( PDF ) Repetições e transgressões: dispositivos poéticos e potencial utópico

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UNIVERSIDADE FEDERAL DO RIO GRANDE DO SUL

INSTITUTO DE ARTES

PROGRAMA DE PÓS-GRADUAÇÃO EM ARTES VISUAIS

ANDREA HOFSTAETTER

REPETIÇÃO E TRANSGRESSÃO

DISPOSITIVOS POÉTICOS E POTENCIAL UTÓPICO

PORTO ALEGRE

2009

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ANDREA HOFSTAETTER

REPETIÇÃO E TRANSGRESSÃO

DISPOSITIVOS POÉTICOS E POTENCIAL UTÓPICO

Tese apresentada como requisito parcial à

obtenção do grau de Doutor. Doutorado

em História, Teoria e Crítica de Artes

Visuais, Programa de Pós-Graduação em

Artes Visuais, Instituto de Artes,

Universidade Federal do Rio Grande do

Sul.

ORIENTADOR: PROF. DR. EDSON LUIZ ANDRÉ DE SOUSA

PORTO ALEGRE

2009

Andrea Hofstaetter

Repetição e Transgressão

Dispositivos Poéticos e Potencial Utópico

Tese apresentada como requisito parcial à

obtenção do grau de Doutor. Doutorado

em História, Teoria e Crítica de Artes

Visuais, Programa de Pós-Graduação em

Artes Visuais, Instituto de Artes,

Universidade Federal do Rio Grande do

Sul.

Orientador: Prof. Dr. Edson Luiz André de Sousa

Data de aprovação: __________________

BANCA EXAMINADORA:

Prof.ª Dra. Cláudia Maria Perrone ____________________________

Universidade Federal de Santa Maria

Prof.ª Dra. Tânia Mara Galli Fonseca ____________________________

Universidade Federal do Rio Grande do Sul

Prof.ª Dra. Maria Lúcia Cattani ____________________________

Universidade Federal do Rio Grande do Sul

Prof.ª Dra. Maristela Salvatori ____________________________

Universidade Federal do Rio Grande do Sul

Aos queridos

Flávio, Mateus, Artur e Mariana.

AGRADECIMENTOS

Gostaria de expressar meus agradecimentos e profundo

apreço ao trabalho de meu orientador, Edson Sousa, sempre

aberto ao diálogo e permanentemente suscitando reflexões.

Agradeço aos meus familiares, que me deram o apoio

necessário para a produção deste trabalho.

Agradeço aos amigos que me estimularam, em especial à

Bianca Knaak, que me acompanha desde o curso de

graduação.

Agradeço aos professores e colegas de curso, com os quais

tive oportunidade de exercitar o pensamento crítico e ampliar

minhas condições de apreensão do fenômeno artístico.

Agradeço aos colegas do grupo de pesquisa LAPPAP

(Laboratório de Pesquisa em Psicanálise, Arte e Política –

UFRGS) onde pude compartilhar idéias e conhecer outras

possibilidades de reflexão.

Agradeço aos artistas Anna Maria Maiolino, Nick Rands e

Patrícia Franca pelo diálogo e pelas generosas contribuições

ao desenvolvimento da pesquisa.

“O trabalho não é o que pensamos, mas sim de onde nós pensamos;

ele é, antes de tudo, o lugar de onde irradiamos nossas questões.

Essa dimensão não é nunca preenchida só pelas palavras que envolvem

este pensar.

Esse pensar é, na maioria das vezes, o que está diante de nós, mas é

também o que falta, o que difere, o que se apaga.”

Patrícia Franca

RESUMO

Esta pesquisa tem como tema a questão da repetição e sua utilização em

processos artísticos na contemporaneidade, abordando tanto a poïética como a

poética. Nesta temática, a partir da análise de trabalhos dos artistas Anna Maria

Maiolino, Nick Rands e Patrícia Franca, são estabelecidas relações entre o

pensamento artístico contemporâneo e conceitos advindos dos campos da teoria

psicanalítica, da filosofia da diferença e do pensamento utópico. Outras produções

artísticas são abordadas na medida em que interessam para a discussão de

questões relacionadas à repetição, como a da série, do múltiplo, da representação,

reprodução e cópia. Os principais autores referenciais são: Gilles Deleuze, Sigmund

Freud, Jacques Lacan e Ernst Bloch. A partir destes cruzamentos entre poéticas

contemporâneas e diversos campos teóricos proponho a problematização da

questão da repetição em arte, vista como modo operacional, como elemento

constitutivo do objeto artístico, em seu potencial de produção do novo e, ao mesmo

tempo, como forma de operar sobre os mecanismos de repetição presentes nos

modos de viver e de organização sócio-cultural e política. Pode-se pensar a

repetição em arte como transgressão a partir de suas articulações com as

possibilidades de produzir rupturas em sistemas ideológicos que prezam a repetição

do sempre mesmo, que interessa à perpetuação de uma lógica de dominação.

Palavras-chave: repetição, diferença, utopia, representação, transgressão.

ABSTRACT

The topic of this research is the issue of repetition and its contemporary

utilization in artistic processes, dealing with poïetics as well as with poetics. This way,

based on the analysis of the artwork of Anna Maria Maiolino, Nick Rands, and

Patrícia Franca, relations between contemporary artistic thought and concepts

coming from psychoanalytic theory, philosophy of difference, and utopian thought are

established. Approaches in other samples of artwork occur as they are important to

discuss issues related to the repetition: series, multiples, representation,

reproduction, and copy. This research is based mainly on the works of: Gilles

Deleuze, Sigmund Freud, Jacques Lacan and Ernst Bloch. From these intersections

between contemporary poetics and different theoretical fields, I propose the

problematization of repetition in art, as an operational mode, as a constitutive

element of the art object, in its potential of producing newness, and, at the same

time, as a way to operate on the mechanisms of repetition present in the ways of

living and sociocultural and political organization. Repetition, in art, can be thought of

as transgression; from its articulations with the possibilities to produce ruptures in

ideological systems characterized by the repetition of the always same, which

interests the perpetuation of a logic of dominance.

Keywords: repetition, difference, utopia, representation, transgression.

LISTA DE IMAGENS

Imagens 1, 2, 3, 4 e 5 - Andrea Hofstaetter. n-1 ...22...; n-1 ...23...; n-1 ...24...;

n-1 ...25...; n-1 ...26.., Projeto Ancoragens Afetivas, Série n-1, 2006...................... 15

Imagens 6, 7, 8, 9 e 10 - Claude Monet. Da Série Catedral de Rouen, Década

De 1890.................................................................................................................... 41

Imagens 11, 12, 13 e 14 - Giuseppe Arcimboldo. As Quatro Estações

(Primavera, Verão, Outono, Inverno), 1573.............................................................. 42

Imagem 15 - Anna Maria Maiolino. São Estes, 1998................................................ 44

Imagem 16 - Anna Maria Maiolino. Segmentada, 1992............................................ 46

Imagem 17 - Anna Maria Maiolino. Mais de cem, 1993............................................ 46

Imagem 18 - Anna Maria Maiolino. Muitos (detalhe), 1995...................................... 49

Imagem 19 - Anna Maria Maiolino. Idem (detalhe), 1995......................................... 50

Imagem 20 - Anna Maria Maiolino. Muitos, 1995..................................................... 50

Imagens 21 e 22 - Anna Maria Maiolino. Vista da instalação Arroz e Feijão

na Galeria Graça Brandão, Lisboa, 2007................................................................. 52

Imagem 23 - Anna Maria Maiolino. Sem título, da série Codicilli, 1993.................... 53

Imagem 24 - Anna Maria Maiolino. Sem título, da série Codicilli, 1993.................... 54

Imagem 25 - Anna Maria Maiolino. Sem título, da série Outros, 2002-2006............ 55

Imagem 26 - Anna Maria Maiolino. Mais Estes, 1996.............................................. 56

Imagem 27 - Anna Maria Maiolino. Mais Estes, 1996 (Detalhe)............................... 56

Imagem 28 - Anna Maria Maiolino. Ainda Mais Estes, 1996.................................... 57

Imagem 29 - Anna Maria Maiolino. Estudo para Instalação, s/data......................... 58

Imagem 30 - Anna Maria Maiolino. Poderiam ser Mais que Estes, 1997................. 59

Imagens 31 e 32 - Anna Maria Maiolino. Sem título, da série Codificações

Matéricas, 1999 / 1996.............................................................................................. 63

Imagem 33 - Anna Maria Maiolino. Mais de Cem, 1996........................................... 67

Imagem 34 - Andy Warhol. Brillo Boxes, 1964………………………………………… 68

Imagem 35 - Andy Warhol. Brillo Box, 1964-68……………………………..…...….... 69

Imagem 36 - Mike Bidlo. Not Warhol (Brillo Boxes, 1964), 1991.............................. 70

Imagem 37 - Nelson Leirner. Múltiplo ao Cubo, 1971.............................................. 71

Imagem 38 - Nelson Leirner. Como fazer seu Múltiplo, 1971................................... 72

Imagens 39 e 40 - Marcel Duchamp, Fountain, 1917 / Laszlo

Moholy-Nagy. Telephone Painting, 1922………………………….…………………… 74

Imagens 41 e 42 - Carmela Gross, Série Carimbos, 1977-78.................................. 75

Imagem 43 - Carmela Gross. Rabiscos, da série Carimbos, 1978........................... 75

Imagem 44 - Carmela Gross. Facas, 1994............................................................... 76

Imagem 45 - Nick Rands. Chocolate and Gold Spot Square, 2000………...…….… 81

Imagem 46 - Nick Rands. White constellation (detalhe), 2005………………………. 82

Imagem 47 - Nick Rands. Shallow Entrance, 2003……..……………….……………. 86

Imagem 48 - Nick Rands. Esferas Terrestres, 1999 ................................................ 87

Imagem 49 - Nick Rands. Idem, detalhe................................................................... 88

Imagem 50 - Nick Rands. Esferas Terrestres, 2001................................................. 88

Imagem 51 - Pierrete Bloch. Sem título, 2003.......................................................... 91

Imagens 52, 53, 54 e 55 - Pierrete Bloch – várias obras com tinta sobre papel,

1978 – 1996............................................................................................................... 92

Imagem 56 - Roman Opalka. Detalhe: 1965 -

∞ (Detalhe)....................................... 95

Imagem 57 - Opalka em 1965.................................................................................. 96

Imagem 58 - Opalka em 2000.................................................................................. 96

Imagem 59 - O artista Roman Opalka fotografando a si mesmo.............................. 97

Imagem 60 - Seqüência de fotografias de Roman Opalka de 1965......................... 98

Imagem 61 - Seqüência de fotografias de Roman Opalka de 2000......................... 98

Imagem 62 - Nick Rands. 80 x 80 Constellation 1, 2004........................................ 100

Imagem 63 - Roman Opalka. Detalhe de Detalhe 1 – 35327................................. 101

Imagem 64 - Roman Opalka. Passagem dos 4 milhões......................................... 101

Imagem 65 - Jackson Pollock pintando em seu estúdio......................................... 104

Imagem 66 - Jackson Pollock pintando em seu estúdio......................................... 104

Imagem 67 - Nick Rands pintando.......................................................................... 105

Imagem 68 - Nick Rands. Clockwise Spiral Square, 1996…………………………. 105

Imagem 69 - Nick Rands. White Square, 2000……………………………………… 110

Imagem 70 - Nick Rands. Red Light, 2000…………………………………………… 111

Imagem 71 - Nick Rands. Fachada Fechada, 2007............................................... 111

Imagem 72 - Patrícia Franca. Acolhida do Silêncio, 1991...................................... 115

Imagem 73 - Patrícia Franca. Acolhida do Silêncio, 1993...................................... 116

Imagens 74 e 75 - Patrícia Franca. Repousos, 1992............................................. 117

Imagem 76 - Patrícia Franca. Envelopes, 1992........................................;............. 118

Imagem 77 - Patrícia Franca. Envelopes, 1992...................................................... 119

Imagem 78 - Marcel Duchamp. A Bruit Secret, 1916............................................. 120

Imagem 79 - Patrícia Franca. Envelopes, 1992...................................................... 121

Imagem 80 - Patrícia Franca. Envelopes, 1992...................................................... 122

Imagem 81 - Gerhard Richter. 4, 16, 64, 256, 1024 Farben (4, 16, 64, 256,

1024 Colours), 1974……………..…………………………………..…………………. 123

Imagem 82 - Gerhard Richter. 1024 Farben (1024 Colours), 1966……..……....... 124

Imagem 83 - Patrícia Franca. Mácula, 1992........................................................... 125

Imagem 84 - Patrícia Franca. Fios Condutores, 1992............................................ 125

Imagem 85 - Patrícia Franca. Receptáculos de Coisas, 1992................................ 126

Imagem 86 - Patrícia Franca. Mácula, 1992........................................................... 127

Imagem 87 - Patrícia Franca. Mácula, 1996........................................................... 128

Imagem 88 - Patrícia Franca. Rolos em Oranges, 1994........................................ 129

Imagem 89 - Patrícia Franca. Vista parcial da exposição Oranges, 1994.............. 130

Imagem 90 - Ad Reinhardt. Abstract Painting, 1963………...……………………... 134

Imagem 91 - Ad Reinhardt. Abstract painting number 5, 1962............................... 136

Imagens 92, 93 e 94 - Seqüência de telas da década de 1960, de Ad Reinhardt. 137

Imagem 95 - Patrícia Franca. Acolhida do Silêncio, 1992...................................... 138

Imagens 96 e 97 - Patrícia Franca. Vista parcial da exposição Zona

de Impermanência, 1994......................................................................................... 139

Imagem 98 - Patrícia Franca. Os Quatro Temperamentos – Colérico, 2008......... 142

Imagem 99 - Patrícia Franca. Os Quatro Temperamentos – Fleumático, 2008..... 143

Imagem 100 - Patrícia Franca. Os Quatro Temperamentos – Sanguíneo, 2008... 143

Imagem 101 - Patrícia Franca. Os Quatro Temperamentos – Melancólico

(Detalhe), 2008........................................................................................................ 144

Imagem 102 - Patrícia Franca. Do Herbário do Melancólico, 2008........................ 145

Imagem 103 - Patrícia Franca. Do Herbário do Melancólico, 2008........................ 146

Imagem 104 - Patrícia Franca. Do Herbário do Melancólico, 2008........................ 146

Imagem 105 - Patrícia Franca. Do Herbário do Melancólico, 2008........................ 147

Imagem 106 - Patrícia Franca. Do Herbário do Melancólico, 2008........................ 147

Imagem 107 - Anna Maria Maiolino. Mais de Mil, 1995.......................................... 169

Imagem 108 - Nick Rands. Eye Levels, 1999……………..………………………… 171

Imagem 109 - Nick Rands. Idem, detalhe............................................................... 171

Imagem 110 - Nick Rands. Grizedale Forest Line, 1996………..………….…….… 172

Imagem 111 - Nick Rands. Idem, detalhe…..………………………………….….…. 172

Imagem 112 - Michael Mandiberg. Untitled (AfterSherrieLevine.com/1.jpg) 2001..198

Imagem 113 - Elaine Sturtevant. Warhol Flowers, 1990………..………………...... 199

Imagem 114 - Andy Warhol. Flowers, 1964............................................................ 199

Imagem 115 - Anna Maria Maiolino. N Vezes Um, 2001........................................ 207

Imagem 116 - Anna Maria Maiolino. Idem, Detalhe................................................ 208

Imagem 117 - Nick Rands. Orange frottage, 2001…………..…………….………... 211

Imagem 118 - Nick Rands. Grizedale Forest Circle, 1996………………………….. 212

Imagem 119 - Patrícia Franca. Receptáculos de Coisas, 1992.............................. 216

Imagem 120 - Patrícia Franca. Receptáculos de Coisas, 1992.............................. 217

SUMÁRIO

Introdução ................................................................................................. 14

I – Dispositivos Poéticos e Repetição .................................................... 37

I.1 – O mesmo e outro pelo gesto de Anna Maria Maiolino ........................ 44

I.2 – Gesto repetido e variação nas repetições de Nick Rands .................. 80

I.3 – Desdobramentos da diferença nas séries de Patrícia Franca .......... 112

II – O que Pode a Repetição? ................................................................. 148

II.1 – Questão paradoxal ........................................................................... 149

II.2 – A repetição como demanda do novo ............................................... 152

II.3 – Repetição e diferença ...................................................................... 163

III – Repetição e Representação ............................................................ 181

III.1 – Representação, reprodução e cópia ............................................... 186

III.2 – O problema da autoria ou da originalidade .................................... 193

IV – Quebrando com a lógica do mesmo: Utopia? .............................. 202

Considerações Finais ............................................................................. 222

Referências .............................................................................................. 233

Anexos:

A – Currículo resumido dos artistas ..................................................... 252

A.1 – Anna Maria Maiolino ........................................................................ 252

A.2 – Nick Rands ...................................................................................... 262

A.3 – Patrícia Franca ................................................................................ 267

B – Entrevistas ........................................................................................ 272

B.1 – Anna Maria Maiolino ........................................................................ 272

B.2 – Nick Rands ...................................................................................... 275

B.3 – Patrícia Franca ................................................................................ 280

C – Textos ................................................................................................ 283

C.1 – Anna Maria Maiolino ........................................................................ 283

C.2 – Nick Rands ...................................................................................... 348

C.3 – Patrícia Franca ................................................................................ 360

INTRODUÇÃO

Há um objeto perdido. Este objeto era uma espécie de vaso, que eu via

freqüentemente na minha infância. Não era meu, nem da minha própria casa. O

vaso consistia numa esfera de vidro, dentro da qual se colocava uma flor e água. A

boca da esfera ficava virada para baixo, fechada com uma tampa, sendo que o que

se via era uma “bola” cheia de água com a flor imersa. A flor colocada no vaso era

sempre uma rosa.

A rosa dentro da água, na esfera de vidro - que não existe mais, pois foi

quebrada - é imagem deflagradora de uma proposta poética pessoal. O projeto

Ancoragens Afetivas pretende dar conta de uma demanda de produção de imagens

a partir deste objeto da memória – um objeto-lembrança.

A imagem de uma rosa, inscrita num círculo, repete-se em uma série

intitulada “Série n-1”. Esta imagem de rosa é a apropriação de uma peça publicitária.

Foi escolhida após uma pesquisa realizada em busca de imagens diversas de rosas.

Dentre um grande conjunto de possibilidades pesquisadas, escolhi esta rosa por

certos atributos que se me apresentaram interessantes. É uma rosa vista de cima,

com uma forma artificial, bem enquadrada num formato circular, que é a forma

geométrica na qual ela está inserida no meu imaginário.

Imagens 1, 2, 3, 4 e 5.

Andrea Hofstaetter, n-1 ...22...; n-1 ...23...; n-1 ...24...; n-1 ...25...; n-1 ...26.., Projeto Ancoragens

Afetivas, Série n-1, 2006.

Imagens digitais para impressões digitais em vinil adesivo, 50 x 50 cm, para backlights de 50 x 50 x

20 cm.

Fonte: Arquivo pessoal.

Recortei a rosa do papel e a transformei em imagem digital através do

scanner

. A forma de tratamento dada à imagem escolhida, após sua “apreensão”,

foi a manipulação digital, com recursos do programa photoshop

, facilmente

identificáveis para quem opera com este tipo de programa. Os resultados desta

produção foram impressos sobre vinil adesivo transparente, e apresentados em

backlights

Ao contrário da imagem publicitária, que normalmente é de alta definição, as

minhas rosas são tratadas de forma a diluir a definição, a borrar, a manchar, a fazer

desaparecer os contornos, a fazer aparecer as imperfeições do processo de tomada

pelo scanner, a criar tensões, a produzir um deslocamento de códigos esperados –

no universo da publicidade e numa forma tradicional de representação, baseada em

conceitos miméticos

Dentro de uma tradição ocidental em pensamento e produção artística, o

pressuposto que vigorou durante séculos é o da arte como imitação. O princípio de

mímesis, vindo dos gregos, foi a base da produção e da teorização em arte desde

sua retomada no Renascimento até o final do séc. XIX. A qualidade da obra de arte,

a partir deste princípio, depende de sua capacidade de iludir o olhar do espectador

em relação à aparência aproximada da realidade que representa. Quanto mais

parecida com o objeto de referência, melhor a representação e mais digna de louvor

a obra.

No universo da publicidade é necessário produzir imagens perfeitas, sem

qualquer espécie de defeito, que possam atrair e seduzir o olhar do potencial

consumidor. Qualquer mancha ou falta de nitidez “absoluta” prejudica este processo

de “fisgamento” do olhar ávido por belas e sedutoras imagens.

Aparelho (hardware) que serve para digitalizar imagens ou documentos.

Um dos mais antigos programas (softwares) de edição de imagens digitais bidimensionais, chamado

de Adobe Photoshop, desenvolvido pela Adobe Systems.

Forma de iluminação de imagens com a fonte de luz por trás. As imagens devem ter uma certa

transparência para permitir a passagem de luz, mas sem deixar ver a fonte diretamente. Normalmente

apresentam-se em forma de caixas, com a imagem apresentada na parte frontal. Muito utilizados em

anúncios publicitários.

As imagens aqui apresentadas (p.15), em pequeno formato, não possibilitam ver o mesmo grau de

distorção que as imagens das obras, em 50 x 50 cm.

A alteração da qualidade da imagem que proponho em meu trabalho, e que

joga com uma expectativa do olhar, não é uma forma de procedimento inédito. A

minha intenção em fazê-lo, porém, para além deste jogo, é aproximar a imagem da

rosa do que pretendo investigar sobre como as imagens se constituem na memória,

na lembrança – ou a partir delas. Crio e apresento algumas variações de visões

“iluminadas”, tratadas pela tentativa de aproximação das lembranças e pela

manipulação digital, da imagem do que chamo de objeto perdido. Uma imagem da

memória corresponde exatamente ao objeto que a originou? Trabalho a partir de

memórias pessoais ligadas a este determinado objeto tentando produzir, com a luz e

as imagens manipuladas, a idéia de como as coisas se situam na memória e no

inconsciente (ou no ainda-não-consciente).

A luz – ou luminosidade – é constituinte do trabalho e fator determinante

para a questão de como vemos as imagens da memória. Conforme Ernst Bloch, “em

nenhum lugar o olhar interior ilumina de forma homogênea. Ele economiza luz,

clareando apenas alguns espaços dentro de nós” (2005, p.115). De acordo com

Bloch, as imagens que se formam a partir de nossa memória, no âmbito do interior,

são como que pontos iluminados, que enxergamos alternadamente. É visto o que

está iluminado no momento. Há partes mais e menos iluminadas. Há imagens não

iluminadas, no entanto, presentes e que, em algum momento, podem vir a estar

iluminadas, enquanto que outras, no momento iluminadas, podem passar para o

espaço não iluminado. Ele não chama este lugar de inconsciente, mas de ainda-não-

consciente.

Além da Série n-1 existem outras propostas imagéticas e de objetos com a

imagem da mesma rosa. Há também um grande conjunto de arquivos com imagens

de rosas diversas e uma coleção de objetos/rosas. Um dos objetos é uma esfera de

vidro com uma rosa de tecido imersa em água, que adquiri após procurar

exaustivamente por um objeto que fosse igual ou semelhante ao vaso da infância e

que recebe o título de Objeto Perdido, apresentado em um cubo luminoso, sob uma

espécie de “redoma” transparente. A idéia de n-1 pretende dar conta de todas as

tentativas de recomposição da imagem, uma vez que sempre ainda não será esta a

imagem suficiente e final.

A repetição, em meu trabalho, quando aludo à idéia de série n-1, tem

relação com a idéia de Deleuze de que somos constituídos como n-1. Traduz a

precariedade, a cegueira, a surdez que nos constitui. Está inserida no conceito de

mil platôs, como as múltiplas possibilidades de composição do corpo. É o

e...e...e...e...e...e... (não mais o isto ou aquilo). O n-1 é da ordem de um finito

ilimitado. O n-1 pode significar uma imagem subtraída do conjunto das imagens do

mundo.

Em minha poética opero, pois, com repetição – a problemática central desta

pesquisa teórica. E as questões com as quais me deparo em meu trabalho poético,

ligadas à repetição, estão presentes também em minha busca por estudar e

entender este conceito, tanto do ponto de vista de um recorte em campo teórico,

como em sua presença e forma de articulação em algumas poéticas

contemporâneas.

Interesso-me não somente pela repetição em si mesma, “nua e crua”,

aludindo a Deleuze, mas, para além e a partir dela, sobre as formas de sua

utilização na constituição da obra artística e em seu potencial de problematização –

tanto no campo da arte, como, por via deste, no da constituição do campo social e

político. Tenho em vista a investigação sobre como a repetição é constituída e sobre

como constitui o objeto artístico em processos poéticos na contemporaneidade, bem

como de que maneira pode articular-se no circuito social no sentido de transgressão

do estabelecido, que se apresenta como repetição do sempre mesmo.

O interesse por esta problemática também está ligado ao trabalho de

pesquisa realizado na elaboração da dissertação de Mestrado, intitulada: “O

OBJETO TRANSFIGURADO – A Escultura de Felix Bressan” (HOFSTAETTER,

2000). Em algumas peças, principalmente nas quais utiliza ferramentas e outros

objetos, Bressan adota o dispositivo da repetição de partes seriadas – fragmentos –

dentro de uma única peça, assim como também a repetição das próprias peças no

espaço de exposição, criando um jogo rítmico. Este engendra-se tanto no corpo de

cada peça, como no conjunto das peças repetidas. Neste caso, em alguns trabalhos,

cada peça funciona como uma peça-módulo, repetida, por vezes, de forma

obsessiva. A repetição é também muito utilizada por Bressan no conjunto de obras

relativas ao corpo feminino, onde cada peça é única, mas remete sempre à

presença deste corpo – faz pensar em identidade e também em diferença. Observa-

se que em alguns trabalhos construídos com peças-módulo, este tipo de ordenação,

pretendida por meio da repetição quase excessiva, parece conduzir ao caminho do

monumental. Pode-se pensar, por exemplo, na repetição ao infinito da mesma peça-

módulo. Ou no acréscimo de módulos, de forma a aumentar o tamanho da

instalação o quanto for possível imaginar.

Tadeu Chiarelli, em artigo de 1999, intitulado “Colocando dobradiças na arte

contemporânea”, e que compõe a publicação “Arte Internacional Brasileira”, refere-

se ao surgimento de tendências artísticas, após a II Grande Guerra, caracterizadas

pelo uso de elementos modulares, por uma lógica serial e pela impessoalidade das

peças, assim como pela transformação de imagens em ícones. Aponta a Pop-Art, o

minimalismo e a abstração pós-pictórica, como vertentes desta tendência, na qual o

módulo é “quem dá a tônica para a estrutura da obra” (CHIARELLI, 1999, p.121).

A noção de fragmento está ligada à noção de módulo. Além disto, a partir da

análise do trabalho de Bressan, a noção de fragmento advém da noção de

decomposição ou de descontinuidade. O fragmento resulta de um corte. Fazia parte

de um todo, de onde foi retirado. No momento em que passa a figurar numa obra

artística, remete também à idéia de montagem. Esta é outra forma operacional

bastante comum atualmente, tendo sido utilizada por diversos artistas desde o início

do século.

Ainda a partir do exemplo da obra de Bressan, a montagem com

fragmentos, pois, se faz pela repetição: de peças semelhantes (mesma ferramenta,

tratada da mesma maneira, porém repetida em tamanhos diferentes; mesma

ferramenta tratada em cada peça repetida, de maneira diferente ou repetição de

peças-módulo). Segundo alguns autores, a prática da repetição - e também do

excesso - e a utilização do fragmento como constituinte da obra de arte, refletem a

condição mais ampla de como se constitui o campo sócio-cultural contemporâneo.

Fredric Jameson, por exemplo, deixa transparecer, em suas considerações sobre a

condição pós-moderna, duas características associadas ao desenvolvimento da

sociedade de massa e seus meios: o excesso e a repetição. De acordo com ele, os

artistas trabalham com imagens desencaixadas, a partir de referências pessoais,

“transformando-as em construções singulares e coerentes, reflexos de visões de

mundo diversificadas, num mundo da arte cada dia mais segmentado” (in BUENO,

1999, p.258,259).

Maria Lúcia Bueno (Ibid.) aponta também as observações de Andreas

Huyssen, em relação às novas linguagens da arte a partir dos anos 70: “Um dos

traços do universo apontado por Huyssen é a segmentação das linguagens artísticas

num contexto marcado pela cultura de massa”. Segundo ele, isto deve-se ao

processo de globalização, que, por sua vez, acarreta na heterogeneidade, onde as

distinções se perdem e as “múltiplas referências – históricas e culturais – estão em

rearranjo e reorganização constantes”. “A nova realidade, não apenas estética, mas

social, cultural e política, necessita de abordagens mais flexíveis, que dêem conta de

seu dinamismo e segmentação” (Ibid.).

Bueno (Ibid., p.286) comenta a modernidade plenamente realizada,

afirmando que não existem mais parâmetros ou modelos aos quais o artista possa

recorrer. “O texto e o contexto estão em modificação constante. Só é possível

estabelecer uma relação fenomenológica com o conhecimento do mundo. Cada

olhar resgata apenas um fragmento e o faz por intermédio de uma combinação

singular. Cada artista, numa escolha solitária, funda sua própria linguagem no

interior de uma produção altamente fragmentada.”

Podemos ver, a partir desta argumentação, que a questão da repetição

também se insere, pois, em discussões mais amplas no âmbito da arte

contemporânea, em suas relações com o campo sócio-cultural, tendo em vista o

contexto de multiplicidade, segmentação, transitoriedade e acúmulo de imagens,

referências e informações presentes na arte – e no mundo – atual. As formas de

utilização da repetição na arte contemporânea, em múltiplos e variados processos,

poderão ser percebidas como a representação artística ou a ressignificação do

próprio contexto do campo sócio-cultural contemporâneo?

Icleia B.Cattani faz uma reflexão sobre a repetição e a série, tanto na arte

moderna, como na contemporaneidade, em vários textos, explicitando o seu caráter

de transgressão e de multiplicidade. A repetição é problematizadora na arte

contemporânea, de acordo com seu ponto de vista e fundamentada no conceito de

repetição de Gilles Deleuze, segundo o qual: “Se a repetição existe, ela expressa, ao

mesmo tempo, uma singularidade contra o geral, uma universalidade contra o

particular, um extraordinário contra o ordinário, uma instantaneidade contra a

variação, uma eternidade contra a permanência. Em todos os sentidos, a repetição é

transgressão” (DELEUZE, 1988, p.24).

Destaco aqui a idéia de transgressão, ligada

à repetição, pois é minha intenção abordar os trabalhos artísticos aqui estudados

tendo ela como pano de fundo.

A questão da existência da repetição, colocada por Deleuze, é também um

problema já levantado pelo filósofo Sören Kierkegaard, em seu texto chamado “A

Repetição”, de 1843 (1990), em que se pergunta se a repetição efetivamente existe.

Para a psicanálise, o que caracteriza a repetição é ela não ser de todo uma

repetição. Freud e Lacan realizam uma análise deste conceito à luz de suas

descobertas no campo psicanalítico e que podem fundamentar algumas abordagens

artísticas com toda a propriedade, no âmbito do contemporâneo. A repetição é um

dos conceitos fundamentais da psicanálise para Lacan. É um conceito utilizado para

a compreensão de sintomas e processos inconscientes.

Em vista de a repetição apresentar-se como um conceito complexo e

instigante no campo do pensamento teórico para diversas áreas de conhecimento,

pretendo realizar uma abordagem das questões de sua utilização poética

estabelecendo relações entre o pensamento artístico contemporâneo, a partir da

análise de trabalhos de alguns artistas; o conceito de repetição em psicanálise, mais

especificamente em Sigmund Freud e Jacques Lacan; e alguns percursos no

pensamento filosófico sobre repetição, especialmente no pensamento de Gilles

Deleuze, com um enfoque traçado a partir da filosofia da diferença.

A filosofia da diferença se insere numa linha de pensamento que se opõe ao

dogmatismo presente em muitas das formas de pensamento filosófico e científico

mais tradicionais, que se crêem como verdadeiras, universais e absolutas. Este novo

modo de pensar é caracterizado pela interdisciplinaridade e por uma nova forma de

entender sujeito, objeto, natureza, sociedade, linguagem...

[...] a filosofia da Diferença enquadra-se no pensamento complexo.

A teoria do pensamento complexo entende que pensamento (ou

consciência), linguagem, verdade, razão, sujeito, objeto são

inseparáveis, e não partes separadas que possuem uma existência

em si. Elas são partes que se inter-relacionam e se confrontam, para

poder existir. Dessa forma, a linguagem mistura-se com o

pensamento e com o conceito de sujeito, e passa a ser encarada

como uma rede de significações e atribuições, e não apenas uma

representação do real. Ou seja: não existe mundo ou seres fora da

linguagem. (POUGY, 2006)

Os principais filósofos que se interessaram e desenvolveram esta nova

forma de pensamento são Michel Foucault, Gilles Deleuze, Félix Guattari e Jacques

Derrida, a partir de referências em Espinosa, Bergson e Nietzsche. Diversidade,

pluralidade e singularidade são questões importantes. “A filosofia da Diferença se

interessa menos pelas semelhanças e identidades e muito mais pela singularidade e

particularidade” (Ibid.).

Por isso, um dos principais objetivos dos filósofos da Diferença é

desconstruir os mundos construídos pela linguagem, os chamados

discursos, a fim de chegar ao grau zero, ao ponto inicial de

determinada construção, ao pensamento sem imagem. Ao exercitar

o pensamento dessa forma, podemos perceber até que ponto

estamos todos mergulhados num mesmo discurso, até que ponto

esse discurso se tornou algo natural, algo que faz parte do senso

comum e daquilo que nos torna “iguais”, aquilo que nos identifica.

(POUGY, 2006)

Uma das principais críticas da filosofia de Deleuze e Guattari é sobre o

entendimento generalizado da imagem do pensamento como representação. Para

eles o pensamento como representação seria incapaz de pensar a diferença e a

reduz à “tranqüilizadora identidade do conceito já criado, à Idéia” (POUGY, 2007,

p.495). Há um condicionamento do pensamento a imagens já construídas. “Em

outras palavras: o pensamento representacional faz perguntas já formuladas e dá

Disponível em: <http://www.cronopios.com.br/blogdotexto/blog.asp?id=1484>. Acesso em

20.11.2008. Artigo: O que é diferença, afinal?

respostas predeterminadas” (Ibid.). A filosofia da diferença é um questionamento às

teorias da representação e do consenso, é um trabalho de desconstrução do

pensamento instituído. E a estratégia geral desta desconstrução é a exposição da

diferença, que é comumente ignorada, excluída na tradição.

A questão da representação é um dos pontos de tensão entre o

pensamento de Deleuze e a teoria psicanalítica. Para a psicanálise tudo que envolve

o âmbito do simbólico e do imaginário seria representação. A repetição, pois, é uma

forma de representação. Para Deleuze a repetição, entendida como diferença, não é

representação. Alguns aspectos deste confronto serão abordados no decorrer das

reflexões e a partir das propostas artísticas discutidas – não com objetivo de

eqüalizar diferenças, mas de expor pontos de vista e procurando localizar o que

pode haver em comum para o interesse desta pesquisa. Este ponto comum, a meu

ver, estaria na presença do diferente na repetição.

Eduardo A. Vidal, entretanto, quando realiza uma aproximação entre o

pensamento de Deleuze e Lacan

, analisando possibilidades de diálogo,

principalmente, coloca que Lacan realiza uma abordagem do conceito de

inconsciente através de uma ‘torção’ necessária ao entendimento de que este é

exterioridade, radicalmente.

[...] o inconsciente é um saber não sabido que se determina em ato,

sempre falho, como divisão do sujeito. O inconsciente é um corte

entre sujeito e Outro, borda de pulsação entre abertura e

fechamento que supõe a necessidade lógica do recalque originário

(Urverdrängung) no ato de sua emergência. [...] O conceito de

inconsciente é radicalmente exterioridade, que se distingue das

noções de interior, dentro e conteúdo, tão de acordo com o fascínio

que a esfera exerce sobre o pensamento. Lacan faz a torção

necessária que escreve o inconsciente como corte e borda,

esvaziado de substância e de representação. (VIDAL in: ALLIEZ,

2000, p.484)

Deleuze faz a crítica da psicanálise, porém não sua recusa. Pensa que o

inconsciente deveria ser visto como máquinas desejantes, “percursos e redes que,

No capítulo Heterogeneidade Deleuze-Lacan, do livro Gilles Deleuze: Uma Vida Filosófica,

organizado por Eric Alliez (2000).

longe de aprisionar o sujeito na sua alienação familiar, o coloquem na mais radical

exterioridade a si mesmo” (Ibid., p.482). O desejo, portanto, provém do fora. Não

seria uma falta, mas ‘máquina produtiva’. Ao invés de uma abordagem arqueológica,

que é o que faria a psicanálise - de acordo com o que coloca Vidal - mereceria uma

abordagem cartográfica, que mapearia todos os seus agenciamentos desde o fora.

Vale lembrar aqui que para a psicanálise, conforme afirma Lacan, “o inconsciente é

o discurso do Outro” (1998, p.18). Vemos nesta afirmação que a dimensão de um

fora que nos constitui é considerada pela psicanálise.

É, porém, no intervalo, no ‘entre’, no silêncio que atravessa a linguagem,

que se produz algo para o que não pode se dizer como palavra. “Deleuze e Lacan

conduzem, respectivamente, a experiência da filosofia e da psicanálise ao encontro

com a ruptura, a diferença, a falha. Não há conciliação possível. É necessário

produzir a heterogeneidade em que os conceitos se inscrevam nas suas diferenças”

(VIDAL in: ALLIEZ, 2000, p.491).

Também desenvolvo, nesta análise e proposição reflexiva a partir da

repetição em arte, uma perspectiva a partir do conceito de utopia, com referência

principal em Ernst Bloch, considerando que o que se produz através da repetição,

pensada como diferença e como produção do novo, pode constituir-se como

potencial utópico. Neste sentido é que se abre uma perspectiva de transgressão, na

medida em que a diferença e o novo inserem-se como fissura no sistema do já dado

pronto, como desmoronamento da ideologia estagnante que preconiza a supremacia

da repetição do mesmo. O ato criativo tem a força de abrir brechas e criar novos

sentidos.

Os grandes relatos utópicos sempre apresentaram perspectivas de

mudanças radicais nas estruturas sociais vigentes no momento em que foram

elaborados. Deste modo sempre estiveram em desacordo com o tempo presente,

colocando-se como crítica à ideologia dominante. De acordo com Louis Marin, a

utopia seria “uma suspensão do tempo histórico” (Apud SOUSA, 2002 a, p.39).

Para Carlos E.O. Berriel, “As utopias foram, em seu meio milênio de história,

interlocutoras contínuas das várias sociedades e teorias políticas correspondentes,

sendo a própria utopia, às vezes, uma teoria política e uma proposta de sociedade”

(2008). De acordo com Berriel, qualquer definição pontual não esgota o tema das

utopias. A questão é abordar a perspectiva histórica da construção de utopias.

[...] desde Thomas Morus, autor da palavra, é chamada Utopia toda

descrição de uma sociedade supostamente perfeita em todos os

sentidos, e palavra que quer dizer, literalmente, “o que está em

nenhum lugar”. Chama-se “utópico” todo ideal de sociedade humana

que se supõe maximamente desejável, mas geralmente considerado

impraticável. A explicação mais geral da gênese deste gênero

literário segue basicamente a idéia de que a Utopia foi gerada pelo

processo burguês de racionalização da vida, próprio do

Renascimento. É provável que nenhum dos principais autores das

utopias do Renascimento cresse que a sociedade descrita fosse

realizável, mas foram movidos pelo desejo de criticar a sociedade de

sua época e de propor reformas, cumpridas na sociedade utópica.

(BERRIEL, 2008)

O referido autor aponta também para o aspecto de rejeição e crítica às

utopias, nem sempre entendidas como propostas de questionamento à construção

social e política de seu tempo, e vistas como elaborações desconectadas da

realidade e sem uma efetiva força de atuação na sociedade.

Há muito tempo que as utopias são objeto de críticas, o que significa

que foram, nesse processo, objeto de avaliação e julgamento: a

história das variações valorativas e/ou semânticas da utopia foi

minuciosamente estudada por H.G. Funke

. Como resultado destas

análises, as utopias foram muitas vezes acusadas de promover uma

atitude diletante na proposta de uma nova sociedade, por não

considerarem as “realidades humanas”, tais como as ambições, o

desejo de poder, etc., e estarem defasadas com as conquistas

científicas da engenharia social. Também já foi dito que o espírito

revolucionário utópico se dissolve por si mesmo, já que numa

sociedade perfeita não cabem revoluções nem, portanto, mudanças

e progresso. (BERRIEL, 2008)

A partir destes cruzamentos entre pensamentos que trazem a idéia de

aberturas, brechas por onde pode se deslocar um diferencial, proponho a

problematização da questão da repetição em arte, vista como modo operacional e,

ao mesmo tempo, como elemento constitutivo do objeto artístico, em seu potencial

FUNKE, Hans Gunter - “L’évolution sémantique de la notion d’Utopie en français”, em De l’utopie à

l’uchronie. Ed. por Henrich HUDDE e Peter KUON, Tübingen, 1988, p. 19-37.

de produção do novo, e em relação com o contexto de reflexão delineado. Para isto

são tomados como fios condutores os trabalhos de alguns artistas, selecionados de

acordo com alguns critérios considerados relevantes para as problemáticas

discutidas. Há alguns trabalhos que se destacam pela forma de utilização de

elementos ou dispositivos de repetição. São obras em que ficam evidentes

procedimentos que operam com o conceito de repetição e resultam em poéticas

marcadas pela incidência de elementos que fazem pensar em repetição diferencial.

Além disto, trazem em si alguns dispositivos que remetem a formas de pensar no

potencial de transgressão implicado em sua instauração e nas formas de sua

apresentação.

Os artistas cujas obras constituem o eixo principal da reflexão, a partir de

alguns conjuntos de trabalhos, nos termos acima propostos, são: Anna Maria

Maiolino, Nick Rands e Patrícia Franca. Analiso, nesta pesquisa, somente uma parte

do trabalho de cada artista, escolhida justamente por se caracterizar pela presença

da repetição – e da diferença nela implícita – de maneira muito evidente. No trabalho

de Anna Maria Maiolino, o foco principal é a série Terra Modelada, em

desenvolvimento desde os inícios da década de 90; no de Nick Rands, suas séries

de pinturas com barro, desde a década de 90; e no de Patrícia Franca, as séries das

Seis Famílias, da década de 90. Destaco, porém, que a questão da repetição se faz

presente no todo das obras destes artistas, sendo que realizei este recorte por

considerar que através do mesmo pode-se estender a abordagem às outras séries e

propostas por eles realizadas.

Os trabalhos destes artistas, aqui analisados, apresentam, pois,

singularidades muito peculiares no uso da repetição. Uma delas é a utilização do

gesto, como dispositivo de produção da repetição no corpo do trabalho. O trabalho

do gesto exerce papel fundamental na poïética destes três artistas. O gesto repetido

é o motor da ação, que resulta em uma poética por ele demarcada.

É importante ressaltar que a abordagem dos trabalhos artísticos se faz pela

apreciação da poética e por uma aproximação da poïética dos artistas. Por poïética

entende-se o processo de instauração das obras, com tudo que envolve o fazer e o

pensar inerente à atuação do artista. Autores de referência para este enfoque são:

Paul Valéry, René Passeron e Luigi Pareyson.

O conceito de poïética (poïetique) foi proposto inicialmente por Paul Valéry,

em 1937, na aula inaugural do curso de poética no Collège de France. O seu esforço

foi o de ‘resgatar’ a palavra poética e seu sentido para as elaborações em poesia,

retomando, para isto, seu sentido etimológico a partir do termo grego poïein, que

designa o fazer. O que interessava a Valéry era apontar para a ação de fazer a obra

e tudo que nela está implicado, mais do que para a obra feita, vista apenas como

resultado final. Dizia ele: “É a execução do poema que é o poema” (VALÉRY, 2007,

p.186). O processo de produção da obra, como ato, é que é a obra, portanto.

René Passeron estendeu o conceito para todas as áreas da produção

artística e propôs seu reconhecimento como disciplina independente da estética.

Para ele a estética ocupa-se da sensibilidade e a poïética se ocupa da ação. “A

estética está do lado da propriedade, ao passo que a poïética está do lado do

trabalho” (PASSERON, 1997, p.112). E mais: “A poïética não é a criação. É o

pensamento possível da criação. Ela trata de elucidar, tanto quanto é possível fazê-

lo, o fenômeno da criação [...].” (Id., 2004, p.10).

Para Sandra Rey a poïética pode ser percebida como um “conjunto de

estudos que abordam a obra do ponto de vista de sua instauração. [...] Interessa a

obra enquanto ela está ‘em luta’ com o seu criador. É o modo de existência da obra

a fazer” (1996, p.3). Este modo de aproximação da obra, em seu processo de

feitura, um fazer em se fazendo, leva também à atribuição de significados que têm

relação com o ato criativo. Cada artista inventa seus próprios meios de criação, bem

como cada obra exige a invenção do seu modo de ser feita. O fazer do artista é,

então, abordado a partir das especificidades que o constituem, de seus próprios

critérios e condições de existência – de sua singularidade (o que nos remete ao

pensamento de Deleuze).

Considero que para compreender a repetição no trabalho dos artistas é

fundamental conhecer sua poïética. Desta forma se pode perceber a relação

intrínseca entre aspectos do processo de criação e a poética resultante. O gesto de

repetir, que resulta em elementos repetidos no corpo da obra, acontece no processo

de instauração da obra. Conhecer como os artistas procedem em seu fazer, em ato,

e que questões estão implicadas neste pensar – o do fazer – permite uma

apreensão mais consistente e próxima do que vem a ser o trabalho, como um todo:

processo e resultado. O resultado é também parte do processo.

Foi possível perceber aspectos do processo poïético dos artistas aqui

estudados a partir de contatos em momentos de exposição

, de exposição oral

sobre o processo de trabalho

, de contatos por correspondência e através de

escritos dos próprios artistas

ou depoimentos seus em textos de outros autores.

Também aponto para o fato de a obra mesma, quase sempre, dar a ver o modo

como foi feita. Especialmente nos trabalhos aqui apresentados é possível constatar

isto: como as próprias obras, enquanto objeto, mostram sua forma de feitura, ou

seja, a poïética que lhes dá existência, que as constitui.

Outra característica que aproxima os conjuntos de obras, objeto principal

desta investigação, é a intencionalidade em operar pelo uso da repetição. Esta

intencionalidade evidencia-se pela forma de cada um dos artistas pensar o seu

processo de elaboração poética e pelo que é pretendido como resultado, também

em processo. Não se pode falar em resultado final, acabado, sem possibilidades de

desdobramentos. É como se o mesmo gesto que engendrou o que temos como

trabalho, no momento em que o vemos, pudesse continuar se repetindo e

articulando-se novamente, com os mesmos ou com outros elementos, num

permanente e constante espraiar-se. Neste sentido, a poïética continua se

desdobrando.

A reflexão de cada artista sobre os trabalhos aqui apresentados e discutidos

atesta esta intencionalidade, na medida em que, mesmo não declarada

abertamente, é a forma pela qual o trabalho se institui. A repetição se coloca como

Encontro com o artista na exposição Pinturas de Nick Rands na Pinacoteca da FEEVALE, em Novo

Hamburgo, em 2000.

Apresentação de Patrícia Franca no 15º Encontro Nacional da ANPAP, 19 a 23/09/2006.

