresenta de forma clara sua visão sobre essa questão:
Embora as reflexões da pós-modernidade tenham nos levado a uma
reflexão mais atenta acerca da transgressão inevitável envolvida em toda
tradução, haverá sempre atuações ou opções interpretativas que podem
ser consideradas transgressivas. Opções que “cruzariam os limites” do
que seria aceitável no interior de determinado discurso, podendo se
excluídas do campo de realização daquilo que esse discurso concebe e
legitima como forma de tradução. (2005, p. 40)
As obras que pesquisamos acerca do assunto nos permitem concluir que a
tradução, como objeto de estudo, não apresenta limites definitivos ou fixos, e deve ser
abordada por uma perspectiva sensível à sua complexidade, e que possibilite ampliar seu
31
próprio conceito. De modo geral, podemos falar de duas visões predominantes sobre a
atividade da tradução. Uma delas a vê como uma cópia inferior de um original prioritário,
que seria a “verdadeira” obra. Já a outra, aquela de Jacques Derrida, Haroldo de Campos e
Walter Benjamin, celebra a tradução como a “pós-vida” do texto-fonte, sua sobrevivência e
reencarnação. Nela, conforme vimos, a tradução torna-se um original, uma experiência
nova e única para os leitores.
A crença no valor de fidelidade da tradução, por sua vez, é uma herança
religiosa, mais precisamente vinculada à tradução dos textos bíblicos, onde o zelo com a
originalidade aspirava ser absoluto. Como explica Octavio Paz, “no passado predominava a
fé na tradução. Era uma crença com fundamento religioso: se havia um só Deus – ou uma
só verdade, a tradução era possível, porque todos os significados se fundiam na significação
divina.” (1991, p. 21) Os críticos alemães do final do século XVIII foram os primeiros a dar
ênfase aos aspectos de “originalidade” em obras literárias. Essa originalidade foi avaliada,
sobretudo, desde que a literatura começou a ser vista como um tipo de “escritura secular”, a
exemplo do que acontecia com a Bíblia.
8
Segundo Lefevere (1992b, p. 135), se a literatura
supostamente substitui a religião como forma de força espiritual, obras literárias capazes de
representar tal papel não poderiam ser escritas por qualquer um que conhece as regras da
escrita, mas somente por homens que têm o “gênio” suficiente para tanto, e que eram, por
definição única, capazes de produzir algo “original”, no sentido mais completo da palavra.
Representando um viés contrário, o da infidelidade, as traduções de textos
gregos para o latim na antigüidade constituem um exemplo de mudanças e alterações do
conteúdo de obras originais. Segundo Hugo Friedrich, os romanos desenvolveram um
conceito diferenciado no que diz respeito à teoria e prática da tradução, que também pode
ser visto como uma disputa de poder com o texto original. O objetivo era superar o original
e, fazendo isso, considerar o original uma “fonte de inspiração” para a criação de novas
expressões na sua própria língua. (Apud Biguenet & Schulte, 1992, p. 13)
8
Um curioso exemplo é citado por Octavio Paz (1991, p. 25), que se refere aos problemas da tradução de
trechos da Bíblia em espanhol para o náhuatl, língua dos nativos mexicanos. A crença politeísta dos indígenas
os impedia de compreender as escrituras como uma história só, uma única versão, e seu pluralismo passou a
ser considerado pelos colonizadores como uma “intervenção de Satanás nos assuntos deste mundo”.
32
O filósofo e tradutor romano Cícero afirmou que, ao tomar trechos escritos
pelos principais oradores gregos e traduzi-los livremente, dando forma latina aos textos
lidos, pôde não apenas fazer uso de expressões mais comuns na sua língua, mas também
cunhar novas expressões, análogas às usadas pelos gregos, que foram bem recebidas pelos
romanos, por parecerem apropriadas. (Apud Lefevere, 1992a, p.4)
Para Friedrich Nietzsche, os romanos apoderaram-se do material belo e sublime
dos gregos de forma violenta, mas ingênua, traduzindo esse material ao modo de sua
própria época, e removendo-o de seu momento único. (2001, p. 181) Os tradutores, que
também eram poetas, não reconheciam as imagens e os nomes dos costumes gregos da
época, tampouco os lugares onde se passavam os fatos das narrativas, e automaticamente
substituíram-nos por referências romanas. O autor salienta ainda que esses poetas-
tradutores não souberam aproveitar a “disposição histórica”, e que qualquer coisa passada e
diferente era “irritante” para eles. Consideravam-nas nada mais do que estímulos para
novas conquistas romanas. Nessa época traduzir significava conquistar, não no sentido de
omitir a dimensão histórica, mas de adicionar contemporaneidade ao material traduzido e
apagar o poeta que criou o original, colocando o nome do tradutor em seu lugar. Tudo isso
era feito com a melhor consciência por um cidadão do império romano, sem considerar essa
ação um roubo. (p.182) Essa imposição da cultura do tradutor sobre o original é
caracterizada pela violência à origem, com a finalidade de submetê-la ao poder de uma
nova cultura. A noção de conquista necessária à permanência do império romano
transferiu-se para a atividade tradutora. Nela, a cultura de chegada acaba pagando o preço
de apagar parcialmente a memória da cultura de origem, tornando nebulosa sua lembrança.
Uma tradução de Homero realizada por Antoine de La Motte no século XVI
representa bem a manipulação do conteúdo de uma obra original. O tradutor reduziu os 24
livros da Ilíada para 12, sendo cada um deles mais curto do que os de Homero. La Motte
constatou que as repetições ocupam mais de um sexto da Ilíada, enquanto os detalhes
anatômicos de ferimentos e os longos discursos dos lutadores ocupam uma parte ainda
maior. Diante disso, optou por elaborar uma versão abreviada, onde as partes essenciais dos
acontecimentos são mantidas, sem perder nenhum detalhe importante do conjunto da obra.
Para Lefevere (1992b, p. 26), La Motte fez isso não apenas por razões de “propriedade” –
33
deixando de fora os detalhes anatômicos dos ferimentos – mas também porque ele leu o
original em termos do gênero que dominava a poética do seu tempo: a tragédia. O tradutor
justificou as opções de seu trabalho com argüições contundentes, como: “acham que o
público de teatro aceitaria ter caracteres sendo expostos durante os intervalos de uma
tragédia para dizer-lhes o que aconteceria no próximo ato?” Conseqüentemente, cortou
todas as passagens da Ilíada em que isso acontece. Acerca dessas e de outras
transformações proporcionadas pela tradução de La Motte, Susan Bassnett afirma que ele,
bem como outros tradutores do passado, não teve dificuldades em inscrever-se a si próprio
de modo marcante em suas traduções. (Bassnett & Lefevere, 1998, p. 25)
Pensar a figura do tradutor como um agente, elemento ativo que agrega marcas
do seu tempo, de sua cultura e de seu estilo à obra original implica entender fatores que
caracterizam uma disputa de poder onde a submissão ao original, por um lado, e a
imposição da tradução, por outro, compõem os parâmetros. Seus extremos são
inalcançáveis: a tradução idêntica é impossível, e o abandono de qualquer semelhança
desfaz a tradução como tal. Buscar demarcação para os limites da tradução parece ser uma
atividade absolutamente desnecessária, e não há nenhuma publicação que defina
precisamente esses limites, ou precise os parâmetros de sua extensão em termos objetivos.
Além de ser impossível precisá-los, não haveria sentido em fazê-lo. Parece mais
interessante tentar perceber a variedade e a diversidade dos modos de traduzir, que nos
permitem entender melhor o perfil de um tradutor, ou as estratégias de uma tradução.
Vimos neste capítulo que a tradução pode impor-se rebeldemente diante do
original, transgredindo-o e reivindicando sua própria autoria. Isso seria um sintoma típico
da pós-modernidade e da fase maníaca da melancolia do tradutor, que rompe com a
resignação da modernidade. Ao mesmo tempo, pudemos constatar que se trata de uma
tendência que aconteceu diversas vezes ao longo da história, por razões diferentes e com
diferentes finalidades. Ao observarmos na atualidade a presença de estratégias de tradução
que tomam obras originais como fontes de inspiração para constituir traduções como obras
autônomas, e percebermos que o mesmo ato transgressor ocorria entre os romanos, não nos
precipitemos em estabelecer entre os dois momentos analogias e afinidades, visto que os
34
valores e ideologias que justificam o emprego dessas estratégias de tradução não são
semelhantes.
Atualmente, o que pode mover um tradutor a adotar uma estratégia de desvios e
a busca pela alteridade? Qual a necessidade de instaurar-se como autor via tradução? Seria
a busca de algum reconhecimento intelectual “mais legítimo”? Ou a conquista de espaço
para impor seu estilo? Alguns poderiam dizer que é a busca de exposição do ego narcisista
do tradutor, mas, de onde vem esse ímpeto de mudança e transformação? Sem dúvida, essa
iniciativa na tradução carrega as influências da cultura em que o tradutor está inserido. Se
formos buscar os motivos que levam um tradutor a adotar essa estratégia que privilegia a
busca pela autonomia na tradução, no começo do século XXI, no Brasil, é inegável que
encontraremos parte significante dessas respostas no contexto cultural que estabelece o
“tempo” vivido nessa situação. Esse tempo é marcado por hegemonias, predominâncias,
dissidências e disputas de poder, e só o diálogo com elas pode explicar as opções de quem
traduz.
As discussões sobre a autonomia do tradutor e o modo como sua participação
interfere decisivamente na inserção da obra em um novo contexto geram uma série de
conceitos, como iremos observar em seguida. Alguns deles apresentam-se como
pertencentes àquilo que ainda é considerado tradução, ao passo que outros como
“adaptação” e “versão”, irão apontar para lugares exteriores a ela. Adentrar esses diferentes
territórios e percorrê-los, em busca de compreender como existem e funcionam, é um dos
principais fatores de motivação deste trabalho. Mas temos consciência de que mergulhamos
num debate que não parece estar bem definido, com muitas controvérsias e usos
divergentes dos mesmos conceitos, o que torna nossa tarefa complexa.
1.4. Tradução e transgressão: alguns conceitos
Certos conceitos presentes na bibliografia sobre tradução são sintomáticos dos
rumos que esta tomou e pode ainda tomar. Iremos abordar em seguida alguns deles, com a
finalidade de apresentar as distinções existentes entre os modos de traduzir. Esses conceitos
35
são esclarecedores sobre as estratégias adotadas nas traduções, e remetem, algumas vezes, à
flexibilidade dos parâmetros daquilo que é considerado ou não como tradução. Em certos
momentos iremos perceber também que diferentes conceitos são utilizados para definir as
mesmas estratégias, e isso é fruto da ausência de uma nomenclatura universal que
classifique os tipos de tradução. Dependendo do paradigma ou do viés pelo qual a tradução
é pensada, novos conceitos surgem, representando, muitas vezes, um deslocamento na
interpretação dos limites da tradução.
Lefevere aborda em diversas ocasiões nos seus textos a noção de tradução como
“reescritura” de um texto original. Para o autor, todas as “reescrituras” e suas intenções
refletem uma ideologia no modo como manipulam a literatura para fazê-la funcionar em
uma dada sociedade, em uma determinada direção. Reescritura é, portanto, manipulação
tomada a serviço do poder, e em seu aspecto positivo, pode auxiliar no desenvolvimento de
uma literatura e uma sociedade. Uma “reescritura” pode introduzir novos conceitos, novos
gêneros, de modo que a história da tradução torna-se também parte da história das
inovações literárias, das forças de uma cultura sobrepondo-se à outra.
Lauro Amorim apresenta outras definições para exercícios diferenciados
envolvendo a tradução, entre elas a “adaptação”. Primeiramente, é interessante apontar que
o autor trabalha com a noção de tradução como “recriação”. Nela, o tradutor “recria não
aquilo que seria a marca de uma ‘expressividade autêntica’ do outro, mas uma visão ou
leitura comprometida com estereótipos já cristalizados, em sua própria cultura, em relação
ao outro.” (2005, p. 38) O conceito de “adaptação”, segundo o autor, caracteriza-se pela
presença de transformações consideráveis no texto de partida, como a supressão de
personagens, a redução de capítulos, ou a omissão de trechos. Para ele, as traduções que
ocasionam essa “agressão” à integridade dos textos originais são normalmente consideradas
práticas distintas da tradução, e conseqüentemente marginalizadas. Entretanto, os limites
que as separam das traduções convencionais não são tão nítidos e “naturais”, e não existe
nenhuma unanimidade teórica quanto à possibilidade de sua delimitação objetiva. (pp. 40-
41)
O autor cita um trecho de Susan Bassnett sobre a questão das fronteiras da
tradução, dizendo que “muito tempo e muita tinta têm sido gastos na tentativa de se
36
diferenciar traduções, versões e adaptações e de se estabelecer uma hierarquia, com base na
noção de ‘exatidão’ entre essas categorias”. Para Amorim, a autora repete a posição mais
recorrente sobre o assunto, colocando as “versões e adaptações” à parte do campo da
tradução. Nessa ótica, “adaptar significa ‘transgredir’ limites do que se considera aceitável
como ‘tradução’, e traduzir significa ‘manter-se’ no interior desses limites.” O autor conclui
posteriormente que, em diferentes contextos, pode-se caracterizar uma tradução como
“adaptação”, ao associarmos ao termo a noção de transgressão e violação, enquanto em
outro contexto “adaptação deixaria de violar certos limites ao denotar, explicitamente, a
modificação do texto original com objetivos definidos.” Podemos perceber, portanto, que a
determinação dos limites na tradução depende diretamente do contexto que avalia cada
caso, variando de acordo com os diferentes autores. (2005, pp. 40-41)
Amorim (2005, p. 47) observa que a presença dos termos “tradução”,
“adaptação” ou “história recontada” na capa e na folha de rosto de uma obra já estabelece
uma série de relações. Inicialmente com os significados dos conceitos “tradução” e
“adaptação” vigentes num determinado contexto, depois com os vínculos entre a figura do
tradutor ou adaptador responsável pelo texto e o prefácio que enfoca o resultado de seu
trabalho, também com o lugar que ocupa a obra traduzida entre os valores vigentes na
literatura local, além dos próprios objetivos mercadológicos da editora. Assim, a produção
textual por trás desses termos não segue uma sistemática capaz de gerar uma relação única
entre o termo presente na capa do livro e o texto “traduzido” ou “adaptado”. De todo modo,
Amorim faz questão de deixar claro que os conceitos de “tradução” e de “adaptação”
representam coisas diferentes, e que geram pressupostos e expectativas diferenciadas em
meio aos leitores em geral. (p.20)
André Lefevere (Apud Bassnett, 2003, p. 138) aborda os vários métodos
utilizados pelos tradutores ingleses do Poema 64º de Catulo utilizando o conceito de
“versão”, no qual o conteúdo do texto original é mantido, mas sua forma alterada.
Apresenta também o conceito de “imitação”, no qual o poema produzido possui em comum
com o original, na melhor das hipóteses, apenas o título e o ponto de partida. Já Susan
Bassnet alerta que o modo como o termo “versão” é utilizado por Lefevere pode induzir a
um erro, uma vez que implica uma distinção entre “versão” e “tradução”, baseada, segundo
37
ela, nas separações entre forma e conteúdo. (2003, p. 139) John Dryden também fala da
“imitação” como uma iniciativa onde o tradutor assume sua liberdade, não apenas
modificando palavras e sentidos, mas abandonando-os quando acha oportuno. O “imitador”
toma apenas alguns traços gerais da obra original e recombinando-os, de acordo com suas
preferências. (Apud Biguenet & Schulte, 1992, p. 17)
Os diversos termos que definem as atividades relativas à tradução nos dão uma
noção da variedade que envolve os modos como ela se manifesta. Nessa pluralidade, o
interesse pela fidelidade ou pelo afastamento da mesma varia de acordo com a estratégia
adotada em cada tradução. Entre os conceitos que valorizam a autonomia do tradutor,
propomos nos concentrar no de “transcriação”, que será apresentado no próximo capítulo, e
irá tornar-se elemento-chave para o desenvolvimento deste trabalho. Ele está diretamente
vinculado aos estudos de tradução de poesia, e é decorrente das particularidades desse tipo
de tradução, que também serão abordadas em seguida.
38
39
CAPÍTULO 2
TRANSCRIAÇÃO E POESIA
40
41
2.1. Particularidades da tradução de poesia
Alguns autores, entre eles Augusto e Haroldo de Campos, vêem a tradução de
poesia pela perspectiva da “transcriação”, conceito que define uma tradução inventiva,
onde se destaca o papel do tradutor, que usa sua criatividade para renovar a obra original.
Essa visão é bastante inspirada no modo como o poeta Ezra Pound percebia a tradução,
sempre como uma possibilidade de reinvenção, marcada pela intervenção radical de quem
traduz. Por sua vez, quando Julio Plaza (1987, p. 93) optou igualmente pelo conceito de
transcriação para definir um tipo de tradução entre diferentes mídias, é bem provável que o
tenha feito sob influência direta de Haroldo de Campos, autor citado de forma recorrente
em seu livro. Neste trabalho vamos apresentar o conceito de transcriação da forma como é
definido por esses autores, e em seguida tentar expandir suas propriedades. Amparados
pelas análises de nossas realizações práticas, buscaremos construir uma discussão que visa
alargar as definições desse conceito, que originalmente serviu para nós como motivação
para uma postura transgressora na tradução. O sentido que atribuiremos a ele passará a ser,
em alguns casos, dissonante daquele abordado pelos autores citados. Mesmo assim, esse
conceito parece ser o que melhor representa as estratégias de tradução que pretendemos
demonstrar.
Para chegar ao conceito de transcriação é necessário observarmos alguns
aspectos que caracterizam a tradução de poesia como uma especialidade no universo da
tradução. Nela, a discussão sobre fidelidade ganha dimensões ainda mais complexas. Uma
série de particularidades faz com que muitos autores inclusive julguem a tradução de
poesia, por natureza, impossível. Jakobson aponta as características que definem essa
impossibilidade:
As categorias sintáticas e morfológicas, as raízes, os afixos, os fonemas e
seus componentes (traços distintivos) – em suma, todos os constituintes
do código verbal – são confrontados, justapostos, colocados em relação
de contigüidade de acordo com o princípio de similaridade e de contraste,
e transmitem assim uma significação própria. A semelhança fonológica é
sentida como um parentesco semântico. O trocadilho, ou, para empregar
42
um termo mais erudito e talvez mais preciso, a paronomásia, reina na arte
poética; quer essa dominação seja absoluta ou limitada, a poesia, por
definição, é intraduzível. (1971, p. 72)
Como exemplo dessa impossibilidade, e propondo simultaneamente uma
reflexão acerca da fidelidade, o autor cita a tradução do trocadilho italiano “tradutore,
traditore” para o português. Se optarmos por “o tradutor é um traidor”, estaremos abrindo
mão do valor paronomástico do enunciado e alterando, portanto, seu efeito principal.
Diante dessas características da poesia, só é possível ao tradutor realizar o que Jakobson
chama de “transposição criativa” do conteúdo do poema, sendo necessário, para tanto,
reinventá-lo na língua de chegada, buscando equivalências parciais. (Ibid., p. 72)
Como qualquer outro tipo de tradução, a de poesia caracteriza-se pela busca por
compensações e equivalências. Mas o modo como as palavras se relacionam no corpo de
um poema, a maneira como se integram na composição de sua estrutura, tornam a tradução
de poesia peculiar. Ler um poema e construir algo similar em outra língua é um exercício
que depende diretamente da inventividade do tradutor. Ao analisar uma tradução
renascentista de Ben Jonson para o Poema 13 de Catulo, Suzan Bassnet percebe ali um
exemplo daquilo que é descrito pelo lingüista Ludskanov como “transformação semiótica”,
ou que Jakobson define como “transposição criativa”. Segundo a autora, Jonson “insufla
uma nova vida” no poema de Catulo, inserindo-o no contexto da Inglaterra renascentista. A
autora alerta que a tradução de Jonson poderia acarretar outras traduções posteriores
equivocadas, se nela fossem inspiradas. A autonomia adquirida pela tradução nesse caso é
tamanha que a autora chega a afirmar que “o poema de Jonson pode, assim, ser lido só por
si e também na sua relação com Catulo.” (2003, p. 149)
Octavio Paz observa a tradução de poesia pela perspectiva do rigor da crítica:
“sua condenação é quase sempre taxativa e inapelável; se é muito difícil traduzir uma frase
em prosa – no máximo, podemos aspirar a dar um equivalente do seu sentido – traduzir
uma frase poética é impossível.” (1991, p. 18) Tal argumento baseia-se, segundo ele, nas
relações entre som e sentido propostas por um poema, que são intraduzíveis, por estarem
ancoradas nas peculiaridades de uma língua.
43
No livro Constructing Cultures, de Bassnett e Lefevere, encontramos uma série
de reflexões sobre a tradução específica de poesia. Segundo os autores, existe muita
“bobagem” escrita sobre poesia e tradução, e a mais conhecida é a que diz que “poesia é o
que se perde numa tradução”. (Op. Cit., p. 57) Para eles, isso implicaria pensar que a poesia
é algo inatingível e inefável, algo como uma “presença espiritual” que, uma vez elaborada
no plano da linguagem, não pode ser transposta para outras linguagens. Essa idéia, para os
autores, não faz nenhum sentido, e outras variáveis seriam prioritárias em uma análise. Por
exemplo, descobrir que forças motivam as perdas na tradução de poesia, e a que estariam
vinculadas. Sem dúvida, essas estão inextricavelmente ligadas ao tempo, lugar e as técnicas
presentes no sistema de chegada. Os autores destacam que o impacto que uma tradução
pode gerar no sistema literário de chegada, e a maneira como pode mudar e inovar os
textos, também são questões de especial relevância para uma análise. (p.60)
Eles acrescentam que, normalmente, um poema é um texto aberto a uma grande
quantidade de leituras interpretativas, que envolvem a noção de “jogar”. Se o tradutor vir o
texto como algo fixo, como um objeto sólido que tem que ser sistematicamente
decodificado da maneira “correta”, a idéia de “jogar” estará perdida. (Ibid., p.65)
Comparando diferentes traduções de um mesmo poema, o leitor pode perceber como os
tradutores “jogam” com o conteúdo do texto, depositando nele diferentes estratégias, que
podem ser localizadas em um contexto cultural através do exame das relações entre as
normas estéticas vigentes nesse contexto e os textos produzidos. (p.70) Os autores vêem
ainda os processos de tradução de poesia como “leituras continuadas”. Isso se explica na
medida em que os escritores criam para os leitores, acreditando na sua força de refazer o
texto ao lê-lo. Diferentes leitores produzirão diferentes leituras, do mesmo modo que
diferentes tradutores produzirão traduções diferentes. (p. 74)
Octavio Paz entende um poema como uma “metáfora do que o poeta sentiu e
pensou”, e essa metáfora é a “ressurreição da experiência e sua transmutação”. O leitor do
poema reproduz esse duplo movimento de “mudança e ressurreição”, e a tradução do
poema, por sua vez, repete mais uma vez essa mesma operação, porém de modo ainda mais
radical, uma vez que “não busca a impossível identidade, mas a difícil semelhança”. (1991,
p. 19) Em outra ocasião, o autor comparou as diferentes traduções de um mesmo poema,
44
realizadas em diversos locais e épocas, a um concerto musical onde os músicos
(tradutores), com seus diferentes instrumentos, sem regente ou partitura, estão em processo
de construção de uma sinfonia onde a “improvisação é inseparável da tradução”, e “a
criação é indistinguível da imitação”. Para Paz, cada versão resultante é um poema original
e distinto. (Apud Biguenet e Schulte, 1992, p. 160)
Embora sejam alvo da reflexão de diversos autores, nada de conclusivo
determina-se sobre esses limites. A nosso ver, a idéia apresentada por Paz, que concebe o
poema como transformação, ou tradução de uma experiência que se transmuta numa forma,
e situa o trabalho do tradutor como uma experiência com essa forma primeiramente, para
depois transmutá-la, é esclarecedora. Ela destaca que as transformações e mudanças são
inerentes ao poema, que existe para ser recriado por todos que o experimentam. Essa visão
parece sobrepor-se em relevância à questão da poesia ser ou não traduzível, que tanto
divide a opinião dos autores, além de ser mais sensata.
2.2. Transcriação
No livro Deus e o Diabo no Fausto de Goethe, Haroldo de Campos dedica um
capítulo à parte para explicar a transcriação como o tipo de tradução que utilizou para
reconstruir em português a obra de Goethe presente no livro. O autor define a tradução
literal como “servil”, por comprometer-se em transmitir fielmente o conteúdo do original.
Para ele, tratando-se de mensagens poéticas, “o original é quem serve de certo modo à
tradução, no momento em que a desonera da tarefa de transportar o conteúdo inessencial da
mensagem e permite-lhe dedicar-se a uma outra empresa de fidelidade, esta subversiva do
pacto rasamente conteudístico.” (Op. Cit., p. 179) A transcriação se trata da “transgressão
dos limites sígnicos”, de um gesto que seria “pecaminoso”, se pensado em termos de
fidelidade. É uma “operação radical” que busca usurpar as qualidades de sua fonte com o
objetivo de converter “o original na tradução de sua tradução”, ou seja, estabelecer um
diálogo que desfaça qualquer hierarquia entre as duas. (p.180)
45
Para Haroldo de Campos, tanto as traduções “mediadoras” (as mais literais)
quanto as traduções “medianas” (aquelas que buscam imitar as marcas externas do poema,
como métrica e rima), são insuficientes para um projeto de tradução que tenha um ímpeto
mínimo de ousadia. (Ibid., p. 184) Para o autor, o que as distingue da transcriação como
“operação radical de tradução” é uma diferença “ontológica”, que diz respeito à “metafísica
do traduzir”. (p. 185) A “consciência transcriadora” pode, segundo ele, manifestar-se em
diversos graus, e até mesmo “numa prática do traduzir não regulada por essa idéia radical”.
Em cada um desses casos, entretanto, será possível perceber o “despontar ainda indeciso
dessa consciência”, que nem sempre se reverte em “êxito estético”, em termos de avaliação
dos resultados. Na ocasião, o autor se referia à transcriação como uma poética emergente,
mas que ele acreditava ser futuramente praticada de modo mais claro e assumido pelos
tradutores, livres das pressões da crítica especializada. (p. 188)
Ainda no mesmo livro, Haroldo de Campos diz que a tradução é uma persona,
uma máscara através da qual fala a tradição, construindo um diálogo não só com a voz do
original, mas também com outras vozes textuais do repertório do tradutor. Um determinado
trecho de uma obra pode suscitar uma sugestão no tradutor, por alguma relação de
semelhança desperta em sua mente, ou alguma referência a outra obra ou autor. O próprio
Haroldo de Campos utiliza esse recurso em algumas traduções presentes no livro,
reescrevendo os poemas de Goethe à moda de Dante ou João Cabral, entre outros. São
livre-associações em um intelecto repleto de referências, onde não se pode sufocar a
possibilidade de que elas dialoguem.
Citando Harold Bloom, o autor fala de uma “anxiety of influence” por parte do
tradutor, a expectativa de perceber a tradução “enquanto inscrição da diferença no mesmo”
(Ibid., p. 208). Fica clara a finalidade de renovar o poema original pela transcriação,
imprimindo nele os traços nítidos da participação criativa do tradutor, de seu tempo e dos
estilos que o influenciam: “quando se põe a questão da tradição, muitas vezes se esquece o
fato essencial de que esta não se move apenas pela homologação: seu motor,
freqüentemente, é a ruptura, a quebra, a descontinuidade, a dessacralização pela leitura ao
revés.” (p. 208) Citando Paolo Valesio, Haroldo de Campos afirma que a importância da
tradução criativa “está no fato de que, ao radicalizar algo que está presente, em certa
46
medida, em toda tradução, ela desmitifica a ideologia da fidelidade”. O autor finaliza o
referido capítulo exaltando metaforicamente as características subversivas da tradução
criativa: “flamejada pelo rastro coruscante de seu Anjo instigador, a tradução criativa,
possuída de demonismo, não é piedosa nem memorial: ela intenta, no limite, a rasura da
origem: a obliteração do original. A essa desmemória parricida chamarei
“transluciferação”. (p. 209)
Outro texto de Haroldo de Campos que analisa a fundo a questão da tradução
criativa e da reinvenção da poesia através da tradução é Da Tradução Como Criação e
Como Crítica, publicado no livro Metalinguagem e Outras Metas. O autor inicia o texto
afirmando a impossibilidade da tradução, com base na idéia de Albercht Fabri, para quem
“a essência da arte é a tautologia”, uma vez que as obras artísticas “não significam, mas
são”, e ainda, na arte “é impossível distinguir entre representação e representado”. (Op.
Cit., pp. 31-32) Desse modo, se “a tradução supõe a possibilidade de se separar sentido e
palavra”, seu lugar seria, assim, “a discrepância entre o dito e o dito”, o que não faria
sentido. Ainda segundo Fabri, o que se traduz, no caso da arte, não é a linguagem, mas a
não-linguagem. A idéia de Fabri é complementada por outra, de Paulo Rónai, que
demonstra a impossibilidade da tradução literária, salvo se tratar-se de uma nova arte: “o
objetivo de toda arte não é algo impossível? O poeta exprime (ou quer exprimir) o
inexprimível, o pintor reproduz o irreproduzível, o estatuário fixa o infixável. Não é
surpreendente, pois, que o tradutor se empenhe em traduzir o intraduzível.” (p. 34)
Diante dessas afirmações, e tomando obras que revelam a intraduzibilidade da
poesia, como textos de Joyce, Oswald de Andrade e Guimarães Rosa, Haroldo de Campos
propõe outra vez como única possibilidade a recriação de textos artísticos:
Então, para nós, a tradução de textos criativos será sempre recriação, ou
criação paralela, autônoma porém recíproca. Quanto mais inçado de
dificuldades esse texto, mais recriável, mais sedutor enquanto
possibilidade aberta de recriação. (…) Está-se pois no avesso da chamada
tradução literal. (1992, pp. 34-35)
Como exemplo máximo do tradutor-recriador, Haroldo de Campos (1992, p. 35)
cita Ezra Pound e seu caminho poético, que culminou nos inconclusos Cantares. Esse
47
caminho, segundo Haroldo de Campos, foi pontilhado por aventuras de tradução, “através
das quais o poeta criticava o seu próprio instrumento lingüístico, submetendo-o às mais
variadas dicções, e estocava material para seus poemas em preparo”. Pound desenvolveu,
assim, uma teoria da tradução e “uma reivindicação pela categoria estética da tradução
como criação”, que chamou de “crítica pela tradução”. Aplicou-a na tradução de textos de
trovadores provençais, poemas chineses, teatro nô japonês, Sófocles e Guido Cavalcanti,
entre outros, sempre mantendo o espírito de renovação manifesto pelo lema “make it new”,
que significa, nas palavras de Haroldo, “dar nova vida ao passado literário válido via
tradução” (p. 36). O poeta brasileiro lembra os comentários de T. S. Eliot sobre a tradução
de Pound para Eurípedes, comparando-a a outra realizada pelo eminente helenista Prof.