Patrícia Franca realizou pesquisa de mestrado e doutorado abordando seu trabalho, inclusive a

série aqui enfocada. A artista também está inserida no meio acadêmico, sendo docente na área de

Artes Visuais na UFMG.

conceito operacional fundamental. Sem a utilização de mecanismos de repetição o

trabalho teria outra compleição. Seria outra coisa.

Um outro aspecto importante na escolha destes artistas a partir de um foco

direcionado especialmente para um grande conjunto de trabalhos de cada um, é a

questão da presença de um potencial de questionamento, de produção crítica,

relacionado ao que chamo de dispositivo de transgressão diante da mesmice daquilo

que a realidade (do mundo e da arte) nos apresenta como definitivamente acabado

e efetivamente instituído. Este potencial de transgressão manifesta-se através de

alguns elementos presentes no trabalho, bem como na contextualização dos

mesmos dentro da poética destes artistas como um todo. Estes pontos serão

desenvolvidos no corpo do trabalho.

Alguns destes elementos, para exemplificar, são os materiais utilizados e a

forma de trabalhar com eles. Anna Maria Maiolino trabalha com argila. E realiza com

ela alguns poucos gestos básicos de modelagem, repetidos incontavelmente, que

poderiam ser entendidos como os primeiros movimentos que qualquer criança

realiza quando está com uma porção de argila entre as mãos. Seu trabalho poderia

se situar no campo da escultura? Se sim, de que forma? Os questionamentos

iniciam com o próprio campo das categorias artísticas sendo colocado em xeque.

Nick Rands também utiliza a terra. Porém não a utiliza para fazer

modelagem. Contrariamente ao que se espera de um trabalho com barro, Rands

realiza pinturas. E, ao invés de usar pincel, como seria de esperar de um pintor, ele

utiliza os dedos. Suas pinturas com barro são realizadas de acordo com um sistema

de repetições, elaborado a partir de regras básicas, formuladas pelo próprio artista

em função de um certo resultado pretendido. É pintura? São impressões?

Novamente perguntas sobre formas de fazer artístico, em que entram em jogo as

concepções mais tradicionais de produção artística.

Na série de Patrícia Franca, aqui enfocada, o material que deu origem a

todo um conjunto de trabalhos foram algumas antigas telas de pinturas, empilhadas

num canto do atelier, quase esquecidas. O gesto de enrolá-las ao avesso

desencadeou uma série de repetições que transformaram pinturas em objetos.

Deixaram de ser pinturas? Dos rolos de pinturas ao avesso surgiram seis famílias de

objetos, como a artista as denominou, colocando em discussão alguns conceitos

ligados à prática pictórica. Novamente vemos uma distensão de conceitos surgindo

de uma poïética.

Duas das artistas cujo trabalho é objeto principal de estudo desta

investigação teórica, são brasileiras. Uma delas, Anna Maria Maiolino, nascida na

Itália, é naturalizada brasileira. E o outro artista estudado é britânico, mas vive e

trabalha no Brasil. Esta escolha, por artistas brasileiros ou que, pelo menos,

trabalham aqui, foi determinada pela proximidade com seu trabalho, já conhecido e

visto por mim em exposições. Também pelo fato de que, em estando mais próximos,

seria possível uma oportunidade de contato maior durante o desenvolvimento da

pesquisa. Porém o fator principal da escolha está ligado ao fato de que a forma de

os mesmos utilizarem a repetição em seu trabalho há muito me chama a atenção.

São trabalhos em que é notável a presença da diferença na repetição. E isto me

interessa. Além de suas obras, porém, que funcionam como principais condutoras

da investigação, procuro estabelecer relações entre seus trabalhos e questões por

eles levantadas com outros artistas e obras que tratam de questões semelhantes e a

partir das quais se pode aprofundar a reflexão, como já mencionado. Desta forma é

possível estabelecer um contexto de diálogos entre várias produções, tratando de

questões que se aproximam e que interessam a este campo de investigação.

Foi importante apontar algumas obras que no decorrer da história, mais

remota ou mais recente, e também outras produzidas no momento atual, tratam da

repetição e se colocam como pontos referenciais que não se pode deixar de abordar

ao trabalhar a questão. A série de pinturas da Catedral de Rouen por Claude Monet,

exposta em 1895, é um exemplo. O trabalho em processo de Roman Opalka

intitulado Opalka 1965/ 1 -

∞, em curso desde 1965, é outro. Além destes, outros

artistas apontados no texto, por causa da proximidade com as questões discutidas,

na forma de tratamento dos problemas presentes em seu trabalho e em sua reflexão

– em alguns casos – são, entre outros: Andy Warhol, Mike Bidlo, Nelson Leirner,

Carmela Gross, Pierrete Bloch, Gerhard Richter e Ad Reinhardt.

Pretende-se, a partir das proposições destes artistas, produzir reflexões que

vão para além dos modos operacionais, fazendo-nos penetrar e questionar sistemas

de articulação entre modos de viver e estruturas institucionalizadas, que definem os

modos de relação social, marcados também por um tipo de repetição – a referida por

Ernst Bloch. Pretende-se, nesta investigação, abarcar também a reflexão sobre este

tipo de repetição e a relação do campo artístico com esta realidade, ideologicamente

constituída.

Estruturalmente a pesquisa divide-se em quatro partes. Num primeiro

capítulo são abordados os conjuntos de trabalhos dos três artistas, já referidos, e

cuja poética conduz o eixo principal de reflexão desta pesquisa. Ao apresentar e

analisar aspectos de seu trabalho, são considerados o âmbito do processo de

produção e a poética resultante, conforme já explicitado. Para me aproximar dos

trabalhos, além dos contatos com as obras em exposições visitadas, utilizei textos

escritos por teóricos, críticos e estudiosos de sua obra, bem como depoimentos dos

próprios artistas em contatos diretos, através de entrevistas por escrito. Os artistas

me enviaram alguns textos sobre seu trabalho, escritos por eles mesmos ou por

outros autores, que estão em anexo, constituindo material de fonte primária para

outros pesquisadores.

Em cada sub-capítulo, que apresenta a parte da obra abordada mais

diretamente, de cada um dos três artistas principais, discuto algumas questões

ligadas à repetição em processos artísticos de maneira geral, aos conceitos de

repetição diferencial, às idéias advindas do campo da teoria psicanalítica e aponto

para algumas reflexões ligadas à idéia de utopia. Outras questões que têm ligação

com a repetição em arte também são apontadas, tais como: a série, o múltiplo, a

representação, a mimese, a variação, a ligação entre arte e cotidiano, corpo, gesto,

tempo e memória, a originalidade do ato artístico, relações entre produção artística,

contexto social e potencial utópico. Para discutir estas questões são estabelecidas

algumas relações com obras de artistas diversos, nomeados mais adiante.

O segundo capítulo é um aprofundamento nos conceitos que direcionam a

análise e a partir dos quais são articuladas as questões presentes nas poéticas dos

artistas. São tomados como referenciais para a reflexão teórica os conceitos de

repetição de Deleuze, de Freud e de Lacan, principalmente. É afirmado o caráter de

fracasso presente na repetição, bem como os paradoxos que ela implica, a saber:

sobre a sua própria possibilidade de existência, e a permanente tensão entre a

necessidade e a impossibilidade de repetir. Na abordagem dos conceitos utilizados,

realizo uma aproximação entre as teorias e as práticas artísticas focadas neste

estudo.

O terceiro capítulo trata da questão da relação entre repetição e

representação, vinculando à reflexão alguns trabalhos significativos de Sherrie

Levine, Michael Mandiberg e Elaine Sturtevant, que nos ajudam a pensar os

conceitos de reprodução e cópia, questionando a questão da autoria e da

originalidade. No primeiro e segundo capítulos alguns destes conceitos já vão sendo

discutidos, em conexão com as questões levantadas pelos trabalhos dos artistas

estudados. Porém julguei pertinente tratar dos mesmos de uma forma mais

abrangente e a partir de outros trabalhos artísticos a fim de ampliar o alcance da

discussão acerca da repetição em arte. São conceitos presentes em várias

discussões e procedimentos artísticos no decorrer da história e em diversos

contextos.

No capítulo final é enfocada mais diretamente a potencialidade de

transgressão da repetição diferencial, e a relação de toda esta discussão com um

campo de pensamento crítico, a partir do conceito de utopia. Os principais

referenciais teóricos desta discussão, nesta pesquisa, são Ernst Bloch, Fredric

Jameson e Edson Sousa. Esta aproximação com a idéia de utopia se constituiu a

partir das produções artísticas enfocadas, por seu caráter de questionamento e

potencial crítico implícito nas práticas e no pensamento dos artistas, evidenciado em

seus textos e depoimentos.

A função social da utopia sempre foi a de crítica ao estabelecido e instituído

como a verdade dominante. Desta forma se opõe a uma tendência à repetição do

sempre mesmo. Uma das formas de dar corpo a esta oposição, a este movimento de

contra fluxo, é pela força instauradora do ato criativo. As obras artísticas funcionam

como espaços de interrogação, de transbordamento, de quebra dos limites do

constituído. Penso que trabalhos que operam com a repetição e nos quais a

repetição é pensada a partir do que podem propor como diferença, como

dissonância, hiato, excesso, borda, sobra, resto... têm a força de fazer pensar

naquilo que condiciona nossos olhares, sentires e pensares sobre as ações do

cotidiano e nos campos de circulação do poder, que afeta nossa vida. Aí está a sua

força de transgressão. Diz Edson Sousa: “Todo ato criativo é, em última instância,

um ato utópico, pois tenta fundar um novo lugar de enunciação e assim recuperar

esperanças empacotadas” (SOUSA, 2002 a, p.41).

E ainda:

A obra de arte gera um lugar de respiração, um espaço de

presença, dando, muitas vezes, sentido e visibilidade à realidade.

Sua operação, portanto, é dupla: dar forma a mundos informes e

desfocar, por este mesmo movimento, certos vícios interpretativos,

deslocando pensamentos cansados e interpretações repetitivas. Por

esta razão, só podemos pensar a produção artística como

fundamentalmente crítica e tendo, portanto, um compromisso com

os laços sociais de seu tempo. (SOUSA, 2002 b, p.145)

Como pode a repetição constituir-se em dispositivo de transgressão? E em

arte? Transgressão do quê? Estes são alguns questionamentos que motivam o

desdobramento das questões sobre a repetição, no sentido de suas articulações

com as possibilidades de produzir rupturas num sistema ideológico que preza a

repetição do sempre mesmo, o que interessa à perpetuação de uma certa lógica de

dominação. Ernst Bloch é enfático ao discorrer sobre um estado de embotamento

causado pela repetição constante do mesmo e “grande sempre-outra-vez”

(BLOCH,

2005, p.16).

O conceito de transgressão é complexo e exige posicionamentos relativos

às formas de concebê-lo. Pode-se pensar a transgressão como violação da lei ou

contestação da ordem vigente, mas a partir da qual será estabelecida outra forma.

Ou como abolição total da própria normatividade. Que conseqüências teria isto no

contexto da vida social? “Toda norma é instrumento de dominação? Se sim, como

situar a função estruturante da lei, a limitação do narcisismo e, conseqüentemente, o

reconhecimento da alteridade?” (PLASTINO, 2002, p.12) Estes são alguns

questionamentos com que nos deparamos ao pensar a questão da transgressão. Há

que pensar nas dimensões do sujeito, em sua dinâmica psíquica, e do social – em

como se articulam estes dois registros e em como a transgressão os atinge,

pensando-se que atos que ignoram a alteridade, afirmando a onipotência do sujeito,

podem constituir-se como perversão, sendo instrumentos de dominação e crueldade

(Ibid.). Pois “o conceito de transgressão pode ser entendido como um movimento de

rejeição da ordem existente e de criação do novo. Mas evoca também, na tradição

psicanalítica, a transgressão da lei estruturante, associada ao conceito de

perversão” (Ibid., p.12,13).

O ato transgressor que nos interessa nesta articulação com a questão da

repetição e da produção do novo a partir dela, é aquele que possibilite um

questionamento aos valores hegemônicos, constituídos a partir de um poder

dominante que se coloca como derivado de uma ordem pré-existente, paradigma

moderno com respeito à constituição do campo social. A vida social, a partir deste

paradigma, está submetida a uma normatização ou normalização construída por

mecanismos de poder e de saber por eles forjados, onde até a subjetividade, as

anormalidades e os desvios são produtos de um sistema normativo. Este sistema se

constitui no que se entende por práticas de controle social, assentadas num sistema

de instrumentos de dominação, que servem a determinados interesses. Aí, sim, a

transgressão pretende a abolição das normas vigentes, não se constituindo como

perversão, pois quer tornar possível que as subjetividades se expressem em sua

diferença e singularidade e não impor um novo sistema de dominação hegemônico.

Este aspecto das relações entre repetição, transgressão e utopia – a partir

dos problemas levantados no decorrer da análise das produções artísticas e suas

questões, bem como através dos aportes à repetição na teoria psicanalítica e pela

filosofia da diferença – é, pois, desenvolvido e aprofundado no quarto capítulo da

tese.

Um pressuposto desta tese é que todo ato criativo é constituído de

repetição, assim como a repetição faz parte da constituição do ser humano, de

acordo com a psicanálise. Mas é uma repetição que se constitui pelo deslocamento

de um diferencial. De acordo com Deleuze o artista não opera pela repetição sob o

signo do idêntico. Tomando como exemplo a repetição de um motivo de decoração,

em que uma figura encontra-se repetida sob o conceito do idêntico, ele desenvolve o

seguinte pensamento:

Ele [o artista] não justapõe exemplares da figura; a cada vez, ele

combina um elemento de um exemplar com outro elemento de um

exemplar seguinte. No processo dinâmico da construção, ele

introduz um desequilíbrio, uma instabilidade, uma dissimetria, uma

espécie de abertura, e tudo isso só será conjurado no efeito total.

Comentando um tal caso, Lévi-Strauss escreve: ‘Estes elementos

imbricam-se ao se desengatarem uns dos outros, e é somente no

final que a figura encontra uma estabilidade que confirma e

desmente, em conjunto, o procedimento dinâmico segundo o qual

ela foi executada’

. (DELEUZE, 1988, p.49)

O que entra em questão, nesta análise do fazer artístico, de acordo com

esta lógica, não são os elementos de simetria presentes, mas aquilo que falta. De

acordo com o autor, o que está em jogo é o que não está em causa (paradoxo!), é a

possibilidade de haver menos simetria na causa que no efeito. Há aqui, para

Deleuze, dois tipos de repetição: uma estática e outra dinâmica. O primeiro está

mais ligado ao resultado da obra e o segundo ao que ele chama de uma evolução

do gesto. E por detrás dos elementos repetidos é necessário distinguir o sujeito que

se repete através deles. Neste sentido, penso que os trabalhos dos artistas aqui

apresentados e discutidos à luz de um cruzamento de conceitos de repetição, nos

dão a ver que por detrás de suas ações e dos elementos que se repetem em suas

proposições desloca-se, num outro âmbito – do oculto, velado, dissonante e instável

– um diferencial ligado ao ato.

Este diferencial, que produz a instabilidade e o desequilíbrio, conecta-se

com a esfera do desejo, desde o ponto de vista psicanalítico. O desejo lida com algo

da ordem do inapreensível, incomensurável, que, por sua vez, também está

constantemente se reapresentando de maneira diversa e produzindo brechas,

intervalos, suspensões...

A questão a que me proponho, no desenvolvimento desta tese é, pois,

abordar o ato de criação artística através do conceito de repetição, desde vários

pontos de vista, que se aproximam e também produzem tensões. Não pretendo

realizar, estritamente, um levantamento nem uma tipologia

de produções em que

In: LÉVI-STRAUSS, Claude, Tristes Tropiques (Plon, 1955), pp.197-199. (Apud DELEUZE, 1988,

p.49)

Os verbetes tipo e tipologia (tipo + logia) aparecem em vários dicionários como termos utilizados

por “empréstimo”, principalmente da psicologia, sociologia e biologia – largamente utilizados, há

se utiliza a repetição de objetos, imagens, elementos, modos operacionais... Busco

explicitar e relacionar um tipo de repetição, que seria uma repetição nua, material e

conceitual, com outra, que a envolve e é mais profunda, implicada pela inserção da

diferença (DELEUZE, 1988, p.52, 56). A reflexão suscitada por este tipo de relação

pode delinear possibilidades de abarcar criticamente o contexto das repetições

cotidianas e ideologicamente constituídas, no sentido de apontar para a produção de

esburacamentos

naquilo que se repete como o “grande sempre-outra-vez”. Este

seria o sentido da utopia.

O desejo utópico, portanto, nos alimenta da coragem essencial do

viver: aquela de ainda poder reinventar um mundo dilatado e

produzir novas configurações a partir do desequilíbrio das formas.

Por isso a utopia traz necessariamente ao mundo uma força de

transgressão como afirma Louis Marin.

Esta transgressão,

evidentemente, não se conforma com a burocratização do amanhã.

A utopia muito mais do que uma enunciação positiva de um desejo

levado a termo aponta para o que fica interrompido neste processo.

[...]

O ato criativo abre, portanto, uma descontinuidade em nossa

imagem do amanhã. Criar é sonhar para frente, abrir as comportas

inéditas do futuro, mesmo que este futuro seja a mais bela história

do mundo que não pode ser escrita. (SOUSA, 2008 a, p.50,51)

bastante tempo. Encontramos disponíveis na internet vários exemplos de estudos feitos em diversas

áreas (sociologia, economia, religião, geografia, línguas, informática...) que se propõem justamente a

fazer tipologias – estudos classificatórios, que estabelecem tipos de coisas agrupados em classes

que as distinguem umas das outras.

O sentido genérico, porém, de que deriva, vem do grego, tendo a ver com a sistematização de

conjuntos de dados, com o fim de determinar, a partir deles, um sistema, um tipo – um modelo ideal.

Portanto, isto é o que eu não quero fazer com a minha pesquisa sobre a utilização da repetição em

arte: não quero determinar agrupamentos, sistemas, reunidos a partir de uma idéia de modelo. Não

quero fazer um levantamento de tipos de repetição, que estabeleça qualquer classificação. Abaixo,

alguns conceitos de tipo e tipologia encontrados:

TIPO: Metafísica, filosofia geral. 1. Modelo ideal de que deriva um conjunto de objetos: ex.: a Idéia

platônica. Distinguir de: gênero ou espécie: “Coisas podem ser da mesma espécie, sem que haja

motivos para admitir derivem do mesmo tipo” (Cournot). 2. Biologia, sociologia, psicologia. Lei de

estrutura: “O tipo ave”; “Um tipo racial”; “Os tipos de caráter”; “Os tipos sociais”; “Os tipos morais”. 3.

Sentido vulgar, corrente: Exemplar individual particularmente representativo: “Esse homem é o tipo do

ambicioso”. (CUVILLIER, Armand. Pequeno Vocabulário da Língua Filosófica. São Paulo: Cia

Ed.Nacional, 1976)

TYPOLOGIE: Étude des caractères morphologiques de l’homme, communs aux différentes races. /

Étude des traits caractéristiques dans un ensemble de donnés en vue d’y déterminer des types, des

systèmes : une typlogie des voies urbaines. / Psychol.: Étude systématique des traits de caractère en

rapport avec les donnés somatiques. (Les typlogies les plus utilisées sont celle de Kretschmer [1921],

qui étudie les corrélations entre types somatiques et maladies mentales, et celle de Sheldon [1927],

qui distingue trois types corporels). (PETIT LAROUSSE em couleurs. Paris: Librairie Larousse, 1972)

Termo utilizado por Edson Sousa em vários de seus artigos sobre utopia.

Apud VERNER , Lorraine. “L’utopie comme figure historique dans l’art” p. 188. In: BARBANTI,

Roberto (org.). L’art au XX siècle et l’utopie, L’Harmattan, Paris, 2000.

I DISPOSITIVOS POÉTICOS E REPETIÇÃO

A repetição em arte é uma temática já recorrente no campo da pesquisa.

Assim também nos outros campos de conhecimento que se pretende abordar e

entrelaçar na presente investigação. Ao abordar a repetição em artes visuais,

especificamente, é preciso considerar inicialmente que, nesta forma de

manifestação, a repetição pode se fazer presente tanto no produto da atuação de

artistas, como nos processos de construção da obra, ou seja: na poética e na

poïética.

Outro fator importante a considerar é que não nos interessa um enfoque

somente sobre a repetição em si mesma, materializada na obra artística. Existe um

elevado potencial de tensão nesta problemática por via da instauração de obras

artísticas que operam com repetição, levando sua potência para além da

materialidade e do que é inicialmente visível. A partir desta perspectiva é que se

pode falar em transgressão, tendo em vista não só o campo da arte, mas também o

campo social e político.

A obra artística só faz ou adquire sentido no âmbito do social, que implica,

por sua vez, os aspectos de outras questões pertinentes à vida: políticos,

econômicos, culturais, éticos, estéticos... A repetição está presente também neste

contexto, podendo ser encarada como repetição do mesmo, numa lógica que

pretende a continuidade do já estabelecido. Ao pensar na repetição em arte, a

lógica operante é outra. É a lógica ou ‘ilógica’ do fracasso, implícita no que se

entende como repetição diferencial, produtora do novo. Sendo assim, o que

aparentemente se repete na verdade não se repete, podendo atuar como princípio

de transgressão - ou seja, rompimento de uma ordem estabelecida e antecipada.

Partindo da constituição da obra artística portadora deste dispositivo, pode-

se pensar em seu potencial de articulação no circuito do social e na sua estrutura de

preservação pela repetição do sempre mesmo. “Este mundo, onde ele é

compreendido historicamente, é um mundo da repetição ou do grande sempre-outra-

vez”, conforme Ernst Bloch (BLOCH, 2005, p.16). A reflexão, pois, sobre as poéticas

que operam com ou por repetição, está inserida numa reflexão mais ampla, que

abarca o social.

Isto posto, remetemo-nos à repetição e suas formas de constituição ou

apresentação nas artes visuais. Num primeiro momento, de acordo com Icleia

Cattani, podemos caracterizá-la pela retomada de elementos, de formas ou de

procedimentos já presentes num universo existente. Pode-se estabelecer, com estes

elementos, um processo cumulativo, ou situar esta ação de retomada e re-

elaboração, como uma releitura ou uma citação. Neste sentido, este tipo de prática

retoma também reflexões da modernidade, atuando como princípio de transgressão

ao conceito do novo, do original e do único. Nas práticas mais contemporâneas a

repetição caracteriza-se como uma nova abordagem do já existente, do já feito. É

uma forma de jogo, que se apresenta sob múltiplas e variadas formas (CATTANI,

2004 c).

Aparece aí, como dispositivo de transgressão, a ação de retomada de algo

previamente existente. Muitos artistas utilizam imagens, idéias, formas já elaboradas

por outros artistas, repetindo, assim, algo já feito. Qual o sentido desta ação? Ao

retomar-se algo da arte do passado há um processo de re-elaboração. Quando se

apresenta novamente algo já feito, este algo se transforma em outra coisa. Seja pelo

contexto, pelo artista que retoma – outro ou o mesmo, pela forma como retoma ou

por outros fatores, o fato é que se realiza algo de novo.

Na reflexão de Cattani vemos, entretanto, que para além desta questão, de

se estar apresentando algo re-elaborado, com a presença do novo, por meio deste

tipo de procedimento se está também questionando premissas de constituição do

objeto artístico, de atuação do artista e mesmo da função da arte. Neste sentido, a

repetição de algo já realizado em arte se constitui como princípio de transgressão

dentro do próprio campo artístico. No caso, é posta em questão a premissa moderna

da produção do sempre-original único e novo. A repetição de formas, imagens,

objetos, fragmentos e temáticas, aparentemente opõem-se à idéia de originalidade,

que acompanha a arte desde o Romantismo, juntamente com a noção de gênio.

Ao artista, a partir de idéias sobre a natureza e função da arte no contexto

do Romantismo, cabia o papel de dar corpo ao ainda impensado, ao novo e único,

ligado intimamente à sua subjetividade – e por isso singular. O gênio, numa visão

mitificadora da figura do artista, é um ser capaz de criar independentemente de

normas e regras pré-estabelecidas, burlando qualquer sistema de princípios

determinantes da forma artística. Para Kant, ainda no final do séc. XVIII, e cujo

pensamento inspirou de alguma forma o Romantismo, as artes eram produto do

gênio, que não se subordinava a qualquer forma de normatização da produção

artística – já que até então o sistema de produção em arte e de formação do artista

se orientava pela adesão a um conjunto de princípios estéticos de caráter

universalizante.

Outra forma de pensar a repetição em arte é pela utilização da repetição de

peças, de motivos, de imagens ou quaisquer outros elementos na própria obra. A

presença de elementos repetidos é freqüente nas manifestações artísticas

contemporâneas. Pode-se apontar que a origem desta forma de procedimento

remonta à instauração da produção industrial em série, no período da modernidade,

sendo um questionamento e uma resposta a esta forma de produção. Está ligada

também às questões de identidade e diferença, pertinentes à reflexão da condição

humana num mundo fragmentado, onde é importante construir uma identidade

própria, íntegra. Por outro lado, pode refletir as preocupações diante de um mundo

globalizante, totalizante, no qual as diferenças individuais tendem a desaparecer.

Uma referência importante, porém, deste tipo de procedimento, e que

remete aos inícios da modernidade em arte, é uma série de pinturas realizada por

Claude Monet. Nesta série Monet apresenta várias vezes a imagem da fachada

frontal da Catedral de Rouen (França). Cada uma das telas foi realizada num horário

diferente do dia, com enquadramento levemente deslocado. A cor e a forma sofrem

modificações devido à incidência da luz do sol, que depende da percepção possível

no momento da pintura, aos olhos do artista. Sua atitude reflete um interesse pela

pesquisa no campo pictórico. Vinte pinturas da catedral, desta série, foram expostas

na galeria Durand-Ruel em 1895.

Imagens 6, 7, 8, 9 e 10. Claude Monet. Da Série Catedral de Rouen, Década de 1890, Óleo sobre

tela.

Fonte: <http://www.theartwolf.com/monet_cathedral_es.htm>. Acesso em 27.10.2008.

Nesta série pode-se observar a diferença produzida pelo fator de incidência

da luz sobre um mesmo objeto, visto sempre do mesmo ângulo. As pesquisas de

Monet tinham justamente este mote: o estudo das modificações produzidas pela luz

e os efeitos ópticos possíveis de serem criados pela pintura a partir deste jogo. E

somente na série, quando uma tela está ao lado da outra, estes efeitos se tornam

perceptíveis. Monet também realizou outras séries com a mesma motivação: os

montes de feno, os nenúfares, as visões do Sena e do Tâmisa. Icleia Cattani afirma,

em um texto sobre a questão da série e da repetição na arte moderna e

contemporânea, que “o trabalho da série em arte, tal como o conhecemos a partir da

modernidade, inicia-se com Monet” (CATTANI, 2004 c, p. 81).

Um artista muito anterior, que não realizou seu trabalho em torno da mesma

problemática de Monet, mas que, de alguma forma, introduziu a idéia de série, nos

apresentando uma perspectiva interessante sobre esta forma de pensar e conduzir a

produção artística, foi Giuseppe Arcimboldo. Ele produziu, no séc. XVI, uma série de

retratos utilizando flores, frutas, animais e outros objetos para compor figuras

humanas.

A primeira série, em que utilizou flores, verduras e frutas, além de outros

elementos adicionais, chamou-se “As Quatro Estações”. Ele utilizou vegetais de

cada uma das estações do ano para compor a representação de cada época. A

partir desta série, que se relacionava de alguma maneira com uma série anterior,

chamada “Os Quatro Elementos”, compôs vários retratos a partir da mesma idéia. O

que se repete aqui é a forma de composição, a invenção de compor retratos a partir

da junção de elementos de origem vegetal. Esta maneira de trabalhar era inédita no

séc. XVI, apesar de ter sido utilizada anteriormente a forma de representação das

quatro estações com figuras humanas.

Imagens 11, 12, 13 e 14. Giuseppe Arcimboldo. As Quatro Estações (Primavera, Verão, Outono,

Inverno), 1573, Óleo sobre tela.

Fonte: <http://maonaterra.blogspot.com/2008/04/seja-criativo.html>. Acesso em 27.10.2008.

O modo de Arcimboldo trabalhar com repetição e constituir séries de

trabalhos, evidentemente, não é o mesmo de Monet. Podemos ver, contudo, em

ambos os trabalhos, que a preocupação em estabelecer uma série envolve

procedimentos que revelam uma espécie de lógica combinatória, de jogo, de

artifício, em que a novidade é produzida pela repetição de algo. Desdobra-se em

cada série um diferencial que captura o olhar e o pensamento. Estes trabalhos

seriais inserem-se, pois, nesta reflexão, a partir das possibilidades de diálogo que

propõem para o contemporâneo.

Assim como na modernidade a repetição transgride com o pressuposto de

criação do novo, na contemporaneidade ela “arma sutis armadilhas: parecendo

repetir o já feito, produz novos efeitos de sentido”, conforme Cattani (2004 c, p.80).

Há vários artistas contemporâneos que trabalham com repetição de acordo com

uma perspectiva problematizadora e constituída a partir da diferença.

São de interesse especial para esta pesquisa trabalhos constituídos a partir

desta óptica, sendo que são observáveis diversos modos de operar e de articular as

questões da repetição. Para citar alguns artistas, além de Anna Maria Maiolino,

Patrícia Franca e Nick Rands, principais referenciais desta pesquisa, aponto para os

trabalhos de outros artistas, também brasileiros, como Maria Lúcia Cattani, Nelson

Leirner, Jac Leirner, Felix Bressan, entre outros. E, entre os vários modos de operar

com a repetição, temos: a constituição de séries, a configuração de múltiplos, a

repetição por justaposição, as variações, a acumulação, as coleções, os inventários,

a repetição que se projeta para o infinito...

Alguns artistas operam intencionalmente e conscientemente com as

questões da repetição. Outros a utilizam sem que haja uma intenção declarada e

atenta às possibilidades de pensá-la enquanto constituinte do processo e do

trabalho. Os artistas aqui selecionados, independentemente de estarem ou não

conscientes de sua utilização, fazem da repetição um dispositivo de instauração e de

reflexão. Ela é utilizada como modo operacional e constitui o corpo do trabalho. E

apontam, com sua poética, para as questões que aqui nos interessam: da repetição

como abertura para o múltiplo, para o inacabado, para o diferente.

Esta pesquisa, como já apontado, não visa a criação de tipologias e

classificações a respeito das formas de utilização da repetição. Pretende, isto sim,

discutir a maneira de operar de alguns artistas a partir de perspectivas singulares

que seu trabalho dá a ver, bem como de que maneira se pode pensar as mesmas

questões a partir das contribuições de outras formas de pensamento, para além do

campo artístico. A aproximação e discussão entre

algumas questões do campo da

filosofia, do pensamento psicanalítico e do pensamento utópico é que permitem

pensar a repetição em outros termos, tais como: diferença, transgressão, subversão.

I.1 O MESMO E OUTRO PELO GESTO DE ANNA MARIA MAIOLINO

Um dos trabalhos que interessa a esta pesquisa de modo muito particular,

por ser constituído de repetição, e por constituir-se pela repetição do gesto, com a

produção da diferença, é o conjunto de trabalhos em argila de Anna Maria Maiolino,

da série Terra Modelada.

Imagem 15. Anna Maria Maiolino, São Estes, 1998.

Instalação, 2.500 Kg de argila modelada.

XXIV Bienal Internacional de São Paulo.

Fonte: <http://www.tecepe.com.br/bienal/AnaMariaMaiolinoBrazil.jpg>. Acesso em 14.5.06.

Quando entrei em contato com o trabalho São Estes, na XXIV Bienal de

Artes de São Paulo, em 1998, a primeira coisa que me chamou atenção foi o fato de

haver nele muitas peças iguais. E as peças lembravam as mais simples formas de

modelagem. Eram rolos e formas circulares, que são as primeiras que as crianças

fazem quando brincam com argila. São também, basicamente, as primeiras que se

experimenta nos procedimentos introdutórios da aprendizagem em modelagem com

argila.

Naquela ocasião pensei o trabalho como uma proposição que se

confrontava com o conceito de escultura, a partir de sua forma de trabalhar com um

dos mais primitivos procedimentos utilizados pelo ser humano, desde suas primeiras

manifestações plásticas. A argila esteve sempre presente como materialidade

disponível e de fácil acesso, desde os mais remotos tempos. Continuo vendo este

trabalho como um questionamento ao campo da escultura. A materialidade e o tipo

de procedimento técnico remetem para o campo da escultura, mas, de acordo com

os paradigmas mais tradicionais de produção e apreciação artística, estes simples

elementos, quase experimentais e utilizados como prática introdutória em

modelagem, podem ser chamados de escultura?

No contexto desta pesquisa, entretanto, abre-se a partir dele uma

perspectiva muito interessante sobre questões da articulação do fazer artístico,

como trabalho e prática repetitiva, que se faz por repetição do gesto e apresenta

grupos de elementos distintos repetidos. Um dos pontos em que talvez se possa

pensar no potencial de transgressão da proposta é o quanto este tipo de gesto

repetitivo difere e questiona outros tipos de produção em nossa organização social,

no contexto da produção industrial, serial, automatizada. Há um contraste muito

grande entre a forma de proceder da artista, que produz múltiplos repetidos, com a

forma de produção industrial. O que resulta destas duas maneiras de produzir

objetos em série, lidando com repetição de peças, é muito diverso.

Antes de articular o modo operacional da artista e o resultado de seu

trabalho com os conceitos de repetição, é importante apresentar um pouco de sua

trajetória para compreender como foi se estruturando o conjunto de trabalhos aqui

abordados e o processo poïético, ou seja, a sua forma de feitura.

Como já mencionado, em 1998 Maiolino participou da XXIV Bienal

Internacional de São Paulo. Foi convidada pela curadora Rina Carvajal, participando

da seção Roteiros, com a instalação São Estes, em que foram modelados 2.500

quilos de argila modelada. O início do conjunto de objetos em argila, do qual emerge

São Estes, pode ser localizado em 1992 e 1993, quando realizou os seguintes

trabalhos, em cimento moldado:

Imagem 16. Segmentada, 1992, 250x20 cm. Imagem 17. Mais de cem, 1993, 61 x 81 x 60 cm.

Fonte: <http://www.museuvirtual.com.br>. Anna Maria Maiolino. Acesso em 14.05.2006.

Em 1993 a artista realizou a mostra individual Um, Nenhum, Cem Mil, na

Galeria Gabinete de Arte Raquel Arnaud, em São Paulo. Esta exposição recebeu,

em 1994, o Prêmio Pesquisa de Linguagem, da Associação Paulista de Críticos de

Arte (APCA). Com ela, Maiolino marcou o amadurecimento de novas questões. Uma

delas foi a possibilidade de retomada, de acréscimo do corpo da obra a partir do uso

do módulo. Em 1994 reapresentou a exposição Um, Nenhum, Cem Mil, no Centro

Cultural Banco do Brasil, no Rio de Janeiro. Esta exposição foi marcante para o

desenrolar da série Terra Modelada. Márcio Doctors escreveu, a respeito deste

trabalho, no catálogo da exposição:

Quando Maiolino enfatiza o gesto, como unidade primeira da ação

do artista, o que está querendo dizer é que no ato de fazer formas

simples como as cobrinhas e os bolinhos (técnicas primeiras da

moldagem em argila) há uma retenção, uma marca, da

individualidade. O que se repete, então, no ato mesmo do fazer,

para além da cobrinha e da bolinha em si, é a unicidade de um

gesto que retém a singularidade que o produziu. E mais, cada gesto

possui o limite da matéria, e é no jogo entre intenção e

materialização, entre gesto e matéria, que se delineiam os contornos

singulares da forma. Logo, cada cobrinha ou bolinha, de fato, não é

igual à outra. (DOCTORS, 1994)

O que caracteriza, de modo particular, o trabalho de Maiolino é justamente a

repetição do gesto, a marca do trabalho da mão. Paulo Venâncio Filho destaca a

manualidade presente na construção deste trabalho. O instrumento da artista é a

mão. Ele faz referência aos gestos cotidianos de repetição que a mão realiza e que

desaparecem, ou não são perceptíveis, não permanecem atuantes na memória.

Todos os dias produzimos uma infinidade de ações com as mãos. O que resta

delas? Neste trabalho de Maiolino nos deparamos com algum resto. Mas um resto

em potência. Fica o registro de muitos gestos articulados na feitura das pequenas

peças. Em 2.500 Kg de argila, quantas vezes as mãos realizaram os gestos de

amassar, esticar, enrolar... ?

Todos esses objetos têm a marca da mão. É a mão que faz, modela,

compacta, aperta, amassa, estica. A mão faz, é o molde. Em geral,

tudo que a mão realiza no dia-a-dia tende a desaparecer sem nos

darmos conta. Até mesmo no próprio momento em que agimos. Ela

age e nos esquecemos aquilo que ela toca, apanha, pega, puxa,

entre tantas outras ações. De alguma maneira, esses objetos de

argila de Anna Maria Maiolino podem muito bem representar o

somatório das ações cotidianas que a mão realiza

desmemoriadamente. São testemunhos concretos do fazer rotineiro

que costuma dissipar-se sem registro. Em cada um deles está

presente o tempo e a ação necessária para a sua realização. Eles

merecem literalmente o nome que designa genericamente o objeto

de arte: trabalho. (VENÂNCIO FILHO, 1996)

Enquanto a artista trabalha – verbo destacado também por Venâncio Filho,

por estar diretamente ligado ao fazer artístico e às origens desta forma de saber-

fazer (tekhnè para os gregos) – surgem as formas cilíndricas e arredondadas, que

podem ser associadas a muitos outros tipos de gestos e situações. Rina Carvajal

refere-se a isto, como segue:

Texto “A mão que faz”, do catálogo da mostra itinerante lnside the Visibie, cortesia da editora, M.

Catherine de Zegher, diretora da Kanaal Art Foundation, Kortrijk, Bélgica. Disponível em:

<http://www.museuvirtual.com.br>. Anna Maria Maiolino. Acesso em 14.05.2006. Anexo C.1.4, p.290.

As práticas de Maiolino estruturam em suas inumeráveis reiterações

do gesto, situações primordiais da linguagem e do corpo. A

intensidade, a força vital destas repetições primárias, intui uma

memória do informe, um princípio originário, germinal da matéria.

Em sua obsessiva insistência, estas repetições retêm, como a

própria natureza, similitudes e diferenças que refletem o pulso da

vida, refazendo, anunciando ciclos, devorações, gestações,

processos confirmatórios de uma visão do tempo que engloba a

totalidade: tempo trabalhado íntimo e infinito, gênese do mundo

recomeçando de novo e de novo. (CARVAJAL, 1998)

Nas séries de trabalhos realizados a partir de 1994, a questão da repetição,

ligada ao gestual e sua potência é um dos motores da ação da artista. Há uma

relação muito direta com o corpo. É ele que repete, deixando sua marca, o registro

de uma força e energia corpórea. O que é formado a partir dele carrega consigo algo

que faz parte deste corpo, de sua memória, de sua história, de suas percepções.

É o que se pode perceber nas imagens da instalação Muitos (imagens 18,

19 e 20, p.49,50), um dos conjuntos deste período, onde é evidente a presença da

repetição - não só na poética, mas também no que se entrevê da prática envolvida -

como linguagem do corpo.

Paulo Venâncio Filho aponta também, ao falar sobre esta poética, a

contraposição entre a práxis da artista e a idéia de repetição que nos vem a partir da

indústria moderna. Retornamos a esta reflexão para aprofundar a análise.

Na sociedade industrial moderna, a repetição está associada à

divisão social do trabalho e à alienação. O trabalho repetitivo domina

os indivíduos sem que eles sejam capazes de totalizar o seu

sentido. Suas ações permanecem sempre um fragmento

desarticulado. Esta situação universal também tende a impregnar o

cotidiano, tornando-o cada vez mais mecânico e programado. Daí,

freqüentemente, não nos darmos conta das mãos e das ações. Elas

Tradução da autora, do original: “Las prácticas de Maiolino estructuran en sus innumerables

reiteraciones del gesto, situaciones primordiales del lenguaje y del cuerpo. La intensidad, la fuerza

vital de estas repeticiones primarias, intuye una memoria de lo informe, un principio originario,

germinal de la materia. En su obsesiva insistencia, éstas repeticiones retienen, como la naturaleza

misma, similitudes y diferencias que reflejan el pulso de la vida, rehaciéndo, anunciando ciclos,

devoraciones, gestaciones, procesos confirmatorios de una visión del tiempo que lo comprende todo:

tiempo trabajado íntimo e infinito, génesis del mundo recomenzando una y otra vez.” Texto de

apresentação da artista para a 24ª Bienal de São Paulo, pela curadora Rina Carvajal. Disponível em:

<http://www1.uol.com.br/bienal/24bienal/rot/erotamemaio01.htm>. Acesso em 14.5.06.

parecem ter adquirido uma independência que as coloca, em última

instância, além da consciência. Tornam-se meros instrumentos

operativos e especializados. Por exemplo: é com uma surpresa

indignada, como se fosse uma irresponsabilidade das mãos, que

hoje quebramos alguma coisa. Quebrar algo não faz parte do

cotidiano. É uma falha lamentável na nossa cadeia operacional.

(VENÂNCIO FILHO, 1996)

Há, na obra desta artista, e no seu modo de instauração, uma reflexão

bastante abrangente e, não obstante, muito clara e perceptível, sobre todo o

contexto do viver social. De acordo com o pensamento de Venâncio Filho, em

contraponto à sociedade de consumo, o gesto repetitivo de Maiolino nos aponta um

outro modo de produção e relação social, calcada em relações que se situam num

universo “pré-industrial”. Seus objetos parecem ser “repetidos e reproduzidos para

atender ao apelo de muitos, de todos sem exceção, daqueles de agora e dos que

virão”

(Ibid.).

Imagem 18. Muitos (detalhe), 1995, Instalação, 300 kg de argila moldada.

Fonte: <http://www.museuvirtual.com.br>. Anna Maria Maiolino. Acesso em 14.05.2006.

Idem nota 15, p.47.

Exposição na Kanaal Art Foundation, Kortrijk, Bélgica.

Imagem 19. Idem (detalhe).

Fonte: <http://www.museuvirtual.com.br>. Anna Maria Maiolino. Acesso em 14.05.2006.

Imagem 20. Muitos, 1995, Instalação, 300 Kg de argila modelada.

Fonte: <http://www.museuvirtual.com.br>. Anna Maria Maiolino. Acesso em 14.05.2006.

Venâncio Filho destaca, para pensar a produção desta série, um aspecto de

associação entre suas operações com as práticas de produção de alimento, assim

como de elaboração coletiva das formas de construção arcaicas, necessárias para o

estabelecimento de uma comunidade. É assim que vê, nos gestos e apelos

Exposição na Galeria Gabinete de Arte Raquel Arnaud, São Paulo.

resultantes destas formas, que denomina de “objetos vitais”, um apelo comunitário,

de caráter fundamentalmente coletivo. Diz ele:

Essas formas compactas resultam da repetição de gestos simples

que, apesar de executados por uma pessoa, a artista, trazem a

presença de muitos, do coletivo. Lembram tarefas arcaicas e

elementares, extremamente significativas e tão afastadas dos dias

de hoje: a preparação do elemento construtivo e do alimento.

Tarefas e trabalhos inaugurais. (VENÂNCIO FILHO, 1996)

Catherine de Zegher, ao escrever sobre a trajetória de Maiolino, realiza uma

aproximação de suas propostas artísticas com as de Lygia Clark, no momento do

Neoconcretismo brasileiro, que buscava uma “reconexão entre arte e vida”

(ZEGHER, 2001)

. Zegher cita um comentário de Suely Rolnik sobre as intenções

de Clark, no intuito de apontar para o caráter relacional do trabalho de Maiolino, que

também se ocupava das potencialidades poéticas possíveis a partir do que o

espectador projeta como arte:

Seu objetivo é “liberar o objeto artístico de sua inércia formalista e

de sua aura mitificadora através da criação de ‘objetos viventes’ em

que seria possível entrever as forças, o processo sem fim, a energia

vital que se insinua em tudo, e através da libertação do espectador

ou da espectadora de sua inércia soporífera”. (ZEGHER, 2001,

p.334, Anexo C.1.8)

“Objetos viventes” (Rolnik) ou “objetos vitais” (Venâncio Filho), os objetos da

série Terra Modelada estabelecem relações com questões do corpo e da

subjetividade, envolvendo aspectos do cotidiano e dos encontros com o outro. Na

visão de Zegher sobre o conjunto da obra da artista, há um propósito que perpassa

todo seu trabalho, que é o de “despertar a percepção da vitalidade transformadora

em todos, e não apenas na artista” (ZEGHER, 2001, p.334). Zegher realiza uma

conexão entre trabalhos anteriores com a série Terra Modelada, explicitando um

vínculo entre suas idéias artísticas e visão crítica sobre o que envolve o social e

suas relações com o poder do Estado.

Idem nota 15, p.47.

Texto “ ‘Ciao Bella’: Uma Migrante por Dentro e por Fora”, anexo C.1.8, p.323.

Insistindo na idéia de “organismos vivos” em relação com a arte,

Maiolino participou da exposição Mitos Vadios em 1978 com dois

projetos radicais: Monumento à Fome, que consistia de dois sacos,

um de arroz branco e outro de feijões pretos, amarrados um ao

outro com uma fita e colocados sobre uma mesa num quadrado; e

Estado Escatológico, com vários tipos de papel higiênico presos a

uma parede de rua. Os trabalhos evidenciam a atividade dos dois

lados opostos do canal alimentício, que flui como uma linha

imaginária de transformação, como o fio que atravessa os

Livros/Objetos. Em sua relação com o processo vital, estas obras

não propõem a mimese nem a expressão da vida em suas formas

orgânicas constituídas, mas a encarnação, dentro da obra, da vida

como um impulso criativo. A busca de Maiolino por reintegrar vida e

arte por meio de alimentos e fezes se enraíza no materialismo, no

baixo materialismo de George Bataille, assim como no vitalismo de

Deleuze. Distinguido de suas formas evolucionistas e mecanicistas

que se traduzem nas idéias de necessidade e finalidade, esse

vitalismo está baseado na noção de criatividade da vida, a

permanente gênese do mundo, e na produtividade. (ZEGHER, 2001,

p.334, Anexo C.1.8)

Alimentos e excrementos estão associados pela apresentação conjunta

destes dois trabalhos de 1978. O que entra e o que sai do corpo está conectado. E

mostra o que há de comum entre todos, apesar das hierarquias que o Estado e seus

sistemas buscam instituir continuamente (Ibid.). Estas idéias são retomadas numa

instalação de 1979, intitulada “Arroz e Feijão”. Neste trabalho uma mesa é posta

com pratos cheios de terra em que, durante a exposição, germinam sementes de

arroz e de feijão. Este trabalho já foi montado seis vezes, entre 1979 e 2007.

Imagens 21 e 22. Vista da instalação Arroz e Feijão na Galeria Graça Brandão, Lisboa, 2007.

Fonte: <http://www.galeriagracabrandao.com/index.php?menu=exp&exposicao_id=74>.

Acesso em 25.04.2008.

Percebe-se também neste trabalho uma reflexão que abarca o social, o

estado de relação entre os seres humanos, que habitam um espaço e um tempo

comuns, mas que são afastados por um conjunto de condições que determinam

diferenças gritantes nos direitos de acesso a bens de produção e até à satisfação de

necessidades básicas como a do alimento.

Esta instalação fala de uma necessidade humana básica, real,

objetiva: o alimento, no sentido mais amplo da palavra. A metáfora

da comida se estende às outras carências de necessidade do

homem. No ritual do banquete servido sobre uma mesa semelhante

à carreta funerária repousa uma provocação e um convite à reflexão

sobre o fato de que um terço da população mundial come demais

enquanto dois terços morrem de desnutrição. Há fome, há ditadura,

mas a vida persiste. A semente germinando é promissora. Os ciclos

da vida se repetem e renovam as esperanças. (ZEGHER, 2001,

p.335, Anexo C.1.8)

Os trabalhos em argila começaram por um processo de fundição a partir de

moldes, com gesso e cimento, como mostram as imagens 16 e 17 (pág. 46). O

objeto inicial era modelado em argila, para servir de molde à execução de um objeto

final, em gesso ou cimento. Há outros trabalhos desta fase e com esta forma de

procedimento, com os objetos em argila moldada assemelhando-se a alimentos

dispostos sobre uma bandeja ou sobre uma mesa. É o caso da série Codicilli, a

partir de 1993 a 2000, que parecem bandejas, e da série Outros, desenvolvida a

partir de 1990, na forma de pequenas mesas.

Imagem 23. Sem título, da série Codicilli, 1993.

Fonte: MAIOLINO, 2007.

Imagem 24. Sem título, da série Codicilli, 1993.

Fonte: MAIOLINO, 2007.

Um documentário em vídeo, intitulado Entrevidas

, e que mostra algo do

processo de trabalho da artista e várias de suas propostas, apresenta também um

enfoque interessante sobre toda a obra de Maiolino, apontando alguns aspectos

relacionados à idéia de alimento e alimentação, ligando sua produção artística com

estas questões. A artista fala sobre suas experiências de vida, relacionadas à

carência de alimentação no período pós-guerra, na infância; faz referência ao

preparo do alimento pela mãe; apresenta, ao lado dos trabalhos, momentos de

preparo do alimento e do sentar-se à mesa para comer.

Documentário Entrevidas – Anna Maria Maiolino – vídeo, 20 min. Direção e edição: Gustavo

Moura; Roteiro: Anna Maria Maiolino, Gustavo Moura e Paulo Venâncio Filho; Série RIOARTE Vídeo

– Rio de Janeiro: Prefeitura do Rio de Janeiro, 2004. Disponível em:

<http://br.youtube.com/duasaguas>. Acesso em 22.05.2008. Este título – Entrevidas – é o título

também de uma performance de Maiolino, realizada pela primeira vez em 1981.

Imagem 25. Sem título, da série Outros.

Fonte: MAIOLINO, 2007.

Alguns dos trabalhos da série Terra Modelada também são apresentados

sobre mesas, estabelecendo relação com a questão do alimento e da mesa posta.

Estabelece-se, pois, uma relação entre várias das propostas da artista com estes

elementos, o que faz pensar numa permanente reflexão em torno de questões que

se aproximam e que nos levam a exercitar um olhar mais atento para as mesmas. É

o caso de Mais Estes e Ainda Mais Estes, de 1996.

Imagem 26. Mais Estes, 1996, Instalação, 600 Kg de argila modelada.

15 Artistas Brasileiros, Museu de Arte Moderna de São Paulo.

Fonte: <http://www.museuvirtual.com.br>. Anna Maria Maiolino. Acesso em 14.05.2006.

Imagem 27. Mais Estes, 1996 (Detalhe), Instalação.

Fonte: <http://www.museuvirtual.com.br>. Anna Maria Maiolino. Acesso em 14.05.2006.

Imagem 28. Ainda Mais Estes, 1996, Instalação.

600 Kg de argila modelada.

Whitechapel Art Gallery, Londres.

Fonte: <http://www.museuvirtual.com.br>. Anna Maria Maiolino. Acesso em 14.05.2006.

A artista disponibiliza também, em seu livro Anna Maria Maiolino

(2007), uma fotografia de seu atelier, apresentando um Estudo para Instalação, que

é uma “mesa posta”, acompanhada da seguinte declaração:

“Esta mesa é um espaço saturado de igualdades e diferenças

formando um território, produtos da ação da mão sobre a argila, a

terra. Estas formas primeiras que cobrem a mesa são do tamanho

da mão que os molda – a medida do homem. Esta obra recorda

aspectos de comemorações, de rituais. O ancestral é revivido no

trabalho à mesa apresentado. O olhar analógico encontra “pasta”

posta a secar. Na intimidade da obra, a forma (o rolinho, a bolinha),

lado a lado, se afirma e se anula na multiplicidade de igualdades e

diferenças, na busca de uma identificação que nunca se conclui,

forçando-nos a uma nova ação do gesto a sustentar o desejo.”

(MAIOLINO, 2007, p.56)

Imagem 29. Estudo para Instalação, s/data, atelier da artista, Rio de Janeiro.

Fonte: MAIOLINO, 2007.

A argila é um tipo de materialidade associada a excrementos. E

algumas das formas propostas pela artista nos dão bem esta idéia, como as de

Poderiam ser mais do que estes, de 1997. E excrementos são o resultado de um

processo de transformação. Assim fecha-se novamente a circularidade presente

entre Monumento à Fome e Estado Escatológico (vide citação à pág. 52). A série

Terra Modelada alude ao conjunto da obra nos trazendo percepções que dizem

respeito a uma possibilidade de transformação a partir de um tipo de processamento

que perpassa a vida de todos nós. Vejo esta como uma possibilidade de pensar o

trabalho de Maiolino como ato utópico.

Imagem 30. Poderiam ser Mais que Estes, 1997, Instalação.

3.000 Kg de argila modelada.

In Site 97, San Diego, USA.

Fonte: <http://www.museuvirtual.com.br>. Anna Maria Maiolino. Acesso em 14.05.2006.

O trato digestivo, que se localiza entre o dentro e o fora, e sua

capacidade transformadora podem ser comparados à trajetória

artística e seus frutos imprevisíveis, como um conjunto

compartilhado, igual e acessível entre todos nós. Aqui a arte não é

sobre uma imagem ou percepção do mundo expressa pelo artista

como a transferência de mitos, mas sobre o poder de criação

permanente na percepção do eu e do mundo, que todas as pessoas,

como seres vivos, vêm a possuir. (ZEGHER, 2001, p.335, Anexo

C.1.8)

O ato artístico é uma forma de colocar no mundo o resultado de uma

elaboração poética pessoal e singular. A potencialidade de sua realização está em

cada um, estando presente, pois, no conjunto da sociedade. Não há que se prender

aos mitos fundantes da criação artística e sobre quem é o artista, como o do talento

nato, do dom natural (ou divino) que permite só a uns poucos escolhidos a

realização de obras-primas, realizadas também a partir de uma idealização do que

venham a ser a ação e o objeto artístico. No contexto do contemporâneo, sobretudo,

estes mitos são questionados e revertidos, havendo uma mudança de perspectivas

a respeito do que envolve o fazer artístico. A pergunta sobre o que é arte é

substituída por outras, como: quando é arte? Como se torna arte? Onde é arte? Que

circunstâncias fazem com que se torne arte?

Sobre sua relação com a materialidade da argila e com a forma de trabalhar

com a mesma, Maiolino diz:

“Mas é a argila em si que me mostrou o método como devia ser

trabalhada. O sistema arcaico chamado rolinhos ou cobrinhas,

usados por ceramistas há tempos, é imposto à mão pela argila,

assim como as ações primárias de dar ordem à matéria, como

amassar, esticar, cortar, enrolar e pressionar. Destas ações provêm

as formas básicas: os rolinhos, as bolinhas. Estas formas

incorporam-se à minha linguagem, e ao meu discurso.” (MAIOLINO

apud ZEGHER, 2001, p.337, Anexo C.1.8)

Neste discurso percebe-se a série Terra Modelada como algo se fazendo a

partir do que a própria argila dispõe como possibilidade, sendo que o pensamento

da artista sobre seu trabalho tem origem neste processo de fazer em se fazendo,

surgindo da experiência direta com a matéria e com o que ela dá a pensar e a dizer.

Em 1977, Nelson Goodmann, crítico norte-americano, escreveu um artigo referencial nesta

discussão para a revista The Nation, com o título: “Quando é que há arte?” Esta pergunta traz uma

modificação da visão tradicional sobre a arte e desloca a questão. Quando

é arte? E não mais: O que

é arte? A perspectiva se desloca do problema da busca da essência para o estudo do que está aí –

dos fatos, das circunstâncias que determinam os fatos (JIMENEZ, 1999, p.369).

O conjunto da série Terra Modelada, que abarca praticamente uma década,

nos dá uma dimensão muito singular do ato repetitivo como produtor do múltiplo e

do inacabado. Os gestos sobre a argila se produzem como abertura para um devir,

para possibilidades sempre novas. No texto sobre a instalação São Estes (imagem

15, p.44), Anna Maria Maiolino se coloca da seguinte forma:

São Estes é o título da instalação. É o que basta para nomeá-la,

sem elucidar ou classificar, longe de qualquer metáfora ou símbolo.

O trabalho utiliza a repetição da ação do gesto. Gesto que, por ser

natureza, não se repete. No igual há o diferente. "Coisas": rolinhos,

bolinhas, produtos das primeiras ações da repetição do gesto sobre

a argila úmida - a terra - ocupam a instalação. Estas

igualdades/diferenças acumulam-se no corpo da obra. Aí, a forma (a

bolinha, ou rolinho) dinamicamente, lado a lado, se afirma e se anula

na procura de uma identificação que nunca se conclui, forçando

assim a uma nova ação do gesto a sustentar o desejo. Ao infinito,

estica-se o tempo, na possibilidade de retomada do trabalho. Trata-

se de uma obra em aberto, trabalho não concluído, armazenamento

de entropia - energia gasta na prazerosa fadiga - transbordante de

afeição, de pulsões e onde a natureza habita: a do elemento

modelado e a minha. (ANNA MARIA MAIOLINO, 1998)

Pode-se observar que as questões são bastante amplas e complexas. Cabe

ressaltar que, além de problemáticas relativas ao tema da repetição, desdobram-se

muitas outras questões a partir deste conjunto de trabalhos. Para a questão que nos

interessa particularmente na pesquisa em curso – a da repetição e da diferença na

repetição, bem como de pensar o ato criador a partir da repetição – nestes conjuntos

de trabalhos podemos ver claramente a imbricação de um fazer intencionalmente

ocupado com ela – mesmo que o processo tenha iniciado de forma intuitiva e

espontânea

. Conforme Maiolino:

Iniciei em 1991, passei a utilizar a repetição de forma espontânea e

intuitiva. Foi o interesse no processo de elaboração da obra que me

fez valorizar a serialidade implícita desse processo. Há de se ter

presente que minha primeira formação foi a de gravadora. Na

técnica da gravura, a tiragem da imagem é feita por repetição.

Entretanto, mesmo tendo utilizado a repetição na serie de desenhos

Aleph, realizada nos anos 80, somente nos anos 90 que a repetição

Disponível em:

http://www.museuvirtual.com.br/targets/galleries/targets/mvab/targets/maiolino/targets/hands/langua

ges/portuguese/html/index.html>. Acesso em 14.5.06.

Nas palavras da própria artista, em entrevista concedida por correio eletrônico, em 17.09.2008.

Anexo B.1, p.272.

como pulsão de vida, portanto sempre singular, tomou espaço nas

esculturas/instalações e no desenho. Nestes trabalhos existe uma

relação direta entre os materiais utilizados e meu próprio corpo, a

inter-relação com os gestos utilizados. (MAIOLINO, entrevista de

2008, Anexo B.1, p.272)

A questão da intencionalidade no ato de repetir se coloca como aspecto

fundamental. Após a experiência de gravadora, que é marcada pela repetição,

Maiolino interessou-se pela repetição do gesto, que implica em singularidade.

Chama especialmente a atenção, neste conjunto de obras, a quantidade de material

trabalhado. São 300, 400, 600, 2.500, 3.000 kg de argila. Esta ordem de quantidade

possibilita uma percepção muito particular do desdobramento da repetição de um

gesto. A própria artista faz menção à presença do diferente no igual. A sua repetição

do gesto, da grandeza do finito ilimitado, já que a obra é aberta, produz o que ela

chama de igualdades/diferenças.

Temos condições de perceber aqui justamente o tipo de repetição que se

constrói a partir do diferente, que se constitui ao se disfarçar, que se disfarça ao se

constituir. Há, por detrás de cada gesto ou de cada elemento que se repete, algo

que escapa. As repetições, nestes trabalhos, não podem ser isoladas da forma de o

trabalho ser constituído e nem podemos pensá-las tomando por base os princípios

de identidade e semelhança. É a partir da diferença que nos aproximamos de sua

condição de multiplicidade. Cada elemento e cada gesto constituinte são singulares,

não podendo ser substituídos. Só os podemos apreender tendo em vista esta sua

condição.

Além dos trabalhos em argila há algumas séries em que Maiolino utiliza tinta

sobre papel, a partir dos mesmos interesses e intenções. Trata-se das séries

Codificações Matéricas, de 1994 a 2001, e Marcas da Gota, de 2001. Nestes

trabalhos também há algo de informe, do gesto mínimo, de vestígios do gesto

manual, através de manchas, que podem ser lidas como desenho ou como escrita

rudimentar. Ela se constrói a partir da ação do corpo, que direciona o escorrimento

da tinta. A repetição de lançar gotas de tinta sobre a superfície do papel e, em

seguida, direcionar seu escorrimento, produz a multiplicidade. A respeito destes

trabalhos, Maiolino declara:

Enquanto desenho, expresso os impulsos vitais, movendo o papel

no ar. Aqui a gota de tinta que eu deixo cair sobre o papel é a

agente que também o transforma, impelida pela força da gravidade.

A tinta corre, desenha - preto no branco - no máximo de luz e

sombra, formando linhas saturadas de pigmentos. Estas linhas são

condensações de fluxos, pausas e retomadas. São produtos de uma

interação consciente entre meus impulsos e os materiais

responsivos. A gota desliza sobre o papel à medida que seguro a

folha e a movimento com firmeza entre minhas mãos. Um sistema

está estabelecido - simples e primeiro. ‘Como numa linguagem que

se inicia’, floresce o ato poético entre as diferenças da repetição,

onde a obra se afirma. (MAIOLINO apud ZEGHER, 2001, p.341)

Imagens 31 e 32. Sem título, da série Codificações Matéricas, 1999 / 1996.

Tinta sobre papel.

Fonte: MAIOLINO, 2007.

É interessante saber que nos processos de montagem das instalações de

Terra Modelada, como em Muitos e Mais de Mil, de 1995 (Imagens 18,19 e 20,

p.49,50 e imagem 107, p.169), Maiolino trabalha na argila in loco, como numa

espécie de linha de montagem pré-industrial. Esta forma de trabalhar permite que as

peças de argila modeladas se acumulem de forma livre no espaço, durante o tempo

necessário para a manipulação de uma grande quantidade de material, da ordem de

centenas ou milhares de quilogramas, como já visto. Não há uma previsão da forma

final e nem do tempo necessário para a conclusão da obra. Zegher compara sua

atividade com a força e a natureza explosiva e convulsiva de um vulcão. Conforme

ela, “livre de fôrmas, os caroços primevos ou formas excrementícias de Maiolino se

multiplicam e acumulam em pilhas proliferando-se no espaço como uma erupção

originária de uma era geológica misteriosa” (2001, p.339, Anexo C.1.8). A obra é

como um corpo, que vai crescendo, se moldando e se estendendo num espaço não

completamente determinado, a partir dos gestos que se repetem. Em relação a esta

forma de constituição do corpo dos trabalhos, Maiolino escreve:

Como a ameba, o corpo da obra pode ser dividido através da

remoção de um ou mais segmentos sem que sua estrutura seja

afetada. Pois a diminuição em tamanho e o retorno ao crescimento,

recompondo seu corpo através da adição de segmentos, fazem

parte da concepção da obra, que se assegura nessa demonstração

de seu potencial. Os segmentos que são removidos começam a

viver uma vida própria, compondo uma nova e autônoma escultura,

longe da escultura mãe. O número de elementos e segmentos e sua

disposição no espaço dependem da configuração mutante da

instalação. Nestas instalações temos como principio fundador o

labor – o trabalhar – que faz das diferentes montagens um só

trabalho. (MAIOLINO apud ZEGHER, 2001, p.338, Anexo C.1.8)

Outro aspecto interessante, ligado ao processo de feitura dos trabalhos no

local de exposição, sem passar pela queima, que garantiria maior estabilidade e

permanência, é a transformação pela qual a argila – e as peças, conseqüentemente

– continuam passando, após a passagem pela mão que modela. Em relação a isto,

escreve Maiolino:

A acumulação topológica dessas formas iguais/diferentes, como a

vista de um campo lavrado com as marcas da ocupação humana e

do cultivo mutante, onde a argila cumpre com seu devir material:

transforma-se com a desidratação, seca ao contacto com o ar, vira

pedra, racha. Está num estado de sujeição ao que o futuro lhe

reserva. Sem dúvida, um dia ela voltará ao pó. Mais uma vez,

quando misturada à água, ela adicionará novas formas ao

processamento físico da matéria, sustentando o meu desejo.

(MAIOLINO apud ZEGHER, 2001, p.338)

Citação de texto não publicado de Anna Maria Maiolino, intitulado “Trabalhos em Processo”, de 1°

de março de 1997, conforme Catherine de Zegher (2001).

Idem nota 26.

A configuração dos trabalhos é mutante. Além de haver uma forma de

crescimento orgânica, quase autônoma, a obra continua em processo de

transformação. Os movimentos repetitivos da mão da artista, o tempo de feitura, o

espaço necessário para aquela quantidade de argila e os efeitos das condições do

entorno (ar, umidade...) sobre os trabalhos, mesmo após estarem instalados,

produzem aberturas para o imprevisível e para o singular. A repetição é

potencializada e subverte o pensamento e a percepção sobre as relações da vida

cotidiana e do trabalho, como se depreende da reflexão da própria artista:

Posso estabelecer com certeza que é com a repetição, a ‘santa

paciência’, que se obtém sucesso em conseguir a fadiga da matéria

que promove a transformação. Repetindo um experimento milhares

de vezes, acaba-se por produzir algo extraordinário. Inclinando-me

sobre esses dois conceitos transcendentais a respeito do trabalho

com argila, tento vencer os estigmas do efêmero e a fragmentação e

a velocidade da vida de hoje, permanecendo com a repetição.

Enquanto a ação do gesto é sempre completa, inteira em si mesma,

a nostalgia do absoluto e o sentimento de plenitude, que residem

neste trabalho manual e contínuo, minimiza o que está faltando.

Com as repetições e acumulações dessas formas, nossa memória

coletiva do trabalho, mesmo das ações mais banais e esquecidas da

vida cotidiana, é recuperada. Por outro lado, as seqüências ativas

da labuta prazerosa conspiram contra nossa produção mercantil da

sociedade de consumo, que reduz as pessoas à uniformidade.

(MAIOLINO apud ZEGHER, 2001, p.340)

Este tipo de ação, sobre o ordinário da experiência humana e da matéria, a

partir de milhares de repetições de ações ditas banais, revela algo de extraordinário,

produz uma transformação. Pode-se falar em transgressão a partir deste trabalho?

Em que sentido? A própria artista nos responde:

É possível que a repetição seja paradoxalmente uma transgressão,

no sentido que ela busca uma continuidade e uma permanência,

que contrasta com nosso mundo contemporâneo, acelerado, em que

vivemos. Este nos exigindo sempre novidades apressadas e

superficiais. Esticar o tempo do fazer, escapar da aceleração

contemporânea, buscar profundidade na relação do processo com

as matérias e perceber o gasto energético do cansaço do trabalho

extensivo com a repetição é um ganho para mim, pois posso me

perceber renovada em toda repetição. Afirmo-lhe que através da

experiência pude perceber claramente o que diz Deleuze: a

repetição é sempre diferença. E há modéstia na repetição que nos

Idem nota anterior.

engrandece, pois afirma sempre a singularidade do ato criativo.

(MAIOLINO, entrevista de 2008, Anexo B.1, p.274)

A questão da repetição, tanto na teoria psicanalítica, quanto em Deleuze e

outros diversos autores, é marcada pelo aspecto da impossibilidade

. A

impossibilidade de repetir o mesmo e igual é que possibilita o surgimento de algo

novo. A repetição é algo que retorna, mas de modo sempre diverso, apresentando o

mesmo e diferente. Este é um paradoxo. Maiolino, ao operar com a repetição,

experimenta este paradoxo na relação do corpo com a materialidade, num processo

de transformação. Este processo, como testemunha a artista, escapa de outro tipo

de repetição, muito presente na vida contemporânea, que exige de todos a

adequação a um ritmo muito acelerado, em que se perde a profundidade e a

singularidade do ato.

No campo da filosofia, encontramos na obra de Deleuze um marco

referencial para a questão. Para este autor a repetição envolve ao mesmo tempo

multiplicidade e singularidade. Quando se cria uma série a partir do que ele chama

de repetição diferencial, se está transgredindo um certo tipo de ordem. Está se

propondo o agenciamento de deslocamentos no tempo e no espaço através do jogo,

do acaso, das múltiplas possibilidades de combinações entre inúmeros e diversos

elementos ou fatores

Olhando para os trabalhos modelados de Anna Maria Maiolino percebemos

que é possível estabelecer várias conexões com esta forma de pensamento. As

suas peças, em cada conjunto, são repetições da mesma forma, surgida do mesmo

gesto. Ao mesmo tempo percebe-se que cada uma delas encerra a singularidade do

ato que a produziu. Maiolino chama estas repetições, no contexto de uma

serialidade, de pulsões de vida. Daí a singularidade. Daí o aspecto do inusitado e

orgânico, ato criativo porque vital (vide entrevista de 2008, anexo B.1).

Estas questões serão abordadas e aprofundadas no capítulo II.

O conceito de repetição diferencial, de Deleuze, bem como o conceito psicanalítico de repetição

serão abordados no capítulo II.

Os títulos dos trabalhos dão conta de um interesse em evidenciar este

processo, em que não interessa estabelecer o número exato de peças, nem

determinar de modo preciso a natureza ou uma categorização dos objetos e de seu

conjunto: ‘Um, Nenhum, Cem Mil’, ‘Mais de Cem’, ‘Muitos’, ‘Mais Estes’, ‘Ainda Mais

Estes’, ‘Poderiam ser Mais que Estes’, ‘São Estes’, ‘N Vezes Um’... ‘Terra

Modelada’. Os nomes designam tão somente o tipo de ação incansável, o incontável

e estreitamente ligado a um tipo de energia vital, através da qual se acumulam

‘troços’ de barro.

Imagem 33. Mais de Cem, 1996, Instalação (Detalhe).

400 Kg de argila modelada.

Iside the visible, The National Museum of Women in the Art, Washington, USA.

Fonte: <http://www.museuvirtual.com.br>. Anna Maria Maiolino. Acesso em 14.05.2006.

A ‘lógica’ operante nos trabalhos da série Terra Modelada diverge do que se

obtém numa série produzida industrialmente, num tipo de “produção mercantil da

sociedade de consumo, que reduz as pessoas à uniformidade”, como diz Maiolino

(apud ZEGHER, 2001, Anexo C.1.8). Há alguns outros artistas com produções que

operam num registro mais próximo desta outra lógica, cujo resultado se aproxima

muito mais da forma industrial. Um exemplo emblemático é a série de Caixas Brillo

de Andy Warhol.

Imagem 34. Andy Warhol. Brillo Boxes, 1964.

Serigrafia sobre madeira, 43,5 x 43,5 x 35,6 cm cada caixa.

Stable Gallery, New York, USA.

Fonte: <http://faculty.erau.edu/pratta/warhol/brillo.htm>. Acesso em 26.05.08.

Este trabalho constitui-se de muitas caixas de madeira que são cópias

idênticas de caixas de uma marca de sabão em pó, encontráveis nas prateleiras dos

supermercados daquela época. As caixas de Brillo de Warhol foram apresentadas

pela primeira vez em 1964, quando uma galeria de arte de Nova York foi lotada com

aproximadamente 400 caixas de madeira, no mesmo formato e tamanho e com as

mesmas características visuais das caixas de sabão da marca Brillo. Quando

questionado sobre a origem destas caixas, Warhol respondeu:

Bom… eu tinha feito todas as latas de sopa Campbell numa carreira

na tela, daí eu peguei umas caixas para fazê-las de caixas – mas

isso tinha uma aparência engraçada porque não parecia real –

contudo, eu já tinha as caixas preparadas. Elas eram marrons e

realmente pareciam como caixas; assim, eu pensei que seria genial

simplesmente fazer uma caixa comum.

As Brillo Boxes são apontadas por alguns autores como marco referencial

na história de rupturas em arte e essencial para ajudar a pensar muitas das

questões relativas a várias problemáticas relevantes no contexto da arte

contemporânea, também e especialmente as questões da repetição e da

representação. Esta caixa seria a representação de uma caixa original ou ela é a

apresentação da própria caixa? Ela está no lugar de outra coisa ou é a coisa?

Imagem 35. Brillo Box, 1964-68.

Serigrafia sobre madeira.

43,5 x 43,5 x 35,6 cm.

Fonte: <http://www.artchive.com/artchive/W/warhol/warhol_brillo_box.jpg.html>. Acesso em 26.05.08.

Tradução do original: "Well...I'd done all the Campbell's Soup Cans in a row on the canvas, and

then I got boxes made to do them on a box--but that looked funny because it didn't look real-I just had

the boxes already made up though. They were brown and looked just like boxes, so I thought it would

be great just to do an ordinary box." Disponível em:

<http://www.nortonsimon.org/collections/browse_title.php?id=P.1969.144.001-100>. Acesso em

26.5.2008.

O conceito de representação será discutido no decorrer do texto. Vide nota 58, p.165.

Um outro artista tensiona ainda mais esta reflexão, a partir do momento em

que sua proposta é realizar cópias das próprias Brillo Boxes. Mike Bidlo realiza Not

Warhol (Brillo Boxes, 1964), em 1991. O trabalho de Bidlo é, em sua maior parte, a

realização de cópias de trabalhos de diversos grandes artistas, como Picasso,

Matisse, Duchamp. Realiza, para compor sua obra, processos de apropriação de

trabalhos de outros artistas, trabalhando muitas vezes com pintura, a partir de

reproduções, para fazer suas réplicas. Realiza espécies de “duplos”. Sua ação sobre

as imagens e objetos da arte já existentes estende a discussão sobre a questão da

reprodução, da cópia, da repetição.

Imagem 36. Mike Bidlo.

Not Warhol (Brillo Boxes, 1964), 1991.

Acrílica sobre madeira, 51 x 51 x 43 cm cada caixa.

Fonte: <http://www.tate.org.uk/.../issue3/consumingpassions.htm>. Acesso em 26.05.2008.

Este tipo de reprodução, como cópia idêntica de um objeto original – e até

como cópia da cópia – parece, a princípio, uma operação em que o diferente fica

excluído. Qual seria o lugar da diferença num conjunto de múltiplos que foram

concebidos para ser exatamente iguais entre si e a um objeto primeiro? Qual é a

relação desta proposta com os múltiplos de Anna Maiolino? Nas instalações de

Maiolino também vemos objetos que têm a mesma forma, que foram constituídos a

partir do mesmo gesto, que se assemelham uns aos outros e a uma forma primária –

a primeira bolinha, o primeiro rolinho...

A questão do múltiplo é um aspecto interessante a ser discutido a propósito,

tanto destes trabalhos de Andy Warhol, como dos conjuntos de peças de argila de

Maiolino. Múltiplo, no campo da arte, é um termo que designa, inicialmente, o

resultado obtido por processos de tiragem de cópias, próprios da gravura,

especialmente, ou a partir de moldes para modelagem de formas tridimensionais. Ou

seja, há uma matriz, normalmente feita a partir de um molde, pelo próprio artista,

através da qual se farão reproduções fiéis a um original.

A partir dos anos 60 o termo passa a designar objetos em geral, também

produzidos a partir da idéia de reprodução de cópias. Porém, neste contexto de

produção artística, de transição entre a modernidade e a contemporaneidade,

surgem outros modos de feitura dos múltiplos, nem sempre a partir do trabalho da

mão do artista. Entram em cena os protótipos industriais, os processos mecânicos e

digitais. Também podem ser feitos múltiplos a partir de instruções apresentadas pelo

autor da obra. Qualquer pessoa, a partir das instruções do artista, realiza seu

múltiplo, que é considerado a obra. É uma proposição conceitual, na qual a própria

idéia funciona como obra. É o caso, por exemplo, de um trabalho de Nelson Leirner,

intitulado Múltiplos ao Cubo, de 1971.

Imagem 37. Nelson Leirner. Múltiplo ao Cubo, 1971.

Tubos de Ensaio, 15 x 13 x 13 cm.

Fonte: <http://www.muvi.advant.com.br/.../sete_um.htm>. Acesso em 27.10.2008.

Além dos múltiplos realizados pelo artista, com materiais diversos e triviais,

Leirner publicou as instruções de “como fazer seu múltiplo” em uma página inteira do

Jornal da Tarde do dia 14 de abril de 1971. O leitor, de posse destas instruções e de

uma quantidade suficiente de alguns objetos banais, como lâmpadas, bolas de gude,

tubos de ensaio, poderia realizar ele mesmo a obra de arte. A partir desta proposta

vemos uma mudança no conceito de múltiplo, entendido como peça de tiragem

infinita, não necessariamente realizada a partir de uma matriz feita pela mão do

artista, podendo ser realizada por qualquer pessoa.

Imagem 38. Nelson Leirner. Como fazer seu Múltiplo.

Publicado no Jornal da Tarde, em 14 de abril de 1971.

Fonte: NELSON LEIRNER, 1994.

Esta atitude revela uma forma de conceituação também de arte, de objeto

de arte e até mesmo do papel do artista. No momento em que qualquer pessoa pode

realizar sua obra a partir de um conjunto de instruções, esta se torna um valor

acessível a um público bastante amplo. Há, nesta forma de ação, um

questionamento ao atributo de obra única e singular, com valor determinado num

sistema de circulação de objetos artísticos.

Um dos precursores neste processo de transposição de objetos banais para

o “mundo da arte” é Marcel Duchamp. Há quem aponte a obra de Marcel Duchamp,

e especialmente a criação dos ready-mades

, como a mais significativa

contribuição conceitual à arte de século XX. O próprio Duchamp declara em relação

ao seu trabalho: ”Não estou absolutamente seguro de que o conceito do ready-made

não seja a mais importante idéia individual depreendida do meu trabalho.”

propor um mictório como obra de arte, em 1917, Marcel Duchamp instaura uma nova

postura diante da arte, questionando a validez da expressão artística e da atuação

do artista. Os ready-mades de Duchamp, longe de serem manifestações

rudimentares, são, antes, a instauração de todo um sistema de transgressão e de

ruptura. Ao mesmo tempo, porém, em que nega a existência mesma da arte e da

obra, Duchamp sucumbe quando reitera a distinção simbólica do objeto, legitimada

pelo ato do artista (de apresentar o objeto numa exposição de arte).

László Moholy-Nagy foi outro artista do início do século XX que contribuiu

para este tipo de discussão: a função da arte, o papel do artista e o estatuto do

objeto de arte. Em 1922 ele encomendou cinco pinturas para uma fábrica de placas,

por telefone. Passou ao atendente as instruções sobre formas, cores, elementos e

sua disposição no espaço do quadro. Estas pinturas foram feitas sem sequer a

presença do artista e são conhecidas por telephone paintings. Alguns conceitos que

este ato coloca em discussão e que nos interessam nesta investigação, são: autoria,

originalidade e repetição

O ready-made é um objeto feito em série, sem nenhum atributo que o diferencie de seu similar e

pelo qual se nutre uma radical indiferença. É deste objeto que Marcel Duchamp se apropria para

apresentá-lo em um contexto outro, a saber, o mundo artístico. Mas o traz para este mundo não como

arte e, sim, como objeto a-arte, conforme ele mesmo o definiu (RICHTER, 1993, p.119).

In: Catálogo Geral da 19ª Bienal Internacional de São Paulo, 1987, p.349.

Estes conceitos serão retomados e aprofundados no capítulo III.

Imagens 39 e 40. Marcel Duchamp, Fountain, 1917 / Laszlo Moholy-Nagy. Telephone Painting, 1922.

Fontes: <http://www.youthink.com/forum.cfm?action=read&forum_...>. Acesso em 28.10.2008.

<http://lucianotrigo.blogspot.com/2008/03/mondo-business.html>. Acesso em 28.10.2008.

Carmela Gross, nos anos 70, também trouxe à discussão questões como

estas, a partir de uma série de trabalhos intitulada Carimbos e Carimbadas. O

carimbo é um meio de impressão mecânico e padronizado, que serve para

reproduzir inúmeras vezes a mesma forma. É uma espécie de matriz. Neste

trabalho de Carmela Gross, o carimbo é utilizado para a reprodução de elementos

gráficos, como rabiscos e pinceladas, que têm a marca da gestualidade.

A artista transpõe formas de registros gestuais para um meio de reprodução

mecânica, realizando conjuntos com a repetição da mesma forma carimbada várias

vezes sobre superfícies regulares de papel. Há um processo de ressignificação do

objeto carimbo quando ele é utilizado para a impressão de signos essencialmente

gráficos. Estes carimbos, na análise de Beluzzo:

trazem à tona valores sensíveis existentes em pequenas unidades

artísticas significantes, potenciais heterogêneos, que serão

submetidos à multiplicação padronizada. A rica gama de

possibilidades de mínimos sensíveis é reapropriada como elo-

padrão de uma escritura homogênea. (BELUZZO, 2000, p.25)

Imagens 41 e 42. Carmela Gross, Série Carimbos, 1977-78.

Carimbadas sobre papel, 70 x 100 cm (cada conjunto).

Fonte: <http://www.carmelagross.com.br>. Acesso em 28.10.2008.

Imagem 43. Carmela Gross. Rabiscos, da série Carimbos, 1978.

Carimbo sobre papel, 70 x 100 cm.

Fonte: <http://www.carmelagross.com.br>. Acesso em 28.10.2008.

É interessante este jogo entre o mecânico e repetido como padrão, com a

visualidade da figura, de imitação de sinais gráficos singulares. E com o fato de que

a carimbada se executa a partir de um gesto. São vários gestos repetidos que

produzem os conjuntos de trabalhos de Carimbos. É no encontro entre estes

elementos e no que se produz a partir deles que circula a diferença.

Um outro trabalho de Carmela Gross apresenta um conjunto de peças

modeladas em argila, com repetição de objetos que lembram instrumentos

encontrados em sítios arqueológicos. Trata-se de Facas, de 1994. A artista realiza

várias unidades, criando grupos de peças semelhantes e os dispondo lado a lado,

como num procedimento de classificação científica.

Imagem 44. Carmela Gross. Facas, 1994.

Instalação.

Fonte: <http://www.carmelagross.com.br>. Acesso em 28.10.2008.

Neste trabalho há a articulação de uma manualidade no fazer, que remete a

fazeres manuais ancestrais pela criação do que poderíamos chamar de pré-formas.

Há uma proximidade com a forma de instrumentos primitivos e, ao mesmo tempo,

um distanciamento.

Existem relações destes trabalhos com algumas questões abordadas pela

obra de Maiolino, principalmente no que toca à forma de produção, ao tipo de objeto

modelado, à repetição de formas – que são também as mais básicas da modelagem

em argila – e à forma de apresentação. Carmela Gross, porém, nestes trabalhos, e

especialmente em Carimbos, opera num espaço de trânsito entre o manual e

singular e a produção serial mais mecânica e padronizada.

Retomando a idéia de produção de múltiplos, a partir do trabalho de Nelson

Leirner, que sugere que qualquer um pode fazer seu múltiplo em casa, utilizando

uma bula de instruções, vemos que esta forma de propor a criação da obra artística

cria uma tensão com o trabalho de Anna Maiolino e com os trabalhos de Carmela

Gross, vistos acima. Cada um dos trabalhos traz à tona discussões sobre a questão

da repetição e sobre como pensar, nela, a inserção da diferença e a articulação com

questões mais amplas, como a própria função do ato criativo e seu potencial utópico.

Anna Maiolino não se utiliza da mesma forma de proposição de Leirner. Seu

trabalho pode dialogar com ela no sentido de uma espécie de contraposição.

Maiolino retoma o fazer manual, produzindo com o trabalho direto da mão sobre a

matéria uma quantidade muito grande de múltiplos moldados em argila. Este tipo de

ação também poderia ser executado por qualquer pessoa.

Nota-se, nestas produções de Maiolino, a intenção de reprodução de uma

forma – em cada conjunto – com a tentativa de imprimir no todo um mesmo feixe de

características: quanto a tamanho, espessura, comprimento, forma... É interessante

pensar esta retomada de um fazer mais tradicionalmente ligado às práticas

artísticas, de um contato direto com a matéria, de utilização de um dos

procedimentos mais básicos no campo da tridimensionalidade e da escultura

propriamente dita. E este fazer é realizado de uma maneira muito intensa,

envolvente, poderia se dizer ‘imersiva’.

Márcio Doctors, no texto do catálogo da exposição Um, Nenhum, Cem Mil

(1994), aponta para este caráter paradoxal da obra de Anna Maiolino: há uma forma

de trabalhar a partir da singularidade do gesto e uma resultante que tende a anular

esta mesma singularidade, por um aspecto de uniformização.

Ao fazer uma opção pelo pensamento da ação, descobri na frase de

Pirandello 'Um, Nenhum, Cem Mil' o sentido que a artista buscava

imprimir na sua obra. De fato, uma unidade que se repete, vai como

que desfazendo os limites das diferenças singulares e

transformando-se, diante de olhos menos avisados, em massa

uniforme, que anula os contornos específicos da forma. Um que é

cem mil passa a ser nenhum por uma ação generalizadora do

pensamento, que se desvincula da experiência radical do real, em

que as coisas pulsam em sua unicidade. (DOCTORS, 1994)

Porém este aspecto de uniformidade se desfaz ao percebermos que o gesto

sobre a matéria retém a singularidade da ação a cada momento do fazer. E que

cada uma das formas resultantes na realidade não é repetição pura e simples. Ao

invés de identidade, temos pluralidade.

O trabalho do gesto de Maiolino se abre ao múltiplo e plural. Pluralidade

implica em diversidade. Em uma sociedade que prima pela reprodução do sempre-

mesmo (lembrando o grande sempre-outra-vez de Ernst Bloch, citado à p.33), um

trabalho como este, que dialoga com a questão da produção industrial em série,

assim como com a discussão sobre a reprodução, o múltiplo e a cópia no campo da

própria arte, nos coloca também uma série de provocações para pensar a questão

da utopia.

Ernst Bloch aponta para o caráter do “dado pronto” que marca todo o

pensamento e desenvolvimento do conhecimento no mundo ocidental. Vivemos

numa cultura, num modo de organização social que determina o cotidiano dos

indivíduos, institucionalizando valores, juízos, padrões e identidades. No processo

de homogeneização da sociedade não há muitas alternativas para a construção da

subjetividade, sequer de uma articulação entre o individual e o coletivo, que leve em

conta a multiplicidade e a diversidade que dele fazem parte. Tampouco se percebe,

neste contexto, a existência de um desejo de vontade transformadora. “A repetição

embota até mesmo estímulos fortes...” (BLOCH, 2005, p.115).

A perspectiva de Bloch é a de transformação da realidade cotidiana,

presente, a partir da consciência do ato de vontade criadora. Somente um ser

humano que produz sonhos, acordado, poderá vislumbrar o que ainda não é, mas

que pode ser. Não que poderá ser – mas que pode ser, no presente. O ato de

criação tem, para ele, a força de instaurar uma nova realidade. E nova não porque

de todo desconhecida, mas porque institui uma nova possibilidade pelo rompimento

do que está aí, sempre repetido. Para Bloch, existe uma dimensão ideológica nos

mecanismos de repetição, de reprodução do que já está dado. E que visa

justamente a continuidade, a permanência do que está aí.

Quando uma artista propõe um tipo de ação como a dos Muitos, Ainda Mais

Estes, Poderiam ser Mais que Estes... de Maiolino, a lógica deste sistema é

colocada em xeque. Como se situar perante uma intervenção que parece mesmo

inútil, sobre um material que também parece já desnecessário? Em meio aos

sintéticos e diversas materialidades artificiais oferecidas pela indústria, a argila

parece primitiva. Diante de todas as possibilidades oferecidas pelos meios

mecânicos e informatizados, sobretudo para grandes quantidades de produção, e

para a reprodução de peças de mesmo formato, o gesto da artista parece, à primeira

vista, um esforço desnecessário.

Ficamos com a pergunta sobre o potencial utópico que reside neste tipo de

repetição, que opta por uma volta à gestualidade, que imprime um outro tipo de valor

e de atributo ao trabalho, gerando a produção do mesmo e outro. A produção da

repetição, pensada desta forma, e como a encontramos no campo da arte, talvez

possa criar condições para a quebra de mecanismos de repetição dentro da lógica

que está aí, no cotidiano – a da repetição estagnante, que embota os sentidos e que

anestesia ou paralisa – tal como vista por Bloch. E esta produção tem lugar,

justamente, no cotidiano e no presente.

I.2 GESTO REPETIDO E VARIAÇÃO NAS REPETIÇÕES DE NICK RANDS

O gesto é uma das marcas principais do trabalho de Nick Rands. E também

o gesto repetido. Assim como Anna Maria Maiolino, Rands utiliza a materialidade da

argila. Porém a sua forma de trabalhar com ela é outra. Ele usa o barro e as mãos

para fazer pintura. O conjunto de pinturas é uma parte do trabalho deste artista, que

também faz fotografia, instalações e propostas com objetos e formatos

tridimensionais.

A repetição faz parte do modo de fazer a obra, o que fica evidente logo que

a olhamos. Esta relação entre a poïética e a poética é importante para a

compreensão de como a repetição está imbricada no trabalho. E para a articulação

entre o conceito psicanalítico de repetição, aportes em conceitos sobre repetição

numa filosofia da diferença e o fazer artístico. Assim como também se percebe no

contato com o trabalho de Maiolino, há uma profunda ligação entre o gesto repetitivo

e a repetição de elementos na poética. Conforme Icleia Cattani, na análise do

processo deste artista:

Para Nick Rands, o gesto é como um ritual. Partindo de uma

escolha inicial, este vai sendo repetido automaticamente, dentro de

um ritmo regular, quase uma dança, que envolve todo o corpo.

Corpo e mente dirigem-se a um objetivo único, o fazer – o gesto que

se repete, uma e muitas vezes, investindo a tela de signos de

passagem. (CATTANI, 2004 a, p.130)

A pintura com barro de Rands é realizada com os dedos. Por isso o

envolvimento direto do corpo e um caráter quase que ritual ligado ao movimento

necessário no embate com a superfície da pintura, a materialidade da ‘tinta’ e com o

próprio ato de pintar. Esta ‘tinta’ é terra trazida de diversos lugares por onde o

artista passou, em viagem. O plano da tela, do papel ou de qualquer outro tipo de

suporte, é revestido com marcas dos dedos ‘sujos’ deste barro, a partir de algumas

regras, criadas pelo próprio artista para cada uma das pinturas. Antes de começar é

traçada uma estratégia de ação, como caminho a ser percorrido. A pintura se

constitui como “território a ser ocupado, percorrido e vivido” (MOREIRA, 2005).

Imagem 45. Chocolate and Gold Spot Square, 2000.

Barro sobre papel, 133 x 133 cm.

Fonte: <http://www.nickrands.com>. Acesso em 30.04.2008.

Texto do catálogo...and still counting.... Disponível em:

<http://www.nickrands.com/textos/index.htm>. Acesso em 30.04.2008.

Imagem 46. White constellation (detalhe), 2005.

Barro sobre tela, 196 x 196 cm.

Fonte: <http://www.nickrands.com>.

Acesso em 30.04.2008.

Rands se interessa pelos processos de repetição porque se relacionam com

o interesse e prazer por objetos feitos à mão, pelo trabalho manual, por andar e

respirar

. Quanto à sua estratégia de determinar previamente uma maneira de

pautar suas ações no momento de executar a pintura, declara:

Fazer o trabalho usando sistemas (e talvez sistemas sirvam para

isto mesmo) evita tempo improdutivo no estúdio gasto com o fixar de

olhos na tela tentando tomar decisões criativas. Quando faço

trabalhos usando sistemas, a maioria, se não todas as decisões

criativas são feitas antecipadamente, e meu trabalho como um

fazedor é simplesmente seguir o sistema, quase como uma

máquina. (RANDS, entrevista de 2008, anexo B.2, p.278)

Entrevista de 2008, Anexo B.2, p.275.

Se o artista compara o resultado de seu trabalho com algo que poderia ser

realizado por uma máquina, o processo de decisões que o fazem tomar forma e o

uso direto do corpo como instrumento de trabalho e contato com a materialidade

utilizada, nos levam a ressaltar o que há de ‘humano’ em sua poïética. Até mesmo

em tudo que antecede o ato de ‘projetar’ a pintura. O automatismo presente na ação

poética é de um corpo, que segue um sistema por ele mesmo inventado. Este

fabricante é o criador.

É também a mão do artista que recolhe o barro do chão, em diversos

lugares e tempos diferentes. Há, neste momento de coleta do pigmento, natural,

uma relação especial também com a terra, território de passagem e morada. As

cores de terra são variadas, bem como outras de suas características, dependendo

de sua origem. Para ele, as terras “são como ‘recordações de viagens’, com as

quais o artista realiza, às vezes, inclusive, espécies de ‘diários’: pinturas ou bolas de

barro com a identificação do local de proveniência e a data de sua passagem pelo

mesmo” (CATTANI, 2004 a, p.131). Rands as utiliza na pintura tal como são,

misturando apenas um pouco de cola, o que torna o barro mais maleável e permite

uma melhor fixação no suporte.

Jailton Moreira faz a leitura desta transposição de terra do seu lugar de

origem para o suporte da pintura a partir do conceito de reterritorialização. Esta

materialidade, extraída de um contexto e inserida em outro, poético, carrega consigo

algo que permanece e que evoca todo o sentido do que foi, do processo de

passagem para onde está e os novos sentidos agregados ao que passa a ser. Diz

Moreira: “O

caminho dos seus gestos reconstitui uma paisagem que não é imagem,

mas matéria. É a compreensão de que um lugar, com sua complexidade perceptiva,

só pode ser evocado e nunca representado” (MOREIRA, 2005).

A questão da representação é um dos pontos de reflexão e articulação com

o conceito de repetição, como já referido. Para Lacan a repetição nunca é

representação de algo. Não há um primeiro termo que venha a ser repetido. “O que

se repete, com efeito, é sempre algo que se produz como por acaso” (LACAN, 1979,

p.56).

A repetição se constitui pela máscara, pelo disfarce, como já apontado.

Cada máscara encobre outra máscara, não havendo um primeiro termo da

repetição. A própria máscara é o sujeito da repetição. Por isto pode-se dizer que a

repetição não representa. Ela não se coloca no lugar de outra coisa. Ela é outra

coisa. Ela significa algo. E não é externa ao disfarce, à máscara. É parte integrante e

constituinte das máscaras. Conforme Deleuze (apud GARCIA-ROZA, 1986, p.44 e

45), “não há um elemento primeiro, sem máscara, que poderia ser tomado como

referencial absoluto e como a verdade sob os disfarces. [...] nessa série de

travestimentos não encontramos o travesti desnudo que seria o primeiro elemento

da série”.

Deleuze faz, também, uma reflexão pela aproximação dos conceitos de

repetição e representação. De acordo com Ferraz (1998, p.115), a repetição, para

Deleuze, seria aquilo que se opõe à representação, e não à diferença. A repetição

compreende a diferença, não a colocando fora do objeto, ou seja, na sua

representação. Ela se coloca como “repetição do diferente”.