Murray. Pound, segundo Eliot, “foi capaz de ver o passado em seu lugar, com suas
definidas diferenças em relação ao presente e, no entanto, tão cheio de vida que deverá
parecer tão presente para nós como o próprio presente.” Eliot complementa sua observação
afirmando que “é porque o Prof. Murray não tem instinto criativo que ele deixa Eurípedes
completamente morto”. (Apud Campos, 1992, p.36)
Quanto aos “equívocos flagrantes” de Pound na tradução de poemas chineses,
língua que ele conhecia muito pouco, Haroldo de Campos adverte que o poeta
estadunidense preserva sempre o “espírito”, o “clima” particular da obra traduzida. Às
vezes em que Pound trai o conteúdo do original são, para Haroldo, momentos em que o
tradutor acrescenta ao original “estratos criativos, efeitos novos ou variantes, que o original
autoriza em sua linha de invenção”, impondo sua “expressão pessoal” no processo de
tradução. O tradutor, entretanto, é fiel à seqüência poética de imagens do original e ao tom
da obra. (Op. Cit., p. 36) A reconstrução da seqüência poética não é necessariamente literal
à primeira, mas visa construir efeitos semelhantes.
No Brasil, Haroldo de Campos cita Manuel Odorico Mendes como o primeiro
expoente da tradução inventiva, e lembra suas traduções da Odisséia com intervenções
marcantes, nas quais seus vícios são manifestações de qualidades pessoais do tradutor e de
sua época. Mendes se justificava com o seguinte argumento: “se vertêssemos servilmente
as repetições de Homero, deixaria a obra de ser aprazível como a dele; a pior das
infidelidades.” (Ibid., p. 39) Haroldo de Campos encerra seu texto comparando as traduções
48
de poemas chineses feitas por Pound com as feitas pelo orientalista Arthur Waley (as mais
fiéis possíveis aos originais) e afirma que, para os especialistas na língua oriental, as
incursões de Pound podem despertar desdém. Mas para os leitores sensíveis à poesia, a
tradução de Waley, com sua técnica de erro e acerto, não pode ser levada a sério. Propõe
ainda uma técnica de tradução em equipe, um “laboratório de textos” onde lingüistas e
poetas trabalhariam juntos, para chegar a um resultado que só deixaria de ser fiel ao
significado textual do original para ser inventivo, “e que seja inventivo na medida mesma
em que transcenda, deliberadamente, a fidelidade ao significado para conquistar uma
lealdade maior ao espírito do original transladado.”
9
(p. 47)
As traduções de Pound voltam a ser abordadas por Haroldo de Campos em A
Arte no Horizonte do Provável, onde o autor compara a tradução dos textos de Sófocles por
Friedrich Hoelderlin (séc. XIX) às traduções chinesas do “sinólogo-amador” Ezra Pound.
No primeiro caso, as traduções, que normalmente são consideradas pouco fiéis aos
originais, são definidas como portadoras de “erros criativos”, atitudes do tradutor que
conduzem a uma nova visão verbal do original. (Op. Cit., p. 97) Como exemplo disso, cita
um trecho onde Hoelderlin traduz, no lugar de “palavra vermelha”, “purpurejar uma
palavra”, tomando uma metáfora para refazer o efeito do original de outra forma, o que
escandalizou críticos e poetas na ocasião. (p. 99)
9
Se na situação descrita, que diz respeito a um laboratório de tradução de poesia entre diferentes línguas, o
autor acha fundamental que os dois aportes trabalhem juntos, representando a visão do poeta e a do
especialista na linguagem, ao tentarmos adaptar este modelo para a transcriação através de diferentes mídias,
que será o enfoque desta tese, podemos imaginar que um trabalho deveria ser realizado tendo em vista
igualmente as duas abordagens: poética e técnica. Ocorre que, ou o transcriador conhece bem as
possibilidades de realização ofertadas pelo meio com o qual irá trabalhar, ou deverá recorrer a consultas ou
parceria com um técnico, que substitui o “lingüista” do modelo citado anteriormente por Haroldo. Entretanto,
parece evidente que o transcriador deve conhecer relativamente bem as características do meio para poder
projetar seu trabalho. Observando o histórico de produção de poesia em mídias eletrônicas e digitais,
sobretudo no Brasil, podemos perceber que, dada a complexidade operacional de algumas mídias, os poetas
muitas vezes recorrem a parcerias com técnicos operadores. Com o passar do tempo, entretanto, muitos
partiram em busca de informações técnicas para realizar de próprio punho suas obras. Neste caso, estamos
diante do poeta-técnico, uma categoria restrita, sobretudo porque o acompanhamento técnico dos novos
programas e o aprendizado de suas inovações operativas é um trabalho árduo, que despende muito tempo, um
tempo que muitos poetas podem preferir utilizar com outras atividades de criação, pesquisa e coisas afins.
Outro fator que pode dificultar a transcriação de poesia para outros suportes e programas é o acesso aos
materiais necessários. Para exemplificar, basta lembrar os esforços quase heróicos realizados para contornar
as dificuldades encontradas pelos pioneiros da holopoesia no Brasil (Augusto de Campos e Eduardo Kac) que,
na ocasião, trabalhavam com materiais muito caros e raros.
49
Já Pound, ciente de suas limitações como conhecedor da língua chinesa,
“conseguiu conferir a suas recriações uma força e uma beleza que as versões dos
orientalistas mais conspícuos nem de longe possuíam”. (Ibid., p. 98) Haroldo de Campos
considera impressionante o modo como Pound, mesmo manipulando o conteúdo dos
originais sem domínio da língua, consegue captar seu espírito. Embora os dois tradutores
cheguem a resultados semelhantes, no sentido de suas traduções apresentarem modificações
quanto ao original, o que Hoelderlin teria de “litúrgico”, por intencionar preservar um
compromisso com o original, Pound teria de “pragmático, laico, exercendo a tradução
como uma didática, como uma forma crítico-criativa de reinventar a tradição.” (p. 97) Para
Haroldo de Campos, traduzir poesia é algo tão impossível quanto a “quadratura de um
círculo”, uma vez que “é da essência mesma da tradução de poesia o estatuto da
impossibilidade”. (p. 121) Mas essas dificuldades, a seu ver, só aumentam o fascínio pela
arte de traduzir poesia. Ele mesmo coloca esse desafio em prática, traduzindo cinco poemas
chineses na referida obra.
As comparações das traduções de poesia chinesa feitas por Pound, sobretudo
nos poemas que traduziu para o livro Cathay, com as feitas pelo orientalista Arthur Waley,
é um assunto que também será discutido por outros autores, como o faz Gualter Cunha, na
introdução de Cathay em português:
As traduções de Waley são consideradas como mais fidedignas em
termos lexicais e de adequação sintáctica, e são também freqüentemente
citadas em relação com Cathay para demonstrar a incomparável
superioridade poética das versões de Pound. (…) As diferentes
apreciações dos poemas de Cathay têm-se geralmente repartido entre
estas duas direcções: tomados por traduções de poemas chineses são
considerados como frequentemente pouco fiéis aos originais, e enquanto
poemas ingleses têm sido apontados entre os melhores exemplos da
criação poética de Pound e do modernismo anglo-americano em geral.
(Op. Cit., p. 15)
O tradutor brasileiro comenta ainda as traduções de Pound diante das
características da poesia:
50
A fidelidade mede-se pelo grau de transparência que é a qualidade da
apropriação, e por terem melhor qualidade as versões de Pound são
necessariamente mais fiéis – a não ser que se supusesse que os originais
eram de inferior qualidade, caso em que seriam mais fiéis as piores
traduções. Claro que ninguém discutiria a superior competência dos
especialistas sobre Pound se se tratasse, por exemplo, de escrever um
dicionário de chinês-inglês – mas a poesia nada tem a ver com a
lexicografia. (Op. Cit., p. 16)
Cunha lembra que, para T. S. Eliot, as traduções de Pound em Cathay eram
obras que, dentro de trezentos anos, seriam consideradas um “magnífico exemplo da poesia
do século XX”, e também “um momento culminante do modernismo anglo-americano” por
constituírem “a primeira grande realização da proposta imagista do verso livre”. (1995, pp.
16-17)
Pound adotou para a tradução, como vimos, o lema “make it new” (renovar),
que visa conceder nova vida ao passado literário através da tradução, além de ter criado
uma nova modalidade crítica, a “crítica via tradução”. Chama a atenção também o modo
como hibridizou seus poemas dos Cantos com trechos de tradução da obra de Homero,
Ovído, Confúcio e outros. Suas versões de Homero e Ovídio são consideradas por Augusto
de Campos, na introdução do livro ABC da Literatura, exemplos típicos de recriação. (Op.
Cit., p. 16) O mesmo autor o considerou posteriormente “o inventor da poesia chinesa e do
provençal para o nosso tempo”, devido ao modo criativo como traduziu poemas dessas
vertentes. (1987, p.141) No caso de grandes “espantalhos” dos tradutores, como Catulo e
Villon, diante da impossibilidade de traduzi-los, em alguns casos, a solução foi, segundo o
próprio Pound, transformá-los em canção, o que demonstra mais uma vez a autonomia e a
liberdade de criação permitida pelo tradutor. O modo como mergulhava no universo da
língua que estava traduzindo para captá-la para a tradução fazia de Pound um leitor
particular. Ele mesmo chegou a afirmar: “não sou grande coisa como latinista, mas leio
latim por prazer; li-o bastante e sem dúvida revelei diversas qualidades dos escritos de
Propércio que os latinistas profissionais tinham ignorado”. (Apud Campos, 1987, p. 101)
Na introdução do livro Translations, de Pound, o estudioso Hugh Kenner
também chama a atenção para o fato de que, apesar da tradução dos poemas de Cathay ter
sido feita a partir das notas de Ernest Fenollosa sobre os originais chineses, Pound parece
51
incrivelmente convencido de estar fazendo do universo dos poetas chineses o seu próprio.
(Op. Cit., p. 13) É importante lembrar que o poeta traduziu poemas chineses e japoneses
numa época em que ainda não havia começado a estudar os ideogramas, servindo-se da
obra de Fenollosa como elo intermediário para acessar os originais, acrescida à sua
“prodigiosa intuição poética”. (Campos, 1976, p. 44) Esse universo criado por Pound era a
base para a reinvenção das obras, num ato tradutor tão criativo quanto o pode ser aquele em
que os próprios originais surgiram. Como observa Octavio Paz (1991, p. 157), diante de
procedimentos de tradução como esse, as diferenças entre criação e tradução, no que diz
respeito a constituir-se como um ato criativo, desaparecem: “tradução e criação são
operações gêmeas. Por um lado, como demonstram os casos de Baudelaire e de Pound, a
tradução é muitas vezes indistinguível da criação; por outro, há um incessante refluxo entre
as duas, uma contínua e mútua fecundação.”
Pound desenvolveu também uma variação da tradução criativa que chamava de
“homenagem”, e que consistia em elaborar um texto imitando o estilo de um determinado
autor. Para Hugh Kenner, a homenagem poundiana “consiste em tomar um antigo poeta
como guia para lugares secretos da imaginação.” (Apud Pound, 1963, p. 12). Susan
Bassnett afirma que, para Pound, eram claras as distinções entre suas traduções e as
homenagens, mas para os críticos da época, formados na concepção oitocentista da
excelência da literalidade, a distinção era irrelevante. Segundo a autora, Pound tinha idéias
muito precisas sobre a responsabilidade do tradutor, e definiu suas homenagens como algo
diferente de uma tradução: nelas, o objetivo era ressuscitar o autor original, uma espécie de
ressurreição literária.
10
(2003, p. 140)
Inspiradas pelo espírito transcriador de Pound, as traduções de textos poéticos
realizadas por Augusto e Haroldo de Campos são marcadas pela presença de traços
criativos, que ganham destaque ainda maior em alguns casos. Um livro que trabalha
explicitamente com a proposta de transcriação, fazendo alusões constantes a esse conceito,
é Transblanco. A obra é composta pelo poema Blanco, de Octavio Paz, e sua transcriação
para o português, por Haroldo de Campos. Na apresentação e em notas à parte, o
10
É importante citar também as “intraduções” de Augusto de Campos presentes nos livros Viva a vaia e
Despoesia, que funcionam de modo similar às homenagens de Pound, porém, propondo uma dinâmica visual
que simula uma temática bem característica ou recorrente na obra do autor original (que inspira a criação).
52
transcriador faz questão de justificar reiteradamente que suas opções transcriativas, embora
promovam “desvios semânticos ou sintáticos”, buscam uma construção paralela, que
dialogue com a original. (Op. Cit., p. 89)
Em A Operação do Texto, Haroldo de Campos conta que se dispôs a traduzir
poemas de Maiakovski com apenas três meses de estudo do idioma russo, ciente de suas
limitações em relação à língua, mas incorporando a noção de que a tradução específica de
poesia, a seu ver “é a modalidade que se inclui na categoria da criação. Traduzir poesia há
de ser criar – re-criar –, sob pena de esterilização e petrificação, o que é pior do que a
alternativa de ‘trair”. (Op. Cit., pp. 43-44)
Nas obras dedicadas à tradução de poemas provençais, Traduzir e Trovar e Mais
Provençais, a presença de textos explicativos (sobretudo introduções e notas) dos irmãos
Campos constitui outro legado sobre tradução inventiva e transcriação. Na primeira,
alertam que traduzir e trovar são aspectos da mesma realidade; se trovar quer dizer achar,
inventar, então “traduzir é reinventar.” No mesmo livro, Augusto de Campos explica o
procedimento de tradução que se baseia na criação de uma versão: “arriscando-me à
danação dos entendidos – mero autodidata que sou, em matéria de provençal –, tentei
elaborar a minha versão do poema, que ofereço ao eventual leitor como, menos que mapa,
esboço da beleza do texto.” (Op. Cit., p. 32) Augusto de Campos fala também em “respeitar
o espírito” do original, mesmo tendo de recriá-lo: “não se trata, porém, no meu caso, de
uma versão literal, embora eu tenha procurado respeitar o espírito da obra. Que o meu
objetivo é, essencialmente, o de recriar em português alguma parcela que seja da poesia e
da técnica poética do texto.” (p. 33) De todo modo, reinventar o texto foi sempre a meta dos
irmãos Campos nessas incursões pelo provençal. Os poetas-tradutores deixaram claro que
se preocuparam mais em ser fiéis “à invenção como algo vivo do que ao dogma do
significado literal.” (p. 64) Avançaram na idéia de Pound, consolidando ainda mais a noção
de traduzir como “transformar o passado em algo novo”, tirando dele “nutrição para o
impulso criador”, como definiu Augusto de Campos. (p. 65)
Em Mais Provençais, o poeta explica: “não são, como se sabe, traduções literais
as que faço. Tento a ‘transcriação’. (...) Do original, obviamente insuperável, terei captado
alguma coisa, alguma alma, que faltava à nossa vivência poética – espero.” (Op. Cit., p. 26)
53
Destaca, em outro trecho, a importância de dialogar com o autor: “Quando comecei a
ensaiar as primeiras versões das canções de Arnaut, há anos atrás, não tinha em mente
traduzi-las, todas. Achava que seria apenas um modo de conversar com o poeta, conhecer e
entender melhor a sua arte.” (p. 149)
Outro exemplo que ilustra bem a perspectiva pela qual entendemos o conceito
de transcriação na poesia é O Corvo
11
, de Edgard Allan Poe, por Paulo Leminski, uma
tradução com alto grau de liberdade, um jogo com o original, que trabalha a partir de uma
série de analogias que observaremos a seguir. Diante da extensão relativamente grande do
poema, citaremos apenas o trecho inicial, suficiente para ilustrar o modo como se dão as
relações com o original ao longo de todo o poema, e que contém todos os elementos que
interessam a presente análise. Vejamos as quatro primeiras estrofes por Leminski:
Num dia desses,
no exato momento do último instante,
eu, bêbado como sempre,
num sonho de escriba extravagante,
delirava às vezes demais.
Daquele gélido julho
não vou esquecer jamais.
Eu, matando saudades da morta,
sugava do litro e de um livro,
que já não idolatro mais.
Dois toques na porta.
Eu, com um copo a mais,
tive a nítida impressão:
“um estúpido corvo bate à minha porta.
Só pode ser isso, nada mais.”
“Agüenta as pontas um pouco mais.”
Berrei feito um possesso,
mas sem ignorar O Processo
que me acelerava o coração,
me enervando ainda mais.
11
Presente como apêndice em O corvo. São Paulo: Expressão, 1986.
54
A diferença salta aos olhos rapidamente, diante da leitura do trecho
“correspondente” no original The Raven:
Once upon a midnight dreary, while I pondered, weak and weary,
Over many a quaint and curious volume of forgotten lore,
While I nodded, nearly napping, suddenly there came a tapping,
As of someone gently rapping, rapping at my chamber door.
"'This some visitor," I muttered, "tapping at my chamber door;
Only this, and nothing more."
Ah, distinctly I remember, it was in the bleak December,
And each separate dying ember wrought its ghost upon the floor.
Eagerly I wished the morrow; vainly I had sought to borrow
From my books surcease of sorrow, sorrow for the lost Lenore,.
For the rare and radiant maiden whom the angels name Lenore,
Nameless here forevermore.
And the silken sad uncertain rustling of each purple curtain
Thrilled me---filled me with fantastic terrors never felt before;
So that now, to still the beating of my heart, I stood repeating,
" 'This some visitor entreating entrance at my chamber door,
Some late visitor entreating entrance at my chamber door.
This it is, and nothing more."
Presently my soul grew stronger; hesitating then no longer,
"Sir," said I, "or madam, truly your forgiveness I implore;
But the fact is, I was napping, and so gently you came rapping,
And so faintly you came tapping, tapping at my chamber door,
That I scarce was sure I heard you." Here I opened wide the door;---
Darkness there, and nothing more.
Marcado por alterações inventivas do transcriador, O Corvo de Leminski
procura caracterizar o protagonista do poema com os traços biográficos de Poe, o poeta
estadunidense que era alcoólatra inveterado, apontando diversas referências ao vício nesse
trecho. Já a “lost Lenore” de Poe, onde o “lost” pode ter diferentes significados, é
substituída por Leminski pelas “saudades da morta”. Cabe lembrar que na realidade Poe
virou alcoólatra em função da tuberculose contraída por sua esposa (que era também sua
55
prima), que a levou à morte. No lugar do “bleak december”, Leminski fala do “gélido
julho”, como se invertesse o protagonista de hemisfério, recriando a situação do poema em
outro ponto geográfico, talvez até mesmo no Brasil. As gírias características “com um copo
a mais” e “agüenta as pontas” dão um tom que transcende o coloquial, e confere ao texto
uma dimensão notavelmente informal. Outro elemento novo, surgido às custas da
criatividade leminskiana é a citação de O Processo, de Franz Kafka, que o protagonista
estaria lendo. A referência é mais uma analogia ao universo marginal da literatura (Poe x
Kafka). Na realidade, seria impossível isso acontecer, uma vez que Kafka nasceu após a
morte de Poe. Outro ponto interessante: enquanto no original o corvo tarda sete estrofes a
aparecer, atiçando a curiosidade do protagonista, e surge finalmente como um “imponente
corvo”, na transcriação ele aparece já na terceira estrofe, como um “estúpido corvo”, o que
começa a conceder certo tom de paródia, sob o qual será conduzido o poema.
Os pontos observados ilustram uma estratégia típica do transcriador de poesia
sobre uma obra original. Embora em nenhum lugar da edição o poema de Leminski seja
definido como uma “transcriação”, ele contém todas as características daquilo que
entendemos sobre esse conceito: toma o original como ponto inicial para um novo salto
criativo, que com ele estabeleça uma série de novas analogias e livre-associações, onde
aflora o intelecto criador de quem transcria e os traços próprios de seu repertório,
estimulados e postos em movimento pela obra original.
Outro bom exemplo cabível para ilustrar essas características seria a
transcriação de Haroldo de Campos para um conhecido haicai de Bashô. Ao invés de
traduzi-lo simplesmente como “O velho tanque / Uma rã salta e tomba / Rumor de água”,
Haroldo dividiu o segundo verso em duas linhas, propondo uma contração: “Rã salt /
tomba”, na tentativa de simular, através de um recurso gráfico-visual criativo, o salto e o
tombo da rã.
56
57
CAPÍTULO 3
TRANSCRIAR POESIA ATRAVÉS
DE DIFERENTES MÍDIAS
58
59
3.1. Traduzir com os meios do seu tempo
Até este ponto da tese tratamos de questões relativas à tradução entre diferentes
línguas, sobretudo de poesia, da qual destacamos e definimos o conceito de transcriação. A
partir deste momento iremos direcionar nosso percurso rumo a transcriação de poesia
através de diferentes mídias, assunto que pertence ao campo da tradução entre diferentes
meios. Trata-se de um universo de produção muito amplo, a começar pela variedade de
definições que podem ser atribuídos ao termo “mídia”, na imensidão dos meios de
comunicação humana. Depois, pela infinidade de traduções realizadas entre diferentes
meios, se considerarmos que, cada vez que uma pessoa lê em voz alta um poema escrito,
por exemplo, está recriando esse poema em outro meio diferente do original, e usando para
isso sua expressividade e criatividade individual. Para tornar viável a realização deste
estudo, iremos delimitar nosso foco nas traduções de poesia que envolvem mídias
eletrônicas e digitais, que são as que melhor caracterizam o tempo presente.
Arlindo Machado observa que essas mídias estão permanentemente ao redor dos
artistas na atualidade, “despejando o seu fluxo contínuo de sedução audiovisual,
convidando ao gozo do consumo universal e chamando para si o peso das decisões no plano
político”. Sendo assim, continua o autor, “é difícil imaginar que um artista sintonizado com
o seu tempo não se sinta forçado a se posicionar com relação a isso tudo e a se perguntar
que papel significante a arte pode ainda desempenhar nesse contexto”. As respostas,
segundo Machado, representam a diferença introduzida pelo artista no universo midiático:
ao invés de alimentar a “máquina produtiva” com enunciados de consumo, ele pode
apresentar um projeto crítico relacionado aos meios e circuitos com os quais opera. Sendo
assim, interfere na lógica das máquinas e dos processos tecnológicos, subvertendo e
desnudando suas funções prometidas, e “desprogramando” a técnica. (2007, p. 22)
Escrever para o seu tempo significa aos poetas e tradutores contemporâneos, ao
menos parcialmente, o uso das mídias eletrônicas. Lauro Amorim observa que os trabalhos
dos tradutores sempre “estão inscritos em um momento histórico caracterizado por certos
cânones que direcionam os ‘caminhos’ que podem ou não ser tomados em uma tradução.”
60
(2005, p. 59) O grande interesse pelas mídias eletrônicas nos universos artístico e
acadêmico nos últimos tempos nos faz pensar que, no mínimo, estamos passando por um
“processo de canonização” das mesmas e do seu uso nas formas de representação estética, e
isso se reflete, sem dúvida, na poesia.
A possibilidade de incorporar à poesia as características de diferentes mídias
tem motivado iniciativas que vão desde a espacialização de Un Coup de Dés aos poemas
virtuais interativos disponíveis na internet, cada qual inspirado nas inovações técnicas de
sua época. Antonio Risério (1998, p. 49) cita uma idéia contida em Literatura e Revolução,
livro de Leon Trotski publicado originalmente em 1923, que define de modo simples e
preciso a relação entre as transformações históricas do mundo e as alterações que estas
motivaram na poesia. Para Trotski, é ingenuidade supor que a poesia pudesse vir de
Homero a Maiakóvski sem que a luz elétrica não tivesse nada a ver com isto. Segundo
Risério, a postura do poeta diante do mundo urbano-industrial deve ser analisada em, pelo
menos, dois planos. Um deles é o plano de sua atitude ideológica diante da sociedade, que
pode ir da “aceitação celebratória” ao “extremo da recusa nostálgica”. O outro é o plano de
sua disposição em relação aos meios de comunicação e às técnicas de criação presentes
nesta sociedade, onde o poeta, como inventor da palavra, utiliza e explora as técnicas de
criação, passando através delas sua condição ideológica e sensível. (Op. Cit., p. 47)
Philadelpho Menezes observou que o diálogo entre a poesia visual e as novas
tecnologias manteve-se, durante muito tempo, vinculado às velhas fórmulas, importadas
dos poemas estáticos e bidimensionais. Segundo ele, o importante no uso da tecnologia
pelos poetas “é ver o que ela possui e não oferece, o que ela tem de programado que pode
ser desprogramado pelo uso estético, ao contrário do uso utilitário ou previsto”. E segue: “é
como se nas mãos do artista, uma tecnologia de ponta se transformasse num artesanato de si
própria, graças a um uso humano, que nega sua sofisticação pretensamente futurista.”
(1998, p. 117)
As possibilidades de operar um signo virtual num meio informático são um
grande atrativo para vários poetas na atualidade. A simulação luminosa do computador dá
ao poema uma materialidade flexível, que convida à manipulação, ao ir e voltar, ao corrigir
e alterar novamente. Risério (1998, pp.128-130) destaca que, com o computador, o poeta
61
pode fazer com que a escrita “dê saltos nijinskianos” e “passinhos chaplinianos”, pois, com
um simples toque numa tecla, a configuração gráfica de uma obra pode mudar
completamente. Do mesmo modo, o som de um poema gravado digitalmente pode receber
tratamentos que alterem suas características por completo, abrindo um feixe quase infinito
de possibilidades criativas.
Todavia, cabe lembrar que a promoção de diálogos entre conteúdos verbais e
outras formas de iconicidade, como a visual e a sonora, são recorrentes na história da
poesia, sobretudo se levarmos em conta a produção dos poetas dos movimentos de
vanguarda, do futurismo ao letrismo e à poesia concreta, entre outros. A tradução de
poemas para mídias eletrônicas trouxe consigo a acentuação daquilo que já era inerente aos
poemas visuais, concretos, sonoros, entre outros: a exploração do cruzamento entre os
sentidos do leitor, através de dispositivos sinestésicos presentes nas obras que,
normalmente, dialogam com sua porção verbal. Uma tradução desse tipo gera diferentes
percursos sensoriais, criando intercâmbios entre os sentidos do corpo, através do emprego
de meios técnicos variados.
Com o objetivo de situar o leitor no universo da tradução de poesia através das
mídias no Brasil, apresentaremos a seguir uma breve recapitulação da produção nacional
mais representativa desse tipo. Essa apresentação será feita sem grandes pretensões, visto
que a catalogação de obras, eventos e autores passa ao largo dos propósitos desta tese. Os
casos citados, longe de buscar representar todas as traduções realizadas no Brasil, servem
para ilustrar um pouco da grande quantidade de iniciativas unindo poesia, tradução e mídias
no país.
Em 1975, o poema Cidade/City/Cité, de Augusto de Campos, recebeu uma
primeira tradução “digital” de Erthos Albino de Souza, que o inseriu num cartão de papel
perfurado, que era a memória de computador na época. O resultado plástico do cartão
escuro sobre um fundo claro simulava as janelas iluminadas dos prédios, na paisagem
noturna de uma cidade. O vídeo Non Plus Ultra, realizado em 1985 por Tadeu Jungle,
trouxe esse mesmo poema para a tela pela primeira vez. Ele seria traduzido posteriormente
de várias formas, desde música à performance e artes plásticas, por Regina Silveira, Rufo
Herrera, Gilberto Mendes, entre outros.
62
No início dos ano 80, com o começo do uso da holografia para produção de
poesia, o poema Rever, de Augusto de Campos, foi reconstruído pelo hológrafo John
Webster, em Londres, a partir de um protótipo de Wagner Garcia. Após receber uma versão
na forma de uma escultura acrílica feita pelo artista Zé Neto, voltou a ser realizado em
holografia por Moiysés Baumstein, que traduziu para este suporte também outros poemas
de Augusto. Rever foi ainda refeito em laser, néon e animação digital.
O poeta que mais traduziu e teve seus poemas traduzidos para outras mídias no
país foi o próprio Augusto de Campos. Em 1984, a equipe da produtora Olhar Eletrônico,
com a colaboração de Wagner Garcia e Mário Ramiro, transformou o seu Pulsar, poema
onde as letras imitam corpos celestes num céu noturno, no primeiro videopoema animado
por computador produzido no país. O compositor Caetano Veloso havia traduzido, em
1975, o mesmo poema em canção, assim como fez com Dias Dias Dias. Ambas integram a
Caixa Preta, conjunto de obras editado por Augusto e Julio Plaza.
O programa Jornal de Vanguarda, veiculado pela TV Bandeirantes em 1988 e
1989, contava com a participação de Paulo Leminski, que apresentava variedades relativas
à língua, cultura e poesia. Além de performances poéticas, Leminski também levou para a
TV alguns videopoemas, parte deles traduções de poemas impressos de sua autoria, como
Metamorfose. Durante os anos 80, Julio Plaza traduziu poemas de Paulo Leminski, Bashô e
outros, para videotexto. No início dos anos 90, Augusto de Campos traduziu seu poema
Cidade para uma versão animada em seu Macintosh pessoal.
12
Em 1993 foi a vez de
Arnaldo Antunes, em parceria com Célia Catunda, Kiko Mistrorigo e Zaba Moreau, realizar
o projeto Nome, um trabalho de vídeo e computação gráfica que contém a tradução de
poemas que já haviam sido publicados anteriormente pelo poeta.
Intervenções realizadas na cidade de São Paulo em diferentes ocasiões
mostraram o quanto os poemas concretos são moldáveis às paisagens e à comunicação
urbana, como era previsto no projeto do movimento concretista. O poema Quasar, de
Augusto de Campos, foi exposto em um painel luminoso no Vale do Anhangabaú, no
centro da cidade (1982). A mostra Skyart, realizada na USP em 1985, apresentou uma
12
Diversos poemas de Augusto de Campos foram reelaborados digitalmente por ele próprio para integrar o
CD-Rom Clip-Poemas, anexo ao livro Não (2003). Alguns deles são: Pérolas para Cummings, O Mesmosom,
Rever, Sem-saída, Criptocardiograma e Caracol.
63
projeção do poema Código, também de Augusto e, em 1991, projeções de poesia com uso
de raios laser levaram poemas como Rever, Risco e Cidade/City/Cité, todos de Augusto de
Campos, às alturas dos arranha-céus na Avenida Paulista. Na ocasião, também participaram
Haroldo de Campos, Arnaldo Antunes e Walter Silveira. Em 1991, o cineasta Julio
Bressane dirigiu, a partir do livro Galáxias, de Haroldo de Campos, Galáxia Albina e
Galáxia Dark, duas transfilmagens da renomada obra do poeta.
Não poderiam deixar de ser citadas as traduções feitas no projeto “Vídeo-
Poesia”, realizado entre 1992 e 1994 no Laboratório de Sistemas Integráveis da Escola
Politécnica da Universidade de São Paulo, com a participação de Augusto e Haroldo de
Campos, Décio Pignatari, Arnaldo Antunes e Julio Plaza, numa experiência mediada por
Ricardo Araújo. Na ocasião, alguns poemas de autoria dos próprios tradutores foram
reelaborados através de animação digital, com recursos considerados de ponta para a época.
Julio Plaza voltou a traduzir poemas para animação computadorizada em 1996, no
Laboratório de Informática do Instituto de Artes da Universidade Estadual de Campinas. O
projeto foi uma parceria com Luciana Chagas, e proporcionou a tradução de poemas de
Augusto de Campos, Paulo Leminski, Alice Ruiz e do próprio Plaza.