A representação é genérica, enquanto que a repetição, para Deleuze, deve

ser vista como singular. A representação relaciona conceito e objeto, fundando-se

na semelhança, na identidade, que permite identificar traços gerais que determinam

os gêneros. Na repetição, cada vez é única. Ela é a diferença sem conceito. É

diferença não subjugada aos conceitos de identidade, analogia e semelhança. Esta

seria a condição negativa da diferença.

A repetição é o movimento em atividade, sem interposição,

enquanto a representação é o falso movimento, o movimento

‘mediado’; não se opondo à diferença, mas compreendendo-a, o seu

movimento vertiginoso, sem mediação, seria assim a sua eterna

potência, o que em Deleuze corresponde ao ‘eterno retorno’: ‘um

movimento capaz de selecionar, de expulsar assim como de criar,

de destruir assim como de produzir, e não fazer retornar o Mesmo.

(FERRAZ, 1998, p.115,116)

Nas palavras de Rands, sobre sua forma de proceder, percebe-se esta idéia

de movimento em atividade: “eu estabeleço o sistema da realização de cada pintura.

É o fazer, e só ele que me indica o caminho. Começo marcando os pontos de um

lado e de outro, e no meio está o vazio. E eu não sei como ele vai ser preenchido

até o momento em que marco o último ponto” (RANDS, apud MACHADO, 2004,

p.32). O vazio é o ‘lugar’ onde se constitui a diferença na repetição, lugar de

vertigem, abismo...

O momento de trabalhar exige, conforme o artista, uma grande

concentração e entrega ao trabalho. Nick fala que não pode ser

interrompido durante o processo. São percursos mentais que

necessitam de um certo grau de concentração para se efetivarem no

plano da pintura. Isto faz com que cada trabalho seja uma fatia de

espaço e tempo. É um jogo particular do artista, mas que se oferece

ao observador exigindo apenas como regra para participar que este

possua um olhar desacelerado, uma contemplação ativa.

(MOREIRA, 2005)

Percebe-se que há um sistema de regras, mas também uma grande

abertura para o incerto e incontrolável. A repetição de um certo tipo de gesto, ao

mesmo tempo controlado e livre, num campo de energia vital – já que implica um

intenso e concentrado movimento do corpo – faz surgir a imagem de milhares de

pontos terrosos lado a lado, em ritmos pulsantes.

O trabalho de Nick Rands é também um questionamento ao campo da

pintura. Tradicionalmente o barro serve para fazer escultura. A tinta para pintura é

feita com outro tipo de pigmento, considerando-se a tradição ocidental. O

instrumento utilizado para pintar, normalmente é o pincel. Este artista faz uma

reversão nos modos de estruturar sua prática e de escolher os instrumentos

necessários para executá-la. E o seu método de trabalho afasta-se muito dos

métodos tradicionais de pintar. A forma de pensar e não-pensar o trabalho, ligada à

utilização da repetição como estratégia, produz uma interrogação, no mínimo sobre

o próprio campo de atuação, denominado como pintura.

As repetições que resultam desta forma de ação têm um caráter ambíguo,

de onde ressalta novamente o paradoxal dilema entre a possibilidade e a

impossibilidade de repetir o mesmo gesto, a mesma forma. Cada ponto impresso na

tela pelo dedo do artista repete um ponto anterior e ao mesmo tempo é outro. Cada

um deles é uma digital do artista e é outro ponto no espaço, surgido em um tempo

diferente, com sua singularidade.

Imagem 47. Shallow Entrance, 2003.

Barro sobre papel, 150 x 150 cm.

Fonte: <http://www.nickrands.com>. Acesso em 30.04.2008.

Observa-se, comparando a obra acima, Shallow Entrance, com Chocolate

and Gold Spot Square (imagem 45, p. 81) uma dinâmica diferente na disposição dos

pontos, logo se deduz, uma dinâmica diferente também para o gesto que os

realizou. Cria-se um padrão de repetição para cada imagem, de acordo com as

regras previamente estabelecidas para sua execução. No entanto percebe-se a

mobilidade, uma espécie de pulsação, que faz jogo com a norma dada.

Há um outro trabalho de Rands que se aproxima da proposta de Anna

Maiolino mais diretamente. E que também se relaciona com a pintura. Trata-se da

realização de instalações com centenas de esferas de barro, de diferentes origens,

portanto diversas tonalidades, expostas no chão. Este tipo de trabalho foi realizado

em locais diferentes, como o Torreão

, em Porto Alegre, em 1999.

Imagem 48. Esferas Terrestres, 1999.

Instalação no Torreão, 4.000 bolas de barro, 16 m

Fonte: <http://www.nickrands.com>. Acesso em 30.04.2008.

O Torreão é um espaço de exposições em Porto Alegre, criado em 1993 por Elida Tessler e Jailton

Moreira, e que se caracteriza como espaço de intervenções e encontros com artistas, contribuindo

para colocar em debate questões sobre arte contemporânea.

Imagem 49. Idem, detalhe.

Fonte: <http://www.nickrands.com>. Acesso em 30.04.2008.

Imagem 50. Esferas Terrestres, 2001.

Instalação em Criciúma, 4.000 bolas de barro, 16 m

Fonte: <http://www.nickrands.com>. Acesso em 30.04.2008.

Da mesma forma que Maiolino, nesta proposição Rands realiza o gesto

básico da modelagem de formar bolinhas. Mas ele as faz com as diversas terras de

que dispõe a partir da disponibilidade oferecida pelo seu estoque abundante.

Resultam esferas das mais diversas cores. Estas são dispostas no chão, em cada

instalação, de acordo com um traçado pensado a partir do local de exposição. Na

exposição do Torreão percebia-se, por exemplo, uma disposição em forma de

ângulo. Esta foi a forma, me parece, que melhor se adaptou ao pretendido

preenchimento de todo o espaço disponível. Torna-se perceptível a partir da

continuidade da cor, em alguns pontos do vértice. Rands comenta esta forma de

disposição em grade, bem como a variedade de cor e textura das esferas de barro:

Para fazer o trabalho, requer-se nada mais do que a terra embaixo

dos pés, o movimento e o toque das mãos e o controle do olho.

Usando o material mais simples, o barro da terra e o processo

repetitivo de fazer esferas com a mão, o trabalho toma a terra na

qual pisamos e a transforma em formas geométricas feitas

manualmente dispostas em grade. Cada mão cheia de barro é

diferente na sua cor e textura. Cada formar uma esfera, embora

repetitivo, é diferente. Montadas em uma formação de grade

ordenada, elas formam um campo de repetição e diferença.

A terra é encontrada nos lugares mais comuns e exóticos, escolhida

por sua cor e textura ou simplesmente por causa da sua presença.

Ela pode conter argila, barro, giz, areia, material orgânico ou outros

minerais. (RANDS, 1998, anexo C.2.2, p.357)

Chama a atenção aqui, também, a quantidade de argila trabalhada, pela

quantidade de esferas expostas – 4.000 em cada instalação. Os mesmos gestos

foram repetidos milhares de vezes no processo de feitura das esferas. Depois, num

segundo momento todas foram colocadas no chão, lado a lado, uma por uma, numa

segunda forma de gesto instaurador da obra.

Novamente temos a repetição, utilizada de acordo com uma forma de

trabalho que se evidencia também na pintura. Isto aponta para uma poïética, uma

forma de pensar o trabalho em se fazendo, que implica a repetição como gesto

instaurador.

O aspecto utópico presente no trabalho, no sentido de transgressão do

sempre mesmo talvez seja dado pela potência resultante nesta imbricação tão

intensa entre processo e produto. O artista se entrega ao vazio para a produção do

trabalho, deixando-se envolver pelo próprio fazer enquanto faz. Conforme Luigi

Pareyson, em sua teoria da formatividade, a arte é um fazer que, ao mesmo tempo

em que se faz, inventa o modo de fazer:

Ocioso seria insistir no evidente aspecto realizativo, executivo e

poiético da formatividade: formar significa, antes de mais nada,

“fazer”, poiein em grego. É preciso, sobretudo, recordar que o “fazer”

é verdadeiramente um “formar” somente quando não se limita a

executar algo já idealizado ou realizar um projeto já estabelecido

[...], mas no próprio curso da operação inventa o modus operandi, e

define a regra da obra enquanto a realiza, e concebe executando, e

projeta no próprio ato que realiza. Formar, portanto, significa fazer,

mas um fazer tal que, ao fazer, ao mesmo tempo inventa o modo de

fazer. Trata-se de fazer, sem que o modo de fazer esteja de

antemão determinado e imposto [...] só fazendo se pode chegar a

descobri-lo. (PAREYSON, 1993, p.59)

O trabalho da artista francesa Pierrete Bloch aproxima-se muito de alguns

aspectos da obra de Nick Rands e de sua forma de proceder artisticamente. Ela

também trabalha a partir da repetição do gesto, utilizando repetições de elementos

como pontos, linhas, traços e manchas sobre superfícies bi-dimensionais, num tipo

de ação que não é totalmente programado nem totalmente livre, mas que se projeta

sobre e a partir de um vazio a ser preenchido – e no qual algo de vazio sempre

permanece.

Pode-se observar que a artista também estabelece, mesmo que seja de

forma mais assistemática, uma orientação para sua ação com e sobre a

materialidade com que opera. Seus materiais e suportes são simples, assim como

sua forma de proceder. Ela trabalha com pincel, mas de uma maneira que se

distancia muito da forma tradicional de utilizá-lo. Com ele são marcadas pinceladas

sobre o suporte, que se aproximam muito das marcas de dedo de Rands. As

pinceladas traçam caminhos para serem depois percorridos pelos olhos, ato em que

se repetem as flutuações, ritmos e suspensões da ação da artista.

Há, neste trabalho, assim como no de Rands, um jogo entre espaço,

movimento, tempo, ritmo e variações. Cada gesto vai se somando a outros já

realizados, podendo-se ver, através dos registros gráficos por eles deixados, um

processo dinâmico de repetição. Cada elemento acrescentado, no processo de

feitura da obra, introduz algo semelhante, mas não idêntico, não simétrico. E a

repetição sucessiva de mesmos elementos gera, num fluxo de continuidade,

também a instabilidade, o desequilíbrio, uma espécie de abertura.

Imagem 51. Pierrete Bloch. Sem título, 2003.

Tinta sobre papel, 35 exemplares, 50 x 65 cm.

Fonte: <http://www.alafiac.com/2007/02/>. Acesso em 25.06.2008.

Imagens 52, 53, 54 e 55. Pierrete Bloch – várias obras com tinta sobre papel, 1978 – 1996.

Fontes: <http://www.artnet.com/artist/2624/pierrette-bloch.html>. Acesso em 25.06.2008;

<http://www.oquaidesarts.com/CV/CV-Bloch.htm>. Acesso em 25.06.2008.

Deleuze (1988, p.49), em suas idéias sobre o que chama de ‘as duas

repetições’ (por identidade do conceito e condição negativa; por diferença e excesso

na idéia), propõe que o artista, mesmo ao repetir uma figura, não o faz sob o

conceito do absolutamente idêntico. Ao invés de justapor exemplares da figura ele

estará combinando uns e outros elementos de exemplares diferentes. Por isso

estará instaurando um processo dinâmico de construção, a partir do qual introduzirá

“um desequilíbrio, uma instabilidade, uma dissimetria, uma espécie de abertura”

(ibid.), que só será conjurada no efeito total. Vide citação à p.34, em que Deleuze

alude ao pensamento de Lévi-Strauss.

Destaca-se neste pensamento a condição de uma falta. Ao mesmo tempo

em que há simetria, há o desequilíbrio. Algo não é totalmente preenchido, causando

um efeito de dissimetria. O que conta, para Deleuze, no âmbito da causalidade

artística, “não são os elementos de simetria presentes, mas aqueles que faltam e

que não estão em causa – o que conta é a possibilidade de haver menos simetria na

causa que no efeito” (Ibid.). Esta é a repetição por diferença, dinâmica, que diz

respeito a uma causa atuante, que implica a ”‘evolução’ de um gesto” (Ibid.). Tanto

nos trabalhos de Pierrete Bloch, quanto nos de Nick Rands vemos esta

dinamicidade e abertura.

Neste tipo de repetição, em que subsiste uma diferença interna – não só no

efeito total, externo – diz Deleuze que “não há conceito representativo nem figura

representada num espaço preexistente. Há uma Idéia [assim, com letra maiúscula] e

um puro dinamismo criador de espaço correspondente” (Ibid.). As manchas e

marcas presentes nos trabalhos de Rands e de Bloch criam seus espaços de

existência, assimétricos não só na forma final, mas desencadeados a partir de um

gesto que se desloca errante, mesmo que a partir de uma idéia de espaço possível –

como os ‘territórios’ de Rands.

Talvez possamos aprofundar a reflexão sobre o que há de potencial no

trabalho com a repetição, na sua relação com tempo e variações, a partir da obra de

outro artista, que opera com repetição e num processo que pode se aproximar do de

Nick Rands por algumas questões. Refiro-me ao trabalho Opalka 1965/ 1 -

∞, de

Roman Opalka. Para iniciar o estabelecimento de possibilidades desta relação utilizo

uma idéia de Jailton Moreira:

Os dedos sujos de barro de Nick Rands apontam com persistência

para a pintura como se dissessem - olhem aqui, eu estive aqui, eu

passo por aqui, eu sou só isso. Afirma a materialidade do mundo,

sua inserção dentro dele e seus limites. Ao mesmo tempo, os pontos

sobre o plano bidimensional da pintura assumem uma dimensão

estrelar como se a cada trabalho ele fundasse uma galáxia. Cada

obra (cada galáxia) soma-se a outra, emenda-se na outra - um

universo em expansão. Todas as obras parecem fazer parte de um

único projeto, uma única pintura infinita onde o de novo acumula-se

constantemente criando o novo. Onde cada quadro é um recorte

autônomo, com leis próprias, mas também um corpo conectado a

uma rede muito maior de contornos imprecisos. (MOREIRA, 2005)

O artista francês, de origem polonesa, Roman Opalka, desde 1965, produz

o trabalho referido, iniciado em 1965. Este se constitui pelo que chama de

“detalhes”. Opalka pinta, fotografa e grava o som de sua voz, cumprindo uma série

de determinações criadas por ele mesmo para cada um dos procedimentos. Este

caráter de abertura para o ilimitado – ou infinito talvez – de utilização da repetição

como método de trabalho, da criação de regras próprias que demarcam o campo e a

forma de ação, são algumas das características que aproximam as formas de

trabalhar.

Após alguns anos de experiências com pintura de telas preenchidas com

letras de vários alfabetos e de outros signos diversos, Opalka começou a preocupar-

se com a questão do tempo, do que acontecia entre o tempo de iniciar e terminar

uma tela, preenchida com pequenos gestos e signos. A concepção de seu trabalho

em curso nasceu destas experiências, em que a questão do tempo, da passagem do

tempo, é fundamental.

Opalka pinta telas que têm sempre o mesmo tamanho (196 x 135 cm), com

algarismos numéricos. Começou, em 1965, a partir do número 1, e seu projeto é

continuar até o último número que puder, enquanto for vivo. É um projeto para toda

a vida. Cada tela tinha um fundo cinza escuro e os números eram escritos sempre

em branco, com o mesmo tamanho de pincel (nº 0). Em 1972, tendo chegado ao

número de um milhão, decidiu acrescentar 1% de branco ao fundo de cada nova

tela, o que leva a uma aproximação cada vez maior entre o fundo e os números. Isto

o levou a iniciar a gravação de sua voz, dizendo os números que pinta, no momento

em que o faz, pois quando estiver pintando em branco sobre branco, é o que

permitirá o acesso ao que está traçado na tela.

O elemento fotografia se relaciona neste contexto, com o que o artista

chama de “minha decisão irracionalmente racional de visualizar o tempo”.

Para

apreender o tempo que passa, a cada final de sessão de trabalho, ele tira uma

fotografia de si mesmo, procurando manter condições invariáveis na tomada da

imagem. É sua intenção manter a mesma expressão facial, a mesma pose, mesmo

Do original: “Ma décision ‘irrationnellement rationnelle’ de visualiser le temps.“ Disponível em:

<http://perso.orange.fr/roman.opalka>. Acesso em 10.06.2006.

fundo branco, com uma camisa branca, iluminado por uma luz branca, mesmo

enquadramento.

Imagem 56. Roman Opalka. Detalhe: 1965 - ∞ (Detalhe).

Fonte: <http://www.keepitsacred.com/2007/07/>. Acesso em 25.06.2008.

De acordo com Opalka :

Uma única categoria de Detalhes comporta uma duração

perfeitamente idêntica: o instante de abertura e fechamento da

objetiva, correspondente ao número e ao momento em que parei de

pintar, a fim de fixá-lo para uma fotografia de meu rosto que se torna

também um Detalhe deste momento preciso: captação do tempo

sobre meu corpo registrando as mudanças de tempo definido pelos

números que eu traço, do tempo para além da numeração, tempo de

dormir ou de outras atividades de minha vida. Clichês, realizados no

atelier, ao fim de cada dia, tentando sempre manter a mesma

expressão impávida, em idênticas condições de luz, de distância

entre o Detalhe-quadro e a máquina fotográfica. (OPALKA, 1996)

Abaixo, imagens de fotografias do artista de 1965 e de 2000, e o aparato

montado para tomada das mesmas:

Imagem 57. Opalka em 1965. Imagem 58. Opalka em 2000.

Fonte : <http://pagesperso-orange.fr/roman.opalka>. Acesso em 25.06.2008.

Tradução pela autora, do original: “Une seule catégorie de Détails comporte une durée parfaitement

identique: l'instant d'ouverture et de fermeture de l'objectif, correspondant au nombre et au moment où

je me suis arrêté de peindre, afin de le fixer par une photographie de mon visage qui devient aussi un

Détail de ce moment précis: captation du temps sur mon corps enregistrant les changements du

temps défini par les nombres que je trace, du temps au-delà de la numération, celui du sommeil et

des autres activités de ma vie. Clichés, réalisés dans l'atelier, à la fin de chaque journée, essayant

toujours de garder la même expression impavide, dans les mêmes conditions d'éclairage, de distance

entre le Détail-tableau et l'appareil de photographie.“ (OPALKA,1996). Disponível em :

<http://pagesperso-orange.fr/roman.opalka/L'oeuvre%20de%20Roman%20Opalka.htm>. Acesso em

10.06.2006.

Imagem 59. O artista fotografando

a si mesmo.

Fonte: <http://pagesperso-orange.fr/roman.opalka>. Acesso em 25.06.2008.

Edson Sousa faz a leitura da obra de Roman Opalka, aproximando a

maneira deste artista operar com a repetição, em sua poética, e o conceito de

repetição psicanalítico, desde Freud. De acordo com Sousa, “podemos dizer que

todos estes procedimentos funcionam como o elogio por excelência da passagem do

tempo e do trabalho da vida diante da morte” (1994, p.69). O próprio artista faz a

relação de seu trabalho com o conceito de morte. Porém, conforme destaca em uma

entrevista feita com Bernard Lamarche-Vadel, a finitude da vida faz um grande

contraste com a infinitude da obra. Diz ele que na criação artística a questão do fim

fica sempre aberta, ao passo que a vida termina. A vida, de acordo com seu modo

de pensar, é simples. “Nascemos e morremos; a vida é preenchida com o tempo que

nos é dado” (apud SOUSA, 1994, p.69).

Imagem 60. Seqüência de fotografias de 1965.

Imagem 61. Seqüência de fotografias de 2000.

Fonte: <http://pagesperso-orange.fr/roman.opalka>. Acesso em 25.06.2008.

Ao visualizarmos um conjunto de fotografias é que nos damos conta desta

passagem. De uma fotografia para outra pouco se vê dos efeitos da passagem do

tempo. Neste sentido, aponto para o que constitui uma diferença intersticial, que

passa quase despercebida entre um e outro elemento da série de fotografias. No

conjunto todo - ou se tomando uma imagem de um período ao lado de outra, de um

período muito posterior (ou anterior) - é que percebemos o quanto houve o

deslocamento de um diferencial.

A repetição, aqui, é constituinte e constitui o corpo do trabalho. A cada gesto

de pintar o novo algarismo (uma repetição), a cada enunciação de um número a ser

gravada (outra repetição), a cada fotografia feita, após o trabalho (mais outra

repetição), é a repetição que está presente. E vemos a repetição do mesmo, mas ao

mesmo tempo do diferente. Este é um dos paradoxos da repetição, de acordo com

Edson Sousa: “o que caracteriza a repetição é ela não ser de todo uma repetição”

(1994, p.68). O outro paradoxo é que, ao mesmo tempo em que ela possibilita o

novo, faz obstáculo a ele, o nega. No trabalho de Opalka vemos este jogo. Ele nos

aponta também para o caráter paradoxal já mencionado em análises e apreciações

de outros trabalhos artísticos nesta pesquisa.

Retomando o trabalho de Nick Rands, vemos em seu processo algo do que

ocorre na forma de operar de Opalka. Há repetição a partir de princípios

metodológicos, que podem ser também ações repetitivas. Mesmo com a utilização

de uma sistemática aparentemente rígida, os trabalhos tomam corpo a partir de

variáveis produzidas dentro dos limites de atuação, produzindo a diferença. Segundo

Cattani, “o procedimento, mesmo sendo sistemático e recorrente, se diferencia da

criação de um padrão” (2004 c, p.85). Apesar de regras imutáveis para a atuação do

artista são produzidas variações nos registros desta ação.

Em alguns trabalhos desta série, como se pode ver a seguir (imagem 62),

Rands incluiu um aspecto que resulta em uma modificação na visualidade do

trabalho a partir de um elemento inserido como espécie de regra nova no método de

trabalho. Em meio aos milhares de pontos da tela, se percebe alguns pontos de

outra cor, que se sobressaem. Estes pontos marcam instantes em que, por qualquer

motivo, o artista parou de pintar, interrompendo o trabalho por algum tempo. Estas

100

alterações de cor são diferentes das que ocorrem pela diminuição da quantidade de

barro no dedo, que vai resultando em variações na intensidade da cor dos pontos.

Imagem 62. 80 x 80 Constellation 1, 2004.

Barro sobre tela, 80 x 80 cm.

Fonte: <http://www.nickrands.com>. Acesso em 30.04.2008.

No trabalho de pintura de Opalka também há demarcações visíveis de

alguns momentos especiais, como as marcas dos milhares e dos milhões, nas quais

se sucedem vários zeros, e alterações de intensidade na cor dos números, que são

mais fortes quando o artista precisa colocar o pincel na tinta novamente. Nas

fotografias estas alterações também existem, demarcando os efeitos da passagem

101

do tempo sobre o corpo, como já comentado. Aí são quase imperceptíveis as

mudanças de características. Porém elas estão lá.

Imagem 63. Roman Opalka. Detalhe de Detalhe 1 – 35327.

Fonte: <http://pagesperso-orange.fr/roman.opalka>. Acesso em 25.06.2008.

Imagem 64. Passagem dos 4 milhões.

Fonte: <http://pagesperso-orange.fr/roman.opalka>. Acesso em 25.06.2008.

O sistema de regras criado e utilizado por estes artistas remete a pensar

novamente nas questões do instituído e da utilização de uma forma de poder

constituinte. O fazer artístico, como abertura para o novo, com potencial de produzir

102

o impensado é ativado de que forma neste modo de operação? Penso que podemos

atribuir a este sistema dado de regras, criadas pelos próprios artistas, um papel de

contenção – no sentido de conter – de algo que ali está e que, ao mesmo tempo

extravasa todos os limites que possam ser estabelecidos também pelo mesmo

sistema de regras a partir das quais a obra se torna possível. E onde o acaso e o

não pensado também têm função produtora.

O fazer criador provoca contornos que se contaminam, absorvendo

os acasos e as necessidades, dissolvendo os vácuos entre o que se

projeta e não acontece e que não se projeta e acontece, fazendo de

si uma ação em estado de gerúndio: híbrida, espessa, irresoluta,

inacabada. (DERDYK, 2001, p.28)

Este pensamento de Derdyck encontra ressonância na idéia de ‘coeficiente

artístico’, expressa por Marcel Duchamp em seu texto “O Ato Criador”, que foi

apresentado à Convenção da Federação Americana de Artes, em Houston, Texas,

em 1957, e em que manifesta a diferença que se produz entre o que o artista

intencionou fazer e o que efetivamente foi feito. Disse Duchamp:

No ato criador, o artista passa da intenção à realização, através de

uma cadeia de reações totalmente subjetivas. Sua luta pela

realização é uma série de esforços, sofrimentos, satisfações,

recusas, decisões que também não podem e não devem ser

totalmente conscientes, pelo menos no plano estético.

O resultado deste conflito é uma diferença entre a intenção e a sua

realização, uma diferença de que o artista não tem consciência.

Por conseguinte, na cadeia de reações que acompanham o ato

criador falta um elo. Esta falha que representa a inabilidade do

artista em expressar integralmente a sua intenção; esta diferença

entre o que quis realizar e o que na verdade realizou é o "coeficiente

artístico" pessoal contido na sua obra de arte.

Em outras palavras, o "coeficiente artístico" pessoal é como que

uma relação aritmética entre o que permanece inexpresso embora

intencionado, e o que é expresso não-intencionalmente. (DUCHAMP

in BATTOCK, 1986, p.73)

Esta idéia nos leva a reiterar algumas das questões da utopia, pensando na

obra de arte e no fazer criador como formas de colocação em ato – que é o potencial

do pensamento utópico. E pensando a própria obra como utopia. Este deslocamento

de algo dentro da obra, no seu conjunto e, a partir dela, pelo que a ultrapassa,

103

dando margem à produção do inapreensível, encontra um paralelo na força

produzida pelo pensamento utópico.

Aquilo que surge a partir do ato artístico, entre o que foi intencionado e o

que ultrapassou as intenções, circula por entre certas medidas pré-estabelecidas

pelo próprio artista, e também pelo que surge nos vazios que as mesmas medidas

provocam. Este vazio é espaço de indeterminação, de contaminação, de surgimento

do surpreendente, do impreciso talvez. A função da utopia também é a proposição

de abertura para o surgimento de algo que não é pré-determinado, não é delineado

com precisão racionalista, que não se deixa apreender somente dentro dos limites a

partir dos quais foi pensado.

Quando Rands toma notas sobre seu processo de criação (Declarações de

1992-2008, anexo C.2.2, p.355), associa sua prática artística com movimentos como

o ritmo do caminhar, passos de dança, a subida e a descida da maré, a respiração;

e com elementos como campos arados e semeados, extratos geológicos, cestos

trançados, pegadas de Jackson Pollock... Isto tem relação com as possibilidades de

variações infinitas na criação de padrões de repetição. Este tipo de associação

expõe a relação vital e orgânica que Rands estabelece com seu processo e

trabalhos. Não há interesse no estabelecido e já dado pronto como padrão racional,

mas sim em ritmos pulsantes e elementos que surgem a partir de práticas manuais,

artesanais em que são utilizados gestos repetidos, com implicação do corpo.

Vale destacar que o trabalho de Jackson Pollock, citado nas notas de

Rands, tem forte relação com a idéia da obra se fazer a partir do corpo, dos

deslocamentos do corpo, como registro das ações deste corpo que se movimenta,

quase como que numa dança ao redor e por sobre a tela da pintura, sobre a qual

vão ficando ‘pegadas’, vestígios, rastros, indícios de uma presença. Rands trabalha

de maneira análoga, sendo a obra constituída pelo corpo que se desloca e deixa

registros no suporte da pintura. Distinguindo-se as marcas da gestualidade menos

controlada de Pollock, da organização sistemática dos registros manuais de Rands,

vemos um interesse comum em dar vazão a algo que vem do corpo, que só é

possível a partir de um gestual investido pelo desejo.

104

Imagem 65. Jackson Pollock pintando em seu estúdio.

Fotografia de Martha Holmes, 1949, 16 x 20 cm.

Fonte: http://www.monroegallery.com/display.cfm?id=80. Acesso em 29.10.2008.

Imagem 66. Jackson Pollock pintando em seu estúdio.

Fonte: http://www.boston.com/.../2008/05/robert_rauschen.html. Acesso em 29.10.2008.

105

Imagem 67. Nick Rands pintando.

Fonte: http://www.garagemdearte.com.br/news_200210.htm. Acesso em 28.10.2008.

Imagem 68. Clockwise Spiral Square, 1996.

Barro sobre parede,160 x 160 cm.

Fonte: <http://www.nickrands.com>.

Acesso em 30.04.2008.

106

Na imagem 67 (p.105), em que vemos Rands trabalhando, observa-se o

contato direto do corpo com o suporte. É uma forma diferente da ação de Pollock em

suas “action paintings”

(imagens 65 e 66, p.104). Rands trabalha no sentido

vertical, Pollock trabalhava com o suporte na horizontal. Em ambos os casos,

contudo, há uma forma de relação muito direta do corpo com o espaço da obra. Na

imagem 68 temos o resultado de uma ação executada sobre uma parede. Podemos

imaginar como este corpo se movimentou diante desta parede para que num espaço

de 160 x 160 cm se ‘desenhasse’ a forma final do trabalho. Apesar de que as ações

de imprimir com o dedo tenham seguido um sistema de movimentos, a partir da

projeção de um formato desejado, intrinsecamente ligado a este sistema (no caso,

um sistema de espiral, dentro de um formato quadrado), percebe-se, pela

sinuosidade das linhas demarcadas pelas impressões dos dedos deste corpo, uma

organicidade que escapa da forma geométrica exata. É um quadrado ‘dançante’, de

linhas ondulantes, que escapa da dureza da reta e da exatidão do ângulo.

Um aspecto interessante, relacionado com este investimento do corpo no

corpo da pintura, que faz uso do gestual, mas a partir de um sistema bem definido

de regras a serem seguidas à risca, não permitindo nem exigindo um pensar e

decidir constante sobre o andamento do trabalho, é que esta forma de atuação nos

faz refletir sobre a questão da repetição dos gestos no cotidiano. Assim como diante

do trabalho de Anna Maiolino, diante das pinturas de Rands somos remetidos à

lembrança de gestos rotineiramente executados, repetidamente vividos. Há uma

repetição presente em nossos gestos habituais, da qual nem sempre nos damos

conta. Poderíamos dizer que há um sistema de repetições no qual nos achamos

emaranhados em nosso dia-a-dia, numa espécie de “institucionalização” do

cotidiano.

Chamo a atenção, novamente, para a presença central do corpo neste

fazer. É este mesmo corpo que se acha submetido aos mecanismos de repetição

cotidiana, do “sempre-mesmo”

, que é forçado e se alinhar dentro de padrões

Nome que receberam as pinturas executadas por Pollock e outros, após ele, em que ao invés de

utilizar o pincel, como na pintura tradicional, o pintor deixa a tinta pingar ou escorrer de latas, pedaços

de madeira, espátulas e ferramentas diversas, caminhando ao redor da tela estendida no chão e

mesmo sobre ela.

De acordo com Ernst Bloch, conforme citação à p.203, este nosso mundo “é um mundo da

repetição ou do grande sempre-outra-vez”.

107

constituídos social e politicamente, ideologicamente comprometidos, e que lhe

impõem formas de ser e de estar no mundo, bem como limites para deslocamentos

e agenciamentos sociais.

David Lapoujade, num ensaio intitulado “O Corpo que não Agüenta Mais”

traz algumas questões bem interessantes sobre a submissão à que a potência do

corpo (nas palavras do autor) se encontra submetida em nosso contexto sócio-

histórico-cultural, tanto por agentes de fora, como por forças de dentro. De acordo

com sua análise, as formas do exterior são as do adestramento e da disciplina. As

do interior são as formas contidas no que se chamou de alma. "O corpo sofre de um

'sujeito' que o age - que o organiza e o subjetiva" (LAPOUJADE, 2002, p.85). A

doença, o mal, a culpa, o sofrimento, em suma, fazem parte deste sistema. A

imobilidade e a insensibilidade são maneiras de proteção. Por não mais suportar a

exposição a este sofrimento, se criam processos de fechamento, de

enclausuramento, de resistência e de embrutecimento. Enfim, formas de anestesia.

O que está em questão, para Lapoujade, na reflexão a respeito do que pode

o corpo, é o seu potencial latente e não a sua atividade. Apesar de os atos

realizados pelo corpo expressarem a sua potência, o fato que o autor aponta como

fundamental para se pensar a questão é que “o corpo não agüenta mais”

(LAPOUJADE, 2002, p.83). Conforme ele, esta é a condição mesma do corpo.

Tudo se passa como se ele [o corpo] não pudesse mais agir, não

pudesse mais responder ao ato da forma, como se o agente não

tivesse mais controle sobre ele. Os corpos não se formam mais,

mas cedem progressivamente a toda sorte de deformações. Eles

não conseguem mais ficar em pé nem ser atléticos. Eles

serpenteiam, se arrastam. Eles gritam, gemem, se agitam em todas

as direções, mas não são mais agidos por atos ou formas. É como

se tocássemos a própria definição do corpo: o corpo é aquele que

não agüenta mais, aquele que não se ergue mais. (LAPOUJADE,

2002, p.82)

In: LINS, D. e GADELHA, S. (orgs.). Nietzsche e Deleuze: O que Pode o Corpo. Rio de Janeiro:

Relume Dumará, 2002.

108

Para verificarmos isto, que é um fato – e não uma conjectura ou postulado –

basta consideramos as aparições do corpo no âmbito da arte contemporânea. Ele é

apresentado nas mais diversas formas e deformações: sentado, imobilizado,

inclinado, esticado, caído, torcido, mutilado, adormecido, estraçalhado,

despedaçado... Há, no campo da arte e também no do pensamento filosófico em

geral, no âmbito da contemporaneidade, o que o autor denomina de um

“desmoronamento” do corpo, cada vez mais arrastado para o “limite da impotência”.

Neste sentido, aponta para uma outra concepção de potência liberada do ato,

própria deste corpo em sua condição de não agüentar mais, que, paradoxalmente,

desenvolveu uma potência de resistência (Ibid.).

Quando Rands diz que, em um estágio de seu trabalho, o que lhe

interessava era fazer obras grandes com pequenos gestos (entrevista de 2008,

anexo B.2, p.275) pode-se ‘ler’ esta intenção como uma espécie de resistência.

Escreve: “Em um determinado estágio estive preocupado em repetir algo muito

pequeno (um gesto ou ação) a fim de formar alguma coisa muito grande, na

tentativa de alcançar um senso de escala. Grãos de areia, passos dados...”

(RANDS, idem, p.277) Continua dizendo que, para ele, repetir processos e estar

fisicamente envolvido no processo da fabricação são procedimentos que lhe

agradam. Ele também diz que “a repetição é somente um fator, entre muitos, ao

fazer o trabalho. Meu interesse nos processos repetitivos está relacionado ao

interesse e prazer em objetos feitos à mão, trabalho manual, andar, respirar” (Ibid.,

p.277).

O corpo que repete, no processo de Rands, age pelo prazer, repete se

deleitando com os pequenos gestos capazes de dar forma a algo muito grande. “O

ponto inicial para as pinturas é a escala do corpo: a altura da pessoa, a distância

que os braços alcançam quando a gente os espicha e o movimento dos membros.

[...] As pinturas são tão grandes ou pequenas quanto o corpo e o gesto que as faz”

(RANDS, 1992. Anexo C.2.2, p.355). E não são pinturas ‘de’ alguma coisa, diz ele.

São os registros dos movimentos do corpo, que ao repetir, imprime as variações que

o mesmo gesto produz em seu deslocamento pelo espaço e no tempo.

109

Queria fazer pinturas que tivessem pouco o que haver com qualquer

outra coisa a não ser o movimento da minha mão, braço, corpo e a

repetição do gesto – as únicas coisas sobre as quais a gente pode

ter certeza. As pinturas desenvolvem um ritmo de respiração e

crescem como na natureza. Ao traçar minha linha sobre a superfície,

delimito minha presença e meu espaço da mesma forma (talvez),

que uma criança fazendo seus primeiros desenhos. Ás vezes a

repetição leva quase a um transe, como o ritmo de um baterista ou

os passos repetidos de um dançarino. (RANDS, 1992. Anexo C.2.2,

p.355)

Rands menciona, ao falar de seu processo em ato, que as únicas coisas

sobre as quais se pode ter certeza são os movimentos do corpo e a repetição do

gesto. O que resta ao corpo é a consciência de si mesmo e das potencialidades do

gesto de que é capaz. Os ritmos do corpo asseguram a demarcação de sua

presença, na medida em que é com a repetição de gestos e o registro dos mesmos

que se pode atestar sua passagem.

Além de trabalhar com as pinturas em barro, objeto principal deste estudo,

Rands produziu outras séries de trabalhos em que a repetição de gestos, ligados

aos ritmos do corpo, é fundamental. Em 2006 escreveu: “Minha prática artística

envolve processos sistemáticos, repetidos, como imprimir marcas, modelar, andar e

fotografar” (RANDS, 2006, Anexo

C.2.2, p.359). Rands realizou desenhos na areia,

desenhos em paredes, sobre suportes diversos, utilizando outros materiais, além do

barro, tal como óleo usado de motor, fuligem, alcatrão encontrado na beira do mar...

Trabalho da forma mais simples com os materiais e processos mais

simples. Quero fazer um grande trabalho com as ações menores e

mais simples. Uso os materiais que encontro: barro, argila, piche da

beira da praia, canetas esferográficas, grafite e uso procedimentos

simples e repetitivos – desenhando linhas finas ou fazendo uma

superfície com as impressões digitais, a fim de fazer um trabalho

que cresce em grandes formas e baseado em geometria simples.

(RANDS, 1997, Anexo C.2.2, p.357)

Em alguns trabalhos mais recentes Rands pesquisa relações entre a

fotografia e processos de andar, registrando imagens repetidas de um mesmo local.

Depois de uma série de tomadas fotográficas de um mesmo lugar, num mesmo

110

período de tempo, estas imagens são manipuladas pelo computador, justapostas

e/ou sobrepostas, a fim de criar uma outra imagem. A repetição também está

presente neste processo. E o trabalho se estabelece a partir da criação de um

sistema estratégico, assim como nas pinturas com barro. Escreve Rands:

Meu trabalho atual envolve andar e fotografar em locais específicos

como uma forma de mapear, experimentar, responder a

determinados lugares/localizações.

O trabalho se desenvolve por sistemas pré-determinados de rotas e

fotografias repetidas. Pode-se caminhar por uma rota repetidamente

de acordo com os períodos do dia, os níveis da maré, a luz do sol ou

outras formas de medição. Fotografias podem ser tiradas de

localizações específicas ou de acordo com sistemas numéricos pré-

determinados, ritmos de contagem ou intervalos de tempo

estabelecidos, por exemplo. Isso produz um corpo de imagens que

não foram selecionadas visualmente, e sim de acordo com aqueles

sistemas de acaso pré-determinados, como um tipo de registro ou

traço de tempo usado para mover-se por um lugar. (RANDS, 2006,

Anexo C.2.2, p.359).

Imagem 69. White Square, 2000.

Fotografia.

Fonte: <http://www.nickrands.com>.

Acesso em 15.10.2008.

111

Imagem 70. Red Light, 2000.

Fotografia.

Fonte: <http://www.nickrands.com>. Acesso em 15.10.2008.

Imagem 71. Fachada Fechada, 2007.

Fotografia.

Fonte:

<http://www.nickrands.com>. Acesso em 15.10.2008.

112

I.3 DESDOBRAMENTOS DA DIFERENÇA NAS SÉRIES DE PATRÍCIA FRANCA

Outro trabalho que tem relação com as questões desta pesquisa e que

suscita reflexões acerca do conceito de repetição em entrelaçamentos conceituais, é

a obra de Patrícia Franca. A artista realizou, na década de 90, uma série de

trabalhos intitulada “Seis Famílias de Objetos”, que será o foco principal desta

análise. Chama a atenção neste fazer artístico a intenção declarada da artista em

trabalhar com repetição.

Ao pensar sobre a questão da repetição a partir de seu próprio trabalho

artístico, Patrícia Franca propõe: “A repetição que nos interessa gera espaços e cria

territórios, o gesto precipita-se em configurações, um estado da matéria pretende a

existência, um trabalho do espaço visual é desejado, uma exploração infinita dá

margem a tateamentos.” (FRANCA, 2004, p.54). Este posicionamento frente à

repetição em seu trabalho, que evidencia não só a intencionalidade, mas também o

pensamento a respeito de que repetição se trata e de como é articulada na ação da

artista suscitou o interesse para esta investigação.

Além das questões que a própria artista apresenta e desenvolve a respeito

de um conjunto de obras suas, é relevante a questão da serialidade presente em

suas propostas. Vários artistas operaram e operam pela construção de séries de

trabalhos, que estabelecem um certo tipo de lógica interna e da qual trataremos

mais adiante.

Patrícia Franca chama a atenção para o caráter rítmico da repetição, para

sua dimensão temporal. A repetição de um mesmo gesto, de uma mesma atitude,

gera elementos múltiplos em uma condição múltipla. Uma repetição esconde uma

série, uma ação que se desenvolve. Diz ela: “Podemos sempre criar repetições

plásticas como semelhanças entre duas atitudes, mas essa experiência geralmente

aponta diferenças no interior mesmo dessa práxis. A repetição difere no sentido da

diferença, mas também no sentido de temporalidade, de diferir, adiar, retardar”

(Ibid.). Este sentido é o princípio dinâmico da repetição, que introduz a noção de

desequilíbrio, de instabilidade, conforme aponta Deleuze. A repetição implica desejo,

113

a pulsão do fazer, levando-nos a uma percepção de realidade mais ampla, mais

profunda, porque calcada no ato. Em toda repetição existe um sujeito latente que se

repete, através do gesto, de atitudes, situações ou formas. Este seria o espírito

mesmo da repetição: A afirmação de uma repetição no interior de cada repetição - a

do sujeito que a produz. “Eis porque a repetição seria mais profunda que o simples

gesto de refazer objetos plásticos homogêneos” (FRANCA, 2004, p. 54).

Desses elementos discretos, desses objetos repetidos, nós

devemos distinguir um sujeito secreto que se repete através deles,

verdadeiro sujeito da repetição. É preciso pensar a repetição no

pronominal, encontrar o Si da repetição, a singularidade no que se

repete. (DELEUZE apud FRANCA, 2004, p.54)

A reflexão desta artista sobre seu próprio trabalho, nos dá uma visão sobre

a repetição no processo poïético, calcada no modo de pensar a repetição justamente

em conjunção com o pensamento de Deleuze. A artista situa sua práxis num modo

de construção – do objeto e do pensamento – que considera os aspectos da

multiplicidade, da temporalidade, da instabilidade e da dinâmica de um diferencial

atuante no jogo da repetição. Para além da análise do que é visível, material, físico,

em termos de repetição, a artista coloca seu trabalho num universo mais

abrangente, que abarca também o que não é visível, que está oculto, que se

esconde no entremeio de gestos, atitudes, formas e sujeito que atua implicado no

desejo.

Ela (a repetição) implica o desejo ou a pulsão do fazer. Se

pensarmos que essa experiência pode suspender, pouco a pouco, o

modo de existência e de consciência que se instituiu no nosso fazer

artístico, podemos então afirmar que o que se encadeia é o trabalho

da repetição que nos leva a uma percepção de uma realidade bem

mais ampla. O caminho do abandono ao trabalho conduz a uma

experiência com o originário; portanto, através do hábito de certas

atitudes precisas que ela cria, a repetição contribui para produzir

condições que favoreçam, justamente, uma espontaneidade vinda

de uma percepção profunda. Seria esta percepção que nos induz a

crer que em toda repetição existe um sujeito latente que se repete,

ele mesmo, através destes gestos, atitudes, formas ou situações,

‘formando uma outra repetição no coração da primeira. [...] Essa

outra repetição [...] é [...] o espírito de toda repetição’”. (FRANCA,

2004, p.54,55)

114

No conjunto de trabalhos “Seis Famílias de Objetos”, da década de 90,

como já referido, Patrícia Franca se debruçou mais detidamente sobre estas

questões. As “seis famílias”, por ordem de elaboração, são: Acolhida do Silêncio,

Repousos, Envelopes, Mácula, Fios Condutores e Receptáculos de Coisas. A

repetição se dá no interior de cada família e na articulação de todo o conjunto, onde

também há algo que se repete. Para Franca “empreender uma série é, desde o

começo do jogo, criar um espaço de um mesmo nome, onde todas as obras devem

ter a memória deste nome, isso é, o seu nome de família, [...] a inseparável

identidade de um mesmo plural” (FRANCA, 2004, p.56).

O início da construção deste processo deu-se pela desconstrução de

algumas telas pintadas, que tinham deixado de ter significado para a artista. Retirou

as telas dos chassis, repintou-as de branco e as dobrou. Estas pilhas de telas, assim

deixadas, começaram a interpelar a artista, conforme ela mesma afirma, em artigo

intitulado: O tempo de um repouso – Uma família de objetos (FRANCA, 1996 b).

Gostaria de sublinhar esta dimensão (do silêncio da imagem)

dizendo que - no canto do atelier, telas empilhadas, abandonadas e

retiradas dos chassis em um tempo anterior, me faziam sinal, me

interpelavam. Elas eram vivas e presentes. Elas eram ainda pinturas

e continham, possuíam uma imagem em suas tramas; num sentido

semiológico e não uma imagem representada sobre o plano de uma

tela. Seria o centro da tela, desalojada de certa maneira, que fazia

imagem - que se dava ao entrever, ao compreender, ao escutar.

Seria isto a iconicidade? A tela que faz a imagem por si e que dá ao

pensar o fenômeno que deita raiz em nós: mesmo diante e sem

dúvida por causa da imagem monocromática que faz mancha, nós

tomamos consciência da imagem. (FRANCA, 1996 b)

Em sua reflexão sobre o início de seu trabalho, nesta série, Franca chama

atenção para o trabalho do vazio, do silêncio a que estas telas foram deixadas. Elas

foram esvaziadas de seus objetos originais, deixando de ter função representativa.

Nesta condição foi possível recuperar outro sentido para a pintura, desta vez

instalada no silêncio da pintura apagada, virada ao avesso, velada com branco.

Acolhida do Silêncio ouviu o apelo do vazio: “O silêncio é mono-fone, mono-cromo.

Acolhida dele” (Ibid.).

Disponível em: <http://www.arte.unb.br/revistadearte/patricia/patricia.htm>. Acesso em 14.05.06.

115

Abaixo, imagem do primeiro conjunto denominado de “família”, de rolos

justapostos em vários metros, lado a lado pelo chão, que recebeu o nome de

Acolhida do Silêncio, em 1991. A imagem 73, na página posterior, mostra outra

versão desta mesma “família”, de 1993.

Imagem 72. Acolhida do Silêncio, 1991.

Telas pintadas com base branca enroladas, presilhas, cordões, arame, fita adesiva. Medidas

aproximadas: 30 cm, 60 cm.

Fonte: <http://www.arte.unb.br/revistadearte/patricia/patricia.htm>. Acesso em 14.05.2006.

O primeiro procedimento, após a desconstrução inicial, pelo relato da artista,

foi enrolar as telas e amarrá-las com fios, encobertos com base. Estes rolos foram

dispostos no chão, formando faixas de vários metros. Aí se identifica a constituição

de um corpo formado pelo ato repetitivo, pelo gesto que se repete (já desde o

princípio, com o procedimento de pintar cada uma das telas com base branca).

Primeiro o gesto de enrolar, depois o gesto de dispor os rolos lado a lado. Há, além

do gesto, um elemento que se repete. Cada um deles, porém, em si mesmo, possui

116

características particulares. Cada rolo, feito com uma pintura desconstruída, re-

imprimada, tem a mesma estrutura dos outros, mas é diferente. A artista, ao falar

deste processo se refere ao palimpsesto, que se constitui numa espécie de

apagamento preparatório para o recebimento de outra camada sobreposta

(FRANCA, 1996 b).

Imagem 73. Acolhida do Silêncio, 1993.

3 metros, apresentados na exposição Tremplin, no Moulin du Roc, em Niort.

Fonte: FRANCA, 1994.

Este trabalho, com início em 1991 (imagem 72, p.115), levou a outro, que

levou a outro, que levou a outro... Constituíram-se seis famílias de objetos, como

referido anteriormente. A seguir imagens de Repousos: na vertical e na horizontal.

117

Imagens 74 e 75. Repousos, 1992.

Bastões de madeira, telas repintadas com base branca e enroladas, presilhas, cordões, fita adesiva,

pregos, panos. Medidas aproximadas: 120, 150, 170 cm.

Fonte: <http://www.arte.unb.br/revistadearte/patricia/patricia.htm>. Acesso em 14.05.2006.

118

Esta família se apresenta como uma variação da primeira. Estrutura-se de

outra forma, coloca-se no espaço de outra maneira, articulando os elementos entre

si e em relação ao conjunto de modo diferente. Ainda são os rolos, as telas

“apagadas” enroladas. Agora, porém, estão enroladas em bastões de madeira e

cada um deles é disposto, num primeiro momento, apoiado à parede, como que em

descanso. Num segundo momento “descansam” agrupados, novamente no chão.

Assim, sucessivamente, a artista vai levando/sendo levada para outras

formas de constituição dos conjuntos, que se abrem também para alterações mais

evidentes, como o caso dos Envelopes. Os Envelopes “são feitos em papel, tela com

base, fios costurados, grampos, alfinetes, arames, mousseline, algodão e pigmento”

(FRANCA, 2004, p.56). O que se repete nesta família é a ação de envolver coisas,

que envolve outros gestos, como: dobrar, espetar, costurar, enrolar, fechar, talhar e

cortar.

Imagem 76. Envelopes, 1992.

Pacotes de papel embrulhados com tela pintada com base, arame, cordões, grampos, alfinetes,

mousseline, algodão. Medidas: 10 x 9 x 5 cm.

Fonte: FRANCA, 1994.

119

Imagem 77. Envelopes, 1992.

Foto de atelier.

Fonte: FRANCA, 1994.

Este ato, o de enrolar, envolvendo, objetos diversificados, é um ato

reflexivo, pois o objeto enrolado coloca-se em sua forma, reage, interage, sugerindo

modos de produzir-se. Cada um deles é um momento de uma sucessão. A artista

os encara como fragmentos que se repetem, mas que se distinguem uns dos outros,

criando “diferenças e repetições nas transformações de suas faces e de seus efeitos

surdos segundo esse ou aquele acomodamento, disposição, lugar, exposição”

(FRANCA, 2004, p.56). Eles podem agrupar-se na parede, no chão, em linhas, em

grades... Nas imagens 76 e 77 podemos ver duas formas de apresentação dos

envelopes. Sobre o ato de envolver, a artista escreve:

120

Envolver coisas é uma maneira de deixá-las mais anônimas; o

essencial reside na pele que ao mesmo tempo recobre e dissimula

os objetos ao olhar, tornando-os incertos e irreconhecíveis. Às

vezes, é preciso dissimular um objeto para que ele melhor se

ofereça ao olhar. O objeto assim envolvido cria um valor circunscrito,

tornando-se centro de cuidados, de atenção e de intenções.

(FRANCA, 2004, p.57)

Este tipo de ação e reflexão remete ao trabalho ‘A bruit secret’ (Com

Barulho Secreto), de 1916, de Marcel Duchamp. Trata-se de um ‘ready-made

ajudado’, conforme expressão criada pelo artista.

Imagem 78. Marcel Duchamp. A Bruit Secret, 1916.

Ready-made ajudado: novelo de cordel entre duas chapas de latão ligadas por quatro parafusos,

12,9 x 13 x 11,4 cm. Collection Louise and Walter Arensberg, Philadelphia Museum of Art.

Fonte: <http://arthist.binghamton.edu/.../Hidden%20Noise.html>. Acesso em 15.10.2008.

Quando este trabalho é agitado ouve-se um ruído, de algo que está solto

dentro dele. Ao fazê-lo, Duchamp pediu que Walter Arensberg colocasse dentro do

121

novelo um objeto que ele mesmo desconhecia. Duchamp, em contrapartida,

inscreveu duas frases nas chapas de latão, com supressão de algumas letras,

impedindo que seu significado fosse reconhecível por Arensberg (MINK, 1996).

Os envelopes de Franca também escondem coisas desconhecidas. Para a

artista, os Envelopes não são apenas um conjunto de informações visuais, não se

restringem ao universo do puramente óptico. Moldam e, ao mesmo tempo, ingerem

um significado vivo. “O desejo além de uma manipulação reflexiva, em um trabalho

operatório, é de suscitar novas abordagens através de uma nova significação de

materiais pictóricos” (FRANCA, 2004, p.57). O interesse da artista é suscitar a

relação entre ‘fatos fisicamente falantes’ e uma ‘zona de sensações’. Vê cada

envelope como um momento de uma sucessão, temporal e espacial, que nos envia

a “uma gestualidade compulsiva, genésica e rítmica e a uma riqueza plástica do

processo de nos autogerar como continuação de nossa pulsão em fazer...” (Ibid.).

Imagem 79. Envelopes, 1992.

Pacotes de papel embrulhados com tela pintada com base, arame, cordões, grampos, alfinetes,

algodão. Medidas: 16 x 22 x 30 cm.

Fonte: FRANCA, 1994.

122

Patrícia Franca vê esta família como um todo, não fechado em si mesmo,

mas articulado de pontos que, embora isolados no espaço, se colocam numa

relação de continuidade. E isto porque o processo, além da série, é a repetição. E

diz que neste trabalho, assim como em todas as outras cinco famílias, “uma

repetição esconde uma série, uma ação que se desenvolve” (FRANCA, 2004, p.58).

Para ela há, aqui, uma série no fazer e uma repetição com diferença no mostrar. E o

resto, de acordo com ela, seria o espaço ainda não preenchido, porém investido. “A

repetição potencial dos envelopes está neles tramada” (Ibid.).

Imagem 80. Envelopes, 1992.

Pacote de papel embrulhado com tela pintada com pigmento e cola. Medidas: 30 x 22 x 5 cm.

Fonte: FRANCA, 1994.

A artista reflete sobre este seu trabalho aludindo ao que chama de “lei

contemporânea herdada das pesquisas seriais”

. Esta lei, conforme ela, “submeteu

justamente todo princípio de expansão infinita de um motivo e de uma imagem, na

sua constituição plástica mesma, a um princípio de limite, de clausura: embora a

123

repetição seja potencialmente infinita, sempre podemos investigar seu número”

(Ibid.). Desta forma, em muitas das séries contemporâneas, podemos contar o

número dos elementos que se repetem – ou o número deles nos é dado, como em

1024 Farben, de Gerhard Richter, que apresenta 1.024 amostras de cor, de acordo

com uma progressão programada de 4, 16, 64, 256 e 1.024 amostras (exemplo

apresentado por Franca em seu artigo de 2004).

Imagem 81. Gerhard Richter. 4, 16, 64, 256, 1024 Farben (4, 16, 64, 256, 1024 Colours), 1974.

Laca sobre tela.

Fonte: <http://www.serpentinegallery.org/2008/03/gerhard_richter23_september_16.html>. Acesso em

08.11.2008.

124

Imagem 82. Gerhard Richter. 1024 Farben (1024 Colours), 1966.

Laca sobre tela, 254 x 478 cm.

Fonte: <http://www.serpentinegallery.org/2008/03/gerhard_richter23_september_16.html>. Acesso em

08.11.2008.

Franca destaca que “o infinito potencial da repetição contemporânea será

então o inventário do resto, que poderia ser repetido sem cessar, por um princípio de

desenvolvimento n+1.” Esta idéia é citada de Titus-Carmel, quando pensa as

possibilidades da abertura da série como inventário de um resto, deixado na série

pelo artista. Titus-Carmel escreve: “Durante a construção da série, edifica-se um

número. Pensar na junção, no vazio entre as peças, no cimento [...] é por aí que

passa o destino da série”. (TITUS-CARMEL, apud FRANCA, 2004, p.58) O resto,

segundo Franca, seria o espaço ainda não preenchido, mas investido por aquilo que

se desdobra para além do que é visível na série. É aquilo que desliza pela ação de

repetir e que possibilita a criação de outras estruturas, situações, objetos e relações

espaço-temporais, bem como novos pensamentos plásticos.

Todas as seis famílias de Franca são desdobramentos que se constroem

em relação ao que vai se constituindo em cada ‘família’, articuladas a partir das

mesmas questões relativas à repetição, constituindo séries que se comunicam entre

si. A seguir imagens das “famílias” Mácula, Fios Condutores e Receptáculos de

Coisas:

125

Imagem 83. Mácula, 1992.

Chassis de madeira recobertos por tela pintada, pigmento, cola e poliestireno. 39 x 25 x 13 cm.

Fonte: FRANCA, 1994.

Imagem 84. Fios Condutores, 1992.

Poliestireno, tela pintada, fios de espessura variada, pigmento, cola, alfinetes e fios costurados.

Fonte: FRANCA, 1994.

126

Imagem 85. Receptáculos de Coisas, 1992.

Madeira, tela, poliestireno, base branca.

Fonte: FRANCA, 1994.

As séries de Patrícia Franca se instauram a partir de relações, como já

apontado. Podemos perceber a imbricação da repetição com a diferença, pensando

cada conjunto de trabalhos a partir dos intervalos e entendendo o resultado de seus

procedimentos como operação sobre o resto. É como se um vazio determinasse o

surgimento de cada elemento e do que passa por entre eles e mesmo por entre as

séries que vão se constituindo. “E a força que trabalha no interior da repetição é

o intervalo de um objeto ao outro, uma espécie de equilíbrio” (FRANCA,

entrevista de 2008, anexo B.3, p.281).

127

Quando fala em condição múltipla dos objetos na forma de repetição de que

faz uso, Patrícia Franca aponta para diferenças internas que irão “reger a visibilidade

do trabalho final e da situação onde ele se realizará, sobretudo sua situação

espacial” (2004, p.56). As seis famílias, que foram iniciadas em 1991, foram

apresentadas em vários momentos posteriores, tendo sofrido transformações e

desdobramentos a cada nova exposição. Em cada uma de suas apresentações se

constituíram como nova invenção. Houve também exposições em que mais de uma

família foram colocadas em relação, estabelecendo novos espaços a partir dos

cruzamentos realizados em/com suas formas, materialidades, conceitos e questões

imbricadas por cada uma das instalações. São conjuntos ‘mutantes’, que abrem-se à

múltiplas possibilidades de configurações espaciais e temporais.

Desde Acolhida do Silêncio isto ocorre, como pode-se ver nas imagens 72 e

73. Abaixo, momentos diferentes da ‘família’ Mácula, que se apresenta aqui de duas

maneiras distintas. Há um primeiro trabalho deste conjunto, de 1992, e um último de

1996. Como se pode ver nas imagens abaixo, há grandes diferenças entre elas. Os

elementos, a cor e os materiais são os mesmos, mas os contextos espaciais para os

quais foram projetadas mudou (cfme. entrevista de 2008, anexo B.3, p.280).

Imagem 86. Mácula, 1992.

Chassis de madeira recobertos por tela pintada, pigmento, cola e poliestireno. 39 x 25 x 13 cm.

Fonte: imagem cedida diretamente pela artista.

128

Imagem 87. Mácula, 1996.

Chassis de madeira recobertos por tela pintada, pigmento, cola, poliestireno, telas pintadas e

recobertas de pigmento, com medidas variadas.

Fonte: imagem cedida diretamente pela artista.

O conjunto das séries de ‘Seis Famílias’ se constitui em séries mais ou

menos fechadas, no sentido de haver um número limitado de trabalhos em cada

uma. Há, porém, variações em que este número se modifica. E não só o número. As

mudanças de espaço e tempo exigem e ocasionam outro tipo de disposição, de

resolução de aspectos diversos, como tamanho, número de peças e outros detalhes.

Com relação a esta experiência a artista comenta:

Assim, a repetição no processo poético está na experiência com o

tempo. Posso até mesmo acreditar que a repetição é uma das

figuras do tempo, pois a percepção dele é sempre uma consciência

dos instantes, com intervalos e ritmos, uma imagem da própria vida

com seus anos, meses, dias, horas, minutos se repetindo

indefinidamente e nossas atividades: acordar, se lembrar dos

sonhos, levantar, tomar o seu café, preparar o dia, viver o dia. Um

dia após o outro e um dia diferente do outro. Aliás, uma prática que

se repete, em um tempo de uma vida – vinte e cinco anos por

exemplo – começa a fazer um sentido, a criar uma cartografia que

se estende para dentro de você. (FRANCA, entrevista de 2008,

Anexo B.3, p.281)

129

Este aspecto observado por Franca, em relação aos efeitos que uma

repetição constante, diária produz no corpo, nos faz retornar às reflexões de Anna

Maiolino e de Nick Rands, sobre o gesto cotidiano, que deixa marcas, registros, não

só no que é visível na obra, mas em algo que se manifesta nas formas de sentirmos

o corpo em nosso dia-a-dia. Temos novamente aqui a referência a uma consciência

despertada pela repetição – a partir da obra que nos faz perceber nossos gestos de

todos os dias. No caso de Franca há uma reflexão sobre estas questões

sustentando o fazer poético, em que outras repetições fazem surgir o objeto poético.

Imagem 88. Rolos da instalação Oranges, 1994.

Bastões de madeira, tela, cola, pigmento, gaze, fita adesiva, alfinetes, algodão.

Medidas variadas.

Fonte: FRANCA, 1994.

130

Da mesma forma que em Mácula, pode-se ver que as famílias Acolhida do

Silêncio e Repousos, em conjunto, foram retomadas em algumas instalações, em

que seus objetos e questões retornaram de outro modo. Na exposição Oranges,

realizada na Fondation Danae, em Pouilly, França, em 1994 os rolos de tela são

reapresentados em uma versão em que se mostram impregnados em pigmento

laranja, suspensos na parede, dispostos horizontalmente em forma de coluna, ao

lado de outros elementos e conjuntos distintos (imagens 88 e 89).

Há, aqui, a repetição de gestos de Acolhida do Silêncio e Repousos.

Também há uma forma de disposição que repete uma certa lógica, porém introduz

variantes, como a forma de suspender por pregos, horizontalmente, na parede e o

distanciamento entre um rolo e outro. E há a variável da cor. Do branco para o

laranja. Também aparece aqui, retornando, o pigmento, que apareceu em Mácula

pela primeira vez. Nesta exposição, elementos das ‘famílias’ se apresentam ao lado

de outros objetos e proposições, dando a ver a abertura da série para o múltiplo.

Imagem 89. Vista parcial da instalação Oranges, 1994.

Fonte: http://www.eba.ufmg.br/patriciafranca/. Acesso em 08.11.2008.

Franca relata (em entrevista de 2008, anexo B.3, p.280) que a própria

prática e os ‘movimentos’ com as ‘seis famílias’ é que levaram a repetir. A repetição,

para a artista, é uma prática de conhecimento. E cada proposta, além de se abrir

131

para desdobramentos, produz uma necessidade de permanência. O jogo entre o que

permanece e o que se transforma dá visibilidade e voz a uma espécie de narrativa

muda, conforme ela:

Era preciso, quase como um sentimento, reiterar para que alguma

coisa permanecesse. A possibilidade de aprendizado – prazer,

desafio e tudo o que podemos aqui implicar quando trabalhamos –

me parecia e ainda me parece impossível com apenas um objeto

(no meu caso). Repetir introduz necessariamente uma diferença, um

ritmo, uma temporalidade, uma lógica espacial. Ela também introduz

uma espécie de narrativa muda, mesmo que o trabalho esteja

voltado para uma forma abstrata ou esteja lidando e relacionando

com os espaços do não. O não sentido, o não entendimento, o por

que não. Essa narrativa muda é o que um conjunto de trabalhos

oriundos da repetição começa a nos revelar. Algo daí começa a

surgir, a criar um sentido, uma direção, uma força e de repente, algo

que estava escondido atrás da repetição é desvendado, sentido,

conhecido. (FRANCA, entrevista de 2008, anexo B.3, p.280)

Franca aponta para o que há de não-sentido numa série de repetições. Há,

de acordo com sua experiência poética, algo como uma narrativa muda, cuja

existência é revelada pela repetição, na série. Podemos nos perguntar, a partir desta

condição, qual seria a função da série? Trata-se de um fracasso, de uma tentativa

frustrada de recompor o que falta? De qualquer forma há um gesto que se refaz, na

produção do mesmo e diferente. Um desejo sustenta o gesto que se repete.

A questão da série, para Freud, é pensada a partir do que podemos chamar

de encontro fracassado. A função de uma construção serial seria a de resgate de um

elemento primeiro, cuja perda constitui uma falta – a falta constituinte do ser. O que

é encontrado na série nunca reconstitui a fissura original. Cada termo da série é a

tentativa fracassada de recompor o que falta. Isto move o processo de repetir e, na

série, dá abertura ao elemento da novidade. Existe um fracasso e um encontro, que

determinam a continuidade da série.

Em seu seminário sobre “A carta roubada”, Jacques Lacan se debruça

sobre o conto de Edgar Allan Poe, para discorrer sobre o princípio do automatismo

de repetição, extraído do que chama de insistência da cadeia significante (1998,

p.11). Esta ficção apresenta a condição de aprisionamento do ser humano numa

132

ordem simbólica, sob as exigências de uma cadeia simbólica, na qual está situado o

‘desejo inconsciente em sua persistência indestrutível’. A ordem do símbolo constitui

o humano, com o significante precedendo o significado. “O deslocamento do

significante determina os sujeitos em seus atos, seus destinos, suas recusas, suas

cegueiras, seu sucesso e sua sorte” (LACAN, 1998, p.34). E, não importa sua

condição social, sexo, caráter e quaisquer outras variantes de sua situação de vida,

tudo aquilo que é da ‘ordem do dado psicológico’ seguirá o ‘rumo do significante’

(Ibid.).

No automatismo de repetição o significante é aquilo que está sempre se

deslocando, que sofre desvios. Este é o traço que caracteriza o significante. Ele “só

se sustenta num deslocamento”. O funcionamento do significante é alternante por

princípio. Isto faz com que ele sempre deixe um lugar, nem que seja para retornar a

ele circularmente (Ibid, p.33). E é isto que se opera no automatismo de repetição. O

sujeito se desloca de acordo com o momento da cadeia significante que o está

percorrendo. O que se repete é aquilo que não se deixa apreender.

No campo das artes visuais, as séries, de acordo com Cattani, “sistemáticas

ou assistemáticas, constituem uma modalidade da repetição” (CATTANI, 2004 c,

p.86). Para a autora, na contemporaneidade “as práticas repetitivas são múltiplas e

diferenciadas, envolvendo o jogo, o acaso, as lógicas combinatórias e as serialiades”

(Ibid., p.80) A modernidade e a contemporaneidade apresentam questões

diferenciadas em relação à repetição e à serialização. Na modernidade o trabalho

da série se conecta com as questões da produção serial industrial, de uma atitude

investigativa sobre aspectos formais e de um questionamento sobre sistemas de

valoração a partir de uma tradição artística. A constituição de uma série, na

modernidade, implica no estabelecimento de um corpus de pesquisa formal, acima

de tudo. É o caso de Monet, por exemplo, com suas séries em que apresenta o

mesmo motivo. Também renuncia à narração e se liga “à teorização da obra

inacabada, à valorização do esboço como sinal do processo de produção e ao

questionamento da unicidade da obra” (Ibid., p.81).

As séries contemporâneas se abrem para outras perspectivas, para além

das preocupações da modernidade. Há um envolvimento com elementos que, além

133

de estarem vinculados a princípios formais, estabelecidos pelo próprio artista,

retomam referências anteriores, utilizam procedimentos anteriormente abandonados

e concepções construídas a partir de outros paradigmas – não mais o da

necessidade absoluta de produção do original. Procura-se, sim, a produção da

diferença, especialmente em se tratando de repetição. Muitos artistas, pela criação

de processos repetitivos em seu trabalho, envolvendo uma série de normas,

sistemas de produção e formas até de condicionar o gesto, criaram não a

apresentação do sempre mesmo e indiscernível – como acontece na série industrial

presumidamente, mas sim de uma marca individual, singular.

Mais do que pesquisa formal, na contemporaneidade o que está em jogo é a

construção de sentido, e um sentido ligado a um modo de fazer e pensar a obra.

Pode ser recuperada uma certa noção de narratividade, uma retomada de reflexões

sobre o corpo, um aspecto comunicacional, expressivo...

Pode ocorrer, inclusive,

um borramento dos limites entre obra e vida, como é o caso de Roman Opalka.

Enfim... cada artista cria seu modo de fazer repetições e de produzir séries a partir

de uma ou mais questões intimamente imbricadas no fazer em se fazendo da obra.

Um artista que trabalhou a série com um sentido singular e com o qual se

pode dialogar nesta reflexão, trazendo aspectos que ampliam a questão, foi Ad

Reinhardt (Adolph Dietrich Friedrich Reinhardt – EUA, 1913-1967). Reinhardt iniciou

a pintar nos anos 30, com abstração geométrica. Nos anos 40 participou do grupo

do expressionismo abstrato americano. Na década de 50 partiu para uma pintura

que se reduziu a tons escuros, quase pretos, e pretos intensos, sendo que, a partir

de 1953 até 1967, ano de sua morte, quase não a modificou. Suas telas, a partir de

então se tornaram monocromáticas, com variações muito sutis entre os tons

escuros, quase pretos e preto. Outra característica marcante e inconfundível de suas

telas é a presença de um cruzamento entre uma faixa horizontal e uma faixa vertical

centrais, que ocupam um terço da tela, o que produz uma forma de cruz com quatro

Faço alusão aqui à retomada de aspectos evitados pela tendência ao esvaziamento e redução das

práticas artísticas a suas especificidades mais características, preconizadas por teorias modernas

denominadas de ‘puristas’, como o pensamento de Clement Greenberg, que nega à obra qualquer

referência a aspectos externos a ela mesma. Houve também tendências mais conceituais, em que se

pretendia apagar qualquer traço de autoria, de subjetividade e de narratividade nas proposições

artísticas.

134

braços iguais, ou uma justaposição de nove quadrados do mesmo tamanho

aproximadamente. A imagem abaixo mostra uma das telas que pintou em 1960-61:

Imagem 90. Abstract Painting, 1963.

Óleo sobre tela, 152.4 x 152.4cm.

Fonte:<http://painting.about.com/od/arthistorytrivia/ig/Gallery-of-Famous-Paintings/Ad-Reinhardt-

.htm>. Acesso em 02.06.2008.

Em um ensaio sobre Reinhardt, Nancy Spector descreve suas telas como

“quadrados em preto mudo [neutro, não luminoso, baixo

] contendo contornos

cruciformes escassamente discerníveis (mal discerníveis) que desafiam os limites da

visibilidade”

. Na fotografia (imagem 90), a mão tenta apontar para as subdivisões

Possibilidades de leitura para a palavra mudo, que não tem equivalente em português para cor.

Versão do original: “These canvases as muted black squares containing barely discernable

cruciform shapes [that] challenge the limits of visibility.” Disponível em:

<http://painting.about.com/od/arthistorytrivia/ig/Gallery-of-Famous-Paintings/Ad-Reinhardt-.htm>.

Acesso em 02.06.2008.

135

dos nove quadrados, cada qual contendo um matiz diferente de preto, mas que

mesmo diante da pintura são difíceis de enxergar

De acordo com Nancy Spector, em ensaio para o Museu Guggenheim

, o

próprio artista, ao escrever sobre estas pinturas, sua marca registrada, diz que elas

são “um livre ícone não manipulado, não manipulável, sem utilidade, não negociável,

irreduzível, não fotografável, não reproduzível, não explicável”

. Para a autora,

Reinhardt utiliza uma estratégia de negação, de recusa, mas que, ao mesmo tempo,

reafirma sua convicção de que o modernismo se caracteriza por ser um tipo de

progressão negativa, e que a abstração desenvolveu-se como uma série de

subtrações. E ele estaria criando a pintura final ou derradeira. Mas, de acordo ainda

com Spector, menos que projetar a “morte da pintura” como uma forma viável de

arte, ao contrário, o artista estava afirmando o potencial da pintura para transcender

a retórica contraditória que a cercava na crítica contemporânea e no crescimento

das influências comerciais do mercado de arte.

Na tela Pintura Abstrata Número 5 (imagem 91, p.136), são perceptíveis a

cruz e os quadrados formados pelas alternâncias entre tons muito próximos,

azulados. Quase não há vestígio da mão do artista, da marca da pincelada. Este tipo

de ação em pintura traduz uma busca por um estado o mais puro, o mais absoluto

possível em pintura – por conseqüência também do ser. É um tipo de pensamento e

atitude que chegou ao extremo com a proposição dos monocromáticos ou

monocromos, em que a pintura se reduz a um plano de uma só cor, em que

desaparecem inclusive os vestígios da ação pictórica. São precursores desta prática

artistas como Kasimir Malevitch, em 1918, com seu “Quadrado Branco Sobre Fundo

Branco”, e Yves Klein com seus monocromos azuis da década de 50.

Para Malevitch, o “Quadrado Branco Sobre Fundo Branco” (1918) foi o limite

de uma busca pela sensibilidade pura, anterior mesmo à representação. Foi a

tentativa de formular o informulável. De acordo com palavras do próprio artista russo,

Disponível em: <http://painting.about.com/od/arthistorytrivia/ig/Gallery-of-Famous-Paintings/Ad-

Reinhardt-.htm>. Acesso em 02.06.2008.

Disponível em: <http://www.guggenheimcollection.org/site/artist_work_md_133A_1.html>. Acesso

em 02.06.2008.

Versão do original: “A free, unmanipulated, unmanipulatable, useless, unmarketable, irreducible,

unphotographable, unreproducible, inexplicable icon.”

136

significou alcançar o deserto. “Mas este deserto – que é o mundo sem objetos – não

está vazio. Ele está, por assim dizer, cheio da ausência dos objetos.”

E se traduz

por uma linguagem que ameaça desaparecer no silêncio. Malevitch, pois, não chega

ao vazio absoluto em seu Branco sobre Branco. Existe a presença da ausência dos

objetos. O alcance do vazio absoluto seria somente a inexistência da obra, seu

desaparecimento iminente. Este é o limite onde esbarra sua procura pela pureza

total da sensibilidade.

Imagem 91. Abstract painting number 5, 1962.

Óleo sobre tela, 152,4 x 152,4 cm.

Fonte: <http://www.tate.org.uk/servlet/ViewWork?cgroupid=999999961&workid=12353>. Acesso em

02.06.2008.

In GULLAR, Ferreira. Etapas da Arte Contemporânea : do Cubismo ao Neoconcretismo. São Paulo:

Nobel, 1985, p.126.

137

Imagens 92, 93 e 94. Seqüência de telas da década de 1960, de Ad Reinhardt.

Fontes: <http://projectminimalism.info/.../Communication.htm>. Acesso em 04.06.2008.

<http://rescuezone.weblogg.no/030107124456_ad_reinhar...>. Acesso em 04.06.2008.

<http://www.sciam.com/article.cfm?id=deconstructing-a...>. Acesso em 04.06.2008.

A série formada por este tipo de operação, em Reinhardt, tem um caráter

diferente das séries de Patrícia Franca. Porém podemos ver aqui também uma

seqüência de desdobramentos a partir da própria ação do artista. Sua pintura se

restringe a um mínimo de elementos, sua ação se fixa em uma forma de dispor dos

mesmos que não varia muito e que chega ao extremo de quase não se tornar

visível. Em algumas pinturas, como mencionado anteriormente, é difícil distinguir os

quadrados. Mas há uma ação que se repete, uma forma que se repete, uma maneira

de pintar que se repete. O resultado, entretanto, produz a diversidade. Mesmo nas

telas em que praticamente não se distingue mais a cor e a forma.

Este tipo de série é uma série aberta, porém sistemática. Pode-se aproximar

este modo de construção poética também do trabalho de Opalka, já apresentado,

como um trabalho que se faz a partir das mesmas variáveis e constantes,

constituindo-se como “o” trabalho do artista a partir de determinado momento.

Um elemento interessante neste trabalho é o jogo que faz com a questão da

visibilidade. O que se torna visível na série? O que desaparece numa espécie de

cegueira produzida pelo modo de pintar? Em Acolhida do Silêncio também há um

aspecto que produz uma espécie de cegueira. As pinturas originais das telas

utilizadas desaparecem quando são enroladas e apresentadas em forma de rolos.

Cobrir de branco, enrolar, amarrar, deitar lado a lado... Repetir outras vezes a

mesma série de ações... Desdobrar estas ações em outras, por sua vez também

138

repetitivas e repetidas vezes... Retomar elementos, retomar idéias, sustentar o

desejo por esta ou aquela coisa... O que se esconde na relação da série que se

oculta sob uma outra, naquilo que se repete?

Imagem 95. Acolhida do Silêncio, 1992.

Telas pintadas com base branca e enroladas, presilhas, cordões, arame e fita adesiva.

Medidas aproximadas: 15 cm, 30 cm, 60 cm.

Fonte: FRANCA, 1994.

A relação dos trabalhos com e no espaço também é um aspecto de

fundamental importância na forma de apresentação das séries. Cada lugar define a

obra a ser nele exposta, como já se pode apontar ao discorrer sobre as diferenças

estabelecidas a cada vez que uma ‘família’ é reapresentada. Nas instalações de

Patrícia Franca há o trabalho do lugar sobre os objetos. E há consciência disto.

Escreve a artista:

In Situ - A implicação do trabalho com o seu lugar de exposição.

Para que um lugar possa se chamar Lugar, é preciso criar o espaço

139

de sua constituição. Procuro sempre criar, em cada lugar, novas

configurações onde tal ou tal família se reencontra sob um novo

aspecto, uma nova expressão. A mostrar suas faces escondidas, a

se re-desdobrarem até suas implicações as mais insuspeitadas.

(FRANCA, 1996 a).

Imagens 96 e 97. Vista parcial da exposição Zona de Impermanência.

Receptáculos de Coisas.

Galeria e Projeto Macunaíma, Rio de Janeiro, 1994.

Fonte: FRANCA, 1994.

A passagem de cada ‘família’ de um espaço de exposição para outro, em

um tempo diferente, de uma para outra condição, tem relação com a idéia da

constituição da diferença na repetição. Há algo que permanece e algo que não

Disponível em: <http://www.arte.unb.br/anpap/franca.htm>. Acesso em 14.05.06.

140

permanece nesta passagem. E as ‘famílias’ estão sempre em estado de passagem.

Não há modelos nem para a posição dos objetos, nem para sua forma de exposição.

A denominação de Zona de Impermanência para uma das instalações (imagens 96 e

97, p.139) tem a ver com esta reflexão.

É por isso que podemos falar de permanência conjugada à

impermanência. A permanência seria a idéia das famílias, suas

características formais e plásticas. A impermanência é a situação

renovada de cada família de objetos a cada vez. As famílias

reenviam umas às outras de uma instalação à outra. As imagens de

um espaço ao outro de cada família é muito próxima, mas ela é

também diferente o suficiente para criar uma dinâmica de

proposições visuais do "quase mesmo" nas instalações sucessivas.

Espaço de reenvio então, pela brecha da diferença - onde

acontecem relações entre os significados, o pensamento e o corpo.

(FRANCA, 1996 a)

A proposição de mobilidade entre os objetos de cada ‘família’ e entre as

‘famílias’, em seus conjuntos, faz pensar numa condição de nomadismo, de

permanente deslocamento. Isto aproxima esta proposta de trabalho das produções

dos outros dois artistas estudados nesta pesquisa. E nos leva a pensar novamente

em algumas idéias a respeito de utopia.

Evgen Bavcar, ao falar das relações entre utopia e arte, tendo como pano

de fundo o pensamento de Ernst Bloch, fala-nos sobre o espaço utópico que há em

cada obra de arte, por detrás de sua aparência. Trata-se do que Bloch chamou de

pré-aparência ou pré-aparição – uma categoria de interpretação que nos leva ao que

está para além da percepção imediata da obra. Também se utiliza do conceito de

pré-imagem, o que leva a uma dimensão utópica. Ou seja, é uma imagem que se

abre para o ‘ainda-não’ (outra categoria de Bloch), para o não-acabado, para o não-

determinado.

Com esta forma de pensamento, Bloch contrapõe-se à tradição hegeliana,

que considera a “obra como algo já terminado e morto e investe a arte de uma

função antecipadora” (BAVCAR, 2008, p.9). Por isso as obras do passado ainda

contêm “uma latência que não pode ser terminada no seu tempo e testemunha-nos

141

assim de um espaço utópico ainda não atingido” (Ibid.). Bavcar faz a relação destas

idéias com o pensamento de que, para Bloch, pensar significa transpor. Ou seja,

para cada obra de arte há sempre algo que nos leva adiante, não prendendo-se num

lugar do passado – remoto ou recente, incluindo o presente – como uma lembrança

imóvel, cristalizada. Para Bloch, cada obra de arte – do passado ou do presente –

está impregnada de futuro. Isto significa que não pertence ao universo do já

conhecido e previsto. Isto seria o ‘ainda-não’ da obra e do pensamento, a dimensão

utópica do que ainda não aconteceu e que permanece sempre imprevisível.

No pensamento tradicional no campo da estética e da arte, o presente

sempre já pertence ao passado, o que acaba com qualquer perspectiva utópica.

Neste sentido, Bloch recupera também para as obras do passado uma condição de

não-finalidade, não-realização. É esta condição que as atualiza e que faz com que

mesmo o presente não ‘envelheça’. De acordo com Bavcar, para Bloch “a arte é,

portanto, uma forma de experimentação sobre os possíveis, e se instaura sempre

como uma alternativa ao que já está estabelecido e reconhecido” (BAVCAR, 2008,

p.10).

Penso que podemos nos reportar às obras de Maiolino, Rands e Franca a

partir de idéias como a de ‘ainda-não’ e de pré-imagem, pois é possível perceber em

seus trabalhos aberturas para o não instituído, para o inacabado e para novas

possibilidades de existência. E o fato de trabalharem com repetição, numa

perspectiva de produção do diferente, evidencia ainda mais esta característica.

A repetição está presente em toda a trajetória de Patrícia Franca. Em seus

trabalhos posteriores a Seis Famílias de Objetos e nos atuais não se percebe

diretamente a presença dos elementos das ‘famílias’. Porém o trabalho com a

repetição já existia anteriormente e permanece, de acordo com palavras dela

mesma: “

Percebo que todo o meu trabalho está sob o signo da repetição”

(FRANCA, entrevista de 2008, Anexo B.3, p.281). Antes das ‘seis famílias’ ela

havia trabalhado com séries de desenhos, séries de fotografias e séries de

pintura. E depois foram realizados os seguintes trabalhos: Absorção,

Impregnação, Opacidade e Recobrimento em três movimentos; Questão

142

Longínqua em duas partes; Amar(elos) e Anarquivos, em três partes

novamente. O trabalho atual chama-se Os Quatro Temperamentos, em que a

repetição continua fomentando os procedimentos (cfme. a mesma entrevista).

Os Temperamentos já são quatro:

o colérico, o fleumático o melancólico e o sangüíneo. Mas cada um

possui no trabalho a mesma grade estrutural, por exemplo: suas

imagens, seu texto, sua cor, seu desenho e sua instalação. O

curioso é que as diferenças começam a se agrupar e fazem depois

novas repetições. (FRANCA, entrevista de 2008, B.3, p.282)

As imagens de Os Quatro Temperamentos, abaixo, nos mostram a estrutura

que se repete em cada um dos conjuntos, bem como a recorrência de elementos de

mesma natureza em cada um deles. Em cada instalação se fazem presentes a cor,

o desenho, a imagem e o texto.

Imagem 98. Os Quatro Temperamentos – Colérico, 2008.

Fonte: imagem cedida diretamente pela artista.

143

Imagem 99. Os Quatro Temperamentos – Fleumático, 2008.

Fonte: imagem cedida diretamente pela artista.

Imagem 100. Os Quatro Temperamentos – Sanguíneo, 2008.

Fonte: imagem cedida diretamente pela artista.

144

Imagem 101. Os Quatro Temperamentos – Melancólico (Detalhe), 2008.

Fonte: imagem cedida diretamente pela artista.

145

Continuam presentes, neste trabalho, as preocupações sobre a relação da

obra com / no espaço e corpo.

A instalação é um procedimento que deixa surgir, pouco a pouco, o

resultado. Por isso, o que temos de fazer é criar o espaço, um

espaço feito para alguém, um espaço formado e definido pelas

nossas linhas de atuação dentro dele. Cor, desenho, imagem e texto

precisam ser capazes de deixar vivo esse espaço, criado e novo,

que se sobrepõe à arquitetura do ambiente. (FRANCA, 1996 a)

Cada ‘temperamento’ tem uma árvore genealógica, tendo a artista pensado

em criar uma genealogia para cada qual. Para cada ‘temperamento’ há também um

herbário, onde se verifica, também, um novo grupo construído a partir de

procedimentos de repetição, como se pode ver nas imagens a seguir, do herbário do

melancólico (cfme. contato pessoal).

Imagem 102. Do Herbário do Melancólico, 2008.

Fonte: imagem cedida diretamente pela artista.

146

Imagem 103. Do Herbário do Melancólico, 2008.

Fonte: imagem cedida diretamente pela artista.

Imagem 104. Do Herbário do Melancólico, 2008.

Fonte: imagem cedida diretamente pela artista.

147

Imagem 105. Do Herbário do Melancólico, 2008.

Fonte: imagem cedida diretamente pela artista.

Imagem 106. Do Herbário do Melancólico, 2008.

Fonte: imagem cedida diretamente pela artista.

148

II O QUE PODE A REPETIÇÃO?

149

II.1 QUESTÃO PARADOXAL

A análise realizada nos trabalhos artísticos aqui apresentados levanta

algumas questões que encontram ressonâncias no campo de intersecção entre arte,

utopia, psicanálise e filosofia da diferença. Uma das perguntas que permanece como

zona aberta e de trânsito inter-remissivo é: em que medida a repetição é possível?

Vimos nos trabalhos de Anna Maria Maiolino, Nick Rands, Patrícia Franca e

outros artistas a partir de cujos trabalhos podemos discutir repetição e questões a

ela ligadas, que esta interrogação pela possibilidade da repetição é recorrente e não

se resolve facilmente. Há repetições de ordens diferentes, seja pelo gesto, pelas

ações, pela forma de articular gesto e objeto, pelos elementos objetuais que se

repetem... Porém cada gesto é outro gesto, cada objeto é outro, cada série se abre

para o novo...

Podemos identificar fundamentalmente dois grandes paradoxos

inerentes à formulação do conceito de compulsão de repetição. O

primeiro paradoxo poderíamos definir da seguinte maneira: o que

caracteriza a repetição é não ser inteiramente uma repetição. [...] O

segundo paradoxo é que a repetição funciona como algo que, ao

mesmo tempo, faz obstáculo ao novo e o possibilita igualmente.

(SOUSA, 1994, p.68)

A repetição, como já mencionado, é um conceito estudado por alguns

autores a partir da questão da própria possibilidade de sua existência. Sören Aabye

Kierkegaard trouxe uma das primeiras referências a este problema em seu texto A

Repetição

, de 1843, publicado sob o pseudônimo de Constantin Constantius.

Kierkegaard, nesta obra, questiona a existência da repetição. Já no primeiro

parágrafo apresenta suas principais questões: "Uma repetição é possível? Que

significação ela teria? Uma coisa ganha ou perde ao se repetir?"

O livro relata uma história de amor, dividida em dois capítulos: no primeiro Constantius conta a

história vivida por um rapaz e uma moça, e sua própria tentativa de repeti-la; e no segundo trata da

repetição em si, fazendo referência à história bíblica de Jó. Título original, em dinamarquês:

Gjentagelsen, que pode ser traduzido melhor por retomada do que por repetição, de acordo com

Nelly Viallaneix, tradutora francesa da obra em questão, de acordo com Almeida (2001). Disponível

em: <http://www.ifen.com.br/artigos/leo-2001.htm>. Acesso em 25.06.2006.

150

A filosofia de Kierkegaard é intimamente relacionada com suas experiências

de vida, muito marcada por questões éticas e religiosas. Neste contexto também se

refere à repetição. Para ele não existe a possibilidade de o ser humano repetir suas

experiências estéticas e éticas, a fim de retomar um prazer passado. Ela se torna

possível apenas na perspectiva de um futuro, numa idéia de conversão e de

aceitação da vida como recomeço. Ou seja, está submetida ao desconhecido. A

repetição, para ele, não é uma reminiscência, uma repetição reprodutiva.

De acordo com Leonardo Pinto de Almeida (2001):

...podemos dizer que a natureza da retomada kierkegaardiana é a

diferença que emana desse ato criador no seio da existência.

Repete-se, porém com diferença. Uma diferença que não tem uma

relação com uma evolução da humanidade apontada pelo

movimento racional da história, e sim uma repetição que marca a

singularidade existencial (uma reconciliação). No movimento

temporal da retomada kierkegaardiana não está em jogo a verdade

histórica, no sentido hegeliano do termo, mas sim a verdade

existencial que leva em conta o fenômeno da angústia. (ALMEIDA,

2001)

Deleuze, na introdução de Diferença e Repetição faz referência ao

pensamento de Kierkegaard no sub-título: Programa de uma filosofia da repetição

segundo Kierkegaard, Nietzsche e Péguy (1988, p. 28-31). Apresenta as

aproximações e as singularidades do pensamento de cada um dos autores. Destaca

de Kierkegaard, a ligação que faz entre repetição e liberdade, vontade, ética,

esquecimento e inconsciente.

O problema dos paradoxos existente no conceito de repetição está, pois,

colocado desde estas iniciais reflexões de Kierkegaard. É retomado por Nietzsche,

por Freud, por Lacan e por Deleuze, dentre outros tantos. Um dos importantes

elementos que aproxima as discussões destes autores, sendo ainda ponto de

investigações atuais, é a questão de uma permanente tensão entre a necessidade e

a impossibilidade de repetir – conforme nos aponta Edson Sousa (SOUSA, 1994,

p.68).

151

Este problema pode ser discutido também a partir dos trabalhos de Anna

Maria Maiolino, Nick Rands e Patrícia Franca. Cada qual, a seu modo, traz a

discussão presente nos desdobramentos de suas propostas e nas derivações

possíveis. A dimensão do fracasso em repetir, que implica uma necessidade e, ao

mesmo tempo, uma impossibilidade, está presente, latente, potencializada e

potencializando o próprio paradoxo. Cada um dos artistas trabalha com questões

bem específicas, sendo possível analisar em cada obra a maneira pela qual o

paradoxo é potencializado.

Os aspectos múltiplos abertos pelo trabalho dos artistas já foram apontados

no capítulo I, verificando-se a existência de relações com a questão da repetição nos

outros campos, que não o artístico. Retomamos aqui alguns pontos importantes para

ampliar e aprofundar a discussão, fazendo com que se estabeleça um diálogo mais

amplo com algumas das questões mais específicas de cada um dos campos

implicados – a saber, a teoria psicanalítica, a questão da utopia e a filosofia da

diferença, especialmente a de Deleuze.

152

II.2 A REPETIÇÃO COMO DEMANDA DO NOVO

A repetição é um dos quatro conceitos fundamentais da psicanálise para

Lacan. É um conceito utilizado para a compreensão de sintomas e processos

inconscientes. Segundo Lacan, no Seminário 11 (O Seminário: Livro 11 – Os Quatro

Conceitos Fundamentais da Psicanálise, 1988), o inconsciente caracteriza-se pela

descontinuidade, pela função estruturante de uma falta, da ordem do não-realizável

– uma fenda, ruptura, rachadura.

Neste contexto a repetição se coloca como parte da própria definição de

inconsciente. Ela é o encontro evitado, faltoso, a chance falhada. A função da

repetição necessita de dois termos: o acaso e o arbitrário. “O que se repete, com

efeito, é sempre algo que se produz como por acaso” (LACAN, 1988, p.56). E se

coloca na relação do pensamento com o real. O real da psicanálise não é um dado

objetivo, mas está na ordem de um “suposto”. “Opera como causa, mas só

conhecemos os seus efeitos distorcidos: as máscaras” (GARCIA-ROZA, 1986, p.65).

Em outras palavras, o real se constitui na relação diferencial entre o acaso e a

ordem.

O acaso e a ordem, aliados, são fatores que produzem a diferença no

trabalho de Rands. Em sua poïética são determinadas regras que definem uma

organização desde a escolha do tipo, tamanho e formato do suporte utilizado para a

pintura, que é quase sempre um quadrado. E que tem dimensões variáveis, de

acordo com as séries de trabalhos em que cada tamanho tem uma razão de ser. No

de grandes dimensões, por exemplo, é necessário que as medidas não excedam as

possibilidades de o corpo do artista alcançar suas margens a partir de determinado

ponto de localização, o que permite trabalhar por toda a superfície sem ser

necessário locomover-se. Há a determinação também do local do ponto inicial e do

ponto final e uma dinâmica de ação: de fora para dentro, de cima para baixo, nos

sentidos inversos alternadamente... E a partir daí opera também o acaso. Como o

próprio artista afirma, trata-se então de preencher um grande vazio.

153

Talvez pudéssemos pensar este vazio em relação à falta estruturante. E a

repetição do gesto de pintar com a ponta do dedo, entintada com barro,

ininterruptamente, dentro de limites – mas que abrem um enorme vazio – como a

tentativa de preenchê-lo. Esta tentativa também se repete muitas vezes, formando

séries e dentro de cada série, como se cada uma delas não fosse o suficiente no

intento de superar a falta.

De igual forma, na produção de argila da série Terra Modelada de Maiolino,

que “persegue a repetição da ação do gesto” (MAIOLINO, 2007, p.15), temos uma

possibilidade de projeção infinita, na medida em que a série é aberta, é “obra não

concluída, pois no uso do módulo, encontramos a possibilidade de retomada, de

acréscimo” (Ibid.). E o módulo, conforme a artista, é pausa, segmento, que existe na

continuidade possível ao infinito. Há também aqui a abertura para o vazio, a

perspectiva de preenchimento de uma falta, que remete ao imponderável e

irrealizável.

De acordo com Márcio Doctors, as peças de Maiolino possuem potência

própria, “podendo ser deslocadas e rearranjadas infinita e indistintamente”, sendo

que a cada nova proposição não perdem suas singularidades. “Têm forças sozinhas,

têm força em conjunto, têm força como expressão do vazio”. Coloca ainda que: “A

potência da obra de Anna Maria Maiolino está no fato de querer dar forma ao vazio

que existe entre as coisas, em querer dar materialidade ao outro da matéria, ao

buscar surpreendê-la como manifestação imanente da metafísica”. Há uma relação

do que está na obra com forças que estão para além dela. As forças do vazio seriam

algumas. (In: MAIOLINO, 2007, p.28,29)

A forma de ordenação na montagem das instalações com as peças

modeladas, de acordo com Maiolino, não obedece a princípios formais, não está

interessada em nada além do seu próprio “sonho, escapando à tirania da visão. [...]

Expressa devaneios de força material, movida pelas suas grandes funções

psíquicas: a vontade e a imaginação” (Ibid.). O acaso está imiscuído na forma de

instauração da obra, desde o gesto, que é natureza e não se repete, até a

ordenação casual do que restou dele. Conforme a artista a mesma vontade que

sustentou o gesto move o ordenamento da obra como um todo ao acaso.