O CD e espetáculo performático Poesia é Risco, apresentado em 1995 por
Augusto de Campos e Cid Campos, contém interpretações dos poemas Lygia Fingers,
Tensão, Cidade/City/Cité, O Quasar, entre outros, da autoria de Augusto de Campos. Em
1998, Philadelpho Menezes e Wilton Azevedo lançaram o CD-Rom Interpoesia, com
diversos poemas digitais, entre eles algumas traduções “inter-semióticas” como Máquina,
poema visual de Menezes elaborado muitos anos antes. O curta-metragem Hi-Fi, realizado
em 1999 por Ivan Cardoso, apresenta versões para poemas de Augusto de Campos como
Cidade/City/Cité, Poema-Bomba, Ex-tudo e Rever, além de outros poemas concretos no
áudio. Em 2005, Omar Khouri inspirou-se no verso inicial do célebre poema L’azur, de
Stephane Mallarmé, para fazer Homenagem a Mallarmé, um poema digital elaborado em
parceria com Fábio Oliveira Nunes, que faz parte do CD-Rom Nóisgrande, organizado pelo
próprio Nunes. Um poema visual sem título de Torquato Neto foi transformado em
animação digital interativa por Audrei Carvalho em 2004, na ocasião do festival FILE, em
São Paulo. A tradutora repetiu o procedimento com uma série de poemas de Augusto de
64
Campos, num trabalho que culminou em sua dissertação de mestrado pela PUC-SP.
(Carvalho, 2007)
A internet sedia diversos casos de tradução que conduziram poemas e autores
brasileiros para o contexto digital, entre eles animações como Lua na Água, de Paulo
Leminski, por Elson Fróes, feita em 1997, os poemas Life e Beba Coca-Cola, de Décio
Pignatari, traduzidos por Kirby Conn em 2001 para o site Imediata/BVP, e a Rã de Bashô,
que tem versões nos sites de Haroldo e Augusto de Campos. Fábio Oliveira Nunes recriou,
em diferentes ocasiões, poemas visuais de autores nacionais para a rede, como Cresce, de
Arnaldo Antunes, Epitalêmio II, de Pedro Xisto, e BR, de Villari Herrmann, entre outros,
traduzidos em 2003 para a revista digital/site Artéria 8, produzida por Nunes e Omar
Khouri.
Poetas estrangeiros também tiveram suas obras revisitadas em suportes digitais
no Brasil: Khlebnikov foi recriado em 2008 por André Vallias para a revista/site
Mnemozine 4, editada por Marcelo Tápia e Edson Cruz. Versos de Baudelaire foram
utilizados por Philadelpho Menezes em uma instalação multimídia na II Bienal do
MERCOSUL, em 1999, e o poema O Eco e o Icon, do português Ernesto M. de Melo e
Castro inspirou uma versão em VRML por Silvia Laurentiz, em 1998.
Um grande projeto intitulado Poesia Concreta: o Projeto Verbivocovisual,
realizado em 2007, abrangeu parte da produção do movimento e disponibilizou-a na forma
de site, CD, DVD e exposição. Neles, são inúmeros os casos de poemas convertidos para
mídias eletrônicas, adaptados a natureza de cada suporte. No CD, dirigido por Cid Campos,
encontramos poemas que foram musicados ou interpretados vocalmente pelos autores e
convidados. No DVD, dirigido por Sérgio Zeigler e Walter Silveira, estão presentes
animações computadorizadas produzidas a partir de poemas originais, roteirizadas pelos
diretores e realizadas por Rodrigo Fiorenza. Já no site, elaborado por André Vallias,
encontramos poemas recriados em áudio e vídeo, além de extenso material iconográfico e
textual sobre o movimento. A exposição, exibida em São Paulo e Belo Horizonte sob a
curadoria de Cid Campos, João Bandeira, Lenora de Barros e Walter Silveira, apresentou
diversos poemas traduzidos para a ocasião. No conjunto total, foram recriados poemas de
Augusto e Haroldo de Campos, Décio Pignatari, José Lino Grünewald e Ronaldo Azeredo,
65
além de traduções de outros poetas por eles realizadas. Participaram também desse projeto
Arnaldo Antunes, Arrigo Barnabé, Boris Schnaiderman, Caetano Veloso, Gilberto Mendes,
Lívio Tragtenberg, Lucio Agra, Omar Khouri e Wilson Sukorski, entre outros.
3.2. A tradução intersemiótica
Em seu artigo Aspectos Lingüísticos da Tradução, Roman Jakobson afirma que
existem três maneiras de realizar uma tradução: 1) utilizando signos da mesma língua, que
ele chama de tradução “intralingual”, ou “reformulação”; por exemplo, converter o termo
“solteiro” numa designação mais explícita, que é “homem não casado”; 2) utilizando signos
de outra língua, que é a tradução “interlingual”, ou “tradução” propriamente dita, como a
conhecemos; 3) em outro sistema de signos não-verbais, classificada pelo autor como
“transmutação”, ou tradução “inter-semiótica”. Sem aprofundar-se nesse conceito, o autor
volta a citá-lo no final do mesmo texto, dessa vez como a tradução “de um sistema de
signos para outro, por exemplo, da arte verbal para a música, a dança, o cinema ou a
pintura.” (1971, p. 64)
Comparando os dois únicos trechos nos quais o autor cita a expressão “tradução
inter-semiótica”, pode-se observar uma pequena diferença na definição do conceito.
Primeiramente, Jakobson refere-se à tradução de conjuntos de signos verbais para não-
verbais e, posteriormente, quando dá exemplos desses tipos de conjuntos de signos que
seriam considerados não-verbais, o autor cita a pintura, a música e o cinema. Mas cabe
lembrar que estes, por sua vez, podem apresentar fusões com conteúdos verbais, a exemplo
dos escritemas ou outras formas de intervenção verbal na pintura cubista, e as canções e
óperas no caso da música, ou as falas e legendas no cinema.
Interpretando a definição de Jakobson, portanto, é possível concluir que o autor
se referiu à tradução inter-semiótica como um tipo de tradução que transforma um conjunto
de signos verbais em outro meio expressivo de natureza diferente, que não seja
exclusivamente verbal, ou nem um pouco verbal. O autor lançou um conceito que
inicialmente pretendia abranger só casos mais próximos ao seu universo, o lingüístico, e
66
por isso a conotação verbocêntrica dada ao termo “tradução inter-semiótica”. Como definir,
no entanto, as operações tradutoras que procuram transferir significados reconstruindo
obras em linguagens diferentes, sejam elas verbais ou não? Não seriam todas inter-
semióticas?
Uma obra que impulsionou os interesses pela tradução através de diferentes
mídias, sobretudo no Brasil, foi o livro Tradução Intersemiótica
13
, de Julio Plaza.
Utilizando o conceito de Roman Jakobson e valendo-se, sobretudo, de fundamentos da
semiótica de Charles Peirce, Plaza aprofundou-se no assunto, analisando processos desse
tipo de tradução desde sua idealização, à realização e suas possíveis interpretações. Propôs
também o estudo de casos selecionados de tradução entre mídias, quase todas realizadas por
ele próprio, algumas envolvendo poesia. Diante da escassez de princípios teóricos próprios
para subsidiar uma teoria da tradução intersemiótica, o autor recorreu a fundamentos de
tradução de poesia desenvolvidos, principalmente, por Roman Jakobson, Haroldo de
Campos e Octavio Paz, por ele adaptados para pensar a tradução entre diferentes mídias.
Recapitulando um pouco as idéias desses autores, vimos que para Jakobson a
poesia é intraduzível, sobretudo em virtude dos recursos paronomásticos normalmente
empregados, sendo possível somente a “transposição criativa”, seja ela intralingual,
interlingual ou intersemiótica. Essa opinião coincide com o que sempre foi defendido por
Haroldo de Campos, que classifica seu extenso trabalho de tradução de poesia como
“transcriação”, como vimos no capítulo anterior. Já para Octavio Paz (Apud Plaza, 1987,
p.39), a tradução é uma operação análoga à criação, mas que se desenvolve no sentido
contrário. Na criação, segundo Paz, a matéria-prima é a linguagem em movimento, e o
esforço do artista é todo em cristalizá-la numa forma definida, no caso, o poema. Traduzir
seria “colocar este cristal de seleções em movimento, para voltar a fixá-lo em um sistema
de escolhas outro, análogo ao primeiro”.
Criação e tradução são, segundo Plaza, operações onde se produz, “com meios
diferentes, efeitos análogos.” (1987, p. 26) Fazendo uma síntese das idéias desses autores, e
adequando-as às suas noções empíricas decorrentes de experiências práticas com traduções
13
Chama a atenção a diferença de grafia entre a tradução “inter-semiótica” definida por Jakobson e a
“intersemiótica” utilizada por Plaza.
67
entre diferentes meios, Plaza busca tecer uma teoria específica para a tradução
intersemiótica. O autor ressalta duas etapas básicas do processo de tradução: a leitura e a
invenção. Na primeira, o tradutor apreende o objeto a ser traduzido, interpreta-o e o
sintetiza para, no segundo momento, criar uma nova forma, inspirada na original. A leitura
é uma geração indefinida de possibilidades de interpretação, um diálogo entre o repertório
do leitor e o conteúdo da obra lida, convocando outros elementos que se agregam ao
material lido e fazendo deste percurso um acontecimento único. Qualquer leitor participa
ativamente de um processo comunicativo como criador de “versões” daquilo que lê,
ocupando assim um papel de re-criador da obra. Como observa Haroldo de Campos, “o
receptor não é somente alguém que recebe algo, nem está somente em estado passivo; em
termos ótimos, ele deveria ser um co-autor da informação”.
14
O ato de leitura, portanto, é
marcado pela invenção de novas interpretações ou traduções de diferentes formas daquilo
que se lê, agregando à obra lida os traços da subjetividade do leitor.
A síntese obtida com a leitura não é uma interpretação definitiva para o poema,
mas uma busca que visa alcançar o que há de essencial nele, sem esquecer as condições
contextuais em que o mesmo foi produzido. Depois de alcançada essa síntese, chegará o
momento em que será preciso traduzi-la em um meio particular, no qual tomará existência,
ostentando a condição de tradução em relação ao original. O momento intermediário à
leitura e à concretização material da obra envolve segundo Plaza, processos de natureza
imaginativa e operativa. A primeira está presente predominantemente no desenvolvimento
da idéia, e mistura a razão com um alto nível de intuição. A segunda é a da realização
prática, guiada predominantemente pela racionalidade, aplicada a um meio técnico de
realização. (1987, pp. 37-39)
Toda e qualquer invenção começa com um instante de caráter espontâneo que
aparece à mente “como epifania, imediatamente desprendida das amarras de um raciocínio
lógico”, configurada como insight. (Ibid, p. 40) Não é fruto de uma sucessão de
pensamentos naquele momento, mas um lampejo súbito que incita o intelecto ao ato
criador. No caso da tradução, este insight inicial é motivado pela forma da obra original,
absorvida a partir do processo de leitura, uma leitura atenta, destinada a solucionar o
14
Entrevista concedida à Revista Galáxia (PUC-SP) nº 1, 2001. p. 37.
68
problema de como conduzir a tradução. Segundo Julio Plaza e Monica Tavares, a invenção
não se dá de modo contínuo, mas “renova-se sempre e admite feedbacks alimentados pela
atividade experimentadora e pelas idéias criadoras.” (1998, p. 72)
No momento da invenção com mídias eletrônicas, a sinergia entre o homem e a
máquina se manifesta através do diálogo estabelecido entre a subjetividade do criador e as
possibilidades de realização com o meio escolhido. Esse diálogo apresenta diferentes
possibilidades (ou poéticas), que Plaza e Tavares classificam em: poética por associação,
que é aquela que utiliza repertórios armazenados em memórias eletrônicas; poética do
acaso, criada a partir de processos aleatórios; poética dos limites, que trabalha com um
repertório delimitado onde prevalece a idéia minimalista de fazer “mais com menos”;
poética de projeto, fortemente regida pela racionalidade programadora; poética da
simulação, onde a imagem é construída através de modelos de síntese que simulam a
realidade, e as poéticas experimentais, onde a concepção vai surgindo a partir da própria
realização. (1998, pp. 124-194) Os meios eletrônicos, como forma de expressão em
incessante renovação, apresentam ao artista capacidades inéditas de cognição (sensíveis e
inteligíveis), trazendo possibilidades que exigem dele uma “familiarização com os modelos
tecnocientíficos em uma interligação de práticas e saberes disposta em relações
interdisciplinares.” (p.64)
Os autores apresentam também a dicotomia entre “arte como tecnologia” e
“tecnologia como arte”, importante para a reflexão sobre as poéticas que utilizam os
recursos eletrônicos. (Ibid., p.69) A primeira reflete um processo de criação pautado em
uma atitude inovadora, que busca explorar as potencialidades oferecidas pelos novos meios,
aliadas à criatividade e originalidade, no sentido de fazer brotar, da materialidade dos
suportes, as qualidades que levarão o pensamento humano à invenção estética. No outro
caso, está a vocação reprodutiva da infra-estrutura tecnológica, mais concentrada nos meios
do que na criatividade.
Julio Plaza apresenta uma classificação que divide as traduções entre diferentes
mídias em transposições, transcodificações e transcriações.
15
Essa classificação leva em
15
Essa tipologia é baseada na classificação dos signos em relação aos seus objetos dinâmicos, ou referentes,
segundo Charles Peirce: índice, símbolo e ícone. Para Plaza estes originam, respectivamente: a transposição, a
69
conta o quanto uma tradução continua apegada ao original, ou o reinventa, abrindo margem
para certa autonomia. Além do resultado, o processo de tradução também é diferente em
cada uma delas, dado que seguem diferentes finalidades. Plaza faz questão de destacar que
essas categorias não são uma “grade classificatória de tipos estanques que deve funcionar
de modo fixo e inflexível”, mas sim “uma espécie de mapa orientador para as nuanças
diferenciais” das traduções. Deixa claro também que os diferentes tipos podem ocorrer de
modo algumas vezes simultâneo em uma mesma tradução e, sendo assim, essa tradução
acabaria proporcionando um cruzamento dos tipos, ao ser classificada. (1987, p. 89)
Em sua leitura, “transposição” seria o tipo de tradução que estabelece uma
relação de contigüidade com seu original, como se a forma da obra original estivesse sendo
impressa em um novo meio, metaforicamente. Transpor o conteúdo de um poema para
outro meio, nesse caso, seria tentar transportá-lo na íntegra, como ele é, para o novo
ambiente de realização. O poema passa a “funcionar” de acordo com as características do
novo suporte, mas sem alterações notáveis em sua forma e no modo como ele “funciona”.
Por exemplo: tomar o texto de um poema, parcialmente ou na íntegra, e fazê-lo “passar”
pela tela de um computador, de uma TV, ou outro meio similar. (Ibid., p. 91)
Já a “transcodificação” seria a tentativa de recompor a forma da obra original
usando outros signos, característicos do meio que está sendo usado, através da criação de
um código de correspondência sobre o qual se baseará a tradução. O código inventado pelo
tradutor é uma convenção que explica a correspondência entre os elementos parciais que
compõem o original e a tradução. Permite ao tradutor a liberdade de criar uma convenção
inédita, baseada em elementos de outra linguagem inspirados por aqueles presentes na obra
que origina a tradução. Por outro lado, restringe a autonomia do tradutor por exigir que ele
combine os novos elementos da mesma maneira que estavam dispostos na obra original.
Para cada letra de um poema, por exemplo, um artista plástico que irá traduzi-lo pode
imaginar um ícone correspondente, com sua forma, cor, distribuição espacial etc., mas terá
de usar esse ícone dentro das normas estabelecidas por ele na tradução. É uma maneira de
organizar a forma, de modo a criar uma correspondência, como se a obra original fosse
transcodificação e a transcriação.
70
reconstruída de outro modo, mas a maneira como os elementos estão dispostos em sua
apresentação copiasse a primeira. (Ibid., p. 93)
Uma transcodificação realizada pelo próprio Plaza, se tomada como exemplo,
talvez possa esclarecer melhor esse tipo de tradução: o artista transformou o poema
Nasce/Morre, de Haroldo de Campos em uma composição visual-geométrica baseada em
triângulos, onde cada palavra que compõe o poema foi convertida em um tipo de triângulo:
“nasce” foi substituída por um triângulo branco invertido, “morre” por um triângulo branco
em posição natural, “desnasce” por triângulo preto invertido, e assim por diante. Em
seguida, esses triângulos foram combinados espacialmente do mesmo modo que as palavras
no poema original, copiando sua forma.
Por fim, Plaza define como “transcriação” a tradução intersemiótica que se
baseia no “princípio de similaridade” com o original, e a forma adotada pela tradução
constrói analogias com este, “equivalências entre o igual e o parecido”. (1987, pp. 89-90)
Nesse caso, original e tradução não estão “conectadas” diretamente, mas as características
resultantes na tradução fazem lembrar o original, “despertando sensações análogas”,
produzindo significados “sob a forma de qualidades e de aparências entre ela própria e seu
original.” (p. 93) Revisitando a linha de pensamento poundiana via Haroldo de Campos,
Plaza conclui que “traduzir com invenção pressupõe reinventar a forma”. (p. 98)
Em nossa leitura para essa definição de transcriação, que é apoiada nas análises
de casos práticos que Plaza apresenta na segunda parte do seu livro Tradução
Intersemiótica, compreendemos a transcriação como a tradução que se caracteriza pela
criação de traços similares àqueles que a obra original apresenta, ou seja, que a imita
através de uma nova forma, com características semelhantes à original, fazendo lembrá-la.
O resultado é uma tradução que estabelece analogias com a original, sem o
comprometimento de tentar sê-la em outro meio. É um procedimento onde o tradutor tem
consciência da autonomia que a tradução irá adquirir, e de que irá interferir de modo ativo
na busca de novos horizontes para a obra. A transcriação absorve as qualidades, aparências
e significados propostos pela original e os reconstrói numa estrutura que faz lembrá-la
através de referências, sejam estas mais, ou menos nítidas.
71
As características da transcriação apontadas aqui nos fazem retomar a noção
sobre esse conceito, que vínhamos abordando no capítulo anterior. Parece nítido que a
adoção do termo “transcriação” por Plaza é uma tentativa de trazer para a tradução entre
diferentes mídias a perspectiva que Haroldo de Campos apresenta para a tradução de
poesia. Indo além, nossa proposta é agregar uma nova dimensão ao conceito de
transcriação, que siga as tendências que o originaram no discurso dos diversos autores, mas
a encaminhe a situações onde as analogias entre original e tradução são pouco explícitas,
destacando ainda mais a participação inventiva de quem transcria.
3.3. Subsídios para um estudo da transcriação através de diferentes
mídias
Analisar a transcriação de poesia através das mídias é um objetivo que requer o
uso de ferramentas teóricas adequadas. A teoria da tradução intersemiótica, que foi
abordada no item anterior, é uma delas, e sua aplicação no universo da poesia foi realizada
pelo próprio Julio Plaza, conforme vimos. Neste item apresentaremos outras teorias que
podem contribuir na formulação de um percurso que auxilie na compreensão das
transcriações de poesia através dos meios. O objetivo é tomar emprestados fundamentos
dessas teorias para utilizá-los como instrumentos nas análises das experiências práticas, que
serão realizadas a partir do próximo capítulo. Essas teorias foram selecionadas por sua
afinidade com as circunstâncias que cercam essas experiências, que se dá através de um
ponto principal: ambas tratam de relações entre obras artísticas envolvendo sempre mais de
uma mídia.
Começando pela dissertação Um Poeta de Vanguarda Dialoga com as Artes
Visuais: a Transcriação Interpoética de Haroldo de Campos, na qual Rogério Prestes de
Prestes aborda um conjunto de textos de Haroldo de Campos relativos às artes visuais, que
trata de obras de diversos artistas plásticos e gráficos, envolvendo diferentes técnicas e
estilos. Esses textos poderiam ser definidos como críticas de arte, mas Haroldo de Campos,
através de seu “personalíssimo método crítico-criativo” utilizado para escrevê-los, fez com
72
que eles incorporassem elementos estruturais das obras a que se referem. (Op. Cit., p. 9)
Esses textos, que trazem em si marcas explícitas do contágio de seu autor com as obras
visuais, são definidos por Prestes como “transcriações interpoéticas”, e dividem-se em
“poemas-críticos” e “prosa metapoética”:
Campos tem produzido textos originais e variados quanto a suas
estruturas e formas de diálogo com as obras motivadoras. Essa
diversidade de textos é mais um elemento que impulsiona meu
pensamento de que eles estão estruturados semelhantemente às obras que
os originaram. (...) os textos de Haroldo de Campos sobre artes visuais
são únicos se comparados à crítica de arte convencional. Por questões
operacionais da pesquisa, sobretudo didáticas, separei os textos
escolhidos em grupos distintos: Poemas-Críticos; Prosa Metapoética; e
Críticas Propriamente Ditas. É claro que me detive nos dois primeiros
grupos, uma vez que a eles pertencem os textos que podem efetivamente
ser considerados “traduções” ou “transcriações interpoéticas” das obras
de arte motivadoras, porque há um grau mais elevado da manifestação da
função poética da linguagem nesses dois grupos textuais. (Op. Cit., p.78)
Prestes chama atenção para os “vínculos paramórficos” estabelecidos entre os
textos e as obras motivadoras, que seriam decorrentes da preocupação de Haroldo de
Campos em articular estruturalmente a função poética junto com a metalingüística,
promovendo uma crítica com invenção, essa última marcada pelas características da obra a
que se refere. A presença desses vínculos permite observar os textos de Haroldo como
“traduções”, como Prestes fez questão de frisar. O autor é convicto em afirmar que a crítica
pode ser uma tradução, dado que qualquer tradução “pressupõe necessariamente uma
análise da obra a ser traduzida”, e muitas vezes a escolha da obra a ser traduzida decorre de
uma análise, que leva a uma tomada de atitude (crítica, portanto) por parte do tradutor.
Toda a tradução criativa é “essencialmente avaliativa”, dado que parte da leitura crítica, e
produz um “novo original”, mesmo que inspirado na obra anterior. (Ibid., p. 32)
Para Prestes, em consonância com as idéias de Haroldo de Campos, a solução
para o problema da impossibilidade de tradução de textos estéticos encontra-se no conceito
de “isomorfia”, oriundo da química, que representa uma “semelhança operativa”, algo
“mutuamente referencial” entre o original e a tradução. Apesar de ser elaborado em outro
sistema artístico, o texto recriado é um “produto estético isomórfico” ao “texto motivador”,
73
pois são semelhantes na maneira peculiar com que os artistas utilizam esses códigos para a
criação das mensagens estéticas. (1997, pp.33-34) Prestes dedica parte de sua dissertação à
análise dos textos de Haroldo e das obras visuais que os motivaram, identificando paralelos
nas estruturas dos dois, a partir da leitura atenta de um e de outro.
Segundo Prestes, seu trabalho ocupa-se de “levantar as relações paramórficas
entre obras motivadoras e textos motivados” nessa produção de Haroldo de Campos, que
ele definiu como uma mescla de transcriações e traduções intersemióticas: “transcriações
interpoéticas”. Nelas, fica realçado o “diálogo do signo interpretado com o repertório do
intérprete”, expandindo o espaço da interpretação na tradução, uma vez que o que está em
questão é a função poética dos signos. Prestes chama atenção para o fato de que o resultado
da tradução de uma obra de arte deve ser necessariamente outra obra de arte, um signo
novo e autônomo. Seu procedimento metodológico reside predominantemente na análise
comparativa das formas envolvidas, buscando nelas fatores de identificação. (Ibid., p. 212)
Entre os desenhos de Mira Schendel e o poema de Haroldo de Campos referente
a eles, por exemplo, Prestes percebe uma tentativa do poeta de repetir os fatores de síntese e
redundância que caracterizam a obra visual. Para isso, elabora um texto enxuto e sem
pontuação, com destaque para as aliterações (que são redundâncias), além da forma do
poema (verso livre), que de certo modo, imita a liberdade dos desenhos. Já no texto para a
série Anamorfas, de Regina Silveira, Prestes destaca que Haroldo de Campos faz uso de
palavras-montagens (ao modo de James Joyce), que entram em sintonia com a ambigüidade
das imagens. Para ele (Ibid. p.109), o poema recria as imagens das obras visuais através de
associações dos substantivos que designam os objetos visuais representados com prefixos,
adjetivos e outros substantivos, na tentativa de reconstruir as deformações pelas quais as
imagens passam nas obras da artista. No Polipoema para Mary Vieira, Haroldo busca
reinventar o prazer lúdico proporcionado pela escultura Polivolume Disco Plástico, e assim
por diante, adota procedimentos similares com a obra de outros artistas.
16
16
Um caso particularmente interessante entre os estudados na dissertação é A Criação do Mundo & o Tempo,
poema elaborado a partir da série homônima do pintor José Roberto Aguilar, a qual, por sua vez, era uma
transcriação da versão de Haroldo (outra transcriação poética) da parte inicial do livro de Gênesis, intitulada
A Cena da Origem. Temos, portanto, uma seqüência de três transcriações a partir do trecho bíblico, que
buscam “suscitar qualidades e sentimentos semelhantes” ao original, revestindo-o sempre de uma nova forma.
74
Passaremos em seguida às formulações teóricas de Aguinaldo Gonçalves, a
começar pelo livro Transição e Permanência, onde o autor analisa as relações entre a obra
do poeta João Cabral de Melo Neto e o legado do pintor Joan Miró. Para Gonçalves (Op.
Cit., p. 24), ocorre na poesia de João Cabral um tipo especial de figurativização na qual se
constrói uma identidade formal entre o “sistema verbal” usado pelo poeta e o “sistema
plástico” do pintor. A predileção de Cabral pelas artes plásticas é sabida, e mesmo a
influência dessas sobre a sua produção. Analisando as estruturas fundamentais do livro de
poemas A Educação pela Pedra sob a perspectiva da “poesia do olho”, aquela que só é
possível se perceber através da “dimensão integradora do signo verbal à sua potencialidade
icônica”, Gonçalves percebe que as mesmas constituem com as obras de Miró “homologias
estruturais”. (p.25) O autor define melhor o conceito da seguinte forma:
Mais que uma busca de correspondências entre os elementos mínimos
constitutivos de cada uma das duas artes (cor-som, linha-sintaxe, etc.),
acredito num princípio consciente de construção, em que esses elementos
são utilizados como ingredientes, mas em relação aos demais, próprios de
cada sistema. São procedimentos construtivos que podem ser aprendidos
por um e outro artista, da arte vizinha, e são eles responsáveis pela
homologia estrutural entre as artes. (Op. Cit., p. 168)
Segundo Gonçalves, o texto de Cabral possui um tipo de linguagem cujo “plano
de expressão se manifesta homólogo ao plano de expressão da linguagem da pintura” em
Miró. O autor observa que a questão da homologia estrutural entre as artes, sobretudo entre
poesia e pintura, acentuou-se bastante no século XX, independente da intenção dos artistas
buscarem ou não suas bases criativas explicitamente nos procedimentos de outro. Mas o
diferencial do caso estudado é que Cabral conhecia bem os procedimentos criativos de
Miró, de modo que, entre as diversas influências que marcaram seu trabalho, esta teve uma
função fundamental. (1989, p. 26)
Gonçalves denomina “intersemioticidade” o fato de certos modelos estruturais
criados pelo pintor ocorrerem de modo homólogo na obra de Cabral. A influência de um
Prestes afirma que as obras compõem, a partir de seus resultados em diferentes matérias, pictórica e poética,
uma “sinergia dialógica”. (1997, pp. 207-211)
75
sistema em outro amplia os campos de possibilidade de realização em cada meio através do
estabelecimento de intercâmbios entre os códigos e os procedimentos que lhes são próprios.
Gonçalves lembra a citação de Vassily Kandinsky: “uma arte pode aprender da outra o
modo com que se serve de seus meios para depois, por sua vez, utilizar os seus da mesma
forma; isto é, segundo o princípio que lhe seja próprio exclusivamente.” (Ibid., p. 27) A seu
ver, ela ilustra bem os procedimentos adotados por João Cabral:
Observando algumas gravuras de Miró, pude perceber que o mesmo
processo de composição era utilizado por ele em trabalhos cuja
macroestrutura se mantinha praticamente a mesma, enquanto os
elementos figurativos acrescentados e alterados nem sempre se
evidenciavam aos olhos do observador. Em Cabral, essa técnica revela o
ponto alto das relações intertextuais, pois as composições emparelhadas
apresentam vários tipos de nuanças no esquema de alteração, criando, às
vezes, uma aparente identidade entre os textos. (Op. Cit., p. 121)
A aliança entre um profundo racionalismo criador e uma sensibilidade não
menos profunda são características que Gonçalves aponta como comuns em Cabral e Miró,
bem como a busca de rupturas constantes com a lírica tradicional (Cabral) e com a pintura
clássica (Miró). Ambos também revelam a busca de um dinamismo, em dois sentidos: a
superação dos seus próprios mecanismos de composição, e o tipo de mobilização que suas
obras conseguem provocar na consciência do fruidor. (Ibid., p. 129) Algumas das obras dos
dois autores analisadas por Gonçalves também se assemelham pelo fato de serem recriações
de outras obras, como no caso da pintura Interior Holandês, recriação do quadro O Tocador
de Alaúde (Séc. XVII), e o poema Quaderna, de Cabral, inspirado em Carta aos Puros, de
Vinícius de Morais. As duas versões, segundo Gonçalves, subvertem as criações originais,
desvinculando-as das regras tradicionais e da conceituação clássica de beleza. (Ibid., p.148)
No livro de poesia A Educação Pela Pedra, de João Cabral, Gonçalves percebe,
além da influência de Miró, a do surrealismo em geral, e do cubismo, que seriam cada vez
mais presentes em trabalhos futuros de Cabral. Também são percebidos traços do
neoplasticismo holandês, como o uso da oposição “simetria/dissimetria” e dos quadrados e
retângulos na formação dos blocos estróficos dos poemas de A educação pela pedra, que
marcam a influência de Mondrian sobre João Cabral. Para Gonçalves, o sincretismo que
76
determina a construção de A educação pela pedra é marcado pela presença de
procedimentos próprios de outros sistemas, mas não retira de seu “meio” a especificidade
de sua natureza. (1989, p. 21)
As reflexões finais do livro apontam para a compreensão da arte como um
fenômeno cuja unidade é dada pela “supremacia da orientação estética”, independente da
variedade de materiais utilizados e da diversidade dos objetivos dos diversos ramos da
criação artística. O fato de a poesia, por exemplo, se valer da linguagem dos signos
“simbólicos”, e a pintura da dos signos “icônicos”, determina “lutas distintas em busca de
um mesmo alvo.” (Ibid., p. 173) Para o autor, existe na obra de arte um componente
mobilizador das nossas condições existenciais que determina a sua natureza, independente
de se manifestar como um símbolo poético ou uma imagem visual. Gonçalves lembra que,
no processo criativo, ou no “profundo processo de depuração do signo”, a arte “arrasta
resíduos do mundo e com isso arrasta resíduos da vida pessoal” (p. 174), e cita Malraux,
para quem “a obra de arte não é criada a partir da visão do artista, mas a partir de outras
obras”. (p. 24)
Posteriormente, em Laokoon Revisitado, Aguinaldo Gonçalves deu
continuidade a esse raciocínio. Nesse livro, as relações entre o Livro II da Eneida de
Virgílio (Séc. I a. C.), onde o poeta conta o castigo sofrido por Laokoon, e a escultura em
mármore Laocoonte, de Alexandre de Rodes (50 a. C.), dão margem a uma nova série de
interpretações. A questão da homologia estrutural é a meta principal do trabalho, mais uma
vez a homologia entre pintura e poesia, entre o “sistema plástico-pictórico” e o “sistema
poético”. Para o autor, tais relações ocorrem, sobretudo, em obras que, além de se valerem
de seus próprios meios, ampliam suas possibilidades expressivas recorrendo a
procedimentos de outras artes, sem gerar concorrência entre os gêneros, mas “mútuas
iluminações”. (Op. Cit., p. 18)
Segundo Gonçalves, o estudo crítico das analogias entre pintura e poesia
remonta à Antigüidade, foi retomado a partir do Renascimento e intensificou-se no século
XX. Entretanto, foi perturbado por visões tendenciosas que privilegiavam ora o texto, ora a
imagem, e costumavam forjar correspondências, elevando-as ao nível de identificação. A
necessidade de definição da arte, acentuada nas atividades filosóficas do séc. XVIII (em
77
Emmanuel Kant, por exemplo), somada à necessidade de sua valorização frente às ciências
humanas, foram fatores que impulsionaram os estudos comparativos, que normalmente
buscam traçar paralelos entre as artes temporais (poesia e literatura) e as artes visuais.
(Ibid., pp. 19-29)
Analisando o livro Laokoon, de Gotthold Lessing, muito difundido no meio dos
estudos comparativos, e que se debruça sobre as mesmas obras de arte por ele estudadas,
Gonçalves observa que o autor ressalta a necessidade de divisão das artes e dos gêneros
dentro de cada arte (escultura, poesia épica e poesia dramática), bem como o
reconhecimento da existência de limites para essa divisão, o que será questionado por
Gonçalves. (1994, p. 41) Para ele, a visão de Lessing é essencialmente racionalista,
estabelecida simplesmente a partir de normas que distinguem os princípios de
funcionamento de cada arte: na poesia o estático converte-se em ação, enquanto na pintura
não se pode representar uma ação senão de modo estático. Lessing baseia-se ainda na
norma de que um quadro pode oferecer ao espectador o aspecto de todo o objeto de uma só
vez, enquanto a poesia tem de descrever seu objeto parte a parte no tempo. Segundo
Gonçalves (Ibid., pp. 69-71), essa concepção é visivelmente ultrapassada, e todas as artes
possuem um aspecto temporal e um espacial, respeitando, obviamente, a predominância de
um ou de outro. Por isso, considera inadmissível que possamos encontrar ainda hoje teorias
influentes no campo da estética, completamente inspiradas nos fundamentos de Laokoon.
Para pensar de modo mais adequado as questões que implicam o uso de recursos
de um sistema de signos para outro, Gonçalves recorre mais uma vez a Kandinsky:
A comparação entre os meios próprios de cada arte e a inspiração de uma
arte em outra, só é válida se não for externa, mas de princípio. Quer
dizer, uma arte pode aprender com outra o modo com que se serve de
seus meios para depois, por sua vez, utilizar os seus da mesma forma;
isto é, segundo o princípio que lhe seja próprio exclusivamente. Nessa
aprendizagem, o artista não deve olvidar que cada meio tem uma
utilização idônea e que a questão é tratar de encontrá-la. (Op. Cit., p. 208)
Os procedimentos construtivos de uma arte podem ser capturados por outro
artista, da arte vizinha, constituindo a homologia estrutural entre as artes. Esta contém
analogias entre os sistemas artísticos envolvidos, perceptíveis a partir de uma análise de
78
suas estruturas através da qual poderemos perceber as correspondências “fisiológicas” entre
as duas artes. (1994, p. 225) Exemplo disso é a análise que Gonçalves faz das
correspondências entre o poema Soidão, de Oswald de Andrade, e a pintura A Árvore
Vermelha, de Mondrian. (pp. 232-246) Nela o autor detecta um princípio construtivista
similar que os aproxima: “o poema enquanto processo de reconstrução ou de recuperação
polissêmica do arcaísmo, e o quadro, baseado num processo de desrealização icônica.” Para
ele, a relação entre essas obras permite falar de uma “linguagem total”, que constitui uma
unidade “não-explícita, mas latente, “que deve ser perseguida” nas análises.
Outro autor cujas obras podem contribuir em nossa busca por percursos
possíveis para o estudo da tradução de poesia através de diferentes meios é Claus Clüver,
que publicou On Intersemiotic Transposition, texto com reflexões iniciais sobre a
“transposição intersemiótica”. Elas remetem a um conto no qual um candidato à Academia
Imperial de Pintura Chinesa no século VIII pintou, a partir do verso “Deep mountains,
somewhere a bell”, a figura de um macaco com uma mão no ouvido, parado diante de
algumas montanhas. Tanto um leitor oriental quanto um ocidental, segundo Clüver, em
suas diferentes perspectivas de leitura, perceberiam uma “equivalência de essência” entre
os dois. Independente de ser considerado ou não uma tradução, fato que iria variar de
acordo com os valores críticos de quem lê, a figura evoca uma realidade que não é
diretamente “representada” pelas palavras, mas sim “ligada” a elas.
Segundo Clüver (Op. Cit., p. 56), alguns críticos poderiam comentar que, para
ser considerada uma tradução, a figura deveria servir como uma substituição “self-
contained” do original. Ao invés disso, essa figura, se separada do texto verbal, permite
uma grande variedade de interpretações, algumas delas completamente diferentes daquilo
que o verso do poema quer dizer, o que, definitivamente, o descaracterizaria como uma
tradução. No entanto, não deixaria de ser uma pintura do verso original. Ao compará-lo
com a tradução inglesa de um poema espanhol, por exemplo, Clüver observa que o leitor
não estaria abordando-o da mesma maneira que abordaria se soubesse que se trata de um
texto original. Mas o poema original seria normalmente substituído por sua tradução,
enquanto o verso chinês não foi substituído pela pintura. O autor considera que, se
aceitamos a idéia de que um poema inglês pode ser recriado como um poema espanhol,
79
deveríamos também aceitar que uma pintura pode ser traduzida em um poema. Para Clüver,
encontrar equivalentes em um sistema semiótico diferente pode ser mais difícil, e os
sacrifícios podem ser maiores, mas uma “transposição intersemiótica” bem sucedida não é
menos possível do que uma tradução interlingual bem sucedida de um poema. (p. 61)
Segundo o autor alemão, o tradutor de um poema decide quais aspectos formais
são indispensáveis em sua recriação, baseado nos hábitos interpretativos de sua audiência.
Ele pode, por exemplo, sacrificar a significação de um verso em detrimento da preservação
do ritmo ou da sonoridade. Do mesmo modo, no caso de uma transposição intersemiótica,
as intenções de quem transpõe definem a importância e o sentido do que será transposto.
Um poema pode estabelecer diferentes relações com a obra na qual se baseia: pode ser uma
interpretação, uma meditação, um comentário, uma crítica, uma imitação, uma
contracriação ou outras coisas, mas todos evocarão uma imagem mental da obra original,
derivada dos vestígios dela que descobrimos na tradução. (Ibid., pp. 61-69)
Analisando as distorções que ocorrem em relação ao original numa transposição
intersemiótica, o autor lembra que elas podem tratar-se de um ato calculado para obter um
efeito especial.
17
(1989, pp. 70) Observa também o modo como o conceito de
“transcriação” é trabalhado por Haroldo de Campos, no qual, segundo ele, liberdades que
seriam questionáveis em traduções “convencionais” são freqüentemente tomadas, às vezes
sacrificando a fidelidade semântica em função de uma melhor equivalência formal e
estilística. No entanto, essas iniciativas ainda são compreendidas como “traduções”, no
sentido mais flexível atribuído por Roman Jakobson
18
, para quem a estratégia adotada pelo
tradutor depende da função que o novo texto pretende desempenhar. Essa função pode
justificar a estrondosa presença da voz do tradutor, com suas distorções e omissões. (pp.
75-76)
Apesar de Clüver considerar os signos verbais inadequados para traduzir dados
visuais (dada à violência sofrida pelo texto visual nesse processo), o autor ressalta que as
17
Clüver cita o caso das traduções de Ezra Pound, que já foi abordado neste trabalho. (ver item 2.2.)
18
O autor observa também que, ao incluir a reformulação intralingual como categoria, Jakobson fez o conceito
de tradução mais flexível do que normalmente aparece. Ele implica que a identidade de uma mensagem não
deve ser considerada necessariamente dependente da identidade de formulação. A questão é em que ponto
uma nova formulação tem alterado a mensagem. Essa decisão depende muito do contexto no qual a
mensagem é usada, e de seus usuários.
80
transposições intersemióticas trabalham com signos que permitem a construção de um
significado muito similar ao significado construtível do signo original, em outro sistema de
signos. Mas é importante ter sempre em mente que os significados são conferidos pelos
leitores de acordo com os códigos, convenções e normas interpretativas mantidas por suas
comunidades. Às vezes, é preferível apontar para as diversas possibilidades de
interpretação, mais do que “explicitar um próprio juízo”; por outro lado, significados quase-
idênticos podem ser construídos a partir de dois textos em diferentes sistemas de signos.
Clüver lembra também da diversidade de atitudes que fizeram crescer o conceito de
tradução, como a imitação, a adaptação, o pastiche, a paródia e, de maneira geral, toda
interpenetração de obras e discursos. (Ibid., pp. 83-84)
No texto Interarts Studies: an Introduction, percebe-se a evolução do
pensamento de Clüver no que diz respeito à compreensão das relações entre diferentes
sistemas de signos. Dessa vez, o foco passa para o questionamento dos limites entre os
sistemas de signos das diferentes disciplinas das artes, e o que existe além, em comum a
todas elas. Para o autor, a estrutura herdada das disciplinas acadêmicas, que divide as artes
em escultura, pintura, dança, poesia, etc., e o tipo de tratamento por elas dado têm, há muito
tempo, provado ser inapropriado para aplicar-se a muitos fenômenos culturais do cenário
contemporâneo, onde os textos
19
multimídia e intermídia predominam.
Segundo Clüver, o surgimento de novas tecnologias e a “explosão” das mídias
no séc. XX trouxeram novas formas de texto, que não cabem mais dentro da divisão das
antigas disciplinas. O interesse então passou a ser focado nas dimensões que haviam sido
obscurecidas pela visão tradicional. Explorando-as, ocorreu que certas classes de texto,
como intermídia e multimídia, que já existiam anteriormente, acabaram sendo re-
descobertas e re-avaliadas pelos pesquisadores. Formaram-se assim novos discursos
transdisciplinares, envolvendo antropologia, lingüística, psicologia, ciência cognitiva,
semiótica, comunicação, entre outros, que trouxeram modelos para a transformação dos
“estudos comparativos” entre as artes em “estudos interartes”. (Op. Cit., pp. 2-3)
19
Clüver chama de texto todo o conjunto de significantes, independente do sistema envolvido, por exemplo,
texto verbal, texto visual, texto musical, etc.
81
O objeto vigente dos estudos interartes é, ainda segundo Clüver, o conjunto de
relações existente entre, ao menos, dois textos, que comportam duas visões. Um estudo que
trata um logo de publicidade como um poema concreto, por exemplo, discutindo-o em
conjunção com outros poemas concretos, em termos de suas propriedades verbais e visuais,
precisa entendê-lo a partir de outras visões, que não simplesmente a da persuasão. Mas
Clüver fala também de conexões bem mais complexas, que acomodam diversos sistemas de
signos, como o carnaval brasileiro, o cabaré, muitos tipos de song-and-dance
performances, o balé, entre outros, que oferecem, por si próprios, amplo material para os
estudiosos das relações interartes, sem necessitar de comparação com outras realizações.
Tentar traçar uma tipologia para todos esses textos demandaria, segundo Clüver, uma
quantidade imensa de diferenciações, dado os percursos nos quais as diversas mídias e os
sistemas de signos envolvidos estão interconectados. (Ibid., p. 7) No trecho a seguir, o autor
comenta a amplitude dos estudos interartes:
O leque dos Estudos Interartes parte dos estudos de fontes, passa por
questões de periodicidade, problemas de gênero e transformações
temáticas, até alcançar todas as formas possíveis de imitação que
ocorrem através das fronteiras entre mídias (em formas e técnicas
estruturais, tendências estilísticas, e outras mais). Os Estudos Interartes
abrangem, além disso, aspectos transmidiáticos como possibilidades e
modalidades de representação, expressividade, narratividade, questões de
tempo e espaço em representação e recepção, bem como o papel da
performance e da recitação. Incluem também conceitos cunhados pela
Teoria da Literatura. (2006, p. 16)
As relações estabelecidas entre as obras num processo de tradução também são
um objeto dos estudos interartes, normalmente analisadas pela perspectiva da
intertextualidade, da reescritura, entre outras abordagens relativas às influências que uma
obra exerce sobre a outra. Para Clüver, os desenvolvimentos da teoria da tradução afetam
os percursos nos quais essas relações são percebidas nos estudos interartes. Relações
entendidas como “versões” de tradução ganharam destaque, mas “reescritura” acaba sendo,
segundo Clüver, o conceito mais auxiliar para pensar essas traduções. (1993, p. 10)
Clüver observa que os estudos que optam por tomar o conceito de “reescritura”
como perspectiva para observar as relações de determinados textos com outros pré-
82
existentes, trabalham normalmente com objetos da prática artística contemporânea. Esses
estudos tendem a ver a relação do texto-fonte com o texto-alvo a partir da perspectiva do
último, ao contrário dos estudos mais tradicionais. A função do texto-alvo recebe particular
importância, principalmente observando suas diferenças em relação ao texto-fonte. De
acordo com Clüver, algumas preocupações dos estudos tradicionais, como a comparação
entre textos compostos em diferentes sistemas de signos, ou a determinação de
correspondências entre eles, ainda eram merecidamente tomadas pelos estudiosos, pelo
menos até os anos 90. (Ibid., p.21) Mas segundo ele, os teóricos e historiadores da música e
das artes visuais que olham além das fronteiras disciplinares das artes, podem prover novos
modelos, e esses, com suas teorias e métodos, definir o futuro dos estudos interartes para as
diferentes disciplinas. (p. 24)
Segundo Clüver, enquanto a leitura de um texto que foi traduzido de uma língua
verbal em outra normalmente dispensa o conhecimento do original para ser entendido, a
dança e a música, por exemplo, quando baseados em uma narrativa verbal, pressupõem que
a audiência a conheça. Entender um espetáculo de dança como uma “transcriação” de uma
narrativa verbal requer, segundo o autor, processar os signos criados por corpos em
movimento, normalmente junto com signos musicais, e relacionar isso com uma versão que
lembra aquela narrativa. (1993, p. 10) O autor alemão lembra também outro tipo de
influência, aquela que ocorre entre grupos de textos, em duas ou mais artes, que
representam um determinado gênero ou movimento, ou textos estruturados de acordo com
outros, que importam suas técnicas, como os “retratos musicais”, os “arabescos literários”,
“poemas sinfônicos”, entre outros. Normalmente são casos complexos de serem analisados,
pois nos processos criativos contemporâneos nem sempre se pode distinguir se o contato
entre as obras é proposital ou espontâneo, fruto dos desenvolvimentos ocorridos em todas
as artes. (p. 11)
Traçando uma linha evolutiva, Clüver observa que, no início do séc. XX, a
atenção era voltada para as “fontes” e “influências” nas quais os artistas se baseavam para
fazer suas obras, onde encontravam suas inspirações, e como essas se manifestavam num
novo conjunto orgânico. Nas décadas recentes, a compreensão do texto como um conjunto
mais auto-suficiente estabeleceu uma visão complexa, onde este é considerado uma
83
atividade sócio-cultural, que dialoga simultaneamente com muitas influências. As vias
pelas quais um artista recebe textos que foram criados em diferentes sistemas de signos são
atualmente de extrema relevância, bem como as questões relativas à apropriação
intersemiótica. (Ibid., pp. 14-16) Para Clüver, tornou-se corrente a idéia de que um texto é
uma realização particular das possibilidades inerentes em um ou mais sistemas de signos, e
que a construção de seus significados atua em uma ampla área de diferentes códigos. A
percepção do papel dos códigos e seu uso tem tido um particular impacto no
desenvolvimento da crítica teórica e, conseqüentemente, também na teoria e prática dos
estudos interartes. Mas a hipótese de que o significado reside no texto pelo interplay de
suas estruturas internas foi substituída pela consideração do papel dos leitores, e da cultura
a qual pertencem. Segundo Clüver, a capacidade dos textos ditarem “os códigos a serem
ativados na interpretação” é limitada, e as influências exercidas nos leitores dependem
menos no texto em si próprio que da “comunidade interpretativa” ao qual o leitor pertence.
(p. 21)
Na visão de Clüver, os únicos modelos teóricos compatíveis com grande parte
dos textos artísticos contemporâneos são os amparados pela perspectiva dos estudos
interartes. O autor faz questão de alertar, no entanto, que trabalhar um caso de estudo
interartes não equivale a estabelecer a criação de uma nova disciplina, para igualar-se às
existentes. Numa reflexão autocrítica, Clüver chega a apontar que o prefixo “inter”, de
estudos interartes, talvez até não seja o mais adequado para definir um modelo que
desconsidera e ainda recusa as fronteiras disciplinares. Para ele, talvez “estudo
transdisciplinar das artes” seja mais propício. Os rótulos, lembra Clüver, não são
desimportantes, e a alteração de nomes não tem impedido o crescimento e desenvolvimento
dos estudos interartes. O autor considera que, até que haja uma estrutura institucional
adequada, os estudos interartes devem ser desenvolvidos nas estruturas atualmente
existentes. (Ibid., p. 25)
O uso do conceito “interartes” volta a ser colocado em dúvida num artigo
recente de Clüver, intitulado Inter Textus / Inter Artes / Inter Media, onde é considerado
“cada vez mais equivocado e questionável”. (Op. Cit., p. 12) Nesse texto, o autor apresenta
um percurso que inicia abordando a “intertextualidade” entre obras, representada pelos
84
estudos comparativos e as buscas de analogias, passando em seguida às descrições dos
estudos interartes para, finalmente, chegar à abordagem da “intermidialidade”. Este último
conceito é oriundo, segundo Clüver, da bibliografia alemã, e se assemelha muito aos
estudos interartes
20
, exceto pelas particularidades significantes que o termo “mídia” possui
no contexto dessa língua.
Clüver destaca que o conceito “intermidialidade” é abrangente e, aparentemente,
cobre todas as formas possíveis de relação entre sistemas de signos, como as relações
intertextuais entre obras, as relações entre mídias em geral (intermidiáticas), as
transposições de uma mídia para outra (transposição intersemiótica), e a união (fusão) de
mídias, como nos textos multimídia, intermídia e mixmídia. (Ibid., pp. 14-24) Abrange
também todas as disciplinas tradicionais das artes, como música, literatura, dança, artes
plásticas, além de arquitetura e formas mistas, como ópera, teatro e cinema, e ainda todas as
“mídias”
21
e seus textos: televisão, rádio, mídias impressas, eletrônicas e digitais, etc. (p.
18). As diversas formas de combinação entre as mídias, suas transformações e
transposições, enfim todas as formas de relação intermidiática são passíveis de serem
analisadas através da “intermidialidade”, que serve como um termo geral para definir uma
abordagem aos modos específicos de relação dessa natureza. (p. 31)
A abordagem dada a essas formas mistas normalmente começa, segundo Clüver,
pela investigação das relações entre os elementos sígnicos e midiáticos nela contidos,
independente da área de interesse maior em que são estudados. (Ibid., p. 19) Clüver observa
que quase todas essas formas de comunicação (mídias) receberam atenção individual da
área de estudo de cada uma, isoladamente. Essas disciplinas têm consciência da sua
identidade e desenvolveram seus próprios métodos de abordagem, considerando as mídias
às quais estão apegadas como objetos de suas análises. Enquanto os teóricos das mídias
trabalham com formas mistas e com a ação conjunta de elementos verbais, visuais,
auditivos, cinéticos e performativos, os estudiosos das artes tradicionais, segundo o autor,
20
Assim como os estudos interartes, também busca pensar as formas mistas de arte realizadas com qualquer
meio de comunicação.
21
Cabe considerar aqui a definição de “mídia” para Werner Wolf: “um meio de comunicação
convencionalmente distinto, especificado não só por canais (ou um canal) de comunicação particular(es) mas
também pelo uso de um ou mais sistemas semióticos que servem para transmitir mensagens culturais”. (Apud
Clüver, 2006, p. 34)
85
“têm dado pouca atenção a essas formas mistas que surgem em seu âmbito e não
desenvolveram quaisquer métodos adequados que lhes fizessem justiça”. Para Clüver, os
estudos interartes, que atualmente são usados, sobretudo no universo dos estudos literários,
devem ser compreendidos e ampliados pela visão das mídias. O autor alerta que, no futuro,
provavelmente os estudos interartes passarão a ser chamados de “estudos intermidiáticos”,
e que ainda há muito trabalho teórico a ser feito na construção dessa área. (p. 37)
As perspectivas e métodos de abordagem apresentados até aqui compõem um
panorama vasto e variado, do qual buscaremos extrair subsídios necessários para pensar a
transcriação de poesia através de diferentes mídias. As análises que serão feitas a seguir
abrirão espaço para revisitar questões apontadas pelos autores que vimos, estabelecendo
diálogos que visam resgatar e colocar em debate as idéias, os conceitos e a terminologia
apresentados. Os diferentes tópicos abordados serão inseridos gradualmente, ao longo da
apresentação dos casos práticos, de acordo com sua adequação a cada transcriação
realizada. A aproximação de idéias oriundas de estudos com naturezas diversas concederá
certo ineditismo a esta abordagem. Nossa expectativa é construir um conjunto de reflexões
e análises do qual esperamos extrair conclusões sobre o melhor modo de definir e
caracterizar as diferentes estratégias de transcriação que adotamos nas realizações práticas.
86
87
SEGUNDA PARTE
Descrição e análise de casos práticos.
88
89
Introdução à segunda parte
O conjunto de reflexões apresentado na primeira parte desta tese envolve
uma série de referências oriundas, sobretudo das teorias da tradução, dos estudos
comparativos entre as artes, da teoria da tradução intersemiótica e dos estudos interartes.
No debate acerca da tradução, destacamos o particular interesse pela poesia e pelas
especificidades de traduzir poemas. Conforme vimos, a maioria das opiniões aponta para o
fato de que é impossível traduzir um poema entre duas línguas diferentes, cabendo ao
tradutor a tarefa de recriá-lo, ou “transcriá-lo”, como definem alguns autores, na língua de
chegada. Nossa proposta agora é avaliar como essa questão pode ser adequada à tradução
de poesia entre diferentes mídias. Já de imediato, identificamos alguns questionamentos
que se apresentam diante dessa possível adaptação. Se só é possível a “transposição
criativa” de poesia, de que forma esta pode dar-se, quando ocorre em outra mídia? Como se
relacionam o original e sua transcriação, adaptada as características de outro meio? De que
modo a transcriação incorpora os traços desse novo ambiente?
Gostaríamos de justificar uma vez mais o destaque dado ao conceito de
“transcriação” neste trabalho, visto que esse representa um ímpeto de intervenção inventiva
na obra original que parece ser muito fértil também para traduções que se dão através de
diferentes mídias. Isso decorre, sobretudo, das singulares possibilidades de realização que
esse tipo de tradução produz, e da busca da superação dos contrastes entre as linguagens da
mídia de partida e a de chegada. Transcriar poesia através de diferentes mídias promove a
produção de analogias que envolvem signos de outras naturezas, não-verbais, que
constituem um amplo repertório, amparado pelos recursos que o desenvolvimento
tecnológico oferece. O próprio conteúdo verbal pode ser manipulado, adquirindo variações
de forma e sendo posto em diálogo com sons e imagens das mais diferentes origens. Mas
não nos referimos a gerar significados que representem literalmente o conteúdo do poema
em outro meio, e sim que dialoguem com o original, apontando novas direções e
reinventando-o a partir das qualidades da nova mídia envolvida. Deve ficar bem claro, mais
uma vez, que a intenção da transcriação através de diferentes mídias não é transpor o
90
poema e sua dinâmica de funcionamento para outro meio, reconstruindo-o a partir de suas
características principais. Isso estaria muito mais próximo de uma tradução literal, ou
“servil”, para usar uma expressão de Haroldo de Campos que já citamos, entre as mídias.
Nossa finalidade com a transcriação é tomar essas características numa síntese e agregar a
esta novos traços, oriundos da imaginação do transcriador. Podemos importar, mais uma
vez, princípios da tradução interlingual de poesia, apontados por Haroldo de Campos
22
,
para complementar o que pretendemos propor:
O transcriador recodifica a informação estética do poema original no seu
próprio idioma, reconfigurando esta informação com os elementos da sua
língua, levada aos seus extremos limites sob o impacto da língua
estrangeira. Procurando compensar a perda, onde o poema não se presta a
“transcriação”, ele excogita soluções que poderiam ser inventadas na
língua de partida, e não foram porque se tratava evidentemente, de outra
língua que não aquela de chegada. Nessa operação tradutora radical, o
transcriador pode inventar paralelamente dentro daquele impulso criador
original.
No caso da transcriação através de diferentes mídias, surgem algumas nuances
em relação a essas afirmações, que devem ser observadas para melhor entendermos seu
funcionamento. Utilizando outra mídia, o transcriador também “recodifica a informação
original”, como afirmou Haroldo de Campos no trecho citado, reconfigurando seus
elementos em outro código. Mas, no momento de compensar as alterações promovidas pela
troca de meio, entretanto, o tradutor não pode “excogitar soluções que poderiam ter sido
inventadas na língua de partida”, como define o autor. Tratando-se de suportes técnicos
com diferentes ofertas de possibilidades de realização, o tradutor não vai encontrar no
contexto do original as soluções que necessita para a tradução. Deve, no lugar disso,
“inventar paralelamente dentro daquele mesmo impulso criador original” e, desde o início
da transcriação, considerar que os problemas levantados por uma tradução através de
diferentes meios só encontrarão soluções se forem levados em conta insights criativos que
envolvam as características materiais do novo meio escolhido.
22
Entrevista concedida à Revista Galáxia (PUC-SP) nº 1, 2001, p. 42.
91
Para aprofundar nossa perspectiva sobre a transcriação de poesia através de
diferentes mídias, o presente trabalho será complementado, conforme já anunciamos, com a
realização de transcriações de poemas em vídeo, animação digital, recursos eletrônicos de
áudio e nanoescrita. Todas as transcriações encontram-se no DVD anexo a esta tese. Essa
iniciativa busca fornecer unidade à trajetória da pesquisa, permitindo que as idéias obtidas
no plano das operações conceituais dialoguem com os casos práticos. Observados esses
casos, esperamos alcançar subsídios suficientes para extrair conclusões que definam
algumas estratégias de transcriação de poesia para mídias eletrônicas e digitais.
92
93
CAPÍTULO 1
TRANSCRIANDO POESIA COM VÍDEO
94
95
1.1. Tarkovski Travelling
Apresentaremos neste capítulo duas transcriações, ambas realizadas com uso do
vídeo, intituladas Tarkovski Travelling e O Anti-Eisenstein. Tratam-se de “homenagens”,
no sentido poundiano, a dois diretores de cinema russos que constituíram traços autorais
personalíssimos no uso da linguagem cinematográfica: Andrei Tarkovski e Sergei
Eisenstein. Os videoartes (transcriações) tomam como ponto de partida a obra poética de
dois autores brasileiros contemporâneos: Paulo Franchetti e Paulo Leminski.
Tarkovski Travelling originou-se na leitura da série de haicais Viagem à Terra
Natal, de Paulo Franchetti, publicada em 1994, no livro Haicais. Franchetti mergulhou no
estudo e na prática do haicai no final dos anos 1970, a partir de sua pesquisa de mestrado
sobre poesia concreta, movimento para o qual a escrita chinesa, e conseqüentemente a
japonesa, eram referências importantes. Para entender o método ideogramático de escrita, o
autor começou a estudar japonês, vindo posteriormente a interessar-se por haicais, passando
em seguida a escrevê-los e traduzi-los. Em Viagem à Terra Natal o haicaísta constrói, como
o título sugere, um regresso à cidade onde passou sua infância, descrevendo as paisagens
mais típicas, as plantas mais freqüentes, os pássaros mais comuns, entre outros detalhes,
seguindo as temáticas que caracterizam o haicai e seu vínculo com a observação da
natureza. Em entrevista concedida para a presente pesquisa, Franchetti contou as
circunstâncias que envolveram a criação da série, escrita na ocasião de uma viagem entre
Campinas, cidade onde morava, e Matão, sua terra natal:
Eu estava num momento difícil da minha vida. Precisava tomar uma
decisão que afetaria outras pessoas além de mim. Uma dessas decisões
que não tem volta e que, contadas, nem por serem comuns, deixam de ser
extremamente dolorosas. Eu estava num supermercado, fazendo compras.
De repente, senti-me absurdo e sem capacidade de pensar em nada. A
idéia de voltar para casa com as compras tinha algo de ridículo e
insustentável. Então, apenas comprei um caderno e uma caneta
esferográfica, deixei o carrinho de compras num canto, entrei no carro e
peguei a estrada. Não sabia muito bem para onde ir, mas sabia que ia
escrever o que fosse vendo, um diário de viagem, entremeado de haicais.
Quando cheguei ao trevo da rodovia, decidi visitar a terra natal. Rumei
96
para a minha cidade, que é Matão, no interior do estado. (...) Fiz a viagem
como se fazem muitas viagens, aqui e em outras partes: como
simultaneamente uma distração da melancolia e uma busca de algum
conhecimento.
Os haicais selecionados da série para a transcriação ilustram diversos momentos
do percurso, e representam o modo como o bucolismo do ambiente é percebido pela visão
nostálgica do autor:
Árvores da infância --
E depois a monotonia verde
Dos canaviais...
Nem laranjas, nem café:
Apenas canaviais
Sob um céu vazio.
A igreja branca
Sufocada entre eucaliptos --
Aldeia de minha mãe...
Pelo espelho do carro,
Os campos que outrora foram
A casa do avô.
Cidade natal –
Até as flores do espinheiro
No mesmo lugar.
Parou de chover:
No ar lavado, as árvores
Parecem mais verdes.
Todas essas nuvens
Que se acumulam no céu do Oeste --
Parecem muros,
Mas a ninguém mais
Conseguem abrigar.
Chamam a atenção nesta série os confrontos temporais promovidos pelo olhar
do haicaísta, que tenta enxergar os detalhes vividos outrora pela perspectiva da infância,
mas não consegue deixar de constatar neles as marcas do tempo e as transformações
97
ocorridas nos lugares, nas coisas e em sua própria vida. Como ele mesmo comentou na
referida entrevista, o ponto principal da série é:
(...) o confronto entre a ordem imaginada no passado emocional e a
desordem do presente; entre a imaginação do lugar e das coisas passadas
e o seu reencontro sob o olhar do presente. A busca de algo que se
preservou na memória não tem como escapar ao choque entre esse lugar
sem tempo – que é a memória – e o tempo da lembrança, da evocação da
memória.