154

Novamente o acaso na função da imaginação criadora, que é produtivo a partir da

ação de uma vontade, sobre a matéria que se dá a moldar docilmente. E o processo

nunca se conclui... Por isso pode ser Um, Nenhum, Cem Mil... Nenhum, porém, será

o mesmo.

A compulsão à repetição faz parte da constituição do ser humano, segundo

Freud. A produção da repetição está ligada à condição da falta estruturante. De

acordo com Freud, repetição não é reprodução, nem retorno, nem rememoração. “A

repetição é algo que, em sua verdadeira natureza, está sempre velado na análise –

por causa da identificação da repetição com a transferência” (LACAN, 1988, p.56). O

que se produz como que por acaso, nesta relação, é o encontro do real, mas um

encontro faltoso. Cria-se um outro espaço, um outro lugar entre a percepção e a

consciência.

A fantasia assume um papel preponderante neste processo. Coloca-se

como tela que dissimula algo de absolutamente primeiro, de determinante na função

da repetição. De acordo com Freud, “a repetição demanda o novo” (apud LACAN,

1988, p.62). E “ela se volta para o lúdico que faz, desse novo, sua dimensão”. Freud

vai mais adiante, afirmando também que “a diversidade mais radical que constitui a

repetição em si mesma é o verdadeiro segredo do lúdico” (ibid., p.62).

Freud e Lacan realizam uma análise deste conceito – a repetição – à luz de

suas descobertas no campo psicanalítico e que podem fundamentar algumas

abordagens estéticas com toda a propriedade, no âmbito do contemporâneo. Este

caráter, da repetição como produção do novo, da diferença, é que é retomado por

Deleuze, em Diferença e Repetição.

Luiz Alfredo Garcia-Roza, em Acaso e Repetição em Psicanálise – uma

introdução à teoria das pulsões (1986), nos dá uma visão do percurso do conceito

de repetição na teoria psicanalítica, desde Freud, apresentando também as

contribuições de Lacan e a relação com o pensamento de alguns outros autores,

como Hegel, Kierkegaard, Nietzsche e Deleuze.

155

Na elaboração inicial da teoria psicanalítica, ligada à prática terapêutica, o

método de tratamento era baseado no objetivo da reminiscência. Ou seja, ao

paciente deveriam ser dadas condições para recordar o fato infantil que teria sido a

causa da doença. O recurso inicial foi a hipnose, substituído depois pelo método da

associação livre, mas ainda com o objetivo de se chegar à “verdade da doença”,

ocultada pelo esquecimento. Visava-se preencher os vazios da memória, rompendo

seus bloqueios, através da recordação.

À época da publicação de A Interpretação dos Sonhos, em 1900, durante o

tratamento da jovem Dora, foi que Freud se deparou com um novo elemento, que

viria desempenhar um papel determinante para o desenvolvimento da teoria e da

técnica psicanalítica. Este foi justamente o observável da repetição – Wiederholen.

Formula sua descoberta da seguinte maneira: “O paciente não recorda coisa alguma

do que esqueceu e recalcou, mas expressa-o pela atuação ou atua-o (acts it out).

Ele o reproduz não como lembrança, mas como ação; repete-o sem, naturalmente,

saber que o está repetindo” (FREUD apud GARCIA-ROZA, 1986, p.22).

A partir daí o conceito de repetição passa a ser incorporado e desenvolvido,

como referencial privilegiado da prática clínica, sendo associado ao conceito de

transferência. O mecanismo da repetição é o que possibilita o processo terapêutico,

já que, sendo a transferência o processo que funda a relação analítica, e constituída

como um caso particular de repetição

, é somente quando o paciente produz uma

repetição deste tipo que se inicia o processo de tratamento psicanalítico. “Assim, se

a repetição é o que impede a reminiscência, ela é, ao mesmo tempo, o sinal

irrecusável do conflito psíquico; se por um lado é uma forma de resistência, por outro

é o mais poderoso dos instrumentos terapêuticos” (GARCIA-ROZA, 1986, p.22).

Lacan, ao discorrer sobre o mesmo tema, faz observar um aspecto

importante. Trata-se do fato de que, embora a transferência seja constituída por

repetição, esta repetição não se dá pela reprodução de situações reais vividas, mas

pelo que ele chama de “equivalentes simbólicos do desejo inconsciente” (Ibid.).

Lacan introduz a idéia de repetição diferencial, em contrapartida a uma repetição do

De acordo com Freud (apud Garcia-Roza, 1986, p.22): “Logo percebemos que a transferência é,

ela própria, apenas um fragmento da repetição e que a repetição é uma transferência do passado

esquecido”.

156

“mesmo”. A repetição, na transferência, só faz sentido em relação ao analista.

Portanto, é uma repetição diferencial, e é só desta forma que pode constituir-se

como elemento do tratamento.

Freud aborda novamente o tema da repetição em 1912, no artigo A

Dinâmica da Transferência, e depois em Recordar, Repetir e Elaborar, de 1914.

Neste último é que vai discorrer sobre o conceito de forma mais abrangente,

relacionando e distinguindo recordação e repetição. Aqui é que Freud identifica

repetição com resistência, sendo que a compulsão a repetir padrões arcaicos

substitui a recordação. Porém, se a repetição opera como resistência, é ela que, por

intermédio do analista, vai possibilitar o processo de cura.

Em 1919, em Das Unheimlich

, o tema da repetição é retomado, desta vez

associado a outras questões: o estranho e o assustador. O Unheimlich relaciona o

estranho ao que é conhecido, familiar – e por isso provoca o assustador. Diz Garcia-

Roza, comentando o teor do artigo:

O que caracteriza o estranho é, pois, essa proximidade e essa

familiaridade aliadas ao oculto. Mas o absolutamente novo, o que

jamais se deu na experiência, não pode ser temido. Só há

Unheimlich se houver repetição. O estranho é algo que retorna, algo

que se repete, mas que ao mesmo tempo se apresenta como

diferente. O Unheimlich é uma repetição diferencial e não uma

repetição do mesmo. (GARCIA-ROZA, 1986, p.24)

O conceito de repetição passa a ocupar uma posição fundamental na teoria

psicanalítica, entretanto, somente a partir de Além do Princípio de Prazer, de 1920.

Aqui Freud faz a ligação dos conceitos de repetição e de pulsão. Apresenta a

repetição, ou a compulsão à repetição, como o que caracteriza e mesmo constitui a

pulsão. Só que, neste momento, o tipo de repetição que se produz a partir da

pulsão, de acordo com Freud, é uma repetição do mesmo, de caráter conservador,

de resistência à mudança. Trata-se de conjugar a pulsão inerente à vida orgânica no

sentido de restaurar um estado anterior de coisas – o estado anterior à vida, que

seria um estado inorgânico. A pulsão de morte, pois, inscreve o objetivo de toda a

Que pode ser traduzido por: O Estranhamente Familiar, de acordo com Miriam Chnaiderman.

157

vida – a morte, como estado inicial, sem perturbações, em um equilíbrio estável de

que se constitui o inorgânico. Nesta obra, pois, Freud deixa claro que, quando se

refere à repetição, está se referindo à repetição do mesmo, do idêntico. O que levará

Freud a postular a pulsão de morte, porém, é o fato de que a compulsão à repetição,

mesmo mantendo o caráter pulsional, não atende, necessariamente, e sempre, às

exigências do princípio do prazer – especialmente a repetição de experiências

traumáticas por parte do adulto

Lacan, ao retomar a questão da repetição (em O Seminário: Livro 11, 1979),

a partir de Freud, vai abordá-la a partir de duas noções desenvolvidas por

Aristóteles, em sua teoria dos princípios, da Física. São as noções de tyche e

automaton, que integram a noção mais ampla de causa acidental, no que tange às

causas apontadas como os princípios das coisas. Tyche é associada à idéia de

fortuna, como sendo uma necessidade desconhecida para o homem, mas dotada de

algum grau de deliberação. Automaton está ligada ao sentido de acaso, sendo dado

por alguma causa acidental, não se interpondo nenhuma deliberação humana ou

mesmo divina (GARCIA-ROZA, 1986, p.40). Estas duas noções foram

freqüentemente entendidas como ligadas à noção de acaso. Porém seus

significados se situam numa relação de oposição. Tyche pressupõe a interferência

divina sobre o destino humano, muitas vezes estando oculta a sua origem, mas de

todo modo, constituindo a idéia de uma entidade presente no cotidiano do homem

grego, responsável por fenômenos da vida individual e da coletividade.

Em todo caso, o que aproxima estas duas noções é a característica de

serem, além de causas reais, que se incluem na categoria de causa eficiente de

Aristóteles, noções de causas que se distinguem das outras por seu caráter de

excepcionalidade. Tyche e automaton pressupõem uma ordem natural em relação à

qual são exceções. Vale apontar que, para Aristóteles, e depois Tomás de Aquino, o

acaso não é entendido como ausência de ordem, “mas como um acidente que

articula séries causais independentes” (Ibid., p.41). Lacan retoma estes termos para

nos falar de repetição, e da repetição que caracteriza a pulsão.

Freud faz uma distinção entre a compulsão à repetição infantil e adulta. Considera que a criança,

mesmo quando estão presentes elementos de situações traumáticas, repete de forma a desenvolver

um meio de dominação sobre o conteúdo desagradável, não havendo, portanto, contradição com o

princípio do prazer, conforme Garcia-Roza (Ibid.).

158

Para Lacan, a repetição tem relação com o real. O real é o que se repete e

é essa repetição que realiza a fundação do mundo enquanto realidade. A função da

repetição (Wiederholen), no entanto, não deve ser confundida com a função de

retorno (Wiederkehr) ou rememoração (Erinnern). “O real não é o que retorna – o

que retorna são os signos – mas o que se repete como falta” (GARCIA-ROZA, 1986,

p.43). Este encontro faltoso é designado como tyche por Lacan. E é ele – o real do

encontro faltoso - que confere realidade ao mundo, na medida em que o que

constitui a realidade é a nossa procura por ela. Ou seja, há um fator determinante,

da ordem da necessidade. “O real não se situa entre os objetos do mundo,

entendidos estes como objetos possíveis do desejo, mas como o impossível, como o

que falta ao encontro marcado, e em cujo vazio toma lugar o significante” (Ibid.,

p.43).

Enquanto a tyche é entendida como o “encontro do real”, o automaton, para

Lacan, é a rede de significantes. Ou seja, para além de todo o jogo de signos e da

configuração de redes de significantes (automaton), regidos pelo princípio do prazer,

há o encontro com o real, ainda que faltoso (tyche). “O real é o que se repete, e ‘o

que se repete, com efeito, é sempre algo que se produz [...] como por acaso’” (Ibid,

p.42). Para Lacan está em jogo a função do real, que é o que ele tenta esclarecer. A

função do real situa-se entre dois objetos: o presente ilusório e o ausente absoluto,

ou seja, entre a ilusão do objeto absoluto, constituído pelo imaginário e marcado

pela castração, e a presença do desejo, marcado pela falta.

Diz Lacan: “O real é o que retorna sempre ao mesmo lugar – a esse lugar

onde o sujeito, na medida em que ele cogita, não o encontra” (apud GARCIA-ROZA,

1986, p.52). O real se coloca como presença silenciosa, que se faz sentir pelas

máscaras. Estas, portanto, não são ocultamento do real, mas o que permitem seu

aparecimento. “O real está além das máscaras, dos disfarces, dos significantes, está

além do princípio do prazer. O real está além da repetição, não porque seja contrário

a ela, mas porque a funda” (Ibid., p.52). A relação da repetição com o real ou com a

função do real é determinante na medida em que o real é que funda a repetição e a

repetição é que dá acesso ao real, constituído que é por ela.

159

Esta idéia de relação da repetição com o real nos faz retornar à noção da

falta estruturante. O que se repete na repetição, como diferente, é o real. Mas se

repete como falta. De que forma se pode pensar nas produções artísticas que lidam

com a repetição em seus processos fundantes e em suas poéticas, realizando

aproximações com esta idéia? Não seria também algo desta ordem que se

manifesta a partir da criação artística?

Em cada desdobramento de uma série ou família de objetos emerge, nos

intervalos criados pela repetição do gesto, do sujeito desejante, algo que não é da

ordem do visível. Há espaços não preenchidos, mas que estão investidos –

conforme palavras de Patrícia Franca. A repetição, em sua forma de pensar o ato

artístico, investe o espaço / tempo da obra de um aspecto também oculto. Há algo

que se esconde por entre os gestos e as formas. A artista se refere a uma operação

que implica algo que resta.

Também no trabalho de Maiolino temos referência a um vazio que quer ser

preenchido e que se abre sempre novamente, a cada gesto, a cada forma, a cada

investida do ato criador. A repetição aqui também não sutura a fenda aberta. A

infinidade de peças que nascem do gesto da mão, a partir de grandes quantidades

de matéria trabalhada não dá conta da demanda voraz deste vazio. O que se dá a

ver, a tocar na obra de Maiolino é também o que escapa, o que não se deixa

apreender.

Para a teoria psicanalítica a repetição é potencialmente investida de uma

força presencial, que abarca o oculto, o estranho - contudo familiar, o fantasmático,

o novo... O que se mostra na repetição é o que não quer se deixar ver. Ela é

máscara dissimuladora. A repetição, assim pensada, no contexto da teoria

psicanalítica, é também espaço de abertura de proposições. Nas obras artísticas em

que vemos repetições, tanto objetuais, físicas, materiais, como de ações e gestos do

artista – como é possível ver nas obras aqui analisadas, também se faz perceptível

esta condição. E se produz esta abertura para a diferença.

A partir deste cruzamento somos levados a pensar num contexto mais

amplo, que abarca o social, o humano. Assim como as próprias obras nos fazem

160

ver, existe uma relação entre as proposições artísticas e modos de pensar outras

problemáticas do social. Há um aspecto utópico neste modo de operar com a

repetição, pensada a partir da diferença e da constituição de um campo para novas

possibilidades?

Tanto na arte, como na psicanálise, a construção de sentido sobre as

formas resultantes da repetição e de processos repetitivos, se pauta sobre o que daí

emerge como campo de possibilidades. Nas perspectivas abertas pela utopia o que

se propõe é também uma abertura para o que não está aí, no sentido de operar

sobre a realidade de modo a produzir um corte.

Edson Sousa, ao refletir sobre utopia e ato criativo, afirma: “Criar é abrir

descontinuidades, interrupções neste fluxo do mesmo, neste abismo que o discurso

reitera sobre a segurança que perderemos diante do risco” (2008, p.44). E ainda: “O

ato criativo adquire necessariamente uma potência crítica e de desequilíbrio dos

saberes vigentes” (SOUSA, 2008, p.46). O ato criador tem uma força utópica no

sentido de fazer frente ao instituído e totalizante. A realidade é dada por um saber

constituído e constituinte. Como escapar das prescrições já traçadas pelas formas

de ajustamento, adestramento e acomodação formuladas constantemente e

ininterruptamente pela sociedade da tecnologia e informação? Walter Benjamin, em

sua percepção desta condição, exclama: “Que as coisas continuem como antes, eis

a catástrofe!” (Apud SOUSA, 2008, p.44).

Antonio Negri chama de “poder constituído” a estas forças que controlam o

ordinário, com sua exigência por um apagamento das diferenças, pela

homogeneização das formas de relação e produção. E contrapõe a elas um outro

tipo de poder, chamado de “poder constituinte”, que é a potência do ato criador, ato

aberto “infinitamente ao inacabado do processo” (Ibid.) Esta força do ato criador abre

uma brecha, como uma ferida que incomoda e é indesejável. Sousa, ao refletir sobre

este confronto, questiona:

Como podemos suportar o inacabado dentro de um mundo em que

o estilo da qualidade total e do prêt-à-porter se impõem? Vão sendo

criados espaços de obediência, de servidão voluntária, de timidez,

de descrédito das ações, da melancolia como a virtude serena do

161

consumidor entregue aos fogos de artifícios escancarados nas

vitrines: aquários modernos do sonho. (SOUSA, 2008, p.44)

Bloch, em seu Princípio Esperança, aponta também para esta força do ato

criador, tido como “a revolta necessária que nos conduz ao amanhã” (SOUSA, 2005

a). Conforme Sousa, “Bloch vê na esperança a perturbação que aposta no novo, que

busca construir o que ainda não foi pensado reagindo desta forma à eterna repetição

do mesmo” (SOUSA, 2005c). Para Bloch o que há é uma aglomeração de coisas

havidas que

“obstrui totalmente as categorias do futuro”. Para este pensador das

utopias no século XX “é no ato de criação que a vida é possível e assim podemos

nos poupar um pouco da morte, já que viver cada dia as mesmas coisas vai

matando aos poucos” (Idem, 2005 a).

Há, pois, na perspectiva do pensamento utópico, uma profunda relação

entre ato de criação e possibilidade de futuro – um futuro com a presença do novo,

do diferente, sem a repetição das mesmas coisas de sempre.

Fredric Jameson é um outro autor que pensa as questões da utopia e que

aponta para este aspecto de cerceamento e embotamento das consciências que

vivemos no presente. E a função da utopia, em seu entendimento, seria a de criar

possibilidades de detectar o sempre mesmo que obnubila nossas percepções até

mesmo a respeito de nossa própria condição. Diz ele:

Historicamente, portanto, esse é o sentido em que a vocação da

utopia é o fracasso, o seu valor epistemológico está nas paredes

que ela nos permite perceber em torno das nossas mentes, nos

limites invisíveis que nos permite detectar, por mera indução, no

atoleiro das nossas imaginações no modo de produção [...].

(JAMESON, 1997, pg.85)

O gesto de artistas como Anna Maiolino, Nick Rands e Patrícia Franca nos

perturba. As suas ações repetitivas, mas abertas ao inacabado e múltiplo, produzem

aberturas, fissuras, talvez feridas. Através de suas poéticas podemos pensar ou

repensar os gestos do cotidiano. Os seus gestos de artista, lidando com repetições e

com elementos e formas de pensar da arte, nos remetem a um novo olhar sobre as

ações banais que repetimos a cada dia. Nossa percepção pode ser ativada diante

162

de trabalhos como a série Terra Modelada ou as pinturas de barro, e rolos e

envelopes...

163

II.3 REPETIÇÃO E DIFERENÇA

A obra Diferença e Repetição, de Gilles Deleuze, publicada na França em

1968, é referencial para a discussão da problemática da repetição, sendo utilizada

por diversos pesquisadores, de diversas áreas do conhecimento, desde então.

Permanece como obra de importante e atual referência para qualquer aporte à

questão. Assim sendo, ao abordar as problemáticas da repetição em artes visuais,

esta pesquisa se funda em alguns dos conceitos discutidos e desenvolvidos por

Deleuze. Soma-se, nesta escolha, o fato de Deleuze fazer uma reflexão a partir de

contribuições da psicanálise, e de abordar alguns aspectos relativos à constituição

do objeto artístico.

Inicialmente, cabe dizer que, para Deleuze, há, basicamente, duas formas

de pensar a repetição:

- a repetição pensada com base na identidade, que pode ser afirmativa ou

negativa;

- a repetição pensada a partir da diferença – uma repetição “fora dos eixos”

(FERRAZ, 1998, p.73). Nesta pode-se pensar em transformação, em singularidade e

em multiplicidade. Esta repetição transgride a dimensão do tempo e do espaço,

produzindo um outro tipo de ordem. Ela produz deslocamentos. Ela agencia, de

outra maneira, a nossa busca de traçados em direção ao sempre mesmo – e

perdido. Ela lida com o jogo, com o acaso, com diferentes lógicas combinatórias de

múltiplos fatores. Introduz a noção de serialidade. Não é o um que se repete, mas

uma série que se cria.

A repetição pertence ao humor e à ironia, sendo por natureza

transgressão, exceção, e manifestando sempre uma singularidade

contra os particulares submetidos à lei, um universal contra as

generalidades que estabelecem a lei. (DELEUZE, 1988, p.27)

A repetição “fora dos eixos” traz em si mesma um paradoxo, quando coloca

a questão da singularidade, equivalente a dizer-se, do novo:

- desmente o pressuposto ideológico da novidade absoluta, tão caro ao

modernismo;

164

- por lidar com a questão da diferença reitera o postulado do novo.

Deleuze, em Diferença e Repetição, propõe uma leitura da arte do século

XX, especialmente do romance contemporâneo, através do enfoque do jogo que se

dá entre estes dois conceitos. Sua abordagem sugere que a repetição tem uma

potência própria, revelada pelas pequenas diferenças que se deixam entrever nas

repetições, em um sistema ou série de elementos coexistentes e ressonantes.

Duas grandes questões que aborda em seu trabalho são: a “pequena

diferença”, que não se subordina ao idêntico, e a “repetição”, a qual é constituída,

em sua estrutura mais profunda e oculta, de um deslocamento do que chama de

“diferencial” (apud FERRAZ, 1998, p.115).

Para Deleuze, a repetição é “verdadeiramente o que se disfarça ao se

constituir e o que se constitui ao se disfarçar” (DELEUZE, 1988, p.45). Um dos

pontos trabalhados por Deleuze é a retomada da ligação que Freud faz da repetição

com a pulsão de morte, a partir de Além do Princípio do Prazer. Ele aponta para o

fato de que o domínio e o sentido da repetição estão no que chama de pulsão de

morte, a qual desempenha um princípio positivo originário para a repetição (Idem,

p.44). Esta condição tem a ver com os disfarces de que a repetição se reveste e que

tornam possível sua aparição. Os disfarces são os elementos internos, as partes

integrantes e constituintes da repetição.

Deleuze, porém, faz a ressalva de que para Freud continua existindo uma

forma de repetição bruta, nua, física ou material. Isto porque acredita que se

mantém um modelo inicial, material para a repetição. Para Deleuze não há primeiro

termo que seja repetido (Ibid., p.46). Diz ele que “nada há de repetido que possa ser

isolado ou abstraído da repetição em que ele se forma e em que, porém, ele

também se oculta. Não há repetição nua que possa ser abstraída ou inferida do

próprio disfarce” (Ibid., p.46).

O fechamento desta série de idéias é que a repetição é simbólica na sua

essência, sendo que o símbolo, o simulacro, é a própria repetição. A diferença

constituinte da repetição só pode ser compreendida sob esta óptica: pela ordem do

165

símbolo, do disfarce. As variantes constantes no que se repete são, portanto,

oriundas de dentro, da própria estrutura e da essência do que se repete. Há uma

inversão de relações entre o que se repete na aparência, evidenciando mecanismos

e elementos, e o que realmente é repetido, que está disfarçado. Isto porque o

repetido não pode ser representado. Ele é mascarado pelo que o significa,

mascarando o que significa. Ao invés de ser representado, o repetido é significado.

A relação entre repetição e representação constitui-se como ponto de

tensão na intersecção do pensamento de Deleuze com a teoria psicanalítica, como

já apontado no capítulo 1.2. Para Deleuze “a repetição não é representação” (apud

GARCIA-ROZA, 1986, p.44). Deleuze, ao relacionar os conceitos de repetição e de

representação o faz pela noção de oposição

. Diz ele também que:

O primado da identidade, seja qual for a maneira pela qual esta é

concebida, define o mundo da representação. Mas o pensamento

moderno nasce da falência da representação, assim como da perda

das identidades e da descoberta de todas as forças que agem sob a

representação do idêntico. O mundo moderno é o dos simulacros.

Todas as identidades são apenas simuladas, produzidas como um

‘efeito’ ótico por um jogo mais profundo, que é o da diferença e da

repetição. Queremos pensar a diferença em si mesma e a relação

do diferente com o diferente, independentemente das formas da

representação que as conduzem ao mesmo e as fazem passar pelo

negativo. (DELEUZE, 1988, p.15,16)

Uma das discussões que o conceito de representação acarreta é a sua

implicação no que diz respeito às relações das formas simbólicas com a realidade

da qual são representantes. A etimologia da palavra representação diz que as

relações entre as coisas se dão por similitude

. Há uma relação das

representações com o plano da realidade, que se faz pela ausência. A imagem, idéia

ou objeto substitui o objeto representado. Neste processo é instituído um

Vide discussão à página 84.

Etimologicamente, representação provém da forma latina ‘repraesentare’ – fazer presente ou

apresentar de novo. Significa imagem ou reprodução de alguma coisa. Segundo Murilo César Soares

“trata-se de um termo medieval, introduzido na filosofia escolástica para indicar uma imagem, idéia ou

ambas as coisas, sugerindo uma ‘semelhança’ com o objeto ou a coisa representada” (2007).

Representar seria, portanto, estabelecer relações entre as coisas representadas e suas formas de re-

apresentação. Neste sentido pode-se dizer que alguma forma de analogia ou de mimese está

implícita no ato de representar. Disponível em: <http://www.compos.org.br/data/biblioteca 204.pdf>.

Acesso em 27.09.2007.

166

representante da coisa representada, dentro de um certo contexto de limitações e de

um código compreendido para que tal processo se efetue.

Em seu artigo: “Representação – a palavra, a idéia, a coisa”, Sandra

Makowiecky (2003)

, citando vários autores, nos apresenta uma série de

considerações a respeito do conceito de representação, bem como de suas relações

com a realidade. Cita que em Chartier (1991) “vemos que a representação é o

produto, o resultado de uma prática”. A literatura e as artes plásticas, por exemplo,

são representações porque são produto de práticas simbólicas que se transformam

em outras representações. Um fato, então, nunca é o fato. “Seja qual for o discurso

ou o meio, o que temos é a representação do fato. A representação é uma

referência e temos que nos aproximar dela para nos aproximarmos do fato”

(MAKOWIECKY, 2003, p.4).

Para Le Goff, citado no mesmo artigo, representação é “a tradução mental

de uma realidade exterior percebida e liga-se ao processo de abstração”. O

imaginário tem papel preponderante no campo da representação. Expressa

pensamento, manifestado por “imagens e discursos que pretendem dar uma

definição da realidade”. Aponta, porém, que estas imagens e discursos sobre o real

“não são exatamente o real ou, em outras palavras, não são expressões literais da

realidade, como um fiel espelho”. O processo de representação do real é um

processo de transformação e de atribuição de sentido ao mundo (apud

MAKOWIECKY, 2003, p.4,5).

Para Bordieu (apud PESAVENTO, 1995, p.15), “no domínio da

representação as coisas ditas, pensadas e expressas têm outro sentido além

daquele manifesto”. O imaginário, enquanto representação do real é sempre

referência a um ‘outro‘ ausente. Além do que se manifesta há algo não

explicitamente enunciado ou evocado. Há, pois, uma dimensão simbólica implicada

neste processo de relação entre significantes e significados – ou representações.

Ainda de acordo com a análise feita por Makowiecky:

Disponível em: <http://www.cfh.ufsc.br/~dich/TextoCaderno57.pdf>. Acesso em 27.09.2007

167

Pesavento (1995) ao fazer uma síntese entre o pensamento de

Castoriadis, Le Goff e Gilbert Durand, diz que a sociedade constrói a

sua ordem simbólica, que, se por um lado não é o que se

convenciona chamar de real (mas sim sua representação), por outro

lado é também uma outra forma de existência da realidade histórica.

Embora de natureza distinta daquilo que por hábito chamamos de

real (Le Goff), é por seu turno um sistema de idéias-imagens que dá

significado à realidade, participando, assim, da sua existência. Logo,

o real é, ao mesmo tempo, concretude e representação. Nesta

medida, a sociedade é instituída imaginariamente, uma vez que ela

se expressa simbolicamente por um sistema de idéias – imagens,

que constituem a representação do real (Castoriadis). Portanto, o

imaginário enquanto representação revela um sentido ou envolve

uma significação para além do aparente. É, pois, epifania, aparição

de um mistério, de algo ausente e que se evoca pela imagem e

discurso (Durand). Para Gilbert Durand, diz a autora, o imaginário é

um conjunto de imagens e de relações de imagens que constituem o

capital pensante do homo sapiens. (MAKOWIECKY, 2003, p.5)

Para Freud, e sendo este um dos aspectos que interessa a Deleuze, o que

se repete não é da ordem do rememorado, do lembrado. Mas a relação inversa

repetição-rememoração se mostra pouco satisfatória a Deleuze, na medida em que

faz a repetição depender do recalque (DELEUZE, 1988, p.47). Neste ponto está a

diferença, no sentido de que a repetição não se constitui como o Mesmo, retomando

um recalque original. O “nunca visto” e o “já visto” são a mesma coisa. A máscara

constituída na repetição é a própria repetição, alimentada pela pulsão de morte.

Não repito porque recalco. Recalco porque repito, esqueço porque

repito. Recalco porque, primeiramente, não posso viver certas

coisas ou certas experiências a não ser ao modo da repetição. Sou

determinado a recalcar aquilo que me impediria de vivê-las deste

modo, isto é, a representação que mediatiza o vivido ao relacioná-lo

com a forma de um objeto idêntico ou semelhante. (DELEUZE,

1988, p.47)

A maneira pela qual Deleuze fala da repetição é uma inversão. Ele parte da

idéia de que não são os princípios da identidade e da semelhança que submetem a

diferença, na repetição. O modo costumeiro de pensar a diferença é em função de

que só o que se assemelha difere. Ao contrário, ele diz que só as diferenças se

assemelham. Neste sentido, podemos lembrar de uma experiência interessante,

proposta por Rudolf Arnheim (2002), na qual postula conforme a primeira posição: “A

semelhança é um pré-requisito para se notar as diferenças.” Ou: “A semelhança

168

atua como um princípio estrutural apenas em conjunção com a separação, isto é,

como uma força de atração entre coisas separadas” (ARNHEIM, 2002, p.70).

A experiência mencionada trata-se de um teste proposto a adultos e a

crianças, em que teriam de apontar, em um grupo de figuras, qual de duas era a

mais diferente em relação ao conjunto restante. As duas primeiras figuras eram a de

um navio e a de um carneiro. O conjunto restante era composto de várias figuras de

pequenos mamíferos, como macacos, por exemplo. Os adultos apontaram o navio

como sendo o mais diferente. As crianças apontaram o carneiro. E esta era a

resposta mais apropriada, já que o carneiro pertencia à mesma classe de “objeto”,

sendo possível, somente a partir desta semelhança, estabelecer a diferença.

Deleuze propõem uma outra direção de pensamento, que aponta para a

diferença que se relaciona com o diferente, sem a mediação pelo idêntico,

semelhante, análogo ou até oposto. Neste caso, haveria um conceito idêntico para

duas coisas que diferem e cada coisa relaciona-se com o mesmo conceito. Nesta

outra forma de pensar a diferença, constituinte da repetição, ele aponta para o

múltiplo, para a pluralidade e para o acaso, num sistema em que o diferente se

refere ao diferente por meio da diferença. Este sistema afirma a divergência e o

descentramento.

Uma obra de arte que trabalha com repetição, tal como Mais de Mil (da série

Terra Modelada, de Anna Maria Maiolino, imagem 107), ou Eye Levels (de Nick

Rands, imagens 108 e 109, p.171) nos ajuda a pensar este outro tipo de sistema.

Cada marca de barro feita com o dedo é uma afirmação da diferença, mesmo

implicando a repetição do gesto e do que fica como seu registro. Cada registro de

cada gesto é outra coisa. Assim como na modelagem de mais de mil rolos de argila.

De que maneira mais de mil rolos de argila modelada, empilhados num

espaço de exposição de objetos artísticos, pode ser afirmação de divergência e

descentramento? No momento em que a artista se propõe a fazer este tipo de ação,

coloca em jogo alguns conceitos fundamentais do campo artístico, como a própria

noção da categoria escultura. Um fazer milenarmente constituído como a

modelagem de formas em argila, associada à produção de objetos em cerâmica

169

para os mais diversos fins, com níveis de aprimoramento técnico cada vez mais

desenvolvidos, aparece, na série Terra Modelada, em algumas de suas mais

rudimentares formas.

Imagem 107. Anna Maria Maiolino. Mais de Mil, 1995.

Instalação Inside the Visible, Institute of Contemporary Art, Boston.

Fonte: MAIOLINO, 2007.

Ao olharmos para as diversas propostas da série Terra Modelada, de

Maiolino, podemos perceber um sutil e nada primitivo modo de fazer frente a

conceitos e noções já constituídas no meio artístico, sem contudo negá-las. As

proposições de Maiolino não se afirmam a partir da negação. A partir do gesto, gesto

170

ligado ao fazer artístico e também à produção do utilitário, a artista reafirma e

apresenta algo intrínseco ao ato criador.

A repetição da mesma forma mais de mil vezes ou uma infinidade de vezes

em outras instalações, afirma a força produtora de cada gesto ou conjunto de gestos

instauradores da forma plástica. No contexto do contemporâneo em arte, assim

como diversos outros artistas, Anna Maiolino apresenta o potencial do gesto artístico

levado ao extremo – na repetição excessiva de gesto e forma, que não produz a

obra única, obra prima, como ápice de um processo de pesquisa direcionado a isto.

A série de peças modeladas se abre à possibilidade de projeções infinitas e de

múltipla compleição. Neste sentido pode-se falar em descentramento. Talvez

pudéssemos pensar mais no trabalho como deriva.

A divergência se poderia traduzir a partir da idéia de diversidade, do que se

insinua como diferente a cada nova investida, em cada conjunto de decisões e

maquinações do gesto, em cada peça presente na série, em cada gesto que faz

parte do processo de moldagem de cada uma dessas peças. Aquilo que, a princípio,

poderia ser pensado a partir da idéia de homogêneo, passa a apontar para o

divergente.

A obras Eye Levels e Grizedale Forest Line de Nick Rands também nos

levam a pensar em afirmação da diferença a partir da repetição. Diferentemente das

pinturas sobre suportes quadrados, realizadas a partir de um conjunto aproximado

de regras estabelecidas pelo próprio artista para esta forma específica de trabalho

em pintura com barro, estes trabalhos se caracterizam por serem feitos para

determinados espaços, o que se pode chamar de site specific. São constituídos

também pela impressão da marca da ponta do dedo ‘entintada’ com barro, mas

diretamente sobre parede ou pedra, na forma de uma linha contínua que adere a

esta superfície, interferindo sobre a forma de percepção da mesma e na relação do

corpo e do olhar com o entorno assim demarcado.

171

Imagem 108. Nick Rands. Eye Levels, 1999.

Barro e grafite sobre parede, 3000 x 2000 cm.

Galeria Iberê Camargo, Usina do Gasômetro, Porto Alegre.

Fonte: <http://www.nickrands.com>. Acesso em 30.04.2008.

Imagem 109. Idem, detalhe.

Fonte: <http://www.nickrands.com>. Acesso em 30.04.2008.

172

Imagem 110. Nick Rands. Grizedale Forest Line, 1996.

Barro sobre pedra, 10.000 cm.

Fonte: <http://www.nickrands.com>. Acesso em 30.04.2008.

Imagem 111. Idem, detalhe.

Fonte: <http://www.nickrands.com>. Acesso em 30.04.2008.

Nesta forma de interferência no espaço, seja interno – na altura dos olhos

na parede da galeria de arte, ou externo – na parede de pedra da floresta, a linha de

impressões com marcas de barro feitas com o dedo delimita um território em

trânsito. A marca do dedo assinala a passagem do artista, trazendo uma presença a

partir da repetição. A linha de pontos se cria a partir de um deslocamento e impele a

173

um outro deslocamento – o de nosso corpo diante dos vestígios da passagem

daquele. Cada um destes deslocamentos será outro. Cada ponto deste percurso é o

registro preciso de uma parcela de tempo sendo, ao mesmo tempo, investido da

soma de todos os instantes dos olhares que o percorrerem em outros diversos

momentos. Outras repetições, portanto, são criadas a partir da indicação de uma

primeira.

Do mesmo modo que Maiolino, Rands se volta sobre processos primitivos e

ancestrais como procedimentos artísticos, tratando-se agora de pintura. A aplicação

de barro sobre a pedra pode ser vista como o início da arte; a impressão digital –

uma das marcas mais simples, como traço de presença humana, conforme o artista

(RANDS, 1996, anexo C.2.2). Quando deixa a marca de seus dedos nas superfícies

de paredes ou telas Rands está colocando em xeque o conceito de pintura e de

relação da obra com o espaço, com o tempo, com o espectador. A noção de

representação, fortemente ligada à pintura, mesmo em suas formas mais abstratas,

também é questionada, na medida em que cada ‘impressão digital’ não representa

uma outra, que seria a origem de todas. É apenas a mesma, repetida inúmeras

vezes. Mas que se apresenta diferente em cada uma delas.

Icleia Cattani, ao referir-se aos trabalhos com pintura de Nick Rands, aponta

para este aspecto de criação de territórios, tanto pelo próprio artista, como pelos

‘olhadores’ e sobre o efeito de vertigem que tal experiência proporciona –

novamente podemos pensar em obra que é criada a partir de e propõe uma espécie

de deriva.

Nick Rands possui vocação migratória. Os limites espaciais (da tela,

do espaço ocupado, mensurado) definem territórios pessoais do

artista. O percurso simbólico, ao pintar, une-se ao espaço simbólico:

eu estou aqui, ou eu passei por aqui. O gesto que imprime a tinta

sobre a tela, simultaneamente cria a trajetória e delimita o território.

[...] Essa espécie de “fechamento” do espaço lembra o percurso

mítico, circular, de retorno às origens – mas um retorno que é

sempre outro, diferenciado da partida. Do mesmo modo, as espirais,

redondas ou quadrangulares, que o artista elabora em algumas

obras, criam labirintos, às vezes quase invisíveis para quem não

sabe que eles estão lá. Sua presença, no limite da visibilidade, cria

vertigens onde o olhar se perde e se reencontra constantemente:

como em percursos dos quais desconhecemos os caminhos e os

desígnios. Os territórios simbólicos da pintura são assim feitos: de

174

vertigens, de névoas, de processos cegos, de abismos. (CATTANI,

2004 a, p.132,133)

Algumas outras noções desenvolvidas por Deleuze podem nos ajudar a

pensar a diferença na repetição, a partir da idéia de retorno, que está presente

também nesta apreciação crítica de Cattani. Deleuze toma alguns termos

‘emprestados’ de outras áreas, tais como: ritornelo, territorialidade, diagrama,

rizoma, platôs, intensidade, dobra, sensação, figura, personagens rítmicos, tempo

liso, plano de imanência e plano de composição, paisagens melódicas, devir,

heterogênese.

A fórmula de ritornelo que é desenvolvida na obra Mil Platôs é útil para

pensar em uma espécie de demarcação – que é o que vemos nas obras acima

referidas. Ritornelo, para Deleuze, “é a repetição que demarca um território, mas

que, ao mesmo tempo lhe traça suas linhas de fuga” (FERRAZ, 1998, p.26).

Mas, de todo modo, o que é um ritornelo? Glass harmonica: o

ritornelo é um prisma, um cristal de espaço-tempo. Ele age sobre

aquilo que o rodeia, som ou luz, para tirar daí vibrações variadas,

decomposições, projeções e transformações. O ritornelo tem

igualmente uma função catalítica: não só aumentar a velocidade das

trocas e reações naquilo que o rodeia, mas assegurar interações

indiretas entre elementos desprovidos de afinidade dita natural, e

através disso formar massas organizadas. O ritornelo seria portanto

do tipo cristal ou proteína. Quanto ao germe ou à estrutura internos,

eles teriam então dois aspectos essenciais: os aumentos e

diminuições, acréscimos e subtrações, amplificações e eliminações

com valores desiguais, mas também a presença de um movimento

retrógrado que vai nos dois sentidos, como ‘nos vidros laterais de

um bonde andando’. [...] É próprio do ritornelo concentrar-se por

eliminação num momento extremamente breve, como dos extremos

a um centro, ou, ao contrário, desenvolver-se por acréscimos que

vão de um centro aos extremos, mas também percorrer estes

caminhos nos dois sentidos. O ritornelo fabrica tempo. (DELEUZE E

GUATTARI, 1997 a, p.430)

Uma definição de ritornelo é: “s.m. Música Termo que exprime ação de

retorno e é aplicado em variadas circunstâncias: refrão de madrigais, estribilhos,

175

repetição de introdução instrumental a composição vocal, coro, etc”

. Constitui-se,

pois, de uma ação de repetição, no curso da música. Em outra definição temos:

“HIST. MÚS refrão, frase repetida em cantos ou versos, como nos madrigais

italianos dos séc. XIV e XV.” E ainda: “VRS repetição mais ou menos regular de um

verso no fim ou no início (como antecanto) de diversas estrofes, ou ainda no corpo

da mesma estrofe, criando uma espécie de rima ou base rítmica para o poema.” E

mais: p.ext. qualquer coisa que se repete ou se reproduz em demasia” (HOUAISS,

2001, p.2463).

Este é um conceito muito importante para Deleuze, sendo criado em

conjunto com Guattari. O ritornelo serve para pensar uma série de questões. Em sua

concepção, tomando o termo para criar um conceito filosófico, constitui-se numa

repetição, mas é do tipo de repetição que se abre ao múltiplo, inclui o acidente,

produz algo da ordem do indizível, demarca território. A relação do conceito de

ritornelo com a idéia de território é muito clara no pensamento de Deleuze e

Guattari.

O ritornelo vai em direção ao agenciamento territorial, ali se instala

ou dali sai. Num sentido genérico, chama-se ritornelo todo conjunto

de matérias de expressão que traça um território, e que se

desenvolve em motivos territoriais, em paisagens territoriais (há

ritornelos motrizes, gestuais, ópticos etc.). [...] O grande ritornelo

ergue-se à medida que nos afastamos de casa, mesmo que seja

para ali voltar, uma vez que ninguém nos reconhecerá mais quando

voltarmos. (apud ZOURABICHVILI, 2004, p. 94)

De acordo com comentários de Zourabichvili sobre os conceitos de Deleuze

e Guattari, o ritornelo produz uma espécie de sistema do desejo, que se compõe por

três dinamismos implicados entre si, coexistentes. Este sistema é explicitado por

duas tríades. A primeira tríade é: “1. Procurar alcançar o território, para conjurar o

caos; 2. Traçar e habitar o território que filtre o caos; 3. Lançar-se fora do território

ou se desterritorializar rumo a um cosmo que se distingue do caos” (Ibid.). A

segunda tríade é levemente distinta da primeira, mas a complementa, entendendo-

se que a defasagem entre uma e outra decorre de uma bipolaridade na própria

relação terra-território, que tende para duas direções em sua função

Disponível em: Dicionário Kinghost, em: <www.kinghost.com.br>. Acesso em 20.09.2008.

176

desterritorializante – uma transcendente e outra imanente. Assim, a segunda tríade

compreende: “1. Procurar um território; 2. Partir ou se desterritorializar; 3. Retornar

ou se reterritorializar” (ZOURABICHVILI, 2004, p.95).

A bipolaridade expressa pela relação entre estes três dinamismos, que

envolve movimentos para, em, através e fora de territórios, tem ligação com uma

função desterritorializante da terra na medida em que se entende a inclinação do

território para a terra como lar íntimo e, ao mesmo tempo, sua rejeição e ejeção para

o infinito. Pois, conforme os dois autores, “assim é a terra natal, sempre perdida”

(Ibid., p.95).

O ritornelo mereceria seu nome duas vezes. Uma pela idéia de traçado que

retorna sobre si mesmo, retomando-se, repetindo-se. E outra pela circularidade

presente entre os três dinamismos, que remete à procura de um território e ao ato de

alcançá-lo. Neste movimento qualquer começo seria também um retorno implicado

numa diferença, numa distância, pois a reterritorialização, correlato da

desterritorialização, nunca pode ser vista como retorno ao mesmo. “Não há

chegada, nunca há senão um retorno, mas regressar é pensado numa relação

avesso-direito, recto-verso com partir, e é ao mesmo tempo que se parte e se

regressa” (Ibid., p.95,96).

O trabalho de Nick Rands pode ser lido, assim, como um ritornelo, que cria

novas paisagens através de um constante ir e vir, por territórios desterritorializados e

reterritorializados através do trabalho do deslocamento e do gesto repetido. O

deslocamento é o do corpo que parte, que retorna e que se movimenta diante do

suporte da pintura para deixar registros. O gesto que se repete é a forma de criar

novos territórios, de demarcar novas possibilidades de instauração de territórios. Os

sistemas de regras criadas pelo artista para produzir suas demarcações com terra

sobre superfícies diversas poderiam ser lidos como tentativas de conjuramento do

caos?

Para Zourabichvili “há duas maneiras distintas de partir-regressar, e de

infinitizar este par: a errância do exílio e o apelo do sem-fundo, ou então o

deslocamento nômade e o apelo do fora (a terra natal sendo apenas um fora

177

ambíguo – idéia de Mil Platôs)” (Ibid., p.96). Estas duas formas de ‘ritornelo’ são

também duas formas de distanciamento de si mesmo. Uma seria um “dilaceramento

do si ao qual não se cessa de retornar como a um estrangeiro, uma vez que ele está

perdido [...]; extirpação de si ao qual só se regressa como estrangeiro,

desconhecível ou tornado imperceptível [...]” (Ibid., p.96).

É interessante observar que Rands é nascido na Inglaterra, já trabalhou em

Botswana e estabeleceu-se no Brasil em 1998, dando continuidade a seu trabalho

artístico. Reside e trabalha em Porto Alegre e Londres. Coleta suas terras em

diversos países, viajando constantemente. Suas viagens têm ligação com suas

pesquisas artísticas. Não necessariamente é estrangeiro somente fora de seu país

natal. A errância é praticada em seu trabalho no momento em que está deixando as

marcas de seus dedos sujos de barro sobre paredes ou telas. Neste pequeno

espaço delimitado, entre bordas de formatos quadrados, ou mesmo entre as

paredes de uma galeria, ou até na extensão de uma parede de pedra da floresta, se

coloca como estrangeiro. O partir-regressar está expresso em cada ‘digital’

impressa. Cada marca do dedo é apelo do fora e do sem-fundo, testemunho de uma

presença/ausência.

Outro conceito chave, ligado a este, e que nos ajuda a pensar os territórios

demarcados por Nick Rands (assim como os de Maiolino e Franca), é o conceito de

eterno-retorno. Deleuze retoma a idéia de eterno-retorno de Nietzsche, recolocando

a questão em termos de um eterno retorno do diferente. Um pensamento começa

sempre pela diferença. Diz Deleuze: “Quando dizemos que o eterno retorno não é o

retorno do Mesmo, do Semelhante ou do Igual, queremos dizer que ele não supõe

qualquer identidade. Ao contrário, ele diz de um mundo sem identidade, sem

semelhança, sem igualdade” (DELEUZE, 1988, p.385). O eterno retorno aponta para

um mundo que se funda na diferença, e no qual tudo repousa sobre disparidades,

diferenças de diferenças, que se repercutem indefinidamente. E a repetição, no

eterno retorno, não é qualitativa, nem extensiva, mas intensiva – diz de um mundo

da intensidade.

O que está em jogo é o sentido existencial do retorno como

problema (a palavra ritornelo evoca, à maneira de uma palavra-

valise, o Eterno Retorno): o que faz o traçado que, ao regressar

178

sobre si, diferencia um interior de um exterior (instauração do

território)? Mergulha ele no turbilhão louco em torno da origem cujo

simulacro ele secreta (terra natal)? Ou será que repete, ao fazê-lo, o

fora que ele engloba e que ele cavalga embora dele se distinguindo

(o limite é ao mesmo tempo um crivo)? Vê-se nessa tensão lógica

em que medida o traçado, a marca, o signo do território se

confundem com o ritornelo. Os dois sentidos do retorno compõem o

‘pequeno’ e o ‘grande’ ritornelos: territorial ou fechado sobre si

mesmo, cósmico ou levado sobre uma linha de fuga semiótica. E é

sob a relação dos dois estados do ritornelo, pequeno e grande, que

a música e, depois, a arte em geral tornam-se pensáveis.

(ZOURABICHVILI, 2004, P.96)

Há, no ritornelo, uma constante passagem, de idas e voltas por sobre

traçados que vão se refazendo a cada ida e retorno, sendo o território demarcado

sobre a própria desterritorialização. É no entre, no intervalo entre os pontos de um

traçado em se fazendo que se encontram e refazem o já demarcado e o por ser

marcado. O reminiscente e o devir compõem juntos, no plano do presente, o

território desterritorializado na própria repetição – contendo em si a diferença /

decalagem / defasagem do retorno.

A questão amplifica-se no conceito de rizoma. O rizoma é um tipo de

sistema que se contrapõe ao sistema da árvore e ao da raiz pivotante. Estes dois

são sistemas binários, que remetem sempre a uma matriz principal, que é a origem

de tudo. No rizoma a relação é outra. Quando se pensa em rizoma, se pode pensar

em: conexão, heterogeneidade, multiplicidade, ruptura não significante, cartografia,

multilinearidade. Todos os pontos de um rizoma se conectam. Não há uma ordem

pré-determinada, pode-se acessar qualquer ponto de qualquer parte. A imagem do

rizoma, como conceito e imagem de pensamento, é revolucionária dentro da forma

tradicional de conceber pensamento e construção de saber na cultura ocidental.

Subtrair o único da multiplicidade a ser constituída; escrever a n-1.

Tal sistema poderia ser chamado rizoma. [...] Diferentemente das

árvores ou de suas raízes, o rizoma conecta um ponto qualquer com

outro ponto qualquer, e cada um de seus traços não remete

necessariamente a traços de mesma natureza, ele põe em jogo

regimes de signos muito diferentes, inclusive estados de não-signos.

O rizoma não se deixa reduzir nem ao Uno nem ao múltiplo... Ele

não é feito de unidades, mas de dimensões, ou antes, de direções

movediças. Não tem começo nem fim, mas sempre um meio, pelo

179

qual ele cresce e transborda. Ele constitui multiplicidades.

(DELEUZE e GUATTARI, 1997 a, p. 13, 31)

Para Deleuze e Guattari este conceito remete a pensar numa poética da

irredutibilidade. O rizoma é o método do anti-método, remetendo à experimentação e

opondo-se aos conceitos de representação, pois não há ponto de origem ou

princípio primordial que comande o pensamento. Está mais para o real, que desloca

tudo que está condicionado por preconceitos e ‘verdades primeiras’, ou pela idéia de

Uno. Envolve, como método, um quê de tateamento cego, englobando o que ainda

não foi pensado. Não descarta, porém, uma espécie de vigilância do pensamento,

que diferencia o fecundo do estéril. Não é a simples junção de elementos

aparentemente desconexos que produzirá efeitos interessantes e criativos /

criadores.

As poéticas dos artistas aqui enfocados podem ser pensadas a partir desta

perspectiva, de uma poética da irredutibilidade, acrescentada da idéia de densidade

e intensidade, presentificada a partir da repetição – mas de uma repetição que

produz o diferente a partir das diferenças que engendra no interior da série que se

desdobra em múltiplos e a partir dos gestos investidos de singularidade. O que seria

uma poética da irredutibilidade?

Quando Patrícia Franca fala de suas Seis Famílias de Objetos, aponta para

o trânsito que há entre elas e entre os elementos de cada uma delas – no interior de

cada uma. As repetições de gestos originaram elementos que, por sua vez se

repetem, criando reverberações internas e nos intervalos entre as séries mesmas.

Segundo a própria artista, como já referido, a repetição de um mesmo gesto, de uma

mesma atitude, gera elementos múltiplos em uma condição múltipla. Também alude

à criação de territórios a partir de tateamentos, onde nada está determinado a

princípio e tudo se constrói a partir do desejo de repetição. O sistema de rizoma é

muito pertinente para pensar esta relação entre as famílias de objetos de Franca.

Repetição, ritornelo, eterno-retorno, rizoma... Todos estes conceitos e

outros mais, ligam-se uns aos outros, num mesmo contexto. A noção de diferença

permeia todos eles. Deleuze faz um movimento de afastamento da diferença de sua

180

“maldição” de estar sempre ligada, ou associada, dependente, do conceito de

semelhança. Ele constrói um conceito próprio para a diferença. Diferença com D

maiúsculo. Recusa a diferença determinada como negação ou oposição ao idêntico.

Para ele, em sua essência, a diferença é “objeto de afirmação” (DELEUZE, 1988,

p.101).

A diferença não é o diverso. O diverso é dado. Mas a diferença é

aquilo pelo qual o dado é dado. É aquilo pelo qual o dado é dado

como diverso. A diferença não é o fenômeno, mas o número mais

próximo do fenômeno. [...] Todo fenômeno remete a uma

desigualdade que o condiciona. Toda diversidade e toda mudança

remetem a uma diferença que é sua razão suficiente. Tudo que se

passa e que aparece é correlativo de ordens de diferenças:

diferença de nível, de temperatura, de pressão, de tensão, de

potencial, diferença de intensidade. (DELEUZE, 1988, p.355)

A utopia não seria também algo como uma afirmação da diferença no seio

da repetição? A forma de operar do pensamento utópico é um desvio da negação do

semelhante. Não interessa apontar o que não é e como não é. Mas abrir brechas

para que o diferente se afirme tal como ocorre pela instauração do ato poïético. O

artista cria abrindo brechas, em busca do que pode advir, num processo de deriva

constituinte.

181

III REPETIÇÃO E REPRESENTAÇÃO

182

Na representação que uma obra de arte é, ela não representa algo

que não é, não sendo, portanto absolutamente uma alegoria, ou

seja: ela não diz algo para que se pense outra coisa, mas

justamente nela se encontra o que ela tem a dizer (GADAMER,

1985, p.59).

Ao refletirmos sobre o conceito de repetição, a partir dos trabalhos artísticos

focalizados e dos cruzamentos com os campos de estudo implicados nesta

abordagem nos deparamos com vários outros conceitos diretamente relacionados.

Alguns destes conceitos são: cópia, imitação, reprodução, mímesis, representação.

Um conceito leva ao outro. Não é possível falar em repetição sem tratar também

destes outros conceitos, de alguma forma.

O conceito de representação é fundamental para muitas das reflexões

acerca do fenômeno da repetição em processos artísticos. Este já foi abordado em

alguns pontos deste texto, especialmente no capítulo I.2 e II.3. A questão da cópia e

da reprodução também já estiveram presentes em algumas das considerações

sobre aspectos dos trabalhos artísticos analisados. Aprofundaremos alguns

aspectos destes conceitos, tecendo a partir deles algumas outras relações, com o

objetivo de ampliar o alcance de nossas percepções sobre a repetição e suas

implicações nos campos de estudo aqui imbricados.

O princípio de mímesis, vindo desde os gregos, foi a base da produção e da

teorização em arte durante muitos séculos, tendo estabelecido o pressuposto de

compreensão da arte como imitação, como já apontado. E de acordo com muitos

pensadores, inclusive no contemporâneo, este princípio ainda pode ser utilizado

para a compreensão do fenômeno artístico. Há um artigo de Maria Ozomar Ramos

Squeff, em que esta autora, a partir do pensamento de Theodor Adorno de que a

mímesis é característica invariante da arte, apresenta e discorre sobre o caráter

mimético de todo tipo de arte, incluindo o abstracionismo, os monocromos e o ready-

made de Marcel Duchamp – para citar alguns casos.

183

Para Squeff, a partir desta forma de pensar a questão da relação da arte

com o princípio mimético, quando a arte se afasta desta sua característica,

começam os problemas da crítica de arte. Quando um objeto de arte não mais

mimetiza a realidade, mas se confunde com a mesma, tornando-se parte dela, não

há mais como distinguir um objeto artístico de outro objeto qualquer. Afirma ela que:

A crítica de arte fica sem condições para julgar a produção artística

sempre que esta deixa de ser mímesis - à medida que perde uma

das características que compõem, tradicionalmente na cultura

ocidental, sua diferença específica e que, com ela, perde-se o

sentido da interpretação e análise crítica. (SQUEFF, in: ZIELINSKY,

2003, p.100)

Squeff aponta para o fato de que no contemporâneo este caráter mimético é

negado à arte nas formas de manifestações em que arte e vida se aproximam tanto

que se perde o limite entre ambas. Neste caso não haveria mais representação e,

portanto, nenhum tipo de mediação entre arte e realidade. Talvez, sim, uma

sobreposição, em que se confundem uma e outra.

Carlo Ginsburg quando se refere à representação diz que se, por um lado, a

representação se faz da realidade representada e, portanto evoca a ausência, por

outro, torna visível a realidade representada e, portanto, sugere a presença. Há um

jogo possibilitado pela ambigüidade do termo. A forma de representação (seja

imagem, idéia ou coisa) é, ao mesmo tempo, presença e ausência (apud

MAKOWIECKY, 2003, p.3).

No campo da filosofia geral o conceito de representação refere-se,

geralmente, ao conhecimento que podemos ter da realidade. Kant, no século XVIII

“considerou a representação como o gênero de que todos os atos ou manifestações

cognitivas seriam espécies, atribuindo significação máxima ao termo” (SOARES,

2007, p.4). Esta formulação determinou o modo de pensar filosoficamente a questão

da representação desde então. Conforme Soares:

Nessa perspectiva, o mundo cognoscível para nós é constituído por

representações, as quais são condicionadas pelas limitações de

nossos sentidos e das nossas capacidades cognitivas, processo que

vem sendo denominado representação mental. As representações

184

estão no centro de qualquer ação especificamente humana, uma

vez que o próprio pensamento é uma atividade representacional.

Mesmo as ciências baseadas na observação do mundo empírico se

constituem de conceitos, modelos, diagramas, esquemas, teorias,

sistemas, hipóteses, leis, explicações, interpretações, ou seja, de

representações simbólicas do mundo, construídas. Muitas dessas

representações, além do seu conteúdo conceitual, apresentam

implicitamente ou suscitam uma analogia - que nos parece peculiar

ao conceito - com o mundo empírico. (SOARES, 2007, p.4)

Assim sendo, pode-se afirmar que o conceito de representação indica a

construção de formas simbólicas ou de discursos sobre fatos, objetos e fenômenos,

implicando uma relação intrínseca entre sistemas de representação e construção de

conhecimento.

Fredric Jameson, ao se referir à relação entre utopia e representação, ou

mais precisamente, entre utopia e realidade, coloca que “a Utopia pareceria oferecer

o espetáculo de um dos raros fenômenos cujo conceito não se distingue de sua

realidade, cuja ontologia coincide com sua representação” (JAMESON, 2004, p.263).

Ou seja, a representação é a coisa mesma; a representação não está em lugar de,

mas é, em si mesma, o conceito e a realidade.

Também se pode pensar na relação entre repetição e o real da psicanálise,

como o âmbito do impensável e irrepresentável. O real, que é o que retorna na

repetição, a partir de uma demanda de construção da sempre nova forma de

aparição, é aquilo que se constitui no âmago mesmo da repetição. O real não

caberia na ordem da representação. Roberto Harari, em La Repeticion del Fracasso

(1988), apresenta e desenvolve a idéia de uma repetição real, produzida pelo acaso,

que seria da ordem de um encontro fracassado e produtora do informe. A angústia é

o sentimento que acompanha esta espécie de encontro.

Nas obras artísticas em que a repetição é conceito operatório fundamental,

como é o caso dos artistas aqui abordados, temos a presença de um diferencial que

se desloca por entre as repetições, que nos leva a pensar na idéia de

irrepresentável. A repetição conforme pensada pelos próprios artistas é da ordem do

inacabado, aberto ao múltiplo e ao informe. Ao percebermos seus trabalhos não

185

pensamos tanto em representação, mas muito mais em significação, em que sentido

atribuir ao que foi posto em ato.

Talvez possamos aproximar estas formas de produção, em que a repetição

é abertura para o diferente, que, para além da representação estão implicados

significantes que escapam ao nosso desejo de apreensão total, com a forma de

articulação do pensamento utópico. A utopia, conforme Jameson, é “um dos raros

fenômenos cujo conceito não se distingue de sua realidade, cuja ontologia coincide

com sua representação” (supracit.). Ela é também, para além de representação,

abertura para a diferença.

De acordo com Sousa, o ato criativo revela “uma experiência que não é

pura continuidade do ‘vivido’”. Propõe que seja visto mesmo como “interrupção do

vivido”. E que a obra de arte “aponta, sempre, mais para um horizonte de

possibilidades do que para uma simples radiografia do que aí está” (SOUSA, 2002 b,

p.146,147). Também se poderia dizer que, muito mais do que satisfazer nossos

anseios por completude, o ato artístico dá “visibilidade a uma experiência de vazio

que é constitutiva e necessária” (Ibid., p.149). O pensamento poïético, como ato

utópico e político, faz explodirem os modelos já dados e as prescrições de novos

modelos, em todos os sentidos.

186

III.1 REPRESENTAÇÃO, REPRODUÇÃO E CÓPIA

Giulio C. Argan, ao situar o que nomeia de ‘crise da representação’, em

“Arte e Crítica de Arte” (1988), coloca que o ponto de clivagem entre a arte do século

XX e tudo o que a antecedeu é justamente a questão da passagem à abstração – do

figurativo ao não figurativo. E este seria o indicativo de uma crise em relação a todo

um sistema representacional, tradicionalmente alicerçado nos princípios da

representação naturalista ou mimética.

A ‘crise da representação’ (sua concepção clássica e racional)

encontra-se estreitamente ligada à da idéia de ‘real’ ou ‘realidade’

como referente extra-discursivo. Assim sendo, é na verdade o

‘realismo’ como pressuposto filosófico que está em questão nas

críticas à representação. (MAKOWIECKY, 2003, p.3)

O princípio de representação artística, em qualquer de suas linguagens,

seria o de um modelo natural a partir do qual se elaboraram esquemas formais, e

que se estende também para mesurar outros valores sociais, como o Estado e a

religião. É sabido que já desde o romantismo até o impressionismo e posteriores

linguagens ditas modernas, entre as quais o abstracionismo de Kandinsky, muitos

foram os movimentos de ruptura com relação às idéias tradicionais sobre a forma

artística. Outras questões passaram a fazer parte das determinantes da produção

artística, entre as quais: “a vontade interior do sujeito”, como proclamava Kandinsky

em seu “Do espiritual na Arte”, de 1912; estados emotivos independentes de

sensações visuais; o efeito sobre o sujeito de uma relação incondicionada, autêntica

e direta com a realidade; uma idéia de sensibilização da matéria pictórica a partir de

dentro (da memória, das sensações, do sentimento) e não da mera reprodução de

sensações... Criam-se novas possibilidades de representação formal, atendendo às

demandas de uma crise da própria idéia de forma, aberta pelas pesquisas e poéticas

de muitos artistas desde as primeiras chamadas vanguardas.

Diz Argan, porém, que “a grande novidade” destas novas formas, citando

especialmente Kandinsky e o movimento Der Blaue Reiter “não foi a renúncia à

figuração, mas a renúncia à representação como processo intelectivo próprio da

187

arte: noutros termos, a substituição da forma pelo signo”

. Nasce daí, e da tensão

entre “uma cultura da representação ou da forma e uma cultura da intuição ou do

signo” uma ‘ciência’ dos signos, no contexto da arte. Kandinsky elabora uma

primeira ‘teoria dos signos’ ao fazer uma análise dos elementos básicos da

linguagem visual: o ponto, a linha, a superfície, a cor... “Às teorias da forma substitui-

se uma teoria dos signos” (ARGAN, 1988, p.108). O ponto culminante dos

desdobramentos desta renúncia à figuração e da substituição da idéia de signo à de

forma é o abandono total da representação – de acordo com Argan.

Um dos momentos de intensa formulação teórica a respeito da questão da

representação em arte foi o proposto pelo concretismo, desde os anos 30, na

Europa e, posteriormente, nos anos 50, no Brasil. Os artistas que fundaram este

movimento

pretenderam resolver a “contradição conceitual entre o termo

abstração e intenção não-representativa que constituiu a arte abstrata desde suas

origens em 1910” (COCCHIARALE; GEIGER, 1987). Conforme estes:

A idéia de abstração não dá conta, do ponto de vista teórico, do

projeto de uma arte não alusiva ao mundo exterior a ela, porque um

processo de abstração vincula, necessariamente, seu resultado –

abstração – ao universo no qual, embora abstraído, ele tem origem.

A noção de arte abstrata era equívoca, pois continha uma

contradição de enunciado: pretendia fundar a ruptura radical com a

representação naturalista e, simultaneamente, mantinha-se, pelo

menos conceitualmente, ligada ao mundo da natureza do qual era

abstração. (COCCHIARALE; GEIGER, 1987)

Para o concretismo, o que estava em jogo era a definitiva ruptura entre arte

e representação em todos os sentidos, tanto da aparência visível das coisas, como

O grupo O Cavaleiro Azul/Der Blaue Reiter sucede A Ponte/Die Brücke em 1911, levando consigo

alguns de seus integrantes, como Karl Schmidt-Rottluff. Enquanto que A Ponte é um núcleo de jovens

que tem a apresentação de seus trabalhos em torno de uma idéia, O Cavaleiro Azul é mais

intelectual, composto por alemães, pelo suíço Paul Klee, o austríaco Alfred Kubin e o russo Wassily

Kandinsky, entre outros. O denominador comum foi a expressão subjetiva. Kandinsky comenta, na

primeira exposição do grupo: "Nesta pequena exibição, nós não tentamos propagar um preciso e

particular estilo pictórico; nós, melhor do que isso, tentamos mostrar, pela variedade de formas

representadas, a multiplicidade de caminhos nos quais os artistas manifestam seu desejo interior”.

Disponível em:

<http://www.mac.usp.br/projetos/seculoxx/modulo1/expressionismo/exp_alemao/cavaleiroazul/index.h

tml>. Acesso em 14.08.2008.

Theo Van Doesburg, Helion, Carlsund, Tutundjan e Wantz – cfme. Fernando Cocchiarale e Anna

Bella Geiger in: Catálogo de exposição: Abstração Geométrica 1 – Concretismo e Neoconcretismo.

Projeto Arte Brasileira – São Paulo: FUNARTE, 1987.

188

da expressão subjetiva do artista. Desta forma o objeto artístico seria um objeto

como qualquer outro – algo concreto, real. Daí a idéia de pintura-coisa, como

manifestavam em seus escritos: “Pintura concreta e não abstrata, pois que nada é

mais concreto, mais real, que uma linha, uma cor, uma superfície”.

Ferreira Gullar (1993) aponta para o aspecto da destruição do quadro como

suporte da pintura, como o passo seguinte, já no neo-concretismo. Diz ele que, ao

abandonar o suporte tradicional e entendendo-se a pintura como objeto, se passa do

terreno da representação para o da presentação. E a partir daí a obra constitui-se

como linguagem em si mesma. Cada obra cria a sua própria linguagem.

Teixeira Coelho, ao discorrer sobre a questão da modernidade e de traços

que podem caracterizá-la, aponta como um deles, que é questão nuclear, a da

linguagem. Aponta para este caráter da obra da modernidade falar de si e de sua

especificidade – de sua linguagem, antes de se referir a qualquer realidade exterior.

Diz que a obra da modernidade “é uma obra que se auto-refere constantemente, que

continuamente se auto-questiona e que vai procurar sua essência, sua verdade, na

linguagem, isto é, em seu próprio código de representação” (COELHO, 1990, p. 45).

Ainda aponta para o fato de que, na sua opinião, “alguns modernismos farão isso

mais e melhor do que outros (o impressionismo mais do que o realismo, o dadaísmo

mais do que o impressionismo), mas é um traço que atravessa toda a modernidade”

(Ibid.).

Para ele, quando se diz que a questão nuclear da modernidade é a

linguagem, estão em jogo duas funções: a metalingüística e a estética. Ou seja, a

obra moderna fala sobretudo de si mesma ou de outra obra. E cita Octavio Paz, para

quem, na modernidade, “a linguagem surge como o duplo do Universo” (In:

COELHO, 1990, p.46).

Surgem daí muitas das práticas que vão caracterizar mais intensamente a

arte produzida a partir dos anos 80, tais como: a auto-referência, a citação, o

pastiche, a releitura, todas tidas como práticas de apropriação. Ora, estão aí

procedimentos que operam também por repetição. Repetição do já feito em outra

189

obra ou por outro artista. Nestas formas de retomada, entretanto, o artista re-elabora

as imagens ou elementos dos quais se apropriou.

Uma das discussões daí decorrentes e que está em foco também ao

pensarmos as repetições em arte mais amplamente e o conceito de repetição como

diferença, é o questionamento dos limites da representação. Se a linguagem pode

ser vista como ‘duplo do universo’, em que medida o conceito de representação é

suficiente para abarcar a produção de algo que se afigura como uma duplicação do

já existente?

Teixeira Coelho ainda apresenta mais um elemento para ampliar a

discussão. Trata-se da contribuição de Antonin Artaud, artista que também se

ocupou da questão do duplo. Artaud afirma que “a representação deve conter, deve

abrir um espaço para a ‘irrupção do real’” (COELHO, 1990, p.47). Coelho comenta

que esta presença do real na representação foi percebida e acionada de diferentes

maneiras por diferentes artistas. Porém que um traço comum seria o “desejo de não

ver a arte representando apenas uma irrealidade, como em momentos anteriores, do

‘projeto da Antigüidade’, de que fazem parte a Renascença ou o neoclassicismo”. E

acrescenta que, “de certo modo, essa irrupção do real na representação significa

também a realização do ideal romântico (ele mesmo uma parcela desta

modernidade) de uma união entre arte e vida...” (Ibid., p.47,48). E é prenúncio da

contemporaneidade...

Está em discussão, nestes processos de transformação artística e estética,

a questão da relação entre a arte e a realidade, como já evidente. O conceito de

mimese sempre foi fundamental para pensarmos estas relações. Cabe citar aqui que

na sua origem, o conceito de mimese (do grego mímesis) é mais abrangente do que

comumente entendido: como cópia ou reprodução, mais ou menos fiel, da aparência

sensível. Na concepção original a idéia de mimese implica representação através de

um processo de transformação, de mudança. Através da mimese temos o que

poderia ser chamado de uma segunda presença do objeto.

Em Platão há dois princípios de formação mimética: a cópia, que se afigura

pela idéia de semelhança; o simulacro, que se constitui pelo princípio da

190

dessemelhança. Aristóteles introduz outro princípio, que coloca em cena a noção de

diferença: o princípio da verossimilhança. Este apresenta o potencial persuasório da

formação mimética: o que parece verdadeiro parece possível.

É importante acrescentarmos a esta reflexão que o que se entende por

mimese abrange uma dimensão histórica no que diz respeito à elaboração de

estruturas representativas e sua interpretação. E que, como diz Francastel, a própria

percepção e imaginação têm um caráter transformativo. Em qualquer “leitura” não

existe o “olho inocente”. O signo jamais coincide com o percebido e o interpretado. O

signo é fixo e único. A interpretação é múltipla e móvel. Mímesis, pois, implica a

referência ao objeto representado para além de seu fisico. Está vinculada às

convenções que circunscrevem os momentos de realidade social. E condicionada às

raízes das estruturas miméticas em sistemas de convenções, nos quais se elaboram

representações pertinentes. (SQUEFF, 2003).

Além das questões sobre representação e mímesis, que nos levam a pensar

em sistemas de produção de imagens inseridos em contextos sócio-histórico-

culturais, e que lidam com repetição de alguma maneira, não podemos deixar de

abordar mais detidamente a noção de reprodução, tão presente em algumas das

propostas artísticas da contemporaneidade, sendo que em algumas delas, como

poderemos ver mais adiante, ainda neste capítulo, é o próprio sistema de

reprodutibilidade que se torna o meio operacional.

Walter Benjamin, no já clássico texto “A obra de arte na época de suas

técnicas de reprodução”

, em que retoma o pensamento de Paul Valéry sobre as

repercussões das inovações técnicas no campo da arte e da produção de imagens,

nos apresenta uma série de implicações a partir das possibilidades de reprodução

em arte decorrentes dos desenvolvimentos tecnológicos desde o século XIX,

especialmente, que levaram a realizações antes impensadas no âmbito da

produção, circulação e teorização da arte. Ainda hoje, na contemporaneidade,

podemos pensar os conceitos aqui implicados a partir das contribuições de

Benjamin. Escreve ele na primeira parte de seu texto:

Tradução do original alemão: “Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit”,

conforme a publicação em Textos Escolhidos / Walter Benjamin, Max Horkheimer, Theodor W.

Adorno, Jürgen Habermas. Coleção Os Pensadores. São Paulo: Abril Cultural, 1980, p.3.

191

A obra de arte, por princípio, foi sempre suscetível de reprodução. O

que alguns homens fizeram podia ser refeito por outros. Assistiu-se,

em todos os tempos, a discípulos copiarem obras de arte, a título de

exercício, os mestres reproduzirem-nas a fim de garantir a sua

difusão e os falsários imitá-las com o fim de extrair proveito material.

As técnicas de reprodução são, todavia, um fenômeno novo, de fato,

que nasceu e se desenvolveu no curso da história, mediante saltos

sucessivos, separados por longos intervalos, mas num ritmo cada

vez mais rápido. (BENJAMIN in TEXTOS ESCOLHIDOS, 1980, p.5)

Após discorrer sobre algumas das importantes inovações técnicas de

interesse artístico, desde a litografia e a fotografia, no século XIX, Benjamin situa no

século XX as grandes transformações tecnológicas responsáveis não só pela

reprodução de imagens, mas também por sua imposição como forma de produção

artística original. Destaca, porém, uma diferença fundamental entre a reprodução

feita anteriormente, por processos mais artesanais, como o da fundição e da

cunhagem, que os gregos já utilizavam, e as reproduções mediadas por aparatos

tecnológicos.

De acordo com seu pensamento, a noção de autenticidade é colocada em

xeque quando realizada uma reprodução. E tanto mais se é realizada por meios

técnicos. Diz ele que “a própria noção de autenticidade não tem sentido para uma

reprodução, seja técnica ou não” (Ibid., p.7). Mas a reprodução técnica está mais

distante e independente do original. E recorre à noção de aura dizendo que o que

fica irremediavelmente abalado na obra de arte, na época das técnicas de

reprodução, é a sua aura

. Destituída de sua aura, a imagem – não só da obra de

arte – reproduzida ou copiada é transformada num fenômeno de massas,

desvinculando-se de qualquer ligação com a tradição cultural.

Estas novas formas de produção e de concepção artística, a partir das

técnicas de reprodução, acarretaram em uma mudança de qualidade no

relacionamento do ser humano com a arte, afetando intensamente os modos de

percepção da realidade e da sociedade. Se a reprodução ocasiona a perda do que é

chamado de aura, por um lado, de outro pode dar a ver o que pelas técnicas

tradicionais não se alcança. Conforme Benjamin:

Benjamin define aura como “a única aparição de uma realidade longínqua, por mais próxima que

esteja” (TEXTOS ESCOLHIDOS, 1980, p.9).

192

No caso da fotografia, é capaz de ressaltar aspectos do original que

escapam ao olho e são apenas passíveis de serem apreendidos por

uma objetiva que se desloque livremente a fim de obter diversos

ângulos de visão; graças a métodos como a ampliação ou a

desaceleração, pode-se atingir a realidades ignoradas pela visão

natural. Ao mesmo tempo, a técnica pode levar a reprodução de

situações, onde o próprio original jamais seria encontrado.

(BENJAMIN in TEXTOS ESCOLHIDOS, 1980, p.7)

Os meios de reprodutibilidade técnica permitiram uma maior aproximação

do espectador ou do ouvinte com a obra. Benjamin coloca que talvez estas novas

condições de apreciação e contato com obras de arte, mediadas pelas técnicas de

reprodução, não alterem o conteúdo delas. Porém, de acordo com sua visão,

“desvalorizam seu hic et nunc”, isto é, “a unidade de sua presença no próprio local

onde se encontra” (Ibid.).

No próximo sub-capítulo discutiremos estas e outras questões a partir da

aproximação com algumas propostas de produção artística que se valem de meios

de produção tecnológicos, de maneira a provocar tensões entre formas de produção,

objetos de pesquisa poética e relação com o público. A questão da repetição é o

pano de fundo, sendo que os artistas e obras aqui apresentados nos ajudam a

pensar em formas de articulação de sentido, problematizando sua presença em

processos de reprodução e cópia de imagens e de procedimentos artísticos. E que

podem nos ajudar a pensar a repetição como transgressão.

193

III.2 O PROBLEMA DA AUTORIA OU DA ORIGINALIDADE

Além do foco sobre os trabalhos dos artistas cuja forma de operar com

repetição é o mote desta investigação, e a partir dos quais podemos discutir a

questão da relação entre os conceitos de representação, reprodução e cópia com a

repetição em obras e processos artísticos, pensamos ser importante estender a

análise para alguns casos bem específicos que nos ajudam a levar adiante a

reflexão sobre esta problemática.

Neste contexto pensamos em alguns artistas que utilizam a fotografia,

ligada à questão do desenvolvimento de meios técnicos de reprodução de imagem,

que remontam, especialmente, à modernidade

, e que trazem uma série de novas

questões a serem pensadas no campo da arte, particularmente no da pintura. Entre

estas questões estão também as discussões sobre o novo, original e único. As

possibilidades de reprodução da mesma imagem, através da cópia fotográfica,

transformam-se num dos principais focos de reflexão. Portanto, ao pensar em

reprodução e cópia, estamos nos referindo à relação entre representação e

repetição.

Quero enfocar aqui o trabalho de alguns artistas que se utilizam da

fotografia, como já dito, relacionada ou não a outros meios técnicos e procedimentos

artísticos

, em que se evidencia, de alguma forma, a utilização da repetição. Os

trabalhos escolhidos para esta análise são: a série de fotografias de Sherrie Levine,

da década de 1980, em que se apropria de fotografias de outros autores,

consagrados; e os trabalhos AfterWalkerEvans.com e AfterSherrieLevine.com, de

Michael Mandiberg, inicialmente. Após, em decorrência de aspectos desta reflexão,

abordarei o trabalho de Elaine Sturtevant, com pintura, mas que se utiliza de uma

‘lógica’ semelhante na produção de seu trabalho.

O surgimento da fotografia foi anterior ao que chamamos de modernidade na arte, porém o século

XIX foi o momento de construção desta modernidade, que já se esboça desde o Romantismo.

Note-se que, na contemporaneidade, é comum o uso de diversas técnicas, materiais e

procedimentos, concomitantemente, pelo mesmo artista.

194

Os trabalhos de Sherrie Levine e de Michael Mandiberg situam-se no

contexto de novas inserções da fotografia no âmbito da arte contemporânea, tendo

muito a contribuir nas discussões sobre as relações entre pintura e fotografia ou

sobre a questão da autoria, por exemplo. Neste sentido dialogam com algumas das

questões levantadas por Douglas Crimp e Joan Fontcuberta, que discutem a relação

entre fotografia e verdade, bem como as formas de aparição do fotográfico no

campo artístico. Douglas Crimp, em seu texto La Actividad Fotográfica de la

Posmodernidad (2004), aborda a discussão sobre a pluralidade na pós-modernidade

a partir do que chama de pluralidade de cópias (e não pluralismo de originais). Nesta

discussão entra em jogo a questão da fantasia de liberdade da arte, muito presente

nos discursos modernos. O texto também alude à questão do esvaziamento da

aura

pensando nesta em relação à pintura e à fotografia. E traz o debate sobre a

questão da cópia, principalmente em fotografia, em suas muitas variações. Para ele,

na atividade fotográfica da contemporaneidade, verifica-se que o sentido das ações

artísticas se situa no âmbito da subversão e superação de todas as questões de

estilo, das modalidades da fotografia como arte. E a relação com a aura se faz no

sentido de deslocá-la, e não de recuperá-la, “para demonstrar que también ahora (a

aura) es solo un aspecto de la copia, y no el original” (CRIMP, 2004, p. 157).

Os trabalhos de Sherrie Levine e de Michael Mandiberg inscrevem-se nesta

reflexão, pois, a partir de algumas questões bem específicas, que ajudam a pensar a

repetição em arte, tanto em relação ao processo de construção, quanto à poética

resultante. Sherrie Levine, a partir de 1979, realizou uma série de fotografias de

fotografias. Em uma destas séries, apropriou-se de fotografias constantes em um

catálogo sobre o trabalho do fotógrafo Walker Evans, da exposição “First and Last”.

Este trabalho insere-se na reflexão sobre as possibilidades técnicas de reprodução e

sobre as condições oferecidas a partir da pós-modernidade no que concerne à

apropriação de imagens, e de imagens de imagens.

Douglas Crimp, em suas reflexões sobre as manifestações do fotográfico na

arte pós-moderna, refere-se ao trabalho de Sherrie Levine, contextualizando-o no

que chama de subversão e deslocamento da aura – e não de sua desaparição,

conforme preconizou Benjamin. Para Crimp (2004), a aura, neste deslocamento

Referência ao pensamento de Walter Benjamin.

195

operado por trabalhos como este, de Sherrie Levine, se torna um aspecto da cópia.

Obras como esta, tocam na questão da originalidade, da autoria. Em Sherrie Levine,

o “original” do qual se apropria é, ele mesmo, uma cópia. Levine os toma de

catálogos, de revistas, de cartões postais – enfim, de reproduções já realizadas, de

representações das representações.

Neste sentido, aproximamos também seu trabalho das reflexões sobre

repetição em arte. Aqui vemos uma operação de retomada, de reprodução, de cópia,

por assim dizer, de imagens já existentes no contexto artístico. A autora as toma de

outros autores, e as apresenta como cópias. Além das próprias imagens, o título

também dá esta informação: After Walker Evans, ou After Edward Weston, por

exemplo. A imagem é a repetição de outra imagem, que, em si mesma, já se

constituía como repetição. E a fotografia primeira seria também uma repetição, no

sentido de representação fiel da realidade apreendida pela objetiva? Esta é uma

discussão que acompanha o estatuto da fotografia desde os seus inícios e que se

liga às discussões sobre o conceito de mimese também em outros campos, como o

da pintura. Para Platão já a própria pintura, como qualquer outra manifestação

artística, seria a cópia da cópia – e, portanto, imperfeita demais para levar ao

conhecimento da verdadeira natureza das coisas.

Ora, nas imagens de Sherrie Levine sobre imagens de Walker Evans, temos

imagens idênticas. A cópia da cópia é perfeita. A artista não introduz nenhuma

modificação. Não faz nenhuma interferência na imagem. Porém elas não são a

mesma coisa. Onde está a diferença entre elas? Sherrie Levine nos apresenta, ao

lado da imagem, uma referência textual – o título, que nos aponta para o contexto de

onde a imagem foi retirada. Ela nos dá uma visão de uma fotografia, declarando

abertamente o que Rosalind Krauss chamou de “pirataria” – não no sentido

pejorativo (apud FABRIS, s/d).

Ela retoma a fotografia que, a partir do original,

havia sido deslocada para uma página de revista ou catálogo, recolocando-a, com a

mesma qualidade da primeira, no contexto do qual ela se origina – um contexto

artístico.

Disponível em: <http://www.studium.iar.unicamp.br>. Acesso em 10.06.2006.

196

Há, aqui, uma repetição, que poderíamos chamar de terceira ordem. É a

terceira imagem produzida a partir de uma primeira, que circula por um contexto

diverso, por um meio estranho ao original, e que volta, a partir desta operação para

o primeiro. O que se desloca, como diferencial, neste processo, é a declaração que

remonta todo este processo. É uma espécie de vertigem, que nos recoloca de outra

forma diante da imagem, aludindo ao que temos como referencial em termos de

autoria, originalidade, falsificação, realidade... A artista recoloca, também, uma

reflexão sobre o estatuto do artista. Num mundo de perda de referenciais, resta ao

artista debruçar-se sobre os signos e simulacros que aí estão, à disposição,

substituindo um mundo real, passível de atuação direta.

No contexto da repetição em arte, que nos interessa, se coloca aqui a

questão do que está por trás de uma aparente repetição nua e direta. Um gesto

refletido, de um sujeito que se desloca, uma atitude de afirmação, produzindo uma

outra ordem de repetição. Há uma proposição, uma intenção e um algo

aparentemente invisível, no “entre” as imagens que se colocam, e no deslocamento

da terceira em relação à primeira. Por mais objetiva e impessoal que seja esta ação,

há uma operação de deslocamento. E surge um objeto – no caso, uma imagem

fotográfica – que se repete, mas que é diversa da que a originou.

Para complexificar mais ainda a questão, temos “after” Sherrie Levine, o

trabalho de Michael Mandiberg – AfterSherrieLevine.com e AfterWalkerEvans.com.

Trata-se de um site na internet, em que o artista oferece para venda, as suas

imagens das imagens de Sherrie Levine, desta vez scanneadas

. Oferece um

conjunto de textos, referências sobre o trabalho de Sherrie Levine e de imagens com

as seguintes legendas e contato para a venda, inclusive de certificado de

autenticidade:

Untitled (AfterSherrieLevine.com/1.jpg)

Michael Mandiberg, 3250px x 4250px (at 850dpi), 2001

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Termo que se refere ao uso do Scanner, periférico que torna possível a digitalização de imagens e

textos, no meio da computação.

Disponível em: <http://www.aftersherrielevine.com>. Acesso em: 10.06.2006.

197

Oferece também as imagens de Sherrie Levine, que são intituladas After

Walker Evans, com a mesma legenda, só com o título diferente, conforme segue:

Untitled (AfterWalkerEvans.com/1.jpg)

Michael Mandiberg, 3250px x 4250px (at 850dpi), 2001

Right-Click(PC) or Hold-Click(Mac) here

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Os dois segmentos do site, cujos títulos modificam-se de acordo com o

autor – ou Sherrie Levine ou Michael Mandiberg, têm as mesmas características: os

mesmos textos, as mesmas imagens, a mesma formatação... É tudo igual. Só o

título é diferente. Mandiberg leva a um outro extremo a atitude de Sherrie Levine,

distendendo os significados de sua ação. Oferece para venda, na rede,

virtualmente, as mesmas imagens que Levine havia recolocado na galeria. Agora

elas estão aí, à disposição de todos, no universo da virtualidade por excelência.

Quem quiser pode adquirir uma imagem das fotos de Levine, agora já de quarta ou

quinta ordem. A quarta seria a imagem scanneada, que é apresentada no site –

digitalizada. E a quinta é a sua recomposição digital a partir do site. Ela sai da

galeria novamente e é oferecida em outro formato, que modifica radicalmente sua

forma.

Aqui temos novamente a presença da repetição. Mandiberg retoma,

apresenta como suas, e põe à venda, as fotografias de Sherrie Levine, feitas a partir

do catálogo de uma exposição de Walker Evans. À parte as várias discussões que

se podem tecer a partir desta proposição – como a relação da fotografia com a

realidade – o que nos interessa enfocar aqui são os aspectos que envolvem o ato de

repetir. Há, nas propostas destes artistas, algo que nos escapa, algo que se faz

quase imperceptível, algo que perpassa e vai além das imagens, colocando-se nos

entremeios das atitudes e ações levadas à termo. O conceito de repetição diferencial

de Gilles Deleuze nos auxilia nesta abordagem.

Disponível em: <http://www.afterwalkerevans.com>. Acesso em: 10.06.2006.

198

No trabalho de Sherrie Levine vemos uma distensão do ato de fotografar, a

partir do momento em que não existe um original do qual se realizará uma cópia –

uma repetição. A repetição da imagem não se constitui como o mesmo. Algo se

produz a partir do ato de repetir, pela fotografia, uma imagem que já é uma cópia.

Uma terceira ordem de qualidade, ou de atributo se coloca neste entremeio. E

Mandiberg leva esta tensão mais adiante ainda, quando propõe uma quarta e ainda

uma quinta “categoria” de imagem repetida. Estes atos discutem também a questão

do fotográfico e suas possibilidades no contemporâneo, ao se “imiscuir” no

cruzamento entre linguagens e possibilidades tão distintas quanto possível, abrindo-

se a uma multiplicidade de formas de produção e de apresentação.

Imagem 112.

Untitled (AfterSherrieLevine.com/1.jpg)

Michael Mandiberg, 3250px x 4250px (at 850dpi), 2001

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Fonte: <http:// www.aftersherrielevine.com

Acesso em 10.06.2006.

199

Uma outra modalidade da mesma forma de operação, no contexto da

repetição e da cópia em arte, é o trabalho de Elaine Sturtevant. Esta artista trabalha

com pintura e se dedica a “copiar” trabalhos de Andy Warhol, Jasper Johns, Beuys,

Anselm Kiefer, Lichtenstein e Marcel Duchamp, entre outros. Abaixo, um dos seus

trabalhos, em que copia um trabalho de Andy Warhol.

Imagem 113. Elaine Sturtevant. Imagem 114. Andy Warhol.

Warhol Flowers, 1990. Flowers, 1964.

Fonte da imagem 113: <http://www.artnet.de/.../huttenlauch11-22-06.asp

>. Acesso em

10.06.2006.

Fonte da imagem 114: <http://www.icollector.com/itemlisting.aspx?sid=14251...>. Acesso em

10.06.2006.

Em matéria publicada na revista Wish Report, em junho de 2005, Juliana

Monachesi apresenta uma reflexão sobre o trabalho de Sturtevant, ligado ao de Mike

Bidlo (já apresentado anteriormente e cujo trabalho se aproxima muito do de

Sturtevant). Ela inicia o artigo apresentando um tipo de crítica preconceituosa que

cerca o trabalho de Sturtevant, bem como o de Bidlo, como segue:

Se uma bandeira de Johns ou um all-over drip de Pollock não estão

dentro do seu orçamento, você pode fazer uma jogada puramente

apropriacionista e adquirir uma Elaine Sturtevant ou um Mike Bidlo,

que tiveram uma performance surpreendente no último leilão da

Sotheby’s, muito acima das estimativas. Estes artistas fazem exatas

réplicas de mestres modernistas sob a rubrica conceitual... talvez

eles apenas não sejam capazes de inventar algo com que preencher

a tela em branco. Uma cópia feita por Sturtevant de uma bandeira

200

de Johns, estimada entre US$ 8.000 e US$ 10 mil, foi vendida pela

espantosa soma de US$ 41 mil, e para um Pollock intitulado Not

Pollock, de Bidlo, o resultado foi US$ 32.900, depois de uma

estimativa entre US$ 10 mil e US$ 15 mil. Talvez agora seja a hora

para os eruditos Sturtevant ou Bidlo adquirirem uma máquina

giratória de pintar em sua loja de brinquedos preferida?

(MONACHESI, 2005)

De acordo com Juliana Monachesi, há mais ou menos 40 anos Elaine

Sturtevant enfrenta críticas deste tipo. A opinião corrente em relação a esta forma de

atuação é de que ela simplesmente realiza cópias, o que seria uma apropriação

indevida da imagem de outro. A artista responde que "The brutal truth of the work is

that it is not copy"

. E Sturtevant - The Brutal Truth foi o título da exposição que

aconteceu no Museu de Arte Moderna de Frankfurt entre setembro de 2004 e janeiro

de 2005 e, em maio de 2005, no MIT List Visual Arts Center, nos Estados Unidos. A

primeira sala da exposição mostrava três obras: uma bandeira de Jasper Johns,

uma Marilyn de Andy Warhol e uma instalação de Gonzalez-Torres que faz alusão à

América, feita de lâmpadas e fiação que se esparramam pelo espaço. Todas elas

eram feitas e assinadas por Sturtevant.

Uma das questões candentes em torno deste trabalho é sobre se as obras

poderiam ser ou não consideradas originais. O trabalho de Sturtevant se inscreve no

que é chamado de "appropriation art" e se sustenta por 40 anos de trajetória nesta

tendência ou afirmação. Sua estréia ocorreu em 1965, na galeria Bianchini, em Nova

York.

Na análise de Monachesi, esta aponta que “do ponto de vista do conceito, é

possível ver na atuação de Sturtevant uma crítica às noções de autoria e

originalidade, além de uma proposta de revisão da história da arte”. Vemos aqui

referência a uma das questões que a idéia de repetição levanta: o paradoxo da

quebra da originalidade, ao mesmo tempo em que uma autoria é negada e outra se

afirma, concomitantemente. Outro aspecto apontado é a relação da realização da

cópia com a questão da representação.

Disponível em:

<http://netart.incubadora.fapesp.br/portal/Members/julmonachesi/folderjul/sturtevant>. Acesso em

20.11.2008.

Tradução da autora: “A verdade brutal do trabalho é que ele não é cópia”.

201

Ao notar que a bandeira de Johns, naquela primeira sala do museu,

não era realmente dele, o visitante não podia mais se perguntar,

ecoando séculos de teoria da representação, se estava diante de

uma bandeira ou de uma pintura; ele de repente se via confrontado

por uma pergunta completamente diversa: é um Johns ou uma

Sturtevant? "A dinâmica do trabalho é que ele joga fora a

representação" é outra afirmação da artista. (MONACHESI, 2005)

Um aspecto interessante é que, à primeira vista as ‘cópias’ parecem

idênticas ao original, tanto que confundem o espectador. Mas quando se olha com

mais atenção, percebe-se diferenças sutis em relação à origem. No processo de

trabalho a artista não utiliza a imagem como fonte direta. Diz ela: "É importante que

eu veja, conheça e implante visualmente todo trabalho que eu realizo. Fotografias

não são tiradas e catálogos [são] usados apenas para checar tamanho e escala. A

obra é feita predominantemente de memória, utilizando as mesmas técnicas,

cometendo os mesmos erros e assim resultando no mesmo ponto de chegada. O

dilema é que a técnica é crucial, mas não importante" (entrevista para a revista

Frieze). Vários dos trabalhos são feitos várias vezes – repetidas vezes. Assim a

artista passa pelos mesmos erros e acertos do processo criativo original. Seus

Warhol Flowers datam de 1964-65, 1969-70, 1990 e 1991. Duchamp Fresh Window

e Beuys Fat Chair também foram obras que ela fez mais de uma vez.

202

IV QUEBRANDO COM A LÓGICA DO MESMO: UTOPIA?

203

Cada obra artística e cada filosofia tiveram e ainda têm uma janela

utópica onde se inscreve uma paisagem que apenas e

permanentemente se esboça...

Ernst Bloch

Vemos em Bloch, e no seu modo de refletir sobre as questões artísticas,

vale dizer, sobre o potencial do ato criador diante da “mesmice” do mundo, uma

perspectiva muito singular.

Este mundo, onde ele é compreendido historicamente, é um mundo

da repetição ou do grande sempre-outra-vez, é um palácio de

fatalidades, como Leibniz o denominou sem romper com ele. O

evento torna-se história; o conhecimento, rememoração; a

festividade, comemoração do que já ocorreu. (BLOCH, 2005, p.16).

Para Bloch o passado está sempre aí, novamente. Ele aponta para o caráter

do “dado pronto” que marca todo o pensamento e desenvolvimento do conhecimento

no mundo ocidental. Vivemos numa cultura, num modo de organização social que

determina o cotidiano dos indivíduos, institucionalizando valores, juízos, padrões e

identidades. No processo de homogeneização da sociedade não há muitas

alternativas para a construção da subjetividade, sequer de uma articulação entre o

individual e o coletivo, que leve em conta a multiplicidade e a diversidade que dele

fazem parte. Tampouco se percebe, neste contexto, a existência de um desejo de

vontade transformadora. “A repetição embota até mesmo estímulos fortes...”(Ibid.,

p.115).