Transcriar os haicais dessa série utilizando o vídeo implicou explorar seu caráter
imagístico, visto que as imagens são o carro-chefe da linguagem desse meio, sem
desmerecer suas manifestações complementares. Se dispensarmos as imagens,
definitivamente, não estaremos mais falando de vídeo. A primeira questão que se
apresentou diante do desafio desta transcriação foi: de onde tirar as imagens necessárias
para transcriar os haicas? Constatamos então que essas só poderiam ser oriundas das
sugestões que os poemas suscitam, em suas mais variadas dimensões interpretativas. Uma
proposta literal de tradução seria gravar imagens das paisagens citadas pelo autor e inserir
os textos dos haicais em caracteres na tela, ou recitá-los no áudio. Mas para os objetivos de
uma transcriação se fazia necessário estabelecer analogias novas, com conteúdos que
estivessem fora do contexto aparente na obra original. A busca adquiriu, portanto, outro
direcionamento, passando a visar imagens que não são citadas nos poemas, mas que com
elas dialoguem. Só parecia possível recriar os haicais relacionando suas imagens com
outras, do repertório de quem se propõe a transcriá-los.
Durante uma das primeiras leituras que realizei dos haicais, chamou-me a
atenção o quanto a situação vivida pelo haicaísta lembra, muito de perto, a condição
experimentada pelo personagem Kris Kelvin, protagonista do filme Solaris, de Andrei
Tarkovski, um clássico de ficção científica baseado na obra de Stanislav Lem. Tanto na
série de haicais quanto no filme, os protagonistas deslocam-se para um lugar onde
encontram seu passado e passam a misturar suas memórias ao presente. Isso ocorre na
pequena cidade do interior de São Paulo (Matão), e no planeta Solaris, com sua superfície
amorfa cuja órbita causa alucinações a Kelvin. No último caso, pessoas da memória do
98
protagonista se materializam, transformando-se em lembranças vivas que passam a
conviver com ele.
A analogia entre essas duas situações foi o insight que motivou a transcriação. A
idéia foi aproximá-las, compondo uma unidade, de modo que o resultado final apresentasse
o original fundido a novos elementos, agregados por relações de similaridade. Assim, a
transcriação dos haicais de Viagem à Terra Natal gerou o videoarte Tarkovski Travelling,
um road video artesanal que intercala planos de uma viagem de automóvel (travellings
23
)
realizada entre as cidades de Campinas e Matão, com planos do filme de Tarkovski. Além
dessa semelhança principal, a transcriação aproveita ainda uma rede de analogias existentes
entre os universos das duas obras: a natureza como fonte de reminiscências, o bucolismo
das paisagens campestres da infância, o retorno ao lar e a relação dos protagonistas com
suas mães.
24
Na tentativa de exercitar amplamente as possibilidades de tradução através de
diferentes mídias, trouxemos para esta experiência os outros dois tipos de tradução citados
por Julio Plaza que, juntamente com a transcriação, compõem a tipologia da tradução
intersemiótica apresentada pelo autor: a transposição e a transcodificação. (ver item 3.2. da
primeira parte) Deste modo, realizamos um exercício que abrange simultaneamente os três
tipos, constituindo um exemplo das traduções que, segundo Plaza, proporcionam
cruzamentos de tipos ao serem avaliadas sob os parâmetros de sua classificação. Já
apresentamos algumas das características que nos permitem classificar esta tradução como
uma transcriação, também no sentido atribuído por Plaza. Passemos agora à transposição,
que conforme vimos é o tipo de tradução que se caracteriza pelo contato entre original e
tradução, onde a forma da original é apropriada e transladada para um novo meio. Em
Tarkovski Travelling isso ocorre, pois Franchetti lê seus poemas no áudio, e essa é uma
operação que constitui uma relação de contigüidade direta entre o texto escrito e sua leitura
em voz alta. Pareceu-nos importante que o original estivesse presente na voz de seu próprio
23
Termo técnico que designa o movimento de câmera onde o suporte que sustenta a câmera realiza um
passeio.
24
Ao nível das coincidências, cabe lembrar que a relação com o passado é um tema freqüente na obra de
Tarkovski, e encontra sua representação máxima no filme Nostalgia (1983). O cineasta se interessou também
por haicais, e se refere a eles no livro Esculpir o Tempo, alegando que a arte do haicai é um modelo a ser
seguido pelo cinema, pelo modo totalizante como o poeta se relaciona com a realidade. (Op. Cit., p. 124)
99
autor, como se estivéssemos reforçando sua origem e autoria.
25
Para finalizar a abordagem
à tipologia de Plaza, lembremos que a transcodificação é o tipo de tradução que depende de
uma convenção, de um código composto por correspondências arbitrárias estabelecidas
pelo tradutor. No caso de Tarkovski Travelling, foi utilizada como matriz para o código a
ser criado a própria estrutura convencional do haicai, com sua estrofe formada por três
versos, com 5, 7 e 5 sílabas, respectivamente. A estrutura 5-7-5 foi convertida na duração
dos planos de travelling apresentados no vídeo, de modo a formarem blocos com
seqüências de 3 planos, com 5, 7 e 5 segundos de duração cada.
Claus Clüver se refere aos “arabescos literários” e “poemas sinfônicos” como
textos estruturados de acordo com outros, que importam suas técnicas. (ver item 3.3. da
primeira parte) Temos nesta transcriação a tentativa de recompor a estrutura do haicai em
outra linguagem, através da preservação (simbólica), de traços constituintes da estrutura
formal de partida. Essa característica também coincide com os comentários sobre
“homologia estrutural” apresentados por Aguinaldo Gonçalves, visto que o procedimento
que adotamos busca uma “identidade formal entre diferentes sistemas”, uma
“correspondência fisiológica” entre as artes. (ver item 3.3. da primeira parte) Essa não se
faz necessariamente presente, como já havia observado o autor, através da
“correspondência entre os elementos mínimos constitutivos” de cada uma das artes
envolvidas (cor-som, linha-sintaxe, etc.), mas sim por um “princípio consciente de
construção” que é homólogo nas duas obras.
Os planos que compõem as estruturas triádicas de Tarkovski Travelling são
todos travellings de uma viagem de automóvel de Campinas a Matão, que refaz
parcialmente o percurso de Franchetti na ocasião da criação da série de haicais. Os blocos
de planos gravados se alternam com imagens da superfície do planeta Solaris e suas
agitações, que representam a intensidade com a qual o planeta está agindo no momento. No
videoarte, à medida que se aproxima a terra natal do haicaísta, as manifestações do planeta
começam a se fazer mais presentes e mais intensas, salientando que o encontro com o
25
Quando o autor lê sua obra se estabelece entre os dois, de certo modo, mais uma relação de contigüidade
(autor/obra).
100
passado e a memória está se tornando cada vez maior, até chegarmos à entrada da cidade,
onde ocorre o ápice dessa manifestação.
Na mesma entrevista citada anteriormente, o autor dos haicais comentou sua
impressão ao assistir Tarkovski Travelling:
Nunca tinha pensado nessa relação (dos haicais com o filme), até a ver no
videoarte. Solaris foi um dos filmes que mais me marcou. Então, quando
vi o videoarte pensei, como pensamos perante as obras de arte em geral:
puxa, como eu não tinha percebido isso antes? Juntar as cenas do filme
como intertexto das filmagens daquele caminho rumo ao interior, e nele
semear os haicais escolhidos produziu um vídeo que, quando assisti,
causou-me profundo impacto e emoção.
Apesar de trazer trechos da obra original para um novo ambiente, a estratégia de
transcriação adotada em Tarkovski Travelling busca afrontar as perspectivas de fidelidade
para com a obra original. Ficam nítidos os esforços em valorizar a autonomia criativa de
quem transcria, almejando novos horizontes para a original, sem perdê-la de vista. Existe
uma disputa colocada em prática com essa transcriação, que instaura uma tensão à medida
que esta contém a original em si, mas ao mesmo tempo, dela se desvia.
A analogia ao universo da ficção científica foi completada pela trilha sonora do
videoarte, que elaborei utilizando como material as gravações disponibilizadas na internet
pela ESA (Agência Espacial Européia), que retratam o momento do pouso da sonda
Huygens em Titan, a maior das luas de Saturno. O episódio ocorreu em dezembro de 2004,
e representa a concretização de um sonho dos amantes de ficção científica: postar-se em um
ponto privilegiado para observar de perto o planeta mais belo do sistema solar. Na trilha, os
sons do pouso foram editados, recombinados, mixados e tratados com efeitos e plugins no
programa Nuendo.
101
1.2. O Anti-Eisenstein
O videoarte O Anti-Eisenstein é a transcriação de um trecho do livro Catatau, de
Paulo Leminski, publicado em 1975. A proposta de transcriá-lo em outra mídia me foi
atribuída pelo Prof. Dr. Décio Pignatari, na ocasião de uma oficina por ele ministrada sobre
tradução de poesia, realizada na UNICAMP, em 2007. A narrativa ficcional de Catatau
conta que o filósofo e matemático francês René Descartes, cujo nome latino era Renatus
Cartesius (daí o protagonista do livro chamar-se Cartésio), teria vindo para o Brasil com a
expedição holandesa do príncipe Maurício de Nassau.
26
Abandonado ao calor do nordeste
do país, à espera de resgate, divide seu tempo entre os terrores que lhe causa a fauna
selvagem local, as alucinações de um cachimbo de erva e as discussões com o monstro anti-
racionalista Occam. No trecho do livro selecionado para a transcriação, Cartésio lembra sua
intimidade com a esgrima durante a juventude, e as transformações ocorridas no período
em que deixou de lado essa habilidade para dedicar-se a outras atividades, como a lógica e
a escrita. A narrativa das lembranças satiriza a juventude do filósofo francês:
Mal emerso dos brincos em que consome puerícia seus dias, dei-me ao
florete, os exercícios da espada absorviam-me inteiros. Mestres suguei
escolados na arte. Meu pensamento laborava lâminas dia e noite, posturas
e maneios, desgarrado numa selva de estoques, florete colhendo as flôres
do ar. Habitei os diversos aposentos das moradas do palácio da espada. O
primeiro florete que te cai na mão exibe o peso de tôdas as confusôes, o
ônus de um ovo, estertores de bichos e uma lógica que cinco dedos
adivinham. Nos florilégios de posturas das primeiras práticas, Vossa
Mercê é bom. A espada se dá, sua mão floresce naturalmente em florete,
a primavera à flor da pele. Todavia de repente o florete vira e te morde na
mão. Não há mais acerto; Vossamercê não se acha mais naquele labirinto
de posições, talhos, estocadas, altabaixos, pontos e formas. Passa-se onde
o menos que acontece é o dar-se meiavolta e lançar de si o florete: abre-
se um abismo entre a mão e a espada. Agora convém firmeza. Muitos
desandam, poucos perseveram. Vencido êste lanço, a prática verdadeira
começa. É a segunda morada do palácio: muitos trabalhos, pouca
consolação. Aí o florete já é instrumento. Longo dura. Um dia, longe da
espada, a mão se contorce no seu entender e pega a primeira ponta do fio,
a Lógica. Vosmecê já é de casa, acesso à quarta morada. A conversação
com o estilete é sem reservas. O próprio desta morada é o minguado
26
O filósofo realmente serviu ao exército de Nassau, no séc. XVII, mas jamais esteve no Brasil.
102
pensar: uma geometria, o mínimo de discurso. Tem a mão a espada como
a um ôvo, os dedos tão frouxos que o não quebrem e tão firmes que não
caia. De que o mesmo destino contempla vosmecê e a espada – você se
inteira: inteiro está agora. Aqui se multiplicam corredores, quod vitae
sectabor iter? No concernente à minha pessoa, escolhi errado: dei em
pensar que eu era espada e desvairar em não precisar dela. As luzes do
entendimento bruxuleavam. Não estava longe a medicina dos meus
males. Compus o papel de esgrima em que meti a palavreado o resultante
de minha indústria passada. O texto escrito, não mais me entendi naquela
artimanha. Em idade de milícia pus então minha espada a serviço de
príncipes, — estes gêmeos e os Heeren XIX (4) da Companhia das
Índias. Larguei de floretes para pegar na pena, e porfiam discretos se a
flor ou a pluma nos autorizam mais às eternidades da memória. Hoje, já
não florescem em minha mão. Meti números no corpo e era esgrima,
números nas coisas e era ciência, números no verbo e era poesia. (Op.
Cit., pp. 17-18)
Este trecho faz alusão a uma das atividades prediletas de Descartes em sua
juventude, a esgrima. Junto com a equitação, ocupava, segundo as biografias do autor
francês, a maior parte de seu tempo nessa época da vida, tendo ele chegado inclusive, a
redigir um tratado sobre esgrima. O texto descreve a relação do futuro filósofo com a arte
da espada, até o período em que se alistou no exército do Príncipe Nassau, com 22 anos.
Em seguida, Descartes desinteressou-se pela esgrima, passando à lógica e à filosofia. O
trecho marca, portanto, a transição na sua vida, simbolizada por Leminski pela troca do
florete pela pena. Podemos dizer que constitui, de certa forma, uma transcriação da
biografia de Descartes, onde Leminski elabora uma livre criação a partir de informações da
vida do filósofo. Esse procedimento criativo é recorrente na obra do poeta, conforme vimos
no item 2.2. da primeira parte. Podemos percebê-lo também, por exemplo, no livro
Metamorfose: Uma Viagem pelo Imaginário Grego, onde Leminski reconstrói, numa fábula
“à sua maneira”, as Metamorfoses, de Ovídio, transformando seus mitos, “desarticulando-
os e rearticulando-os numa nova ordem”, como define Régis Bonvicino, no prefácio da
referida obra. (1994, p. 10)
Chama a atenção o método “ideogramático” adotado por Leminski para
desenvolver a narrativa de Catatau
27
, fortemente influenciado por obras como Finnegans
27
De acordo com a biografia de Leminski, Catatau foi escrito ao longo de oito anos, fato que gerou um
acúmulo de papéis dispersos com anotações para o livro, que o poeta muitas vezes carregava consigo. Por
103
Wake e Ulisses, de James Joyce, parte da produção dos concretistas e The Cantos, de Ezra
Pound. Este último, por sua vez, teve seu interesse pelos ideogramas desperto através da
leitura do texto Os Caracteres da Escrita Chinesa Como Instrumento para a Poesia, de
Ernest Fenollosa. Como o título anuncia, nele o autor apresenta a tese de que a lógica de
funcionamento dos ideogramas chineses poderia constituir-se numa grande ferramenta para
a produção de poesia nas línguas ocidentais. Segundo Fenollosa, as matrizes de elaboração
dos ideogramas contêm traços gráficos primitivos que representam a idéia verbal de uma
ação ou um processo, como se fosse uma “pintura” do mesmo. (In Campos (Org.), 2000, p.
115) Esta é combinada então com outro termo presente no ideograma, e a relação entre os
dois aponta para uma síntese (significado) que é distinta dos termos tomados isoladamente,
mas que adquire sentido pela interação dos mesmos. É a criação de uma metáfora que usa
imagens materiais (signos) para representar relações imateriais, a partir do modo como
essas ocorrem na natureza. Fenollosa explica essa característica dos ideogramas chineses da
seguinte forma:
Toda a delicada substância do discurso se constrói sobre um substrato de
metáforas. Os termos abstratos, pressionados pela etimologia, revelam
suas raízes antigas ainda mergulhadas na ação direta. Mas as metáforas
primitivas não se originaram de processos subjetivos arbitrários. Elas só
se tornaram possíveis por acompanharem as linhas objetivas das relações
na própria natureza. As relações são mais importantes e mais reais do que
as coisas por elas relacionadas. (Op. Cit., p. 127)
Em outro trecho, o autor destaca que a metáfora presente nos ideogramas, que
ele considera como “reveladora da Natureza”, é a mesma substância da poesia, o que
permite pensar que a dinâmica funcional desses pode ser útil, se importada para essa arte.
Fenollosa deixou claro que, para tentar reconstruir esse efeito do ideograma com línguas
ocidentais, seria necessário usar palavras “altamente carregadas”, cuja “sugestão vital esteja
em interação”, tal como estão as coisas na natureza. (Ibid., p. 135) O autor observa também
que, no funcionamento do ideograma, as partes do discurso envolvidas “crescem
literalmente”, brotando umas das outras. As palavras, dessa forma, “têm vida e plasticidade,
onde ia, os amigos comentavam que lá vinha o Leminski, com aquele “catatau” embaixo do braço. Daí a
origem do título. (Vaz, 2001, p. 84)
104
porque coisa e ação não ficam formalmente separadas.” (p. 122) Esse mesmo procedimento
foi adotado pela poesia concreta, e também pela poesia visual, para expandir os limites dos
signos verbais ocidentais. Nos livros de Ezra Pound e James Joyce que citamos
anteriormente como “ideogramáticos”, ocorre a justaposição de fragmentos de palavras,
trechos e frases que cria uma sintaxe baseada em analogias, diálogos e relações, a partir das
quais se constrói o sentido. O princípio funcional do ideograma também foi adaptado à
montagem cinematográfica, tendo no cineasta russo Sergei Eisenstein seu principal
entusiasta, como veremos em seguida.
A proposta da transcriação O Anti-Eisenstein é tentar representar de modo
inventivo o personagem jovem esgrimista no exercício de suas habilidades, e simbolizar a
mudança de seus interesses. Na tentativa de preservar o espírito de paródia do Catatau e sua
influência ideogramática, buscou-se satirizar o célebre modelo de montagem
cinematográfica proposto por Eisenstein a partir dos ideogramas. Essa iniciativa propõe
“jogar” com o conteúdo do texto original, misturando-o com outras referências do universo
de Leminski. O poeta brasileiro conhecia bem as idéias de Eisenstein, em parte através dos
artigos do movimento da poesia concreta, o qual acompanhava tenazmente, tendo em
Haroldo de Campos seu grande mentor. Na biografia de Leminski intitulada O Bandido que
Sabia Latim, o autor Toninho Vaz fala da descoberta dos ideogramas pelo poeta na
juventude, chegando a dizer que ele “ficou fascinado pelo poder de síntese dos ícones”.
(Op. Cit., p. 41) Influências da cultura oriental acompanharam Leminski durante toda a
vida, tendo o poeta estudado japonês, escrito e traduzido haicais, praticado artes marciais,
meditação zen, entre outras coisas.
A biografia nos conta também que Leminski assistiu ao Festival Eisenstein,
organizado em Curitiba no ano de 1966, pouco antes de começar a escrever Catatau. Vaz
28
destaca que, na Curitiba daquela época, era influente a presença dos cineclubes no cenário
cultural, e o cinema russo tinha um prestígio destacado, tendo em Eisenstein seu grande
profeta, o representante de um “cinema maduro”.
O biógrafo descreve desta maneira a
relação do poeta com o cineasta: “profundo conhecedor da cultura russa, até por conta da
sua admiração por Wladimir Maiakovski, o Leminski – polaco que era – conhecia muito
28
Entrevista concedida à presente pesquisa.
105
bem a importância de Eisenstein para a cultura das revoluções, ou para a revolução das
culturas.”
29
Esses detalhes, que podem parecer inicialmente pouco relevantes, nos auxiliam
a captar o universo de discurso do autor para a transcriação, seu “tempo”, como vimos, na
definição de Friedrich Nietsche, e entender a época e contexto da obra original. (ver item
1.2. da primeira parte).
Voltemos ao modelo ideogramático de montagem cinematográfica proposto por
Eisenstein, que é apresentado formalmente no texto intitulado O Princípio Cinematográfico
e o Ideograma. (In Campos (Org.), 2000) Nele o autor, que utiliza o termo “hieróglifo” para
definir as partes que compõem um ideograma, repassa a trajetória da escrita chinesa desde
os primeiros passos de sua escrita figural, há quase cinco mil anos atrás. Os hieróglifos
copulativos recebem especial atenção por parte de Eisenstein, e são adaptados para pensar a
montagem cinematográfica:
A questão é que a cópula (talvez fosse melhor dizer a combinação) de
dois hieróglifos da série mais simples não deve ser considerada como
uma soma deles e sim como seu produto, isto é, como um valor de outra
dimensão, de outro grau; cada um deles, separadamente, corresponde a
um objeto, a um fato, mas sua combinação corresponde a um conceito.
Do amálgama de hieróglifos isolados saiu o ideograma. A combinação de
dois elementos suscetíveis de serem “pintados” permite a representação
de algo que não pode ser graficamente retratado. Por exemplo: o desenho
da água e o desenho de um olho significa “chorar”. (Op. Cit., p. 151)
Segundo Eisenstein, o mesmo ocorre com a montagem no cinema, onde os
planos aparecem individualmente de modo singelo e com conteúdo neutro mas,
combinados, ou seja, colocados em relação a outros planos, podem criar o contexto
necessário à narrativa. Esse se constitui um princípio e um método “inevitáveis em toda a
exposição cinematográfica”, ainda segundo o autor, e que pode gerar um cinema “que
busque um laconismo máximo para a representação visual de conceitos abstratos”. (Ibid., p.
151) As observações do crítico e diretor russo tornaram-se bem difundidas no meio do
cinema, e são bastante lembradas nas seqüências de luta, onde a ação de um dos
adversários, mesmo se registrada individualmente, o coloca em co-relação à ação de seu
29
Idem.
106
oponente. O cruzamento desse princípio com a temática da esgrima, central no trecho
selecionado de Catatau, constituiu a analogia necessária para deflagrar o insigth de O Anti-
Eisenstein.
Neste videoarte, trechos intercalados de duas seqüências de planos apresentam
o que deveria ser um duelo de esgrima, mas mostrando um esgrimista só de cada vez, em
posição contrária ao outro, vestindo uniforme e máscara. Uma cena retratando um duelo de
esgrima é um dos melhores casos para compreender o clássico modelo de montagem de
Eisenstein. Ao intercalarmos o plano de um esgrimista lutando, visto de um lado, com outro
de um esgrimista lutando em posição oposta, criamos automaticamente uma síntese que é a
relação direta entre os dois, ou seja, estão lutando entre si, um contra o outro. Mas ao
contrário do modelo clássico do cinema, no videoarte temos um esgrimista só, gravado em
duas posições contrárias, gerando a impressão de que são dois, um de frente para o outro.
Isso é revelado posteriormente, em um travelling onde a câmera se afasta do jovem
esgrimista e circunda um boneco que está diante dele, com o qual está se exercitando
(treinando), tendo ao fundo o áudio de uma luta de esgrima.
Antes desse travelling, o esgrimista deixa cair o florete ao som de um golpe,
representando o período da juventude em que a esgrima começou a ficar arisca ao futuro
filósofo Descartes: “de repente o florete vira e te morde na mão.” A luta continua e, na
terceira vez que o jovem esgrimista deixa o florete cair, abaixa-se e, ao invés de juntar o
florete, como na vez anterior, levanta uma pena, simbolizando a mudança de seus
interesses. Com a pena, escreve o número “7” no peito do boneco, uma referência à
matemática
30
, através de um número de especial valor nas tradições ocidentais. Em seguida,
o esgrimista acrescenta ao número outros traços, para formar o ideograma (outra referência
ao método adotado por Leminski e Eisenstein) copulativo chinês da “saudade”, ou da
“ausência de alguém”, simbolizando as reminiscências de Cartésio, que sente falta da
juventude que acabou de passar.
A idéia de subverter os princípios da montagem ideogramática do cinema
utilizando o vídeo coincide com a finalidade da videoarte, segundo as definições atribuídas
por Arlindo Machado a essa modalidade artística. Para o autor, ela se caracteriza pela
30
Descartes é considerado por muitos o “pai” da matemática moderna.
107
recusa de “cumprir a finalidade figurativa da imagem técnica”, e por isso se constitui num
“ataque à ideologia do mimetismo”, que normalmente está associada ao vídeo, no uso
convencional desse meio. (1997, p. 120) Mesmo sendo as imagens de O Anti-Eisenstein
figurativas, sua montagem é anti-tecnicista e confronta o mimetismo, propondo uma
operação metalingüística, dado que usa o meio para desmascarar as suas próprias trucagens.
Os propósitos desta transcriação lembram também as constatações de Claus
Clüver (2006, p.17), para quem as transposições intersemióticas são freqüentemente
marcadas por seu “caráter subversivo”. O autor observa que, para analisar esses processos,
é preciso levar em consideração as razões que levaram o texto-alvo a adquirir aquele
formato na nova mídia. Em muitos casos, a fidelidade para com o texto-fonte não é o fator
mais relevante, simplesmente porque a nova versão não veio para substituir o original.
Sendo assim, ainda segundo Clüver, são as intenções de quem transpõe que definem a
importância e o sentido do que será transposto. Daí surgem as imitações, contracriações,
versões, adaptações, pastiches, paródias e outras formas de reescritura que carregam em si
os vestígios da obra original, e fazem crescer o conceito de tradução. (ver item 3.3. da
primeira parte)
Diferentes estratégias de tradução representam diferentes níveis de interferência
do tradutor em um processo de reescritura. Haroldo de Campos esclareceu que a
“consciência transcriadora” se manifesta em diferentes graus, sendo perceptível que ele
particularmente admirava os mais radicais. (ver item 2.2. da primeira parte) Talvez a atitude
que represente o mais alto grau de intervenção que observamos seja o modo de traduzir dos
romanos, que é caracterizado pelas adulterações no original, por violá-lo, destruir o passado
e colocar o novo (romano) em seu lugar.
Podemos ver iniciativas portadoras da “consciência transcriadora” também em
atos próximos à tradução, através da reinvenção de estilos, ou da imitação deliberada de
traços características de um autor ou obra, ou do estabelecimento de um diálogo com estes,
etc. Normalmente são definidas como uma “obra inspirada” em outra, ou uma “adaptação”,
ou “versão”, e consideradas fora dos parâmetros da tradução, conforme vimos no item 1.4.
da primeira parte. As “homenagens” de Ezra Pound eram exercícios considerados pelo
próprio autor como paralelos à tradução, mas diferentes desta. Algo semelhante ocorre com
108
as “intraduções” de Augusto de Campos, que nascem dos interesses do poeta pela prática
da tradução, e com eles dialogam, embora não se tratem precisamente de traduções. Diante
das diversas intensidades com as quais a “consciência transcriadora” pode se manifestar,
consideramos a questão relativa aos limites, que poderia ser adotada para julgar se
procedimentos utilizados em cada caso permitem caracterizá-lo como uma atividade
interior a tradução ou exterior a ela, não tem méritos para entrar em nossas análises.
Conforme constatamos, o fato de uma reescritura ser considerada tradução ou não vai variar
muito, de acordo com as referências adotadas para discutir cada situação.
O Anti-Eisenstein trata-se de uma reescritura que pega um ponto (trecho
selecionado) de Catatau e o desprende do livro, inserindo-o num outro contexto, que
mantém vínculos com a obra original através de analogias. O videoarte se apresenta como
uma interpretação, ou uma “avenida para interpretar”, usando uma expressão de Clüver que
apresentamos, o texto ao qual se refere. (ver item 3.3. da primeira parte) A questão da
autonomia do tradutor no contexto midiático é levada ao extremo nesta transcriação,
tornando proeminente a figura do transcriador, que manipula o conteúdo do original e joga
com ele, propondo um notável desvio, sem perder o contexto original de vista. A proposta
deste videoarte, como procuramos mostrar, dialoga diretamente com o universo do autor.
Mas há a tentativa de apagar qualquer forma de hierarquia entre autor e transcriador,
valorizando o papel deste como “elemento ativo, produtor de texto, de discurso”, para
lembrar as palavras de Francis Aubert. (ver item 1.3. da primeira parte)
109
CAPÍTULO 2
TRANSCRIANDO POESIA COM
ANIMAÇÃO DIGITAL
110
111
2.1. Poubelle
Os poemas digitais apresentados neste capítulo, intitulados Poubelle e Sim /
Oui, foram realizados para as edições do festival bienal internacional de poesia eletrônica
E-Poetry, em 2007 e 2009.
31
O evento é o mais representativo da área, e permite diálogos e
interlocuções entre os produtores e críticos de poesia e mídia.
32
O poema digital Poubelle,
com co-autoria do Prof. Dr. Fábio Oliveira Nunes, é uma transcriação que toma como
ponto de partida a obra Luxo, poema visual de Augusto de Campos apresentado pela
primeira vez em 1965, realizado em um desdobrável de papel cartonado medindo 64 x 13
cm., com quatro folhas, e tiragem de 300 exemplares. Na primeira folha, em macroforma,
com uso de fotoletras
33
em preto-e-branco, está escrito LI, na segunda, X, na terceira, O, na
quarta o título do poema, em letras pequenas. Cada letra da palavra grande “Lixo”,
distribuída em três folhas, é composta por pequenas palavras “Luxo” em seu interior. (ver
anexo 1)
Para Augusto de Campos
34
, “era essencial que o poema não fosse mostrado de
uma vez só, mas desdobrado em três etapas, para criar o suspense, dar um timing adequado
para a recuperação em feedback e o choque da palavrapoema final.” A semelhança visual
entre as palavras “luxo” e “lixo” proporciona um “isomorfismo” ao poema, a partir do qual
este opera sua “precisão funcional”, segundo o próprio autor. Por sua vez, essa precisão se
complementa com o confronto semântico dos significados antagônicos das duas palavras. A
obra baseia-se na tensão estabelecida entre contraste e similaridade, no jogo entre os
31
É importante lembrar que todas as transcriações presentes nesta tese foram feitas através do uso do
computador, e são, portanto, também “digitais”.
32
A State University of New York da cidade de Buffalo é sede de um dos maiores centros de pesquisa e
produção de poesia digital na atualidade, o EPC (Electronic Poetry Center). Os pesquisadores do centro, que
pertence ao Programa de Poéticas da universidade, foram os idealizadores do festival E-Poetry, que acontece
desde 2001.
33
Forma de composição a frio com seleção manual dos matizes e cópia, por fotografia, dos caracteres em
papel sensibilizado.
34
Entrevista concedida à presente pesquisa.
112
elementos que aproximam e distanciam as duas palavras. No trecho a seguir, Augusto de
Campos comenta as condições de criação de Luxo
35
:
O poema foi inspirado num anúncio de apartamentos de alto luxo no
bairro de Higienópolis, que vi no jornal O Estado de São Paulo.
Estávamos, os concretos, em plena fase do “salto participante”, e os
meus poemas da época eram fortemente politizados: Greve, Plusvalia,
Cubogramma, os “popcretos” e o poema Psiu! (1965), em que aparece a
frase do Arrais partindo para o exílio: “saber viver, saber ser preso, saber
ser solto”. Para mim, Luxo tinha uma forte conotação política, dentro do
contexto do golpe militar de 1964. Eu queria escarnecer da gente
abastada, que apoiara o golpe, degradar as suas ambições e o seu
egoísmo. E a idéia de fazer um poema cuja palavra-tema era “lixo”
deturpando o anúncio e exponenciando o kitsch das letras, me pareceu
ao mesmo tempo desafiadora e ofensiva, inclusive em termos estéticos.
Não se tratava de “introduzir no poema a palavra x… ”, mas de fazer um
poema-lixo, o que era também uma forma de eu exorcizar o meu
desgosto diante da humilhação que a ditadura-banana-republic nos
infligia.
O poema foi recriado em diversas mídias: em 1966, o tipógrafo alemão
Hansjörg Mayer realizou uma proeza tipográfica com o poema, reconstruindo-o com
centenas de letras da fonte Futura Light de corpo 10 ou 12, num enorme folheto
desdobrável. Em 1975 Luxo reapareceu com fontes douradas sobre fundo preto, no livro-
objeto Caixa Preta, uma parceria de Augusto de Campos com Julio Plaza. Na exposição
Arte pelo Telefone, realizada em 1982 no Museu da Imagem e do Som de São Paulo, o
poema ressurgiu em videotexto, novamente numa parceria dos dois. No DVD Poesia
Concreta: o Projeto Verbivocovisual, de 2007, Luxo foi recriado novamente, dessa vez
numa espécie de “música concreta” de Cid Campos, com leituras de Augusto de Campos
sincronizadas a uma animação videográfica.
A primeira vez que traduzi Luxo foi em 2002, como parte de uma atividade de
aproveitamento de curso na disciplina Arte e Mediação Cultural, ministrada pelo professor
Jacques Donguy na Universidade Paris 1 - Sorbonne. Na ocasião, o poema foi impresso em
papel e integrava uma revista-objeto de poesia chamada Arts et Sciences, com poemas de
minha autoria e versões para poemas de outros autores. As palavras em português ‘lixo” e
35
Idem.
113
“luxo” foram substituídas pelas francesas “poubelle” (lixeira) e “plus belle” (a mais bela),
na tentativa de aproximar-se do sentido original da obra. Essa versão impressa (ver anexo
2) foi apresentada em 2007 na Mostra Internacional de Poesia Visual e Eletrônica, realizada
em Itu, no interior de São Paulo. Poubelle se trata de uma tradução interlingual de poesia
que segue as finalidades convencionais dessa atividade, no sentido de buscar compensações
em palavras equivalentes em outra língua, onde o tradutor raramente encontra palavras do
mesmo valor, mas é forçado a fazer opções entre diferentes possibilidades e escolher aquela
que reconstrói mais aproximadamente os valores sintáticos e semânticos do original.
O poema em francês, por sua vez, é o ponto de partida para uma nova criação, o
poema digital homônimo, realizado com uso do programa Macromedia Flash. Nesta
transcriação a obra ganha outras qualidades, compatíveis com sua existência virtual, que é
baseada na combinação dos pixels que tornam visíveis na tela as transformações
processadas pelo programa, que determina a posição, o deslocamento e a coloração do
poema. No campo da poesia, programas como o Flash trazem possibilidades ágeis de
mudança de códigos, com uma dinâmica de trânsito entre o verbal e o não-verbal. Segundo
Julio Plaza e Monica Tavares, no ambiente virtual o conteúdo expressivo encontra seu lugar
“como extensão do caráter intersemiótico do pensamento, pois este atua por imagens,
diagramas e metáforas, além de palavras.” (1998, p.34)
Na transcriação de Poubelle para o meio digital hove uma preocupação especial
com o uso do espaço virtual, ambiente onde se cria o poema e, com uso de programas
adequados, os signos podem adquirir proporções múltiplas, através da aplicação de funções
que chegam a modificar intrinsecamente suas propriedades habituais, permitindo gerar
também combinações inesperadas. Nesse ambiente n-dimensional, as co-relações entre o
espaço, os objetos e sujeitos virtuais possuem aquilo que Ladislao Pablo Györi chama de
“existência lógica”, que, baseando seus princípios no caráter matemático e numérico, pode
manifestar-se abertamente, excedendo as limitações das categorias habituais (reais) da
experiência. Para o autor, os poemas digitais são obras que têm como característica
marcante a capacidade de integrar-se a um mundo virtual, a partir de programas que lhes
114
conferem diversos modos de manipulação, navegação, alternativas de comportamento, e
propriedades como evolução espaço-temporal, emissão sonora e transformação animada.
36
.
Já Ernesto de Melo e Castro ressalta na poesia digital os traços da materialidade
e da criatividade:
37
Sendo imagens virtuais, os infopoemas são desmaterializados – são luz –
e por isso facilmente transformáveis; daí resulta que a seqüência do
processo de criação seja enfatizada, e as transformações sucessivas gerem
uma interatividade crítica entre o sistema informático e o operador/autor
até se chegar a uma imagem/poema considerada naquele momento, como
aceitável, face aos objetivos estéticos desejados. (...) a utilização de
meios informáticos traz consigo um aumento incomensurável do grau de
complexidade das imagens/poema, elevando a utilização simultânea de
vários códigos verbais e não-verbais ao nível de uma “poiesis”
transpoética, implicando insuspeitadas problemáticas de leitura. (1998,
p.157)
Na leitura do poema digital Poubelle, ao contrário de aproximar-se do texto para
observar seus detalhes, o leitor aproxima o texto de si. Em seguida, o texto maior alterna
suas letras com as do menor, dando a todas o mesmo valor no conjunto da obra. No áudio
são apresentados pequenos trechos de discursos de Hugo Chávez e George W. Bush,
presidentes rivais que mobilizaram grande polêmica, cujo ápice foi o discurso de Chávez na
Assembléia Geral da ONU em 2006, presente nesta transcriação. O jogo de oposição e
similaridade entre as ideologias políticas dos dois é também representado nas cores
utilizadas no poema, as mesmas presentes nas bandeiras dos dois países. O objetivo
principal desta transcriação é colocar a obra em um contexto novo, introduzindo outras
possibilidades de interpretação e, sobretudo, questionando se existem diferenças entre as
noções de “autoritarismo democrático” praticadas por parte desses representantes políticos.
36
Criterios para una poesía virtual. in Revista Dimensão nº 24, Uberaba (MG), 1995.
37
O autor também apresenta um conceito geral que denomina o uso de recursos digitais para a produção de
poesia no “tempo” presente: a “tecnopéia”. Esta, segundo ele, é fruto de todas as experiências de infopoesia,
que alargam o universo das capacidades da poesia definido por Pound como “melopéia”, “fanopéia” e
“logopéia”. Dentro da concepção de uma expansão dos limites da poesia, o autor define a “tecnopéia” como
uma qualidade “que impregna todas as criações resultantes de um processo interativo entre homens e
máquinas informáticas”, onde “a metamorfose e o virtual se projetam na mente humana como agentes da
própria instabilidade e plasticidade da invenção e da percepção.” (Revista Dimensão nº 28-29, Uberaba (MG),
1999, p. 262).
115
Se o governo de George W. Bush constitui-se um ícone do conservadorismo republicano,
outro governo, que se apresenta como porta-voz da esquerda e da democracia internacional,
mas concentra-se na figura de um ditador populista obcecado pelo poder como Hugo
Chávez, não é muito diferente.
O início do processo de elaboração do poema digital
38
Poubelle foi marcado por
questionamentos sobre como transportar sua forma impressa para um contexto
diferenciado. Havia inúmeras possibilidades de interpretá-lo, uma vez que a lógica por ele
apresentada se aplica a diversos setores da vida social. A situação, entretanto, exigia que,
para consolidarmos o exercício de transcriar, a obra se dirigisse a um rumo interpretativo
específico, que iria determinar as soluções visuais a serem adotadas, o conteúdo do áudio, a
interatividade, enfim, toda a estrutura a ser criada. Sobre essa situação num processo
criativo de tradução, o professor Philippe Bootz,
39
da Universidade Paris 8, observou que,
em certos casos, o tradutor se vê obrigado a eleger “uma das opções” interpretativas da obra
para a continuidade do processo, em detrimento das demais, que são anuladas. Bootz define
esse ato como uma “emulação”, e propõe um modelo ideal de tradução que conteria em si
uma “coleção de traduções”, onde cada uma privilegiasse explorar uma característica da
obra original.
40
A transcriação digital Poubelle foi elaborada para a ocasião do festival E-Poetry
2007, realizado em Paris.
41
O evento, que estava em sua quarta edição, era realizado pela
segunda vez consecutiva fora dos Estados Unidos, seu país de origem. Na época, chegou a
38
Os termos usados para definir as faturas digitais de poesia variam muito, e a expressão “poema digital” que
usamos é bastante genérica para definir nossas iniciativas. Provavelmente, estas poderiam encaixar-se em
classificações mais específicas, que por sua vez, também variam bastante na bibliografia sobre o assunto.
Numa publicação recente, Jorge Luiz Antonio (2008) apresenta uma dissociação fundamental entre os poemas
que são feitos no espaço simbólico de um computador, isoladamente, e os que são feitos para a rede de
computadores, e apresenta uma tipologia geral que os divide em: poesia-programa, infopoesia, poesia-
computador, poesia hipertextual e hipermídia, poesia-internet, poesia interativa, colaborativa e performática,
poesia-código, poesia migrante e poesia cíbrida. O autor salienta que as categorias não são rígidas, mas
“apenas um recurso para entender diferentes propostas poéticas nos meios digitais”. Lembra também que
ocorrem muitos casos onde fica clara a reunião de diferentes modalidades dessa tipologia. (Op. Cit., pp. 155-
157).
39
Entrevista concedida à presente pesquisa.
40
Essas diferentes relações que as traduções podem construir com um original no modo de reescrevê-lo, e os
variados laços de intertextualidade que podem gerar, coincidem com aquilo que Clüver chamou de “versões
da tradução”, que o autor aponta como um dos objetos dos estudos interartes. (ver item 3.3.)
41
O poema consta no site do evento: http://www.epoetry2007.net
116
ser cogitada a possibilidade de realizá-lo nesse país, o que gerou uma grande polêmica
junto aos participantes, dados os transtornos e situações constrangedoras às quais os
estrangeiros freqüentemente são submetidos ao ingressar nos Estados Unidos, desde 2001.
Ocorreu-nos, portanto, a idéia de tecer no poema digital uma crítica às medidas autoritárias
do governo estadunidense, personificado no cinismo do discurso de George W. Bush. Em
seguida, foi agregada a essa abordagem o diálogo com Hugo Chávez, complementando o
contexto da obra. A transcriação começou a ser pensada dentro de um viés específico, que
criou uma delimitação indispensável para a continuidade do trabalho. Nas reuniões virtuais
e presenciais com Fábio Oliveira Nunes foram surgindo os rascunhos e rafes que, aos
poucos, concederam forma ao poema em seu novo ambiente. Analisando o resultado final,
Augusto de Campos considerou-o um “tour de force interessante”. O poeta lastima que
“não se possa ter a economia e a comunicabilidade do português, que as outras línguas não
permitem.” Para ele, “o original se vale de uma idiossincrasia paronomástica do nosso
idioma, inencontrável em outros”, e nossa transcriação “tem méritos pela tentativa
praticamente impossível de converter o texto em outro idioma.”
42
O contexto criado nesta transcriação tem as marcas características do início do
século XXI, tanto no que diz respeito à presença das técnicas contemporâneas, como à
temática abordada. Baseados nas idéias que vimos de Friedrich Nietsche, podemos afirmar
que esta transcriação busca traduzir o “tempo” do original, adequando-o ao nosso próprio
“tempo”. (ver item 1.2. da primeira parte) Neste tempo presente, a atração pelas
possibilidades de fundir num suporte multimídia os aspectos verbais, visuais e sonoros de
um poema, ou mesmo de explorá-los isoladamente, somada a uma enorme e ainda
crescente gama de manipulações e dispositivos de interatividade oriundos de diferentes
softwares, aproxima cada vez mais os poetas das tecnologias digitais.
Podemos observar na transcriação digital Poubelle dois pontos importantes no
que diz respeito à temporalidade. O primeiro é relativo aos aparatos técnicos utilizados,
distantes cerca de trinta anos daqueles empregados no poema Luxo. Na época em que
Augusto de Campos realizou seu poema visual, havia um grande frisson em torno do uso de
letraset para a elaboração de projetos gráficos, uma vez que esta permitia mobilidade,
42
Entrevista concedida à presente pesquisa.
117
dinamismo e novas possibilidades de composição gráfico-espacial. No tempo de chegada,
por sua vez, o software Flash que utilizamos é também um dos grandes atrativos desta
década para o desenvolvimento de animações. São, portanto, duas ferramentas que
carregam fortemente consigo as marcas da sua temporalidade, cada uma com suas
qualidades, mas representando o interesse dos poetas em usar instrumentos característicos
do seu tempo.
O segundo ponto relativo à temporalidade diz respeito aos contextos históricos
com os quais as obras de partida e de chegada dialogam. O viés histórico abordado no
poema Luxo retrata a posição conservadora da elite durante a ditadura militar no Brasil nos
anos 1960, enquanto Poubelle digital trata do confronto entre o imperialismo dos EUA e as
novas vertentes bolivaristas, no início do século XXI. Essa mudança de contexto histórico,
que determina uma readequação semântica dos enunciados apresentados no poema original,
deixa nítida a disputa de poder entre o autor do original e o transcriador, sobretudo em
virtude da necessidade do segundo mostrar-se como autor, sobre a qual este trabalho se
debruça.
Ainda sobre a contemporaneidade como tempo de chegada para a transcriação
de poesia, cabe observar alguns aspectos colocados por Suzana Lages. (ver item 1.1. da
primeira parte) Se a consciência da impossibilidade da tradução interlingual trazia aos
tradutores da modernidade, segundo a autora, um sentimento de angústia e melancolia, na
pós-modernidade se sobressai o lado eufórico e maníaco da bipolaridade melancólica,
caracterizado pelo entusiasmo e pela violência. Esse lado se revela à medida que a prática
da tradução permite questionar e violar a originalidade, renunciando buscá-la. A tradução
intersemiótica com mídias eletrônicas, um exercício típico da pós-modernidade, nos parece
bem propício para produzir situações concernentes a essa atitude maníaca, motivando a
revisão das próprias noções de tradução. A priori, se a tradução interlingual de poesia é
impossível, a intersemiótica também o é, e não resta ao tradutor ou transcriador desse tipo
senão entregar-se aos mirabolantes saltos inventivos que as obras originais, combinadas
com os meios técnicos do tempo de quem traduz, propõem.
118
2.2. Sim / Oui
Outro poema visual que integrava a revista-objeto de poesia Arts et Sciences era
Sim / Oui, de minha autoria, que aborda o tema da “aceitação” no contexto da filosofia
taoísta. (ver anexo 3) No livro chave do taoísmo, Tao Te King, o autor Lao Tse, um
filósofo chinês que teria vivido cerca do séc. VII A.C., faz diversas referências ao assunto.
Ele aconselha uma postura passiva em relação às coisas e acontecimentos que nos cercam,
uma “não-ação”, um “deixar ser agido” que substitui a ação. (Op. Cit., p. 31) Simplesmente
aceitar as coisas como são no universo, conforme fica claro nos trechos seguintes da
referida obra: “o sábio governa pelo não-agir / e tudo permanece em ordem”, “Tao não age
/ e por esse não-agir tudo é agido”, “quem se une a Tao / conhece cada vez menos / e não
deseja nada / e graças a esse não-fazer-nada / tudo é feito através dele”, “as coisas ora
perder é ganho / ora ganhar é perda”, ou ainda “quem, nos labores agrícolas / suporta as
imundícies da terra / esse é o senhor da colheita”.
Vários outros trechos do Tao Te King que fazem alusão ao assunto poderiam ser
citados, pois a aceitação passiva é uma postura que caracteriza o taoísta. Ele não busca
compreender as coisas, mas as aceita. Voltando ao poema visual, para elaborá-lo partimos
da constatação de que, pensando em termos simbólicos, a palavra que melhor representa a
aceitação é “sim”, ou “oui”, em francês, pois cabe lembrar que o poema bilíngüe foi
realizado para uma atividade de curso na Universidade Paris I. A sobreposição das inicias
dessas duas palavras (na realidade, a mesma palavra em duas línguas) desencadeia a
metáfora poética visual que dá fundamento ao poema: a criação do símbolo do Yin e Yang
(diagrama do Taiji Tu), um ícone taoísta que representa outra postura de suma importância
nesta filosofia, o equilíbrio. O percurso proposto pelo poema cria, portanto, a noção de
chegar ao equilíbrio através da aceitação. Isso se dá a partir da interação entre o código
verbal e o visual. Podemos dizer, inclusive, que neste caso o código verbal (temporal) da
poesia adentra o meio espacial (plástico). O procedimento é muito pertinente com a noção
que Claus Clüver apresentou ao definir o texto intermedia, como aquele que se desenha em
mais de um sistema simultaneamente. (ver item 3.3. da primeira parte)
119
A transcriação de Sim / Oui para o ambiente digital, realizada em parceria com
Fábio Oliveira Nunes e Soraya Braz, foi feita com uso do programa Macromedia Flash, e
apresenta uma animação dividida em diferentes momentos
43
. No começo, as palavras “sim”
e “oui” começam a surgir lentamente, com diferentes tamanhos, sobre um fundo branco, em
diversas posições na tela. As mesmas palavras chegam em seguida aos pares, e depois em
grupos, e ocupam todo o espaço da tela, formando um emaranhado de signos. As iniciais S
e O sobrepõe-se no centro da tela e, em seguida, começam a girar. Ícones são agregados às
letras que giram, formando nitidamente o diagrama do Taiji Tu. Depois de um tempo, o
emaranhado de palavras em torno do signo central vai desaparecendo, enquanto ele
continua em movimento, flutuando no centro de um espaço vazio, que outrora havia sido
abarrotado de signos, o que gera a sensação de “esvaziamento”, que é outro conceito
recorrente na filosofia taoísta. Em seguida, o espaço desocupado começa a mudar de cor e,
aos poucos, constrói um passeio de tonalidades cambiantes, uma narrativa icônica baseada
simplesmente nas nuances de cor, como um elemento fundamental, sobre o vazio. Cabe
observar também que, no diagrama do Taiji Tu, as duas forças (Yin e Yang) se
complementam, e de seu equilíbrio dinâmico surge todo o movimento e mutação. No
poema digital isso também ocorre, através da rotação do diagrama (movimento) e das
trocas de cores (mutação).
Comparando o poema visual de partida com sua reescritura no meio digital
percebe-se que ocorre nesta a preservação da idéia original, que é a sobreposição das letras
iniciais das duas palavras. Entretanto, no ambiente virtual ela é apresentada de uma maneira
diferenciada, que conta com a superpovoação do espaço da tela com signos, que será
fundamental para que ocorra o posterior “esvaziamento”. O passeio cromático também é
outro fator novo, que concede originalidade à reescritura. Conforme já dissemos, o
exercício de transcriar pressupõe imaginar novas situações para a obra, agregando fatores
da leitura do transcriador ao contexto original. Lembrando Claus Clüver, é a interpretação
de quem transpõe que define a importância e o sentido do que será transposto, e isso ocorre
através de opções, ou emulações, como vimos anteriormente. (ver item 3.3. da primeira
43
Este poema digital foi concebido com o propósito de ser projetado durante a performance do coletivo Olho
Caligari no festival E-Poetry 2009.
120
parte) É normal que traduções deste tipo comecem pela busca de equivalentes em um
sistema semiótico diferente, mas isso é apenas um passo inicial, que vai complementar-se
com os acréscimos criativos necessários para reinventar a obra de partida. Neste caso, a
estratégia utilizada agregou outros elementos à obra original, mas não mudou seu contexto.
Se tomarmos em consideração a tipologia proposta por Julio Plaza para a tradução
intersemiótica, podemos considerar esta reescritura uma tradução indicial, ou transposição,
porque até certo ponto, ela repete o mecanismo do poema de partida. Mas é inegável
também a existência de elementos de inovação, o que também permite defini-la como uma
tradução icônica, ou transcriação.
O caráter intermidiático do poema Sim / Oui, oriundo da fusão plástico-verbal, é
reconstruído em sua versão digital, conforme vimos. Podemos definir essa repetição do
modelo estrutural do poema impresso no meio digital como uma relação de
“intersemioticidade” estabelecida entre as duas obras, aproveitando um conceito de
Aguinaldo Gonçalves. (ver item 3.3. da primeira parte) Nela, os sistemas envolvidos
estabelecem intercâmbios, e a transcriação reproduz a estrutura original de modo
homólogo, valendo-se dos procedimentos que são próprios de seu meio.
Para entender o trabalho com uma mídia como o uso de um sistema semiótico
que transmite mensagens culturais, como definiu Claus Clüver na apresentação do conceito
de intermidialidade, é preciso observar que cada mídia apresenta uma série de opções
criativas e operacionais inerentes às suas características como meio. Somente conhecendo-
as o transcriador pode elaborar seu percurso inventivo. Na contemporaneidade ele depende,
portanto, da inserção de seu conhecimento em uma “cultura das mídias”, como denomina
um conceito explorado por Lucia Santaella. (2003) Para a autora, as novas formas de
consumo cultural proporcionadas pelas tecnologias disponíveis a partir dos anos 80,
caracterizadas por suas heterogeneidades simbólicas “fugazes” e “personalizadas”,
acompanham uma tendência para os trânsitos e hibridismo dos meios de comunicação entre
si, promovendo redes de complementaridades. Isso caracteriza o ambiente que ela
denomina como a “cultura das mídias”, que faz emergir uma dinâmica cultural que se
alastra “nas relações das mídias entre si”, e onde as informações transitam de uma mídia a
outra, em movimentos fluidos. (Op. Cit., pp. 52-53) Como define Santaella:
121
A dinâmica da cultura midiática se revela assim como uma dinâmica de
aceleração do tráfego, das trocas e das misturas entre as múltiplas formas,
estratos, tempos e espaços da cultura. Por isso mesmo, a cultura midiática
é muitas vezes tomada como figura exemplar da cultura pós-moderna.
(...) a cultura midiática propicia a circulação mais fluida e as articulações
mais complexas dos níveis, gêneros e formas de cultura, produzindo o
cruzamento de suas identidades. Inseparável do crescimento acelerado
das tecnologias comunicacionais, a cultura midiática é responsável pela
ampliação dos mercados culturais e pela expansão e criação de novos
hábitos no consumo de cultura. (Op. Cit., p. 59)
Essas características definem bem a cultura de chegada de toda a transcriação
contemporânea: um espaço marcado pela confluência de informações oriundas de mídias e
linguagens diversas. Retomando a perspectiva da intertextualidade da forma como foi
abordada por Claus Clüver na primeira parte da tese, a partir de questões relativas às fontes
e influências nas quais os artistas se baseiam para fazer suas obras, observemos o caso da
transcriação no ambiente da cultura das mídias. O autor chamou a atenção para as vias
pelas quais os artistas recebem “textos” que foram criados em diferentes sistemas de signos,
e o modo como se apropriam deles para atividades intersemióticas. O repertório de quem
transcria no contexto da cultura das mídias é povoado por textos oriundos das mais
diferentes mídias e linguagens. O percurso de uma transcriação, neste sentido, acaba
gerando transferências de conteúdo estético influenciadas por diferentes sistemas,
apontando para uma perspectiva onde não importa mais de onde vem a informação de
origem, mas sim o trânsito de conteúdo através das mídias.
Na breve reconstituição histórica das traduções de poesia através de diferentes
mídias realizadas no Brasil que apresentamos no item 3.1. da primeira parte, um fator que
caracterizou as iniciativas citadas foi o ímpeto de trazer os poemas da “era impressa” para o
ambiente das mídias eletrônicas. Mas a maioria dessas realizações buscava reconstruir
literalmente a obra de partida no novo meio, coincidindo com a observação de Philadelpho
Menezes sobre os primeiros tempos do uso das novas tecnologias, quando os poetas
continuavam vinculados às velhas fórmulas, importadas dos poemas bidimensionais. (ver
item 3.1. da primeira parte) Já a idéia de reescrever o texto de um poema original em outra
mídia agregando-lhe novos textos, e ampliando suas relações de intertextualidade e
122
intersemioticidade, como buscamos propor, parece muito mais pertinente às características
da cultura das mídias, com sua diversidade e heterogeneidade simbólica.
123
CAPÍTULO 3
TRANSCRIANDO POESIA COM
RECURSOS ELETRÔNICOS DE ÁUDIO
124
125
3.1. Leve
As transcriações deste capítulo são baseadas no uso da voz, e inspiradas num
gênero específico do universo da poesia conhecido como “poesia sonora”. O livro Poesia
Sonora: Poéticas Experimentais da Voz no Século XX, publicado por Philadelpho Menezes
em 1992, considera os fonetismos dadaístas o marco inicial desse gênero. Esse livro, que é
introduzido por seu organizador (Menezes), apresenta um conjunto de manifestos e textos
críticos de 16 autores internacionais, das vanguardas do início do século XX aos anos 90,
constituindo-se uma referência no Brasil para a discussão e a prática da poesia sonora.
Menezes reuniu esforços para sistematizar pioneiramente no país o conhecimento acerca
deste gênero e, através de suas pesquisas, aproximou-se da tradição que envolve essa
poética, difundindo no Brasil seus autores mais conhecidos, manifestos, textos teóricos e
obras fundamentais.
44
A obra de Menezes despertou meus interesses pela prática de poesia sonora,
levando-me a pesquisar mais sobre o assunto e realizar experiências domésticas
despretensiosas. Com a formação do coletivo Olho Caligari, em 2005, as oportunidades de
exercitar poesia sonora ampliaram-se. O grupo surgiu a partir de um encontro entre amigos
e colegas do Instituto de Artes da UNICAMP oriundos de diferentes áreas e linhas
temáticas de pesquisa, como composição, performance artístico-musical, poesia visual,
sonora e multimídia e construção de instrumentos. Era formado por mim, Denis Koishi,
Julio Oliveira, Marcel Rocha e Marco Scarassatti. O grupo tinha como proposta não se
preocupar em vincular-se a qualquer nicho musical específico, buscando inspiração no
maior número possível de influências do universo da música, poesia, literatura, pintura,
audiovisual, entre outros.
44
É importante destacar também o papel impulsor do curso intitulado Poesia Visual e Sonora, oferecido por
Menezes em 1993 no Programa de Comunicação e Semiótica da PUC-SP, com a participação dos poetas
sonoros Harry Polkinhorn (EUA) e Enzo Minarelli (Itália). Esse curso gerou as primeiras discussões teóricas
e projetos práticos para a produção de poemas sonoros no Brasil.
126
O resultado poético-musical do Olho Caligari vinha da interação de timbres e
texturas sonoras provenientes de um trio de cordas elétricas com processamentos
eletrônicos, somado ao uso de técnicas de execução “expandidas”, que aproveitavam todo o
corpo dos instrumentos. Combinado a isso, sons de objetos (roldanas, polias, garrafas,
interruptores, isopores, ferramentas, etc.) e esculturas sonoras de metal e cerâmica tocadas
ao vivo, além da performance vocal (poesia sonora) e projeções visuais. As composições
surgiam de um plano de improvisação em torno de algum tema de criação do grupo – um
poema, um vídeo, ou simplesmente uma idéia musical elementar. Não eram feitas partituras
nem outras formas de notação, e os integrantes mentalizavam uma espécie de roteiro
construído para nortear as execuções. Esse formato abria espaço para uma busca
permanente de diversificação do material sonoro. Nesse contexto, os trabalhos de poesia,
por mim representados, exploravam as dimensões verbais, visuais e sonoras das palavras,
alternando momentos pré-elaborados com improvisações. Alguns poemas recebiam
tratamento sonoro de live-electronics, outros eram projetados no telão, entre outras formas
exploradas. Durante a escolha das obras que funcionariam como “gatilho” disparador para
iniciarmos as improvisações, pensei em propor a “leitura” de alguns poemas visuais de
minha autoria, o que foi acatado prontamente pelo grupo. Era grande minha curiosidade em
descobrir como eles “renasceriam” nesse novo contexto.
Alguns desses resultados, por se tratarem de casos típicos de transcriação, serão
tomados para análise no âmbito do presente estudo, usando como material a ser avaliado
trechos de uma gravação realizada no estúdio Síncopa, em Campinas, no ano de 2006. O
primeiro deles é Leve, transcriação baseada num poema homônimo, de 2003. No poema
são claras as influências da poesia concreta, sobretudo no que diz respeito à economia de
palavras e sua disposição gráfico-sintática.
127
LEAVE
LIVE
LEVE
LEAVE
LIVE
LEVE
VE
VE
VE
LEAVE
LIVE
LIGHT
O poema bilíngüe busca criar simbolicamente o processo de chegar-se à
iluminação através da leveza, baseado na proposta da doutrina Zazen, ou a versão japonesa
da filosofia Zen, que tem na prática da meditação silenciosa e contemplativa um de seus
princípios fundamentais. A prática da meditação Zazen, da qual sou adepto, traz
inicialmente uma sensação de leveza, que aos poucos invade quem medita, colocando-o em
estado de relaxamento, que é o começo do caminho para conduzir a mente à iluminação. O
aprofundamento desse estado e a tentativa de vivê-lo no cotidiano é o caminho para se
encontrar a iluminação permanente, por isso, a prática de meditação Zazen
é também
definida por alguns mestres Zazen como a “experiência de iluminação”. Para eles, tentar
transportar esse estado de iluminação para a vida diária é o grande desafio da doutrina. Não
deve haver diferença entre a prática Zazen e a vida diária, ambas estão fundidas.
45
45
Zen Master Dōgen: An Introduction with Selected Writings. New York: Weatherhill Inc., 1990.
128
O poema Leve aborda a necessidade de trazer iluminação aos seres (leave / live /
ligth), com leave como o verbo “deixar”, e live como o adjetivo “vivo”. De acordo com o
percurso apresentado na obra, o “deixar vivo leve”, ou deixar leve o que é vivo, é o
princípio para se conseguir a “iluminação”, representada pelo substantivo ligth. O poema
começa fazendo referência à busca pela leveza (leave / live / leve), em seguida tenta
mimetizar essa leveza com o esfacelamento do verso, que se reduz a leves fragmentos (ve /
ve / ve), até culminar na estrofe com a iluminação.
Para transcriá-lo no contexto do uso das tecnologias eletrônicas de áudio foi
proposta uma leitura interpretativa em voz alta, com uso de efeitos que redefinissem a voz,
acompanhada pela performance instrumental. Essa leitura interpretativa não se reduz à
mera oralidade conversacional, normatizada, mas busca inserir fatores diferenciadores,
contrapondo-se à tradicional declamação de “poesia de salão”. Como define Giovanni
Fontana, a poesia sonora busca pôr em jogo o “patrimônio paralingüístico da oralidade”.
Para o autor, a oralidade na poesia sonora não sobrevém como uma conseqüência da poesia
escrita, mas com ela intervém, sendo-lhe um elemento constitutivo fundamental, que “não
está só com a voz e na voz, mas atrás da voz, dentro do próprio corpo, de onde vêm
dominados o canto, os suspiros, os sopros, os arquejos (...)”. (Apud Menezes, 1992, pp.
130-131) Esses fatores diferenciadores são responsáveis pela iconização do texto escrito,
demonstrando uma busca pelo uso inventivo dos atributos da voz. No caso da transcriação
sonora do poema Leve, a altura (musical) da voz e sua timbragem, combinados com os
diálogos com o improviso instrumental, são os fatores responsáveis por determinar o uso da
oralidade de modo distinto de uma recitação convencional.
O timbre da voz foi obtido através do uso de uma pedaleira digital X-Vamp
(Behringer). Buscou-se uma voz distorcida, fruto da simulação de um pré-amplificador
Numetal Gain, combinado com os efeitos Cathedral e Chorus, que alteram a continuidade e
a profundidade da voz. Os efeitos foram utilizados ao vivo, com a finalidade de fundir a
voz com mais facilidade à amálgama de sons da improvisação. O improviso instrumental
acompanha a variação de intensidade das estrofes, dialogando com os versos em alguns
momentos, ora complementando e ora contrastando com a dinâmica da voz. O poema é lido
na íntegra duas vezes, seguindo a ordem da escrita, e a palavra final “light” é lida em uma
129
nota vocal mais aguda que as demais, buscando simbolizar a iluminação como ascensão,
sublimação, passagem para aquilo que está mais alto. A dinâmica da leitura lembra
propositalmente a performance de Décio Pignatari no poema sonoro Life, presente no CD
No Lago do Olho, de Cid Campos. Essa semelhança, além de deixar claras mais uma vez as
influências da poesia concreta neste trabalho, constrói um diálogo com o conhecido poema
de Décio Pignatari, cuja temática tem muito em comum com Leve.
46
Ao contrário dos outros casos que serão analisados neste capítulo, o poema
original Leve não proporciona um acontecimento visual que nos permita considerá-lo um
poema visual. As características visuais exploradas nele são vinculadas à sua espacialidade
gráfica no sentido de determinação do ritmo, valorização das semelhanças morfológicas
entre as palavras e uso do branco como ausência, silêncio e pausa. Mas os fundamentos do
poema não dependem de uma operação visual que poderia ser adaptada ao meio sonoro,
como nos outros casos que veremos em seguida. Foi necessário, portanto, criar uma nova
operação, para que esta tradução não fosse considerada simplesmente uma mera leitura
literal do original acompanhada de fundo musical, o que estaria fora dos propósitos deste
trabalho. O fator de inovação presente na transcriação realizada é o “light” agudo do final
do poema, uma iconização obtida com a elevação da altura da nota, conforme dissemos.
Além disso, deve-se destacar como outro fator inventivo os diálogos entre o verbal e o não
verbal-instrumental, num improviso que caracteriza a performance realizada durante a
gravação como um momento único.
Como observou Roman Jakobson (ver item 2.1. da primeira parte), na poesia “a
semelhança fonológica é sentida como um parentesco semântico”, e esse recurso é um dos
princípios operacionais do poema Leve. À parte das semelhanças visuais nele presentes, as
semelhanças fonológicas obtidas com a consonância das letras “L” ficam facilmente
perceptíveis na leitura em voz alta, concedendo ao poema sonoro uma sensação de
constância, que só é rompida no desfecho da transcriação. Voltando a Jakobson, para que
esta se tratasse de uma “transposição criativa”, era necessário reinventar Leve no sistema de
chegada, com os atributos que são próprios deste. A elevação da nota final é um recurso
46
No poema de Pignatari, publicado em 1957, as letras da palavra “life” se sobrepõem formando o ideograma
chinês do sol, que pode simbolizar luz, ou iluminação.
130
que utiliza um atributo próprio da linguagem sonora, que é a altura do som (notas) para
complementar o sentido proposto pelo poema.
O exercício de “jogar” com o conteúdo do poema original, depositando nele
uma estratégia de tradução que promova mudanças, é igualmente buscado na transcriação
de Leve. A geração de uma estratégia é facilitada pelo fato do poema original tratar-se de
um texto aberto a uma grande quantidade de leituras interpretativas. Mas para reler um
poema de sua própria autoria, é necessário distanciar-se momentaneamente dele e, em
seguida, retomá-lo em outro sentido, dirigido pelas opções do sistema de chegada. A noção
de “leituras continuadas” na tradução, apresentada por André Lefevere e Suzan Bassnett
(ver item 2.1. da primeira parte), se aplicada a este caso gera uma situação curiosa, pois
temos o autor na condição de leitor da sua própria obra, com a finalidade de tradução. Cabe
a ele escolher uma das interpretações de sua obra para fornecer o viés necessário à
transcriação, e definir o modo como irá “jogar” com o original.
3.2. Sim / Oui
As próximas duas transcriações, Sim / Oui e Poubelle, utilizam o recurso de
tentar reinventar na linguagem sonora procedimentos adotados em poemas visuais. O
poema visual Sim / Oui funciona fundamentalmente, conforme vimos, a partir da proposta
de sobreposição das letras iniciais dessas duas palavras referentes à temática da aceitação,
para formar o símbolo taoísta do Yin e Yang. Recriar esse procedimento no ambiente das
tecnologias de áudio, durante uma performance ao vivo, foi um desafio instigante. Como é
impossível transformar o espacial (imagem) em temporal (sons), partimos em busca de
equivalências, ou seja, de um mecanismo para simular a metáfora do poema em outro meio.
A sobreposição dos sons vocais que compõem as duas palavras foi realizada
com uso de recursos eletrônicos de manipulação de sinal sonoro, na referida sessão de
improvisação. A voz repete prolongadamente as duas palavras, com ênfase nas vogais, que
são mais sonoras, compondo, em alguns momentos, uma textura semelhante ao “Om”
131
(sílaba sagrada) de um canto tibetano.
47
A manipulação eletrônica ao vivo (live-electronics)
da voz ficou por conta do músico Marcel Rocha, que tratou-a com uso de uma pedaleira
Boss GT8. Essa interferência procura dialogar com a idéia central do poema e também com
os demais instrumentos e elementos sonoros da improvisação, que vão se agrupando
gradualmente à voz, definindo o resultado sonoro da peça. Cada reinício da voz é marcado
por um som semelhante ao de um sino, como os usados nas meditações do budismo
tibetano, configurando uma citação bem ambientada ao contexto temático e sonoro.
Devemos considerar a transcriação sonora de Sim / Oui como uma unidade, sem dissociar
seus traços verbais e não-verbais, pois o texto e a música se constróem juntos e estão
fundidos.
A tentativa de recriação do fenômeno visual proposto pelo poema Sim / Oui
através do uso de signos acústicos concede um caráter sinestésico à tradução, que explora o
intercurso existente entre os sentidos da visão e da audição, gerando um trânsito entre os
espaços da escrita, da iconografia e da fala. Esse procedimento vai diretamente ao encontro
daquilo que observou Kandinsky sobre uma arte aprender com outra o modo com que se
serve de seus meios para utilizar os seus da mesma forma. (ver item 3.3. da primeira parte)
Devemos lembrar que o poema sonoro Sim / Oui se trata de uma imitação que busca copiar
os mecanismos internos que definem o funcionamento do poema original. O gesto vocal
sugerido na entonação do poema busca construir a leitura de algo naturalmente ilegível em
voz alta por uma só voz, uma vez que carece da sobreposição de sons, ou polifonia, que só
é possível realizar com a voz de uma única pessoa através da mediação tecnológica.
Para chegar a um resultado pretendido numa transcriação se tem de passar
inicialmente por um momento de leitura da obra, caracterizado pela geração de uma
interpretação predominante, a partir da qual o transcriador irá definir as diretrizes para
“jogar” livremente com seu conteúdo. Lembremos sempre que se trata de uma percepção
individual, entre tantas outras possíveis. Suzana Lages (2007, p. 69) observa que o tradutor
ocupa um papel de leitor privilegiado da obra, que não pode ser comparado aos leitores em
geral, de seu ambiente cultural. Entretanto, essa condição não pode levar-nos a exigir, ainda
47
A pronúncia da letra “O” no poema sonoro, que não ocorre na língua francesa, é mais um fator que reforça a
origem visual da transcriação.
132
segundo a autora, que ele seja capaz de identificar todo o inatingível “espectro das
intenções comunicativas de um autor”. Uma visão como essa pressuporia que o texto
original é um produto fechado e imutável, o que seria um grande equívoco.
Julio Plaza se referiu à leitura como o momento de apreensão do objeto a ser
traduzido, de diálogo entre autor e leitor/tradutor, para criar uma interpretação e buscar uma
síntese, que será recriada em outro sistema. (ver item 3.2. da primeira parte) A partir disso,
podemos entender o ato de leitura como uma tradução da obra original, uma manifestação
do estado ativo do receptor, que se transforma em co-autor da informação nela contida.
Como definiu Octavio Paz, um poema é uma metáfora do que o autor sentiu e pensou, e sua
leitura reproduz esse duplo movimento novamente no mundo. (ver item 2.1. da primeira
parte) A apresentação do poema visual Sim / Oui aos demais integrantes do coletivo Olho
Caligari antes da realização da performance de improvisação serviu para disseminar
interpretações. Cada improvisador, ao seu modo e de acordo com seu repertório pessoal,
elaborou sua leitura para a idéia representada no poema, já tendo em vista o passo seguinte,
da criação, aplicada ao uso dos instrumentos e outros recursos técnicos de mediação.
Referindo-nos novamente a Paz, é interessante observar a amplitude de sua
visão, segundo a qual se pode concluir que traduções ocorrem sempre que uma leitura é
realizada. Esse enfoque sobrepõe-se a outras questões sobre o tema, que passam a ser
irrelevantes, como a traduzibilidade, ou os limites da tradução. Lembremos que para o
autor, a criação é a cristalização da linguagem em movimento, e a tradução é colocar esse
cristal de seleções novamente em movimento, fixando-o em outro sistema. (ver item 3.2. da
primeira parte) Percebe-se um particular dinamismo nessa concepção, que aponta para a
força revitalizante da tradução. A obra original ressurge através de um gesto que representa
um movimento, uma mudança, uma alteração em sua forma. É este gesto que a anima e
revigora, como ocorreu na transcriação de Sim / Oui, onde a inserção de novos fatores
revitalizou o poema visual.
Segundo Plaza, o momento da leitura é sucedido pelo da invenção, quando o
tradutor, tomando a obra original como ponto de partida, busca um insight para recriá-la em
outro meio técnico. (ver item 3.2. da primeira parte) Essa busca constitui-se o problema
central de uma transcriação, e as opções adotadas revelarão as intenções de quem transcria.
133
O caso de uma transcriação coletiva é marcado pela diversidade de repertórios e leituras
que interagem. Nessa interação, é importante observar também o papel dos meios técnicos
utilizados (no caso, instrumentos musicais e interfaces digitais), pois a exploração intuitiva
de suas possibilidades pode nortear o direcionamento da obra, sobretudo no contexto de
uma improvisação, onde não existe uma meta definida e tudo está por acontecer. As
finalidades dos transcriadores são representadas por sua tomada de posição em relação à
obra original, a partir do que o poema lhes suscitou.
Trabalhamos a transcriação de Sim / Oui para a linguagem sonora com as
intenções de renovar o poema original e imprimir nele os traços nítidos de nossa
participação criativa, de nosso tempo e dos estilos que nos influenciam. A busca do
improviso coletivo foi, mais uma vez, “jogar” com este original, tomando-o como
possibilidade aberta de recriação, e considerando sua tradução em outra linguagem,
sobretudo como um exercício de invenção. Como observou Paz, “tradução e criação são
operações gêmeas”, e há “um incessante refluxo entre as duas, uma contínua e mútua
fecundação”. (ver item 3.2. da primeira parte) Essas considerações derrubam o mito da
hierarquia entre original e tradução. Nesta transcriação tomamos o original como ponto
inicial para um novo impulso criativo, onde afloram, através de analogias e livre-
associações, a presença dos transcriadores e os traços próprios de seus repertórios,
estimulados pela obra de partida.
3.3. Poubelle
As traduções intermidiáticas que se propõem a construir em outros sistemas
estruturas análogas às das obras nas quais se baseiam, podem ser definidas através de
diferentes conceitos, conforme vimos na primeira parte desta tese. Rogério Prestes de
Prestes usou as denominações “vínculos paramórficos”, e “paramorfismo” para falar das
relações de similaridade entre textos de Haroldo de Campos e obras de artistas plásticos.
(ver item 3.3. da primeira parte) Prestes se referia ao modo como o poeta articulara
estruturalmente a função poética nos seus textos, que era semelhante ao dos artistas em suas
134
obras. O autor fala também de “isomorfia” e “sinergia dialógica” para dizer que as
“transcriações interpoéticas” de Haroldo de Campos representam semelhanças operativas,
traços “mutualmente referenciais” com as obras plásticas a que se referem. Aguinaldo
Gonçalves também apresenta, como vimos, um conceito que tem muita semelhança com
esses de Prestes, o de “homologia estrutural” entre as artes. (ver item 3.3. da primeira parte)
Para o autor, os artistas podem reproduzir “procedimentos construtivos” semelhantes em
diferentes sistemas artísticos, onde os elementos de cada sistema são utilizados de forma
similar, ou seja, buscando o mesmo processo de composição.
Esses diferentes conceitos podem ser aplicados para definir o que ocorre na
transcriação do poema visual Poubelle com uso de recursos eletrônicos de áudio. Cabe
lembrar que o poema de partida é uma versão francesa para Luxo, poema de Augusto de
Campos que se baseia no modo contrastante como as fontes gráficas das palavras “Luxo” e
“Lixo” são apresentadas, no que diz respeito à sua ornamentação e tamanho. No poema
sonoro, o gesto vocal criado pela leitura busca simular a organização estrutural visual,
tentando fazer o sintagma “plus belle” crescer, ao espichar, sobretudo a fala do seu primeiro
fonema, e reduzindo a rápidas pronúncias curtas e repetidas a palavra “poubelle”. Também
foi trabalhada a altura da voz, de modo que, ao gesto de expansão da primeira palavra,
soma-se um glissando agudo (elevação da nota dentro de um som contínuo) e a chuva de
fragmentos “poubelle” é ilustrada com notas agudas.
Foram usados novamente na voz os recursos da pedaleira digital X-Vamp, com
simulação de pré-amplificador Brit Hi Gain. Combinado a ele, o efeito Stereo Delay, que
exerce a multiplicação do som repetidamente, com intervalos de tempo programáveis, mais
o efeito Long Echo, que como o próprio nome designa, produz ecos prolongados. O uso do
Stereo Delay se justifica, sobretudo, em virtude da busca da multiplicação sonora dos
pequenos fragmentos de “poubelle”, baseada, mais uma vez, na estrutura visual da obra
original. Os sons instrumentais e de objetos tocados durante este improviso, além de
construírem a paisagem sonora, ou o ambiente onde é inserida a leitura do poema,
apresentam momentos marcantes de diálogo com a voz. Isso ocorre, sobretudo, com as
guitarras, que ora trabalham com o glissando, ora com o estilhaçamento de sons agudos.
135
O poema original, por ser de natureza “verbivocovisual”, explora em sua
operação também a dimensão sonora das palavras envolvidas, sobretudo a semelhança
vocal existente entre elas. Essa semelhança, somada à visual, formam um bloco de
uniformidade (isomórfico) que contrasta com o paradoxo semântico, definindo a dinâmica
funcional da estrutura do poema. A tensão estabelecida entre os contrastes e semelhanças
ganha destaque também na estrutura do poema sonoro, dado que as duas palavras, com
pronúncias tão semelhantes, são ditas de modo tão distinto. A iconização do signo verbal
pelo uso da voz busca reinventar a estrutura operante na forma visual do poema, imitando-a
no modo como seus signos se apresentam e funcionam.
Mais do que analisar comparativamente as semelhanças entre original e
transcriação sonora, nos casos de Poubelle e Sim / Oui propomos mostrar entre elas uma
“equivalência de essência”, no sentido que Clüver atribui, ao citar a anedota da academia
chinesa de pintura. Cabe lembrar que neste exemplo, o objetivo do desenho não era o de
substituir o original, mas interagir criativamente com ele, através da criação de outro signo
que continha uma “essência” equivalente. Constitui-se mais uma pintura a partir do verso
do que propriamente a sua tradução para a pintura, no sentido convencionalmente atribuído
ao termo tradução.
48
É como se o pintor captasse uma essência no texto original e a
reconstruísse com outros meios e, porque não, com outras metáforas. A questão da essência
imanente a uma obra e sua transferência para outra através da tradução, nos remete à visão
metafísica de Walter Benjamin em A tarefa do Tradutor, e essa discussão será retomada no
próximo capítulo.
Por ora, cabe lembrar que esse modo de interagir ao qual estamos referindo-nos
pode dar-se de diferentes maneiras, conforme vimos, e é o transcriador quem decide quais
aspectos serão indispensáveis à estratégia que está adotando em sua recriação. Esta se
constitui, portanto, uma leitura pessoal da obra propulsora, e carrega os vestígios dela em
sua própria apresentação. Neste conjunto, destacamos a função essencial das distorções em
relação à obra original, como atos calculados para obter efeitos e dar vazão especial à voz
do transcriador.
48
Nesse sentido, cabe observar que nossa meta ao abordar concentradamente o conceito de tradução ao longo
deste estudo foi mostrar, sobretudo, as dimensões de seu campo não-convencional.
136
137
CAPÍTULO 4
TRANSCRIANDO POESIA COM
NANOTECNOLOGIA
138
139
4.1. Nanotecnologia e Nanoescrita
Em 1959 o físico estadunidense Richard Philips Feynman proferiu a palestra
intitulada Há Muito Lugar Lá Embaixo, na qual discutia as possibilidades e vantagens do
trabalho com materiais em escalas muito pequenas. Mesmo sem anunciar formalmente a
palavra “nanotecnologia”, Feynman alertou que pesquisas sobre o assunto poderiam
auxiliar no desenvolvimento de computadores mais rápidos e na produção de materiais
inéditos a partir da combinação de átomos, além de trazer possíveis avanços para as
ciências biológicas, entre outros setores. O termo nanotecnologia, por sua vez, foi
concebido no Japão por Norio Taniguchi, em 1974, e se difundiu bastante a partir da
década seguinte.
49
Consiste na construção e manipulação de estruturas a partir dos átomos,
ou em termos técnicos, em escala nanométrica. Seus desdobramentos são úteis a diversas
áreas como a medicina, eletrônica, física, química, biologia, engenharia dos materiais, entre
outras, gerando produtos como semicondutores, biomateriais, chips de computadores,
dispositivos para testes clínicos em miniatura, entre diversos outros. O prefixo “nano”, que
vem do grego nánnos, significa anão, e corresponde, no contexto da nanotecnologia, à
organização e controle da matéria átomo por átomo, molécula por molécula.
50
A unidade de medida utilizada nas estruturas nanométricas é o “nanômetro”
(nm), que corresponde a 10
−9
metros, ou seja, um milionésimo de milímetro, ou um
bilionésimo de metro. Para se ter uma noção da dimensão que representa, imaginemos um
grão de areia de um milímetro em uma praia de mil quilômetros de extensão. Essas
proporções coincidem com o que representa um nanômetro no espaço de um metro. A
palavra nanotecnologia popularizou-se com a publicação do livro Engines of Creation, do
cientista Eric Drexler, em 1986. O livro, embora contenha algumas especulações próximas
49
As explicações históricas e técnicas relativas à nanotecnologia que constam neste item têm a finalidade de
situar o leitor em relação a esta tecnologia, visto que ela não é tão habitual quantos as demais abordadas nesta
tese.
50
Fontes de referência utilizadas neste item: http://pt.wikipedia.org/wiki, visitado em 16/02/09,
http://singularityhub.com/tag/nanowriting/
, visitado em 15/11/09,
http://www.comciencia.br/reportagens/nanotecnologia/nano10.htm
, visitado em 18/02/09,
http://www.cmdmc.com.br/pesquisa/nanotecnologia/
, visitado em 25/02/09 e jornal Folha de São Paulo de
27/04/09 (“Brasileiros fazem seu primeiro nanopoema”, por José Alberto Bombig).
140
da ficção científica, baseou-se num trabalho sério de pesquisa desenvolvido por Drexler,
que acabaria culminando posteriormente em seu doutorado, o primeiro da história em
nanotecnologia, defendido no Massachusetts Institute of Technology, em 1991. A meta
proposta no livro seria a criação de um “montador universal”, um dispositivo capaz de
construir átomo a átomo qualquer máquina concebível pela mente humana, a partir das
instruções de um programador.
Ainda distantes deste ponto, um grande marco para o desenvolvimento da
nanotecnologia foi a invenção, em 1981, do microscópio de varredura por tunelamento
eletrônico, o Scanning Tunneling Microscope (STM), que permitiu observar pela primeira
vez com qualidade o relevo da superfície de um objeto a nível atômico. A resolução dos
microscópios ópticos era grosseira para a visualização de átomos, e somente a evolução dos
microscópios eletrônicos, que culminaria na produção do STM, tornou-a possível. Nos
microscópios eletrônicos, a imagem reproduzida em um filme ou na tela de um computador
é gerada a partir da atuação de um feixe de elétrons que incide sobre o objeto a ser
observado, que é colocado numa cápsula de vácuo. O STM deu origem a outros
instrumentos que, além de permitirem a visualização de átomos e moléculas, possibilitam
também manipulá-las. Entre eles está o microscópio eletrônico de transmissão em varredura
(STEM), utilizado no experimento que apresentaremos neste capítulo.
As pesquisas sobre nanotecnologia movimentam atualmente investimentos de
bilhões de dólares ao ano, sobretudo nos EUA, Japão e Europa. Cylon Gonçalves da Silva,
ex-diretor do Laboratório Nacional de Luz Síncrotron e idealizador do Centro Nacional de
Referência em Nanotecnologia, descreve as possíveis aplicações dessa ciência:
(...) aumentar espetacularmente a capacidade de armazenamento e
processamento de dados dos computadores; criar novos mecanismos para
entrega de medicamentos, mais seguros e menos prejudiciais ao paciente
dos que os disponíveis hoje; criar materiais mais leves e mais resistentes
do que metais e plásticos, para prédios, automóveis, aviões; e muito mais
inovações em desenvolvimento ou que ainda não foram sequer
imaginadas. Economia de energia, proteção ao meio ambiente, menor uso
de matérias primas escassas, são possibilidades muito concretas dos
141
desenvolvimentos em nanotecnologia que estão ocorrendo hoje e podem
ser antevistos.
51
No Brasil, trabalhos com nanotecnologia vêm sendo desenvolvidos em
universidades e centros de pesquisa, e abordam desde a química e petroquímica, à entrega
de medicamentos, produção de sensores, materiais magnéticos e computação quântica.
Entre esses centros, destacamos o Laboratório Nacional de Luz Síncrotron (LNLS), em
Campinas, que abriga em sua estrutura laboratórios que trabalham com nanotecnologia,
com destaque para o recém-inaugurado Centro de Nanociência e Nanotecnologia Cesar
Lattes (C2Nano), e o Laboratório de Microscopia Eletrônica (LME), onde o experimento
que será apresentado em seguida foi realizado.
A escrita em nível nanométrico (nanowriting) não é uma novidade, e a própria
palestra inaugural de Richard Feynman sobre nanotecnologia já fazia referência a essa
possibilidade. Segundo o físico, seria possível, no futuro e com os avanços da nanoescrita,
copiar os 24 volumes da Enciclopédia Britânica na cabeça de um alfinete, ou todos os
volumes da Biblioteca do Congresso dos EUA, da Biblioteca do Museu Britânico e da
Biblioteca Nacional da França no espaço de três metros quadrados. Caso a biblioteca da
“Universidade do Brasil” pegasse fogo, exemplificou o físico, esse material poderia ser
enviado para lá.
Embora exista hoje tecnologia suficiente para realizar as previsões de Fynman
sobre a nanoescrita, elas não foram concretizadas. Outras tecnologias de armazenamento de
texto se mostraram mais eficazes, e a nanoescrita acaba sendo usada, atualmente, só para
etiquetar e identificar amostras muito pequenas de material. Existem basicamente três
maneiras de escrever em nível nanométrico: agrupando átomos, entalhando a superfície de
um material com um feixe de elétrons, ou através do uso de projeção holográfica. O
primeiro modo foi posto em prática pioneiramente em 1990, quando pesquisadores
escreveram o nome da marca IBM usando 35 átomos de xenônio sobre uma superfície
metálica. É uma técnica cuja complexidade reside, sobretudo, na manipulação dos átomos
isoladamente, até conseguir deixá-los em posições eqüidistantes. A tarefa é difícil, dado
51
http://www.comciencia.br/reportagens/nanotecnologia/nano10.htm, visitado em 23/08/09.
142
que os átomos, nessas condições, apresentam comportamento imprevisível. Sobre o
segundo modo, o veremos mais detalhadamente no próximo subcapítulo, dado que foi a
técnica utilizada em nosso experimento. O terceiro modo, que usa uma técnica chamada
“electronic quantum holography”, foi desenvolvido recentemente (2009), quando cientistas
da Universidade de Stanford escreveram as iniciais da universidade usando ondas de
elétrons em uma peça de cobre, projetadas em um holograma minúsculo. As letras medem
0,3 nanômetros (nm.), provando que esse procedimento é o que pode gerar as menores
medidas de escrita possíveis na atualidade. (Moon et al., 2009, p.1)
A nanoescrita, salvo suas aplicações restritas, é uma atividade de caráter
experimental, uma busca motivada pelo desafio tecnológico de escrever no menor espaço
possível. Novos recordes devem ser atingidos nos próximos anos, com uso de técnicas que
sequer são imaginadas hoje, e que se desenvolverão paralelamente a descoberta (talvez
infinita) de novas subpartículas atômicas, chegando a divisões possíveis de matéria cada
vez menores. Referimo-nos a nanoescrita como um meio de comunicação eletrônico, no
contexto da presente tese, pelo fato de que sua elaboração e visualização são mediadas por
equipamentos eletrônicos, mesmo que a amostra com o nanotexto exista fora deles. Para se
observar a obra original, entretanto, é necessário recorrer ao microscópio eletrônico e aos
computadores a ele ligados, usados também na sua criação.
4.2. Infinitozinho
A nanoescrita me foi apresentada pelo Dr. Giancarlo Tosin, físico responsável
pela Divisão de Magnetos do Laboratório Nacional de Luz Síncrotron, no início de 2009. A
tecnologia me chamou atenção por seu possível vínculo com a poesia, visto que, na
ocasião, eu procurava uma mídia diferenciada, inusitada ou pouco usada, para tentar
realizar uma das transcriações deste presente trabalho. Imediatamente após conhecê-la, pus-
me a procurar na internet referências a poemas elaborados com nanoescrita, encontrando
apenas dois casos. O primeiro deles consta de versos de Bai Ju-yi (séc. XIX) entalhados em
substrato de silício através do uso de um microscópio de força atômica (AFM). Cada uma
143
de suas linhas mede cerca de 100 nm., e as informações sobre seus autores não foram
encontradas na internet.
52
Já o segundo nanopoema encontrado é um haicai do poeta
contemporâneo Kim Pham, que foi elaborado por cientistas da Cardiff University, no País
de Gales, em 2007.
53
Quando Giancarlo falou-me da possibilidade de realizarmos uma experiência
semelhante no Laboratório de Microscopia Eletrônica (LME-LNLS), lembrei-me
imediatamente do poema Infinitozinho, de Arnaldo Antunes, que conheci na ocasião da II
Bienal de Artes Visuais do MERCOSUL, em Porto Alegre, no ano de 1999. Constava de
um poema-instalação com a palavra “infinitozinho” escrita em letras de metal gigantes
penduradas, presas por um eixo e amarradas ao piso e ao teto. Media cerca de quatro
metros, e a disposição das letras formava diferentes ângulos em relação ao eixo central do
poema, criando uma sensação de rotação e induzindo o leitor a circular em torno da obra
para lê-la. Era um totem para ser lido de baixo para cima (de modo oriental), gerando outras
sugestões de palavras que estariam embutidas ali.
Antunes fez inicialmente o poema em versão gráfica (ver anexo 4), nos anos 80,
mas este só foi publicado muitos anos depois, no capítulo de escritos inéditos intitulado
Nada de DNA, da antologia Como É que Chama o Nome Disso, de 2006. A primeira
versão tridimensional do poema foi elaborada por Antunes para a II Bienal do
MERCOSUL. Recentemente foi feita outra versão, bem mais reduzida, com a mesma
palavra escrita numa escultura de metal,
54
medindo 1,20m. (ver anexo 5) O autor considera
Infinitozinho “uma obra que pode ser feita em diversas escalas, é meio aberta nesse
sentido”.
55
A associação entre o poema de Antunes e a nanoescrita se deu através das
relações de semelhança entre o conteúdo deste e o novo ambiente que estava sendo gerado
para a transcriação, entre o diminutivo do poema e o muito pequeno da mídia. As
52
A obra serve como ilustração no site que contém a programação do congresso Frontiers of Photonics
Research, realizado na Chinese University of Hong Kong, em 2004.
http://www.ee.cuhk.edu.hk/ASI_Photonics/html/asi_agenda.html
, visitado em 03/03/09.
53
http://www.nanotech-now.com/news.cgi?story_id=20475, visitado em 03/03/09. As medidas do nanopoema
não constam na internet.
54
Obra em exposição até janeiro de 2010 no Paço da Liberdade, em Curitiba.
55
Entrevista concedida à presente pesquisa.
144
propriedades semânticas do poema pareciam coincidir perfeitamente com o contexto da
nanoescrita. Subjazem a esta realização outros sentidos, como a busca “infinita” pelo
armazenamento de informação em estruturas cada vez menores, ou a física subatômica e
seus horizontes também “infinitos”. Tudo isso dialoga com a concentração atômica que é a
palavra-poema, um núcleo verbal altamente atomizado de significação, que reside numa
palavra inexistente, num neologismo, numa invenção do nosso vernáculo.
A palavra inventada é formada pela junção de uma palavra existente com um
sufixo, que aciona a função poética e figurativa, transformando o enunciado em poema. No
trecho a seguir, Antunes comenta sua obra
56
:
Tornar possível uma impossibilidade, ir ao limite do possível através do
exercício de linguagem. Esse poema vem um pouco nesse sentido, de
afirmar uma impossibilidade e isso criar um paradoxo, um nonsense:
como o infinito pode ser pequeno? Um contraste de medidas e o insigth
que isso pode dar em quem recebe. Além disso, uma palavra que não
existe, uma invenção vocabular. Você dá um atributo de grandeza a uma
coisa que é imensurável, esse é o jogo.
Decidido o poema que seria transcriado, passamos a analisar a técnica a ser
empregada para realizar a nanoescrita. As diferentes opções ao nosso alcance foram
avaliadas em uma primeira reunião com o Prof. Dr. Daniel Ugarte, do Departamento de
Física da Universidade Estadual de Campinas. O encontro foi realizado em fevereiro de
2009, quando ficou definido que a melhor alternativa que possuíamos era realizar furos em
um nanofio com um feixe de elétrons gerado por um microscópio eletrônico de transmissão
em varredura.
A amostra (nanofio) foi preparada pela Profa. Dra. Mônica Cotta e pela Dra.
Thalita Chiaramonte. O procedimento de escrita foi realizado no dia três de março, durante
mais de cinco horas e após algumas tentativas, por Luiz Henrique Tizei, pesquisador e
doutorando no Instituto de Física da UNICAMP. O material utilizado foi um microscópio
eletrônico de transmissão em varredura (STEM) modelo JEOL2100F-URP, e um nanofio
de Fosfeto de Índio (InP), no qual a palavra-poema foi escrita, de trás para diante. As
medidas do poema são da ordem de 35 X 440 nanômetros (nm), ou seja, ele é cerca de mil
56
Idem.
145
vezes mais fino do que um fio de cabelo. A ausência de outras referências na internet e na
bibliografia especializada nos leva a crer que se trata do primeiro nanopoema em língua
portuguesa, e o primeiro feito no Brasil. As fotos digitais tiradas pelo microscópio foram
armazenadas em arquivos de formato jpg e posteriormente divulgadas em sites e jornais
brasileiros. Foi feita também uma apresentação das fotos em Power Point, registrando os
diferentes momentos da elaboração do nanopoema. (ver anexo 6)
No trecho a seguir, Antunes comenta o resultado da experiência realizada
57
:
Quando o poema original é grafado numa escala tão micro-micro-
microscópica, dá uma nova dimensão de compreensão muito
interessante, porque é como se realizasse aquela impossibilidade que o
poema propõe, através de uma nova forma de grafia. Essa versão dialoga
com o paradoxo do poema de uma maneira interessante e criativa. (...)
Você pode pensar na extensão do cosmos ou na das micropartículas, que
você vai dividindo, existem os dois infinitos. De qualquer forma, são
grandes, para dentro ou para fora. (...) Eu achei o resultado gráfico muito
interessante. Quando você pega um meio novo e tenta grafar com ele, não
sabe como isso vai resultar visualmente. O resultado gráfico é
interessante porque lembra a coisa da corrosão, da ação do tempo, de ser
um suporte muito frágil e ter o risco de rompê-lo, a precariedade toda do
meio, tudo isso traz uma informação muito interessante. De alguma
forma, cria aspectos sensíveis para a escrita, além do fato de se saber que
é uma escala muito pequena, a própria imagem traz uma informação que
é diferente e que achei muito interessante. Achei muito bonito, antes de
tudo, a coisa irregular da escrita, meio corroída nas bordas do nanofio.
(...) Fiquei surpreso com a repercussão que o trabalho teve, acho que isso
é porque junta o ineditismo da ação com os meios científicos e a escolha
de um poema que dialoga diretamente com a questão desse ineditismo.
O uso de suportes variados e o trânsito por diferentes meios são práticas
recorrentes no conjunto da obra de Antunes. Podemos perceber, em várias ocasiões, o
exercício de reinvenção de poemas de sua própria autoria em outras mídias. Isso iniciou no
primeiro livro publicado pelo autor, Ou / E, de 1983, no qual o poeta traduziu
intersemioticamente alguns poemas seus para a linguagem da caligrafia, e os traços gráficos
manuscritos concediam aspectos expressivos que interferiam na leitura das obras. Outras
versões de seus próprios poemas estão presentes no videoarte Nome, em instalações,
57
Idem.
146
performances, no site
58
e nos CDs do poeta e compositor. A transcriação de Infinitozinho,
realizada dez anos após a primeira exibição do poema, é um caso típico de tradução entre
diferentes meios onde as características materiais do suporte empregado propõem um
direcionamento criativo para a reinvenção do original. O próprio Antunes percebe isso: “o
nanopoema é diferente das versões que fiz, e dá ao sentido do poema uma dimensão em que
o meio acaba interferindo no sentido, com uma novidade surpreendente, de poetizar a
ciência”. Se Infinitozinho é um poema que pode ser feito em diversas escalas, então “o
nanopoema é mais uma leitura, em outra escala”.
59
Cabe aqui resgatarmos a discussão em torno das afirmações de Antonio Risério
citadas no item 3.2. da primeira parte desta tese. Para o autor, “as tecnologias não têm
natureza nem essência, são mutáveis, de acordo com a nossa vontade, isto quer dizer que
não se pode pensar ‘vou produzir assim porque estou usando determinado meio.” (1998, p.
9) Essa visão deposita toda a iniciativa e responsabilidade da realização na criatividade do
artista, mas queremos chamar a atenção para o fato de que as tecnologias também, com
suas qualidades materiais e especificidades históricas, sugerem e propõem, criando um
diálogo com a imaginação de quem produz arte. Como salienta Arlindo Machado:
As técnicas, os artifícios, os dispositivos de que se utiliza o artista para
conceber, construir e exibir seus trabalhos não são apenas ferramentas
inertes, nem mediações inocentes, indiferentes aos resultados, que se
poderiam substituir por quaisquer outras. Eles estão carregados de
conceitos, eles têm uma história e derivam de condições produtivas
bastante específicas. (2007, p. 16)
Conforme vimos, através do próprio Machado, a relação com a mídia traz ao
artista a oportunidade de, ao mesmo tempo, viver o desafio de abrir-se às formas
tecnológicas de produzir do tempo presente, e contrapor-se ao determinismo técnico,
recusando o “projeto industrial já embutido nas máquinas”. (ver item 3.1. da primeira parte)
Ainda segundo o autor, com essa atitude o artista evita que sua criação “resulte
simplesmente num endosso dos objetivos de produtividade da sociedade tecnológica”.
58
http://www.arnaldoantunes.com.br, visitado em 19/11/09.
59
Entrevista concedida à presente pesquisa.
147
(2007, p. 16) É a oportunidade de desprogramar o caráter utilitário da mídia através de seu
uso poético, de conceder ócio, contemplação e reflexão sobre os aparelhos de natureza
produtiva, iluminando-os pela criação crítica para revelar outro viés das linguagens em que
se manifestam. Como frisou Philadelpho Menezes, a arte permite ver o que a mídia “tem de
programado que pode ser desprogramado”, dado que não se restringe a explorar seu caráter
utilitário. (ver item 3.1. da primeira parte)
Machado observa que o “desvio” do projeto tecnológico original das mídias
permite que a arte proponha uma “metalinguagem” da sociedade midiática, à medida que
apresenta, “no interior da própria mídia e de seus derivados”, alternativas críticas às formas
de normatização e controle da sociedade para as quais as mídias são convencionalmente
idealizadas. (Op. Cit., p. 17) Como esclarece o autor:
(...) a apropriação que a arte faz do aparato tecnológico que lhe é
contemporâneo difere significativamente daquela feita por outros setores
da sociedade, como a indústria de bens de consumo. Em geral, aparelhos,
instrumentos e máquinas semióticas não são projetados para a produção
de arte, pelo menos não no sentido secular desse termo, tal como ele se
constituiu no mundo moderno a partir mais ou menos do século XV.
Máquinas semióticas são, na maioria dos casos, concebidas dentro de um
princípio de produtividade industrial, de automatização dos
procedimentos para a produção em larga escala, mas nunca para a
produção de objetos singulares, singelos e “sublimes”. (Op. Cit., p.10)
Existe atualmente certo modismo no meio científico em torno da
nanotecnologia, fomentado por especulações em torno das promessas que seu uso
aprimorado pode consagrar em diversas áreas. Conseqüentemente, essa tecnologia acaba
virando a vedete dos fundos e orçamentos destinados à ciência, no Brasil e no mundo. A
proposta de reinventar um poema em escala nanométrica busca utilizar o equipamento e
aparato nanotecnológico em prol de uma finalidade não produtiva.
60
Em termos práticos,
esta realização não pode fornecer mais do que um lampejo ao intelecto, ou um sentimento à
alma de quem a frui, como qualquer obra de arte. Procura encaixar-se no perfil dos projetos
60
Cabe ressaltar aqui que essa experiência não trouxe nenhum retorno financeiro para seus realizadores, do
mesmo modo que, praticamente não gerou despesas, dado que utiliza uma estrutura que já está pronta, sem
causá-la prejuízos.
148
que usam a “arte como tecnologia” no lugar de “tecnologia como arte”, como distinguiram
Julio Plaza e Mônica Tavares (ver item 3.2. da primeira parte), dado que busca aliar
criatividade e originalidade às potencialidades oferecidas pelo meio, fazendo surgir de sua
materialidade o insight que leva à realização. Para isso, a iniciativa transcende o fato de
simplesmente tratar-se de escrever qualquer poema com uso da nanoescrita. Foi necessário
buscar uma obra que criasse um diálogo intenso com as qualidades da mídia, que
justificasse o porquê de estar grafada ali, naquele meio. As relações semânticas existentes
entre a palavra-poema Infinitozinho e o suporte nanotecnológico no qual está inscrita
responsabilizaram-se por consagrar essa busca, concedendo sentido e consistência à
transcriação.
Cabe aqui retomarmos também a discussão proposta por Aguinaldo Gonçalves
sobre a “supremacia da orientação estética” que pode apresentar-se em diferentes ramos da
criação artística, independente da variedade de materiais envolvidos e dos objetivos. (ver
item 3.3. da primeira parte) O autor observa que as diretrizes que regem uma determinada
obra podem fazer-se presentes também numa obra realizada em outro meio, caracterizando
o uso de procedimentos semelhantes adotados por artistas de áreas distintas, conforme
vimos. Para Gonçalves, isso só é possível porque existe um “componente mobilizador” que
se manifesta nas diferentes linguagens, e é quem determina o que ele chama de “a natureza
da obra”, ou “natureza do poético”. Quando Gonçalves estabelece suas análises
comparativas entre diferentes sistemas artísticos, sua meta é sempre encontrar essa
“natureza”. Para tanto, detecta algumas unidades não explícitas, mas latentes nas criações
realizadas em diferentes mídias, que o permitem pressupor a existência de uma “linguagem
total”, através da qual essa “natureza” se manifesta.
Quando Claus Clüver declara que o grande tropeço dos estudos disciplinares das
artes foi sempre terem se voltado mais para suas especificidades do que para o que há de
comum entre todas, constrói uma idéia que coincide parcialmente com a de Gonçalves.
Podemos supor que a “linguagem total” está ancorada no que há de comum entre as formas
de arte, e somente fazendo uso dela uma operação como a tradução pode transferir a
natureza de uma obra para outra forma. O resultado de um processo de transcriação de
poesia em diferentes mídias é decorrente da captura de uma essência, que é aplicada a um
149
novo suporte. A obra que surge constitui analogias com o poema anterior a si, que são
responsáveis por produzir uma “equivalência de essência” entre eles, aproveitando mais
uma vez a expressão usada por Claus Clüver. (ver item 3.3. da primeira parte)
No caso de Infinitozinho o poema recebeu, como vimos, versões em diferentes
meios plásticos, com proporções contrastantes. Cabe perguntar “o que” está transitando
através dos diferentes meios, e reconstrói seus aspectos semânticos a partir da interação
com esses suportes. Podemos afirmar que existe um poema que transita por esses meios, ou
há um poema novo a cada transferência? Se existe, onde está esse poema, além dos meios
em que se materializa? Existe alguma “essência” além dos limites e fronteiras de cada
mídia, uma manifestação que pode coincidir com aquilo que vimos como a “natureza” da
obra? É ela que é deslocada para a concretude de cada mídia, a cada diferente versão,
dialogando com seu novo ambiente?
O debate que se debruça sobre essas questões nos remete também a noção de
Walter Benjamin, para quem a tradução é a busca da “Língua pura”, que é a relação íntima
existente por detrás das diferentes línguas. (ver item 1.1. da primeira parte) Para Benjamin,
a tradução revela a “Pura linguagem”, que contém a intenção de tudo o que quer ser dito.
Por essa intenção (não-comunicável), que é a “Idéia”, no sentido puro, passam as diferentes
linguagens na ocasião da tradução. Se compararmos as diferentes línguas e suas
particularidades aos diversos sistemas artísticos, tendo em vista relacionar os princípios da
tradução interlingual de Benjamin com a tradução através das diferentes mídias, poderemos
constatar que a relação íntima só pode dar-se onde estas se assemelham: na linguagem total
existente por detrás dos diversos meios.
150
151
Conclusões
Percorridos os passos que nos levaram à elaboração de um arcabouço teórico e
efetuadas as realizações práticas e suas respectivas análises utilizando esse conjunto de
referências, partiremos em busca de uma síntese dos principais aspectos abordados, que
contribua com as reflexões sobre a transcriação de poesia através de mídias eletrônicas.
Optamos por organizar a abordagem dos tópicos neste último item seguindo a ordem pela
qual se processa um exercício de transcriação, que parte da leitura da obra a ser traduzida,
passando pelo insight que define a estratégia que será adotada, até sua concretização na
nova mídia. A abordagem dos assuntos será acompanhada de ilustrações práticas, tomando
como exemplo as transcriações que realizamos. A finalidade é gerar um resumo coeso das
proposições em questão neste trabalho, tentando aproximar ainda mais as duas partes que o
compõem. Esperamos com isso deixar claros os apontamentos que definem as diferentes
estratégias de transcriação aplicadas, e nos permitem interpretar uma vez mais seus
resultados. É importante destacar que estamos referindo-nos a nossa noção particular do
conceito de transcriação, que é uma síntese interpretativa e crítica do material pesquisado e
das experiências realizadas. As expectativas são de que este item de encerramento auxilie
na compreensão de aspectos gerais desse tipo de processo, e também algumas de suas
especificidades, presentes nos casos analisados.
O processo de transcriação coloca em cena uma obra cuja essência estabelece
analogias com outra, anterior a si. Para que isso ocorra, o transcriador inicia sua prática
capturando a essência dessa obra anterior, deixando-se intoxicar por suas exalações.
Através da leitura, que pode repetir-se em diversas ocasiões e diferentes momentos durante
uma transcriação, o transcriador absorve a natureza da obra, fruindo de suas possibilidades
interpretativas e sensoriais. A transcriação mostra-se, por conta disso, como uma via de
interpretação pela qual pode ser percebido o modo que o transcriador leu o original. Esse
modo será sempre uma síntese particular de alguns dos fatores representados na obra, que
152
despertaram maior interesse no transcriador. Certos aspectos da obra podem chamar-lhe
mais atenção por razões de afinidade com seu repertório pessoal, ou por estabelecerem
contrastes marcantes com o mesmo, trazendo-lhe ineditismo de informação. A exigência de
que o transcriador, por estar na posição de leitor diferenciado em virtude de seus interesses
para com a obra, deveria ser capaz de absorver todo seu espectro de possíveis
interpretações, é despropositada. Sua interpretação se trata de uma leitura particular entre
tantas outras cabíveis, que promove o contato entre seu repertório e a obra, determinando os
focos de interesse que servirão para o processo transcriativo.
A leitura é em si própria, uma tradução do original. Numa transcriação ela
coloca em movimento o que está cristalizado na obra de partida, e gera subsídios para uma
nova criação. A transcriação, portanto, irá conceder forma à leitura, carregando os traços da
interação que a originou. Por sua vez, essa nova forma estará suscetível a outras
interpretações, em uma perspectiva de continuidade de leituras, como um processo de
proliferação. Em uma atividade de transcriação a leitura da obra original se complementa
com a pesquisa de informações sobre, pelo menos, seu autor, seu período histórico e o
contexto que cerca sua elaboração. Esses permitem captar o universo de discurso da
mesma, vinculado-a ao tempo em que está inserida.
O universo discursivo do original é transformado com a transcriação, e a obra
resultante desse processo passa a carregar características do tempo de chegada. Seja como
parte proposital do projeto estético ou não, em uma transcriação o tempo de partida sempre
acaba sendo, de alguma forma, adequado ao de chegada. A atualidade como tempo de
chegada para traduções é marcada pela presença de um temperamento maníaco, segundo o
qual o tradutor, diante da constatação da impossibilidade da tradução literal da obra
original, concentra suas potencialidades em violá-la, deixando explícitas as marcas de sua
intervenção. A transcriação se estabelece como uma iniciativa sintomática desse contexto.
Seu gesto caracteriza uma tomada de posição ativa, que gera a reivindicação de uma nova
autoria, à medida que o resultado do processo que proporciona se desprende dos
compromissos de fidelidade para com a obra anterior. O que se sobressai nessa situação é a
ansiedade, por parte de quem transcria, em influenciar no resultado. Isso decorre de uma
153
consciência transcriadora que rege esse tipo de atividade, manifestando-se em variados
níveis, que coincidem com diferentes graus de interferência na obra de partida.
Criação original e transcriação são operações gêmeas. A segunda se abastece da
primeira e nela interfere, trazendo à tona uma nova invenção. Consta de uma realização
motivada por outra, que utiliza esta como uma fagulha para sua criação. Para definir os
aspectos da nova obra o transcriador necessita de um insight fundamental, que determinará
as estratégias e diretrizes a serem adotadas, e deixará claras as intenções de um
determinado projeto. Independente do nível de interferência aplicado a um caso, para que
este seja considerado uma transcriação precisa deixar explícito que se opõe à tradução
literal e servil, e rompe com qualquer comprometimento em transmitir fielmente o
conteúdo da obra original. Esta é quem serve à transcriação, fornecendo-lhe o conteúdo a
ser subvertido.
O insight principal de uma transcriação, que a coloca em funcionamento,
demonstra a autonomia criativa do transcriador nessa operação, revelando seus traços
autorais através dos desvios que proporciona em relação à obra original. Essas mudanças
representam uma disputa de poder entre autor e transcriador, e põem em cheque eventuais
visões que busquem compará-los hierarquicamente. Ambos passam a integrar ativamente
um único processo de significação, no qual é muito arriscado e despropositado tentar supor
o quanto cada um participa, ou quem o faz de forma mais relevante. Isso é bem nítido
também em iniciativas como a versão, a adaptação, ou a paródia, mas é o caráter subversivo
da transcriação que a difere dessas. Sua necessidade de mostrar-se uma operação radical de
renovação, exatamente para desmitificar a ideologia da fidelidade. Por esse motivo, talvez
se assemelhe mais à definição de uma “obra inspirada em” outra, mas que carrega o
compromisso de desta desvincular-se, através de um impulso criativo que prioriza, acima
de qualquer outro fator, a autonomia de quem transcria.
A transcriação é uma atividade que nasceu com a tradução, mas tende a
desprender-se dela. No modo como a apresentamos, os propósitos de interação criativa com
a obra original já não cumprem mais as finalidades de tradução, num sentido estrito. Nossa
opção pelo uso do termo transcriação se deu porque parece ser o que representa melhor a
perspectiva que propomos, além de ter sido quem motivou a nossa busca. Esse conceito
154
está no centro desta pesquisa, que se dedicou a entender aquilo que está por detrás dele e o
originou, e por outro lado, a abrir perspectivas futuras para o mesmo. O passo além das
definições comumente atribuídas à transcriação, que estamos propondo em nossa
abordagem, pode encaminhar futuramente a formulação de um novo conceito, que defina as
intervenções que levaram o espírito radical da consciência transcriadora adiante. Talvez
algumas de nossas iniciativas tenham tomado a transcriação como um ponto de partida, mas
agora apontam para novos horizontes, que podem culminar em novas definições e em uma
nova terminologia. O momento presente, no entanto, nos parece ainda precoce para
tentarmos novos conceitos, dado o risco que as múltiplas interpretações para qualquer
neologismo podem gerar. Mas os resultados desta pesquisa apontam perspectivas de
continuidade, abertas a serem investigadas. Por ora achamos fundamental chamar a atenção
para esse território extremo da transcriação, que se constitui um campo fértil de realização,
sobretudo para projetos que proponham a interface entre poesia e mídias eletrônicas.
Para reinventar o original, o transcriador propõe estabelecer com este um jogo
de inter-relações regido pela estratégia adotada na transcriação. Diferentes estratégias
podem apresentar-se no início de um processo, mas num momento oportuno é necessário
optar por uma, em sacrifício das demais. A estratégia escolhida define o perfil da operação,
e deve deixar claras as intenções do transcriador. O conjunto de transcriações que
realizamos demonstra a aplicação de diferentes estratégias, com variadas finalidades. No
caso da animação Poubelle, por exemplo, a estratégia aplicada visa recriar o caráter político
do poema Luxo em outro tempo e contexto. Já Tarkovski Travelling propõe explorar as
analogias existentes entre uma série de haicais e um filme, enquanto O Anti-Eisenstein
constrói um diálogo entre uma narrativa sobre a juventude de Descartes e um fundamento
do cinema. A animação Sim / Oui preserva a idéia principal da obra que a origina,
acrescentando-lhe novos elementos criativos. Por sua vez, a estratégia aplicada em
Infinitozinho permitiria considerá-la uma tradução intermidiática literal, mas o vínculo
criativo que o poema estabelece com o meio escolhido para sua realização revela um
caráter de invenção. Estratégia semelhante ocorre na transcriação sonora Leve, que parte de
uma tradução literal e propõe uma nova forma de iconização para seu desfecho. Alguns
procedimentos adotados buscam reinventar em outro código o mecanismo de
155
funcionamento de poemas visuais, como no caso das transcriações sonoras Sim / Oui e
Poubelle. Em certas ocasiões, adotamos estratégias que permitem que o original seja
conhecido através da transcriação, uma vez que trazem a sua forma para o novo contexto,
como Tarkovski Travelling e a animação Sim / Oui. Já outras não permitem isso, vide O
Anti-Eisenstein, ou o poema sonoro Poubelle.
As estratégias que empregamos para jogar com as obras originais demonstram
diferentes níveis de interferência de nossa parte. Enquanto o poema sonoro Leve e a
animação Sim / Oui parecem mais apegados às obras de partida, os casos da animação
Poubelle e O Anti-Eisenstein, por exemplo, são marcados por grandes desvios em relação
aos originais. Todos os casos, entretanto, possuem características inventivas que nos
permitem qualificá-los como transcriações, pelo modo como reinventam os poemas de
partida. Diversas formas de manifestação da consciência transcriadora, com diferentes
intensidades, foram colocadas em prática através dessas realizações, compondo uma
amostragem representativa do tipo de procedimento que buscamos caracterizar.
As análises das transcriações que realizamos auxiliam na compreensão das
diversas maneiras como a transposição criativa de poesia pode ocorrer, quando envolve
diferentes mídias. Tentamos esclarecer o modo como se relacionam um poema original e
sua transcriação, adaptada às características de outro meio, e a maneira como essa
incorpora os traços deste novo suporte. As formas de reescrever poemas em mídias
eletrônicas baseiam-se fundamentalmente no estabelecimento de analogias e associações. A
seleção dos signos próprios de cada meio, sejam imagens, sons, ou outros, não se reduz à
finalidade de ilustrar literalmente o conteúdo do original, num exercício de redundância,
mas propõe inserir em seu contexto fatores de diferenciação. A transposição literal de um
poema impresso para um meio eletrônico, ou a mera imitação de sua estrutura de
funcionamento num novo suporte, prescinde do impulso criativo que buscamos destacar. A
transcriação, na maneira como propomos, busca elementos significantes do universo das
mídias que dialoguem criativamente com o contexto proposto num poema, estabelecendo
vínculos e relações que envolvam conteúdos inéditos. Com isso, transforma os
componentes da obra que a inspira, iconizando-os através do emprego de atributos da nova
mídia utilizada.
156
Nos processos transcriativos as analogias podem ser evocadas a partir de dois
aspectos: estruturais e semânticos. O videoarte Tarkovski Travelling, por exemplo, constrói
uma analogia estrutural com os haicais nos quais se inspira, à medida que busca imitar os
traços que definem a duração dos versos na estrutura destes, em sua própria estrutura. No
mesmo sentido, a animação Sim / Oui reelabora os procedimentos da estrutura do poema
visual que a originou, criando com esta uma correspondência fisiológica, no sentido de
parecerem-se na maneira como se apresentam. Já o nanopoema Infinitozinho, por outro
lado, é fruto de uma analogia semântica, visto que o insight que o gerou é proveniente das
propriedades semânticas do poema original, colocadas em diálogo com a nova mídia.
Reinventar a estrutura da obra original numa transcriação não necessariamente
condena esse processo à literalidade, dado que a reinvenção deve ser complementada por
fatores que acrescentem novidades à antiga forma, que não estejam previstos nela.
Construir uma estrutura homóloga ou isomórfica à original, portanto, pode ser um ponto de
partida, como ocorre na animação Sim / Oui. Do mesmo modo, adotar procedimentos
construtivos semelhantes aos do original pode ser um recurso útil, como mostram os
poemas sonoros Sim / Oui e Poubelle, que buscam reconstruir, respectivamente, a dinâmica
da sobreposição de letras, e a contraposição entre a palavra grande e as pequenas. A
equivalência obtida em outro sistema semiótico com o uso desse tipo de recursos não
compromete as características da transcriação como uma poética de invenção, desde que ela
não se restrinja simplesmente a isso. Quando uma criação realizada num determinado
sistema artístico importa de outro seu princípio composicional, ocorre um intercâmbio entre
códigos pelo qual uma arte aprende com a outra o modo como utilizar seus dispositivos,
dando vazão ao caráter relacional existente entre as diferentes artes, as variadas mídias que
utilizam e os conteúdos que veiculam. Aproveitar as relações intermidiáticas como
possibilidades expressivas é um dos princípios fundamentais da transcriação. No tempo da
cultura das mídias, explorar artisticamente essas relações proporciona um vasto campo de
realizações, e a visualização dessa perspectiva foi um dos principais fatores de motivação
deste trabalho.
Buscamos estabelecer no universo de nossas experiências práticas uma série de
analogias e outras formas de relações associativas, oriundas das mais diversas fontes de
157
referência, tendo em comum o fato de todas serem motivadas por poemas. O Anti-
Eisenstein usa o vídeo para propor, através da transcriação do trecho de uma prosa poética
ideogramática, uma reflexão sobre as influências do ideograma na montagem
cinematográfica. Tarkovski Travelling cria uma ponte entre as lembranças bucólicas de
uma série de haicais e a questão da memória em uma obra antológica do cinema. A
animação Poubelle parte do paradoxo apresentado em um poema contextualizado no início
da ditadura militar e o reconstrói, tendo em vista um dos mais polêmicos embates políticos
do começo do século XXI, que é o tempo da mídia de chegada. Além dessas, outras
analogias que nossas transcriações promovem são inspiradas nas relações entre os meios
escolhidos e os conteúdos semânticos que estes veiculam.
Por sua vez, esse repertório de conteúdos colocado em ação pelas analogias e
outras formas de associação revela o transcriador que está por detrás de todas as máscaras
usadas, e que possui objetivos que justificam essa seleção e combinação de informações.
Estabelecemos um modo de operar que demonstra finalidades comuns para todo nosso
conjunto de realizações, constituindo-se como um procedimento que as norteou. Isso não
significa que haja uma padronização nesse conjunto, pelo contrário, ele contém contrastes
nas obras entre si, mas todas demonstram ser guiadas por um mesmo fundamento: a busca
por colocar em prática nossa noção de transcriação.
A opção por uma determinada mídia sugere caminhos e propõe decisões em um
processo de transcriação. A sinergia entre a criatividade e o repertório do transcriador e as
características técnicas, históricas e conceituais do meio empregado define novos aspectos
para a recontextualização da obra de partida. A concretização de uma transcriação na mídia
de chegada é conseqüência de um insight fundamentado nas características desta, no
sentido de ser por elas motivado e, ao mesmo tempo, buscar explorá-las. Esse processo
utiliza as relações entre as diferentes mídias como conteúdo criativo, de modo que a própria
escolha da mídia para transcriar já interfira na definição da estratégia a ser utilizada. O
resultado dessa atividade fomenta o crescimento da mídia de chegada, fazendo-a renovar-se
à medida que explora seu caráter não-usual, as possibilidades de utilização que não são
previstas em sua idealização produtivista. Por isso, a transcriação com mídias eletrônicas,
bem como alguns outros procedimentos artísticos que usam esses meios, constituem-se
158
iniciativas possíveis para subverter o modo como eles são percebidos e utilizados
convencionalmente. Para tanto, devem desviá-los do projeto industrial do qual são
oriundos, abrindo espaço para a reflexão acerca de sua natureza não-utilitária. Essas
atitudes desprogramam o determinismo tecnológico e expurgam a mídia de seu caráter
servil.
A convergência dos meios na cultura das mídias direcionou a produção
simbólica a uma posição onde as formas expressivas incorporam procedimentos e
conteúdos umas das outras, construindo um único território híbrido, e deslocando o enfoque
dos debates que se concentram nas especificidades de cada mídia. As abordagens teóricas
disciplinares, sobretudo aquelas que se debruçam sobre objetos artísticos, cedem lugar a
perspectivas que priorizam as relações entre os meios. Interdisciplinaridade,
intersemioticidade, intermidialidade e interartes são algumas das expressões sintomáticas
das transformações às quais nos referimos, e representam visões imprescindíveis para quem
se propõe a analisar objetos artísticos na contemporaneidade. No caso da transcriação de
poesia através de diferentes mídias, esses conceitos fornecem os subsídios mais pertinentes
para pensar o trânsito de conteúdo estético e outras relações entre os meios que a mesma
propicia.
A preservação de alguns aspectos dum poema original, como seus traços
compositivos, o perfil de seu autor, ou o contexto onde ele está inserido, entre outros
fatores, suscita a busca de equivalências em outra mídia. Não se tratam de equivalências
literais na forma de apresentar o conteúdo, mas de equivalências de essência, o que é mais
sutil e, à parte do significado, prioriza carregar para o novo ambiente o teor, o tom
particular da obra original. Uma vez no universo de uma nova mídia, a essência de uma
obra original desencadeia relações com outros elementos dessa, dialogando com o novo
ambiente. Essa permanência de uma essência nas transcriações através de diferentes mídias
pode ser observada de forma ainda mais nítida em casos que propõem a reinvenção de um
poema em mais de uma mídia, como nos poemas impressos Poubelle e Sim / Oui, que
receberam duas versões cada, em animação digital e linguagem sonora. Nesses conjuntos, a
essência da criação original transpassa as produções e forma laços de identidade, unindo-as.
Podemos imaginar o mesmo ocorrendo no caso da transcriação de uma transcriação, o que
159
proporcionaria uma perspectiva de continuidade da natureza inicial, à qual todas as
produções posteriores estariam vinculadas, sem estabelecer hierarquias.
Aquilo que existe em comum entre os diversos meios, os pontos onde se
relacionam, seja pelo conteúdo que veiculam ou pela forma de representar, constitui uma
unidade. Esta faz pensar a existência de uma linguagem total, que atravessa as diferentes
mídias e expõe as relações existentes entre elas, no sentido de representarem algo possível
dentro de um sistema semiótico maior, um ponto de unificação para onde todos os meios
convergem. A transcriação de poesia através de variados sistemas proporciona alcançar
esse ponto e, em contato com ele, fazer fluir a essência do poema original para outra mídia.
Esse contato ocorre num instante breve e fugidio, no qual essa essência é elevada a
instância superior da linguagem, antes de alcançar a plenitude de seu ciclo e estabelecer-se
num novo meio. No seio da linguagem total, original e transcriação firmam seu casamento,
repleto de planos para manter aceso um contrato de transgressão e infidelidade.
160
161
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Solaris (Soliaris), direção e roteiro de Andrei Tarkovski (Rússia), lançamento: 1972.
O encouraçado Potemkin (Bronenosets Potyomkin), direção de Sergei Eisenstein, roteiro
de Sergei Eisenstein e Nina Agadzhanova (Rússia), lançamento: 1925.
ENTREVISTAS:
Arnaldo Antunes: entrevista realizada pessoalmente em São Paulo, dia 16/11/09.
Augusto de Campos: entrevista feita por e-mail em outubro de 2009.
166
Paulo Franchetti: entrevista feita por e-mail em julho de 2008.
Philippe Bootz: entrevista feita por e-mail em agosto de 2007.
Toninho Vaz: entrevista feita por e-mail em novembro de 2009.
167
ANEXOS
168
169
LISTA DE ANEXOS
ANEXO 1 – Poema original Luxo
ANEXO 2 – Poema Poubelle
ANEXO 3 – Poema original Sim / Oui
ANEXO 4 – Poema gráfico Infinitozinho
ANEXO 5 – Escultura Infinitozinho
ANEXO 6 – DVD com transcriações
170
171
ANEXO 1 – Poema original Luxo
172
173
ANEXO 2 – Poema Poubelle
POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE
POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE
POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE
POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE
POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE
POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE
POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE
POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE
POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE
POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE
POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE
POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE
POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE
POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE
POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE
POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE POUBELLE
174
175
ANEXO 3 – Poema original Sim / Oui
176
177
ANEXO 4 – Poema gráfico Infinitozinho
178
179
ANEXO 5 – Escultura Infinitozinho
180
181
Cole o DVD aqui
ANEXO 6 – DVD com transcriações
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