A perspectiva de Bloch é a de transformação da realidade cotidiana,

presente, a partir da consciência do ato de vontade criadora. Somente um ser

humano que produz sonhos, acordado, poderá vislumbrar o que ainda não é, mas

que pode ser. Não que poderá ser – mas que pode ser, no presente. O ato de

Versão da autora, do francês: “Chaque oeuvre artistique et chaque philosophie ont eu et ont encore

une fenêtre utopique où s’inscrit un paysage qui ne fait que s’esquisser…” (BLOCH apud VERNER,

2000, p.175).

204

criação tem, para ele, a força de instaurar uma nova realidade. E nova não porque

de todo desconhecida, mas porque institui uma nova possibilidade pelo rompimento

do que está aí, sempre repetido. Para Bloch, existe uma dimensão ideológica nos

mecanismos de repetição, de reprodução do que já está dado. E que visa

justamente a continuidade, a permanência do que está aí.

Lorraine Verner, em seu texto “L’utopie comme figure historique dans l’art”

(2000), aponta para o que chama de traços de uma presença utópica, tanto em

práticas artísticas contemporâneas, como em discursos sobre estas práticas. Para

refletir sobre as relações entre arte e utopia, desde os inícios do século XX, a autora

discute algumas idéias dos filósofos Ernst Bloch e Louis Marin, e do artista alemão

Jochen Gerz. Em suas reflexões estes autores vêem, na arte, a possibilidade de

olhar de forma diferente para o mundo, questionando as ideologias dominantes, no

sentido de uma transformação da realidade. A utopia tem um caráter paradoxal. Ao

mesmo tempo em que faz a crítica do presente, projeta-se num discurso de ficção.

Não é utilizável, segundo Gerz. De acordo com Marin, a utopia “faz emergir a face

de sombra da ordem estabelecida, numa ficção, figura de negatividade histórica”.

Daí sua força de transgressão. E, segundo Bloch, longe de nos assegurar de

qualquer coisa, a utopia introduz a categoria do possível, de um “ainda-não”, que

tem caráter dinâmico, mas também de inacabado, indeterminado e incerto.

Segundo Ernst Bloch, a utopia é a esfera do desejo, das esperas e

da esperança, e ela engloba a arte em geral, toda espécie de

antecipação cultural. A obra de arte nos coloca no limite de

possibilidades atuais-reais do mundo e da sociedade: ela é, em si

mesma, abertura de um espaço de manifestação do que ainda não

é, espaço utópico que Bloch designa como “um laboratório mas

também uma festa de possibilidades executadas como também de

alternativas nelas experimentadas. (VERNER, 2000, p. 188)

Para Bloch a obra de arte tem a força utópica de participar da reconstrução

da sociedade presente. Esta força consiste em fazer estremecer as “fronteiras da

Versão do original, pela autora: “Selon Ernst Bloch, l’utopie est la sphère du désir, des attentes et

de l’espérance, et elle englobe l’art em général, toute espèce d’anticipation culturelle. L’ouevre d’art

nous met à la limite des possibilités actuelles-réelles du monde et de la société: elle est par sa force

même ouverture d’un espace de manifestation de ce qui n’est pas encore, espace utopique que Bloch

désigne comme ‘un laboratoire mais aussi une fête de possibilités exécutées ainsi que des

alternatives expérimentées en elles’”.

205

ordem estabelecida e abrir um ‘não-lugar’”, um novo espaço, onde o sonho e a

imaginação realizem seu trabalho de quebrar com a lógica dominante (Ibid.). O que

retoma as palavras da epígrafe deste capítulo: cada obra artística e cada filosofia

tiveram e ainda têm uma janela utópica onde se inscreve uma paisagem que apenas

e permanentemente se esboça...

Para Jameson, assim como para Marin, a utopia tem esta característica de

negatividade. Diz ele: “A utopia é, de alguma forma, negativa, e é tanto mais

autêntica quanto menos pudermos imaginá-la...” (JAMESON, 2004, p.274). A função

desta negatividade é justamente demonstrar nossa completa incapacidade de

imaginar, “revelando a clausura ideológica do sistema no qual nos encontramos

confinados e presos” (Ibid.).

Isto posto, retomamos nossa tentativa de articulação entre pensamento

utópico, teoria psicanalítica, filosofia da diferença e ato criativo, tendo como eixo de

ligação entre estes campos, nesta investigação, a questão da repetição.

Os trabalhos que tomamos como fios condutores desta reflexão, a saber, a

série Terra Modelada de Anna Maria Maiolino, as pinturas com barro de Nick Rands

e as Seis Famílias de Objetos de Patrícia Franca, nos conduzem a pensar a

repetição a partir da diferença, da produção do novo, da abertura para múltiplas

possibilidades de articulação entre o gesto instaurador da obra e a poética

resultante.

Estes artistas operam com repetição do gesto, numa lógica diferente da

apontada por Bloch no contexto do plano sócio-político-histórico. A produção da

repetição, tal como a encontramos no campo da arte e especificamente nestes

trabalhos, talvez possa criar condições para vislumbrar a quebra de mecanismos de

repetição dentro da lógica que está aí, no cotidiano – a da repetição estagnante, que

embota os sentidos e que anestesia ou paralisa – tal como vista por Bloch.

Este modo de intervenção no cotidiano também é possível desde o ponto de

vista da psicanálise, onde a repetição é a tentativa, sempre frustrada, de chegar a

206

um ponto inacessível. Este trajeto, porém, é sempre refeito com a construção de

diferentes traçados. Ele demanda o novo.

De acordo com Sousa, “precisamos cada vez mais de um pensamento

poético que, uma vez instaurado, produza efetivamente um fazer político no sentido

pleno da palavra”. A produção poética tem uma capacidade de revigorar, de tocar

nos limites do representável, de contornar com determinação as fronteiras do

informe. “Produz, portanto, um pensar contra. Assim busca esburacar o véu de

cegueira que a racionalização e o tecnicismo contemporâneo nos impõem” (SOUSA,

2008, p.49). Diz ainda que:

Vivemos contaminados pelo ontem, pelo mesmo, pelo senso comum

que anestesia as potências criativas que todos em algum canto da

alma possuem. A utopia está tanto nos grandes movimentos sociais

que a história já conheceu, mas também nos pequenos atos que

podem revolucionar o dia de qualquer um de nós. Superar o velho

hábito confortável que nos conduz à mesma trilha no meio do

deserto, dizer o que ainda não se disse, imaginar o que ainda não

existe é o que alimenta a esperança. (SOUSA, 2005a)

O fazer poético de Anna Maria Maiolino se abre para esta potência do

pequeno ato, repetido inúmeras vezes, com grande investimento de energia gestual

e corporal. As formas em argila se amontoam em suas instalações como que

inquirindo sobre os limites da possibilidade de existência da própria forma, do fazer

do artista, da presença do informe...

Em N Vezes Um, de 2001, ainda da série Terra Modelada, a acumulação de

formas curvilíneas pelo chão e as formas aderidas à parede, cada uma pela pressão

do dedo sobre uma pequena porção de argila, nos dão, em parte, a dimensão desta

potência. Não se pode falar de representação, mas talvez de presença do gesto,

‘encarnado’ na matéria argila. A forma resultante da ação das mãos e do corpo da

artista deixa registro. Cada forma, cada porção de massa de barro seria uma

representação do gesto? Aqui estamos diante de um limite proposto a partir da

poiética singular de Maiolino.

207

Imagem 115. Anna Maria Maiolino. N Vezes Um, 2001.

Vista parcial, Série Terra Modelada.

Art in general, Nova York.

Fonte: MAIOLINO, 2007.

208

Imagem 116. Idem, Detalhe.

Fonte: MAIOLINO, 2007.

209

A lógica operante nesta proposta é a da repetição, mas não aquela

repetição que “embota” os sentidos, segundo Bloch. Vemos nesta investida do ato e

de formas repetitivas um outro tipo de lógica, que diz mais de uma força produtora

da diferença. O olhar sobre o trabalho convoca o pensamento no sentido de voltar-

se para o gesto do cotidiano. Este é um dos aspectos presentes na obra. Outro é

aquele que faz pensar na qualidade deste tipo de produção, oferecida no seio de

uma sociedade regida pelos meios tecnológicos mais avançados e que permitiriam a

produção em grande escala de peças deste tipo, com muito mais precisão e muito

mais semelhantes entre si a partir de um modelo original – também forjado

tecnologicamente.

Os meios técnicos de que dispomos hoje poderiam apagar todas as

imperfeições, todas as pequenas diferenças entre uma peça e outra, dando um

aspecto menos rude e mais padronizado, homogêneo e impessoal. A carga de

envolvimento pessoal, do corpo e de um processo lento e constituído por um saber

que vai se construindo no fazer se perderiam, caso a forma de constituição se

pautasse pela rapidez e eficiência de formas tecnológicas de produção.

Neste sentido o trabalho se elabora numa contramaré. No contexto da

produção contemporânea, tempo da qualidade total, que inclui rapidez, precisão e

otimização na produção de grandes quantidades, e de produtos que tenham

utilidade bem definida e garantia de boas vendas, esta forma de fazer não tem lugar.

Mesmo no circuito artístico há uma demanda pelo objeto vendável, que não é o caso

destas grandes quantidades de formas modeladas em argila, cruas, quebradiças,

disformes...

Edson Sousa, a partir do pensamento de Claude Amey, entende utopia

“como experiência de um fazer; experiência poïética onde a forma se encontra,

inúmeras vezes, ameaçada pelo informe do amanhã. A utopia seria manter o

amanhã como informe” (SOUSA, 2008, p.48). Nenhuma utopia, para este autor,

“pode prescindir de uma prática que é condição mesma de sua enunciação. Assim,

ela não pode se dizer de todo antes da ação e ao mesmo tempo sabemos que esta

ação é fundamental para seu conceito” (In: SOUSA, Idem).

210

Utopia e desejo estão intrinsecamente ligados, sendo que, para Roger

Dadoun esta relação é sempre inconclusa e aberta. Utopia implica desejo. Amey,

citado por Sousa, quando se refere à produção contemporânea em arte, afirma que

a utopia está presente quando se pode perceber, nas obras e ações artísticas, um

efetivo desejo de se desprender do “fluxo da cultura-mercadoria hegemônica”

(AMEY, apud SOUSA, Idem)

Este é um dos aspectos mais fortemente marcantes da obra de Maiolino, no

que toca à série Terra Modelada. A artista propõe outra forma de relação com a

matéria, com o fazer manual, com o gesto simples da mão sobre um material

também muito simples. No entanto a carga de significado desta ação sobre esta

materialidade é muito potente e tem a ver com o que se pode chamar de força de

transgressão da utopia. Estas intervenções de Maiolino sobre os fazeres, tanto da

arte como fora dela, são reinvenção, ação levada a termo no aqui e agora, propondo

outra forma de olhar e se abrindo para o inconcluso.

“O ato criativo adquire necessariamente uma potência crítica e de

desequilíbrio dos saberes vigentes” (SOUSA, Idem, p.46). Penso que o trabalho de

Maiolino se coloca como força crítica, no âmago de uma sociedade que se crê cada

vez mais sabedora em relação ao domínio sobre os fazeres, a matéria e as formas,

tecnologicamente falando. Por extensão há, também, uma crença na infalibilidade

dos processos técnicos e um efeito disso tudo sobre as mentes e olhares de

pessoas cada vez mais necessitadas disto. Neste sentido a obra funciona como ato

utópico.

Luiz Camillo Osório, ao se referir à poética de Maiolino utiliza o termo ‘utopia

do significante’, utilizado pelo poeta Haroldo de Campos, para aludir à “capacidade

da linguagem artística produzir sentidos sem uma segurança referencial pré-

determinada” (OSÓRIO, s/d, Anexo C.1.1, p.284).

De acordo com este ponto de

vista, nos aproximamos novamente de um dos pontos cruciais da psicanálise, onde

o significante e o significado pertencem a lógicas divergentes. O significado é o

saber já instituído. O significante é da ordem do enigma, produzindo a

desestabilização do sentido, a suspensão da significação, a instauração do

inacabado (SOUSA, 2008, p.44,45).

211

O trabalho de Nick Rands também se inscreve nesta forma de inversão da

lógica de produção e consumo contemporâneos, além de ser pensamento crítico

dentro do próprio campo artístico.

Imagem 117. Nick Rands. Orange frottage, 2001.

Barro sobre papel, 140 x 140 cm.

Fonte: <http://www.nickrands.com>.

Acesso em 30.04.2008.

212

Imagem 118. Nick Rands. Grizedale Forest Circle, 1996.

Barro sobre pedra, Ø 300 cm.

Fonte: <http://www.nickrands.com>. Acesso em 30.04.2008.

Casualmente Rands trabalha com o mesmo tipo de material que Maiolino,

da mesma origem – a terra, o barro. A começar por este aspecto, a rudeza e

simplicidade do material utilizado contrastam vivamente com a sofisticação e

213

aprimoramento técnico conseguido em outro tipo de materialidade e instrumental de

trabalho, falando-se em pintura ou em imagem bidimensional.

Este tipo de ação não responde a uma demanda por respostas prontas, por

resultados programados, por objetos padronizados e definitivamente bem acabados.

O registro de ação do artista se situa num outro patamar da existência, que

pressupõe outro tipo de relação com o mundo, o entorno e os fazeres e pensares

possíveis a partir de cada um. Contra o fluxo do poder constituído, a obra se faz por

outra espécie de articulação de poder. Retomo a idéia de Negri, apresentada

anteriormente, para pensar na força deste trabalho criador, como poder constituinte.

O poder constituinte se define emergindo do turbilhão do vazio, do

abismo da ausência de determinações, como uma necessidade

totalmente aberta. É por isto que a potência constitutiva não se

esgota nunca no poder, nem a multidão tende a se tornar totalidade,

mas conjunto de singularidades, multiplicidade aberta. (NEGRI,

apud SOUSA, 2008, p.45)

Para Sousa, “este poder deriva das condições de enunciação do sujeito.

‘Deriva’ que desconhece qual o ponto de destino do percurso. Viagem , portanto,

sujeita a todas as surpresas. Viagem poïética” (Ibid.). De acordo com Rands, o

trabalho se desenvolve a partir de uma pontuação inicial e depois disto, é

preenchimento do vazio. Existem parâmetros para as ações, mas estes impulsionam

para o vazio a ser preenchido.

O processo de feitura da obra é como viagem, em que a passagem vai

sendo demarcada. Assim como acontece na coleta das terras com as quais pinta,

que são decorrentes das passagens do artista por vários territórios, em viagens

diversas. Há algo de nômade em seu trabalho. Algo está sempre em movimento, se

deslocando errante, mas não a esmo. Cada ponto de terra demarcado na superfície

da pintura é um rastro, um pouco de outro lugar, rearranjado, reterritorializado.

Conforme aponta Moreira, a pintura, na poética deste artista, “é um território que

deve ser ocupado, percorrido e vivido” (MOREIRA, 2005).

214

No trabalho de Nick Rands há um investimento também do corpo, que viaja,

que caminha e que ‘dança’ na frente da tela ou parede em que deixa marcas. É algo

pessoal, que diz de alguém. Porém é feito com a despretensão de quem segue um

traçado estratégico, que é elaborado a partir do momento em que a ação inicia e

termina quando a tarefa está cumprida – quando um vazio foi preenchido. E que

deixa brechas para quem se dispõe a encontrá-las. Pois, “o caminho dos seus

gestos reconstitui uma paisagem que não é imagem, mas matéria. É a compreensão

de que um lugar, com sua complexidade perceptiva, só pode ser evocado e nunca

representado” (Ibid.). O vazio se torna lugar de evocação.

Há um aspecto utópico neste fazer, que lida com a constituição de

possibilidades sempre diversas, a partir de elementos deslocados de vários lugares

para outros. É como se neste fazer se reconfigurassem outros possíveis, pela

presença de algo do real, reordenado, e que se afirma pela repetição – mas uma

repetição que não embota os sentidos.

“Criar é abrir descontinuidades, interrupções neste fluxo do mesmo”

(SOUSA, 2006, p.11).

O ir e vir de Rands cria condições de rearranjos constantes

com o que vai sendo trazido para preencher vazios. Os espaços de trabalho são

sempre outros, solicitando a marca do viajante de passagem. E cada espaço

investido desta forma, ao mesmo tempo em que responde a uma demanda de

preenchimento aponta para o vazio que ainda permanece. Cada espaço trabalhado

por Rands, no tempo necessário para seu ‘preenchimento’, é demarcação de

intervalo. Contém nele mesmo muito mais do que é visível e abarca a presença do

que está para muito além de seus contornos.

Para Bloch a categoria da esperança é o que vai permitir pensar um futuro

que se engendra no presente, sendo o ato criativo uma força que pode causar

perturbações ao instituído e sempre mesmo. Pela ação criadora se pode construir o

que ainda não foi pensado, já que, como ele diz, “a aglomeração das coisas havidas

obstrui totalmente as categorias do futuro” (BLOCH, 2005, p.180).

Disponível em: <http://loja.fronteirasdopensamento.com.br/site2007/default1.asp?menu=artigos>.

Acesso em: 22.11.2008.

215

Através da repetição pela diferença, que se sobrepõe às repetições

aniquilantes do sistema vigente, se opera uma reviravolta no processo de

constituição de imagens possíveis. De acordo com Sousa,

Podemos situar a função das utopias como uma espécie de furo no

plano dos conceitos e imagens instituídas, abrindo, portanto, a

possibilidade de novos conceitos e novas imagens. A utopia instaura

um outro tipo de contato acionando uma compreensão que vem

plena de esperança, de invenção, recusando a repetição das

catástrofes, a que assistimos passivos e resignados. A utopia é aqui

pensada como marca maior da função da cultura, ou seja, aquela

que ainda sabe cultivar o solo e que, mesmo que possa planejar o

plantio, não sabe exatamente qual será o contorno e a dimensão da

colheita. (SOUSA, 2006, p.3)

Um sistema de re-elaboração de imagens, através da repetição, é o que

percebemos também na poética da artista Patrícia Franca. A artista evoca o que

chama de princípio dinâmico da repetição, que introduz a noção de desequilíbrio e

de instabilidade, baseada em Deleuze, para situar o seu trabalho com as famílias de

objetos.

Há, para a artista, uma repetição visível, mas que esconde outra, de

natureza diversa, que é calcada no desejo de quem a produz. Suas repetições são

acionadas pelo desejo de gerar espaços e de criar territórios; de deixar o gesto

explorar infinitas possibilidades de configurações, gesto este que dá margem a

tateamentos (FRANCA, 2004) – fala mencionada no capítulo I.3. A maneira de

perceber as próprias ações é de que no processo criador vão sendo geradas

margens. É nestas margens que acontece a aparição do múltiplo, do possível, a

partir dos tateamentos exploratórios. A imagem do tatear é chave para entender a

ação da artista. Ela leva a pensarmos em um fazer que vai se fazendo enquanto o

processo está em curso. Não há o pré-determinado, o já concebido como produto

final. Cada ação leva à outra. Cada coisa que surge remete à outra. Novamente a

idéia da poïética, como fazer em se fazendo.

As famílias de objetos foram surgindo aos poucos, a partir de uma ação

inicial sobre telas abandonadas, sobre as quais se produziram uma série de

Idem nota 76.

216

intervenções utilizando a repetição. Refletindo sobre esta parte inicial do processo,

Patrícia franca escreve:

Os rolos foram criados em séries, mas cada um conservou sua

presença individual. O idêntico não nos interessa, mas sim a idéia

de nele criar diferenças; são rolos, mas como numa família seus

membros se diferenciam por tamanho e forma. A repetição nos

ensina que é, de fato, impossível fazer a mesma coisa duas vezes

seguidas, as nuances são mais fortes a cada vez. Daí a

possibilidade de uma leitura no sentido dinâmico: decompor é

recompor, destruir é reconstruir e é de se esperar novas redes de

pensamento através da desconstrução. (FRANCA,1994)

Imagem 119. Patrícia Franca. Receptáculos de Coisas, 1992.

Suportes de dimensões variáveis, aqui chassis de madeira recoberto com tela pintada (aqui com

“acolhida do silêncio).

Fonte: FRANCA, 1994.

Do original: “Les rouleaux ont été créés en séries, mais chacun gardait sa présence unitaire.

L'identique ne nous intéresse pas, mais l'idée de créer des différences dans le même; ce sont des

rouleaux, mais comme une famille, ses membres se différencient par leur taille et forme. La répétition

nous apprend qu'il est en fait impossible de faire le même deux fois de suite, les nuances sont plus

fortes à chaque fois. D'où la possibilité d'une lecture dans le sens dynamique: décomposer c'est

recomposer, détruire c'est reconstruire et l'on peut attendre de nouveaux réseaux de pensée à travers

la déconstruction.”

Disponível em: <http://www.eba.ufmg.br/patriciafranca/textos/assolementdelapeinture.html>. Acesso

em 22.05.2008.

217

Imagem 120. Patrícia Franca. Receptáculos de Coisas, 1992.

Suportes de dimensões variáveis, aqui chassis de madeira recoberto com tela pintada.

Fonte: FRANCA, 1994.

Durante o fazer, mesmo repetindo os procedimentos sobre o mesmo tipo de

objeto ou materialidade, cada um dos rolos de tela iniciais se configura como algo

diferente. E este aspecto, enfatizado pela percepção, no momento da feitura, torna-

se o mote para a continuidade do trabalho. A constatação de uma impossibilidade no

repetir é percebida na práxis. E passa a fazer parte das intenções daí por diante, no

desdobrar-se desta e de outras séries interligadas entre si. Cada família é uma série,

formada por elementos que se assemelham, mas que diferem entre si. Conforme a

artista, “a repetição que nos interessa é a apresentação das mesmas coisas, mas

com aspectos diferentes” (FRANCA, 1994).

Versão do original: “La répétition qui nous intéresse c'est la présentation des mêmes choses, mais

avec des aspects différents.” Fonte: idem nota 78.

218

No jogo da semelhança, do querer, do gostar, da identidade,

subsiste como um tecido escuro e calado o outro lado do parecer: a

dessemelhança. A relação com o mundo muitas vezes trai essa

sombra oculta, onde preferimos tentar modificar tais formas, resistir

a elas ou guardá-las em segredo na intimidade de nós mesmos. É

como olhar as próprias mãos e sentir nelas uma independência

elucidativa, uma disparidade em relação à lógica geral na ordem dos

termos reconhecidos. Esse elo, que podemos chamar de brecha,

distância, separação ou perda, subsistiu na arte e subsiste mais do

que nunca para aqueles que trabalham com o objeto artístico agora.

(FRANCA, 1996)

A artista parece aludir ao jogo entre semelhança e diferença que permeia o

cotidiano, como parte da existência. Há uma lógica geral, do saber instituído, do que

é de imediato reconhecido. Há, porém, um lado oculto, que esconde as diferenças,

divergências, disparidades, que se pretende sempre apagar. O saber vigente não

tolera o que não se identifica. Na arte, ao contrário, o dessemelhante é matéria que

interessa. Pela criação de brechas, onde algo se perde, onde não encontramos

ressonância, sintonia é que a arte subsiste, como força movente de pensamento e

do ato.

Afora o aspecto das diferenças entre os objetos das famílias, a cada nova

exposição, para cada família, percebe-se uma busca por novas maneiras de

configuração, como se pode ver nas figuras 72 e 73, p.115 e 116. O todo das seis

famílias, que se desdobram em variadas configurações, é um conjunto orgânico de

objetos, que se abre a muitas novas possibilidades quando articuladas entre si. A

cada nova configuração, objetos reaparecem, recolocados em uma nova situação,

num novo contexto de relações. Na imagem 119 (p.216), podem-se ver os rolos de

Acolhida do Silêncio sobre uma ‘mesa’, com uma outra forma de existência, agora

em Receptáculos de Coisas.

Como já apontado, Franca entende suas articulações com e entre as séries,

nesta busca por sempre novas configurações, em que retoma estados precedentes,

reelaborando-os, como abertura para pensar a série, em si, como inventário do resto

(FRANCA, 2004). Este resto seria aquilo que se abre em cada série para ser

Disponível em: <http://eba.ufmg.br/patriciafranca/textos/dessemelhança.html>. Acesso em:

22.05.2008.

219

explorado na seguinte, sucessivamente, indefinidamente. A repetição, neste

processo, é estratégia e possibilidade de exploração, de ampliação das margens...

“É seguramente nas bordas e nos interstícios entre intuição e pensamento, materiais

e possibilidades, que se processam e se renovam nossos trabalhos”, diz Franca

(1994, p. 260).

Retomando o pensamento de Sousa, à pág. 215, podemos nos referir ao

jogo com a repetição nas famílias de Franca e entre elas, nas diversas formas de

apresentação que vão se engendrando como rizoma, utilizando a figura de

esburacamento no plano de imagens e conceitos constituídos. Esta é função da

utopia e do ato criativo. A utopia quer quebrar com a reprodução e repetição do

mesmo. O ato criativo, utilizando a repetição pela diferença, faz o mesmo. Novas

possibilidades, configurações e redes de conceitos e imagens se formam a partir da

articulação da repetição diferencial. O que nos faz pensar na relação do fazer

artístico com o laço social, juntamente com Sousa:

A utopia implode qualquer burocracia pela sintonia que tem com o

fazer poético tanto na sua condição de invenção de novas metáforas

bem como (e talvez seja este o ponto mais radical) uma suspensão

de sentido que reativa a imaginação. (SOUSA, 2006, p.12)

Neste sentido pensamos na repetição como dispositivo de transgressão. A

idéia de criação de novas metáforas e de suspensão de sentido – que reativa a

imaginação – joga com a idéia de repetição como fracasso. O fracasso em repetir o

sempre mesmo faz abertura para o diverso, novo, diferente. E quebra com a lógica

vigente na realidade ordinária.

A transgressão, num sentido positivado, que não comporta a perversão

(vide introdução), pode ser entendida como aquilo que faz surgir o novo, o estranho,

o desconhecido, o outro. Este sentido para a transgressão aponta possibilidades de

Do original: “C’est bien sur les bords et les interstices entre intuition et pensée, matériaux et

possibilités, que se jouent et que se renouvellent nos travaux.”

Idem nota 76.

220

invenção e criações que ultrapassem o já existente, protegido pela interdição (as

proibições da lei ou tidas como ‘naturais’)

A problemática da transgressão situa-se entre a normalização e a

resistência a ela, na medida em que, numa sociedade disciplinar – conforme a crítica

de Michel Foucault – este é o embate fundamental em que as individualidades

encontram-se lançadas. Ou, em outras palavras, conforme Joel Birman:

O poder disciplinar se exerce pelo enunciado de normas inscritas

em dispositivos que visam à normalização das individualidades.

Como essas resistem de diferentes maneiras ao assalto do poder, a

lógica normalizadora das disciplinas as considera anormais e

mesmo francamente patológicas. Os dispositivos disciplinares, por

sua vez, exercem ações de correção para devolver ao campo do

normal tudo aquilo que penetrou nos territórios interditos da

anomalia e da patologia. (BIRMAN in: PLASTINO, 2002, p.47)

A individualidade, portanto, ao transgredir, resiste ao imperativo da

disciplina e da normalização, ultrapassando e ampliando os limites circunscritos pela

norma através do gesto de resistência. Por conseqüência se estabelece um conflito

entre o ato transgressor e as instâncias da norma. A resistência precisa ser então

enfrentada através de corretivos disciplinares, para voltar a enquadrar-se no âmbito

do normal. O gesto de transgressão comporta, portanto, um risco e funda-se num

registro ético. A experiência transgressiva é marcada pela dor e pela angústia na

medida em que, por sua interferência em ato na realidade do mundo, enfrenta as

forças contrárias do instituído. E o risco maior é a perda da segurança oferecida pelo

sistema normativo, que lança o transgressor numa condição de desamparo – pelo

menos momentaneamente – frente ao incerto, desconhecido e imprevisível.

A transgressão questiona o sistema normativo propondo a singularidade e a

diferença como outras maneiras de regulação, que conduzem a novas formas de

subjetivação (FOUCAULT apud BIRMAN, in: PLASTINO, 2002, p.49). “Como

conseqüência, a descontinuidade e a ruptura são as marcas inconfundíveis da

De acordo com Maria Izabel Oliveira Szpacenkopf, transgressão e interdição se complementam,

sendo ambas fundamentais para o viver em sociedade. E a interdição só tem sentido quando a

transgressão refaz constantemente seus limites. (Apud. PLASTINO, 2002, p.38).

221

experiência transgressiva” (Ibid., p.49). E a transgressão não pretende apresentar e

impor um novo sistema de normas, a partir dos quais se instituiria outra forma de

dominação. A questão é justamente a derrocada de qualquer sistema normalizador e

a afirmação de uma subjetividade, através da singularidade e diferença a ela

inerentes.

Penso que podemos pensar, nestes termos, na utopia e no ato criativo

como dispositivos de transgressão e afirmação de singularidades contra as

‘generalidades da lei’ (aludindo a Deleuze novamente). Pudemos ver nos trabalhos

artísticos aqui abordados o quanto um diferencial se faz circular por entre as ações,

gestos e desdobramentos das poïéticas implicadas. E o quanto cada obra nos

remete a refletir nos fazeres e pensares que permeiam a sua existência, bem como

naquilo com o qual nos vemos envolvidos em nosso cotidiano, tanto em nossa

subjetividade como no laço social. Ou o quanto este contato ativa nossa capacidade

de imaginação e de invenção.

222

CONSIDERAÇÕES FINAIS

223

Patrícia Franca expressa, nas palavras da epígrafe inicial, que o que define

o trabalho é o “lugar de onde irradiamos nossas questões”. A artista se refere ao

processo de pesquisa poética, que resulta na construção de uma obra artística. O

trabalho de elaboração de uma tese não é necessariamente artístico. Mas envolve

também um fazer criativo e constitui-se, sobretudo, como um lugar de onde

questões são irradiadas. Estas questões são também pessoais, além de estarem

inseridas num contexto de pensamento sobre arte – neste caso, em que o trabalho

está situado no campo da pesquisa em história, teoria e crítica de arte.

A artista também alude àquilo que permanece não preenchido por este

fazer. Há um pensar envolvido nele, que se expressa por palavras, mas também há

o que resta não expresso – que falta, que difere ou que se apaga. Por isso, talvez, o

trabalho não seja o que pensamos. Me agrada pensar este trabalho, aqui

apresentado, assim: como um lugar de irradiar questões, mas que não as encerra no

definitivamente acabado e que, mais do que irradiar, produz aberturas para outras

questões.

O início desta pesquisa esboçou-se a partir da delimitação de um lugar.

Este lugar situa-se num ponto de intersecção entre alguns campos de produção,

artística e teórica. Fazem parte dele os campos da criação artística, da teoria

psicanalítica, da filosofia da diferença e do pensamento utópico. A pesquisa se

relaciona com cada um deles a partir de uma questão central: a repetição. Para esta

delimitação foram realizados alguns ‘recortes’ dentro de cada campo, que se

constituem pela escolha dos artistas e das produções que operam com repetição, a

serem analisadas; pela abordagem do conceito psicanalítico de repetição a partir de

alguns autores fundamentais nesta área (neste caso, Freud e Lacan); pela

abordagem de um determinado ponto de vista filosófico sobre a questão, que abarca

a diferença na repetição (com referência principal no pensamento de Deleuze); e

pela contextualização destas práticas e pensamentos a ela relacionados, no âmbito

de uma visão crítica, possibilitada a partir do pensamento de alguns pensadores

224

sobre a questão das utopias e do potencial de transgressão presente no ato

artístico.

Antes da delimitação do lugar desta pesquisa há que dizer também do lugar

de onde eu venho para realizá-la. Venho do campo de estudos da história, teoria e

crítica das artes visuais. O meu olhar sobre o campo da psicanálise, sobre algumas

questões da filosofia a partir do pensamento de Gilles Deleuze e sobre as reflexões

de Ernst Bloch sobre as utopias está marcado pelas minhas possibilidades de

aproximação e pelas formas de contribuição e colaboração possíveis e necessárias

para pensar a questão da repetição em relação às práticas artísticas enfocadas.

Penso que esta forma de colaboração, entre diferentes campos de saber

sobre uma mesma questão, de interesse para a abordagem de produções artísticas

contemporâneas que operam com ou por repetição, se mostrou profícua, na medida

em que foi possível tecer entrelaçamentos e ampliar o alcance das reflexões sobre o

fazer artístico. A utilização de diferentes aparatos conceituais, mesmo que nem

sempre alinhados num mesmo registro, numa mesma forma de conceber os

conceitos e suas implicações teóricas específicas, se mostrou pertinente e produtiva.

Há diversos modos de abordar algumas questões teóricas, conceitos ou noções.

Porém existem formas de dialogar e de relacionar as questões com as produções

artísticas abordadas, que vêm ampliar a compreensão sobre seus modos de

existência, processos de instauração e reflexos das obras sobre o contexto de

produção.

O eixo central desta pesquisa se constitui, assim, por uma perspectiva sobre

poïéticas e poéticas que operam com repetição, com ênfase na repetição do gesto,

em que estão imbricados aspectos que remetem a pensar o cotidiano, o corpo, o

campo da produção social e da construção de ideologias. Esta perspectiva é traçada

a partir de pontos de vista diversos e nem sempre convergentes, com vistas à

produção de uma percepção sobre seu potencial de transgressão, isto é, de produzir

intervalos, brechas, rupturas nas formas constituídas de conceber a realidade, o

social e as relações que nele se operam. Neste sentido estas práticas artísticas

poderiam ser percebidas como potencial utópico. Ao lidar com e por repetição

225

remetem a pensar por uma lógica que investe sobre as repetições do cotidiano, que

são as repetições do sempre mesmo.

Um dos pressupostos gerais desta investigação é que todo ato criativo é

constituído de repetição, assim como a repetição faz parte da constituição do ser

humano, de acordo com a psicanálise, conforme apontado na introdução. Penso que

podemos dizer também que todo e qualquer ato criativo constitui-se como dispositivo

de transgressão, evocando a fala de Bloch de que “cada obra artística e cada

filosofia tiveram e ainda têm uma janela utópica onde se inscreve uma paisagem que

apenas e permanentemente se esboça...” (in: VERNER, 2000, p.175).

A repetição, entretanto, que constitui tanto o ato criativo como o ser

humano, é uma repetição pela diferença, o que se relaciona com a idéia de Bloch,

de que, pelo fato de cada obra estar sempre aberta à produção da novidade,

projetando-se como inacabada, estando sempre em permanente recomposição,

comportando a diferença, o múltiplo, a diversidade, o ilimitado, o indeterminado, o

incerto é que se pode pensá-la como dispositivo de transgressão.

A transgressão de que tratamos não é a supressão da norma para que seja

possível a instauração de outra. Não se trata de prescrever uma forma melhor para

substituir a vigente. Tampouco se trata de impor ao outro uma norma própria,

subjugando-o à subjetividade daquele que transgride um sistema normativo, o que

seria mais próximo da perversão. Pensamos em transgressão da forma como a

pensaram as utopias – ou o que se poderia denominar de um pensamento utópico:

como esburacamento do instituído, como aniquilamento daquilo que se impõe como

verdade e poder constituído, que não abre espaço para as construções da

subjetividade, com suas singularidades e diferenças, e para a produção do novo.

Penso que os trabalhos artísticos aqui abordados nos dão a ver este tipo de

intervenção, justamente ao operarem com a repetição – e pelo fato de estarem

trabalhando com repetição. Cada um dos artistas, em sua poética própria e através

de uma forma singular de tratar a repetição, nos dá possibilidades de pensar a

repetição como abertura para a diferença e para o múltiplo. Pudemos ver na análise

de cada conjunto de obras abordado como cada um opera e incorpora a repetição

226

em seu trabalho, desde o processo de produção, em que está profundamente

imbricado o gesto intencional de repetir – mesmo que isto não seja declarado

abertamente ou que nem esteja assim tão conscientemente presente no momento

da construção poética.

No trabalho da série Terra Modelada de Anna Maria Maiolino podemos ver

que existe uma clara intenção de repetir – tanto o gesto, como as formas resultantes

deste gesto que se repete. A reflexão sobre a repetição e até elaborações teóricas

sobre este tipo de ação, incluindo a de Deleuze, acompanham o trabalho, mas não

desde o seu início. A partir do que vai surgindo, em que está implícita a intenção de

repetir, vem a reflexão e a busca de referenciais para pensar a prática artística. O

trabalho vem antes, a reflexão o acompanha. Na sua reflexão sobre seu processo e

trabalho, Anna Maiolino, através de sua fala e de seu compartilhar com outros

pesquisadores, nos dá a ver o quanto tem intenção de produção do diferente através

da repetição. Ou melhor, o quanto vê em seu trabalho que a cada gesto ou elemento

que se repete a diferença está lá. Aquilo que se repetiu não é o mesmo. É sempre

outra coisa, que vai se imiscuindo por entre o acúmulo do aparentemente igual.

O contraste que se estabelece entre as formas modeladas de Maiolino e

outras formas de produção da sociedade pós-industrial é algo que faz pensar em

seu potencial crítico. Maiolino produz insistentemente acúmulos de peças

produzidas de modo muito rudimentar, com os procedimentos mais básicos da

modelagem em argila – um material, por sua vez, dos mais simples e mais utilizados

desde os primórdios da humanidade, para a produção de peças tanto utilitárias

como artísticas. O material utilizado, a forma de operar com ele, a forma de

apresentação do trabalho e a quantidade de material e peças produzidas nos fazem

perceber que, por detrás destes atos e elementos que se repetem há mais do que

uma simples afirmação do gesto. Como já referido, é possível, a partir dele, até um

questionamento sobre a prática da escultura e do que se entende por escultura, em

relação à categorização do fazer artístico, ligada a uma tradição milenar.

No meu entender o trabalho se inscreve nas discussões sobre borramentos

de limites, expansão do campo de atuação do artista e das formas de utilização das

práticas mais tradicionais, dentro de um contexto de proposições contemporâneas

227

que vêm desestabilizar o pensamento já constituído sobre a arte e seus modos de

produção. Porém, como foi possível analisar a partir do pensamento de outros

campos de reflexão e sobre as questões da repetição, tão presente neste trabalho,

há, na forma de operar desta artista, algo que aponta para outras possibilidades de

leitura e produção crítica.

As repetições de Maiolino, ao se abrirem para o ilimitado, quando nos

apresenta milhares de quilos de argila modelados em elementos mínimos, como

bolinhas e rolinhos, abrem uma perspectiva muito singular. O gesto que se repete

milhares de vezes para a produção de milhares de peças aparentemente iguais nos

faz pensar no lugar da diferença. O que se afirma neste trabalho é a diferença

presente em cada gesto e em cada elemento que se repete. Esta ação nos remete

aos gestos cotidianos, em que repetimos sem nos dar conta, em que não vemos o

que se produz nos gestos repetidos pelo corpo. As ações rotineiras dão conta de

uma forma de repetição que se pretende como repetição do mesmo, pois atende às

demandas de necessidades que se impõem sempre novamente, a cada dia ou a

intervalos mais ou menos regulares de tempo. Como lidamos com nossas repetições

diárias? Que efeitos produzem sobre nosso corpo? E mesmo neste contexto: é

sempre o mesmo que se repete?

Também podemos refletir acerca da produção do trabalho na sociedade

industrial e pós-industrial a partir deste trabalho. Os modos de produção de uma

sociedade refletem os modos de inserção do sujeito e do corpo neste contexto. O

corpo se submete a uma certa lógica de produção para dar conta de uma maneira

de produzir o que é necessário para sustentar este mesmo sistema. As repetições

do sempre-mesmo embotam até mesmo os estímulos mais fortes, conforme Bloch. E

a repetição presente nos contextos de vida em nossa sociedade e em nossa história

é uma repetição institucionalizada, institucionalizadora e estagnante. Diante do

trabalho de Maiolino somos convocados a repensar estas formas de produção e

remetidos à idéia de outra lógica: do inconcluso, investido de desejo, porque feito

com o investimento do corpo, que produz aberturas na ordem do sempre-mesmo.

O trabalho de Nick Rands também nos leva a pensar em outras formas de

produção: tanto no campo artístico como no campo do social. A materialidade

228

utilizada, coincidentemente é a mesma de Maiolino. Muda a forma de operar e o

suporte da ação. Rands elabora sistemas de atuação, no sentido de programar o

seu fazer pictórico de modo que este se desvincule de uma idéia ‘tradicional’ sobre a

inspiração do artista, que conduz o processo de feitura da obra. No seu trabalho não

é a inspiração criadora que conduz a execução do trabalho. Há uma programação

que simplesmente é executada. O momento da criação precede o da feitura. Por

outro lado, temos um resultado que não se assemelha ao que faria uma máquina. As

pinturas mostram o fazer de um corpo que se desloca e que vai deixando marcas

singulares.

Há também uma idéia de deriva em sua forma de trabalho, que se percebe

na forma de contato com a materialidade utilizada e com o suporte de suas ações.

As terras que ele utiliza são carregadas de memória e evocam a idéia de

despatriamento, na medida em que foram deslocadas de seus locais de origem para

serem agregadas a outras terras nas novas paisagens construídas por Rands. E

produzem uma espécie de repatriamento. As terras depositadas no suporte das

pinturas são também o registro, a marca do corpo do artista, que se desloca diante

do suporte assim como que inscrevendo um traçado de um outro tipo de viagem. Há

também aqui o gesto, mas um gesto que não preenche tudo. Ele percorre o vazio e

deixa intervalos.

Desta forma se conecta com algumas idéias de utopia, sendo que sua

pintura se oferece como território a ser percorrido e vivido, conforme palavras de

Jailton Moreira. E, como já observado, este vazio que permanece na obra é espaço

de indeterminação e de contaminação. Assim como a função da utopia, que se

propõe como abertura para o indeterminado, imprevisível, ainda não pensado e que

ultrapassa os limites do até então possível. E é o pequeno gesto que produz algo

maior.

Nick Rands declara não estar interessado diretamente sobre as questões da

repetição. Há outras questões que lhe interessam mais como matéria de reflexão e

pensamento. Porém o trabalho de concepção de um sistema de regras para cada

trabalho se pauta pela repetição e sua ação sobre o suporte atesta isto. A existência

dos trabalhos do modo como são só é possível através da repetição. E da repetição

229

do gesto que, por sua vez, acarreta na repetição de elementos no resultado final da

obra. Portanto é princípio fundamental em sua poïética e poética. E nos remete a

pensar nas várias questões ligadas à produção do novo e do diferente na repetição,

como foi possível perceber nas análises realizadas.

Patrícia Franca nos apresenta um conjunto de trabalhos elaborados em

estreita ligação com uma reflexão teórica, a partir da constituição do corpo do

trabalho, ligada com a questão da repetição e da repetição diferencial. As suas seis

famílias de objetos e as combinações resultantes dos cruzamentos entre seus

elementos são percebidas como desdobramentos da repetição e como

deslocamento de um diferencial que se introduz por entre as séries. Para a artista

são as diferenças constituintes do trabalho e que revelam uma diferença que é

produzida na subjetividade de quem realiza o ato criativo – portanto, de quem repete

– que tornam possível o surgimento de cada novo conjunto de objetos, que recebe o

nome de família. E declara abertamente que o que lhe interessa é justamente a

produção da diferença no conjunto de mesmos elementos da série. A ela interessa

apresentar a mesma coisa, mas com aspectos diferentes, como já declarado.

A artista alude a uma espécie de ‘resto’, que seria o que se abre em cada

série e que permite a elaboração de um novo conjunto, de uma nova série. Ela

utiliza a expressão ‘inventário do resto’ para falar disto que vai surgindo de uma

série à outra. Cada uma delas é resultado do que resta da anterior, como

possibilidade, como abertura a partir da qual é possível a criação de uma nova

condição de existência de outra coisa. Isto também tem a ver com a idéia de utopia,

que não produz o definitivamente acabado e fechado, mas que vai se desdobrando

como sempre outra nova possibilidade de outra coisa.

Franca comenta o que há de não sentido e sobre o aspecto de fracasso

presente na constituição de cada nova série. A própria necessidade de elaborar uma

nova série, desejo suscitado através de um resto da anterior atestaria a

impossibilidade de chegar a um termo do considerado como final para aquele

conjunto de ações e desdobramentos. Cada nova série seria, nas palavras da

artista, uma tentativa frustrada de recompor o que falta.

230

Para Freud também, como vimos, cada termo da série é a tentativa

fracassada de recompor uma falta. E é isto o motor da repetição. É o que também

possibilita a aparição da novidade. Neste sentido existiria um fracasso e também um

encontro, o que determina a continuidade da série.

A utopia também é marcada pelo fracasso, sendo que aquilo que propõe

não é nunca aquilo que determina o fim da série. A dimensão utópica, presente em

qualquer obra de arte, seria da ordem do ‘ainda-não’. Aponta para o que não

aconteceu e que permanece sempre imprevisível, não pertencendo ao universo do

já conhecido e previsto – nas palavras de Evgen Bavcar (2008, p.9).

Foi possível, também, no decorrer da pesquisa, perceber relações entre as

questões presentes nos trabalhos dos três artistas estudados, com as questões de

outros trabalhos, de outros diversos artistas. Estas relações possibilitaram a

ampliação da reflexão em diversos sentidos e aspectos, sendo que as considero

muito produtivas e interessantes. Também foi uma forma de contextualizar a

reflexão no âmbito da produção artística em geral, principalmente na

contemporaneidade. Há alguns trabalhos mais recentes e outros um pouco mais

antigos. Todos eles, porém, nos fazem ver alguns aspectos diferentes sobre a

temática em questão.

Em um dos capítulos abordo mais diretamente as questões da

representação, reprodução, originalidade, autoria e cópia. Não é possível falar em

repetição sem aludir a estes conceitos e sem percebê-los em algumas proposições

artísticas exemplares. O texto de Benjamin sobre a questão das possibilidades

técnicas de reprodução, que dão aos artistas novas e instigantes possibilidades de

articulação poética é um dos referenciais para estas discussões. A questão da

representação, como já dito, é uma discussão complexa e que acarreta diferentes

formas de abordagem, por diferentes campos de saber.

Dentre estes conceitos acima considero o conceito de representação o mais

complexo e que se constitui como um dos pontos de tensão deste cruzamento de

referências diversificadas. Para a psicanálise não há repetição sem representação.

Tudo o que é da ordem do simbólico ou do imaginário, registros nos quais se

231

inscreve a produção artística, é constituído de representação. Há também o

irrepresentável, mas este situa-se no registro do real, que é inacessível, a não ser

sob a forma de simbolização – aí já entra no terreno da representação. No

pensamento de Deleuze a repetição nunca é representação, como foi possível

apontar no decorrer do texto. Na repetição não há retomada nem alusão a um

primeiro termo da repetição – ou da série. A repetição, para ele, é máscara que se

constitui como sendo a própria repetição. Cada coisa repetida é a própria repetição e

não se coloca no lugar de outra. Neste sentido não representa, mas sempre se

constitui como outra coisa.

Realizei uma tentativa de expor o pensamento teórico acerca da repetição

na psicanálise e no pensamento de Deleuze em conexão com a reflexão sobre os

trabalhos artísticos abordados mais diretamente. Considero essencial para a

compreensão da discussão, que vai se delineando desde o capítulo I, com a

aproximação dos trabalhos e suas questões, o aprofundamento de algumas

questões teóricas específicas. Penso que este aprofundamento foi importante para a

apreensão do processo dos trabalhos, do que nele está implicado em termos de

repetição e para o estabelecimento de algumas reflexões que se relacionam ao

conceito de utopia e suas possibilidades de pensar o trabalho artístico com

repetição.

As questões da utopia e das formas de conceber o ato criativo como

utópico, por princípio, são abordadas a partir do pensamento de Ernst Bloch. Este

autor é importante referência para pensar a criação artística em sua função de

abertura para o novo. A arte, para ele, liga-se com a esfera do desejo e com o que

está oculto no sistema de ordem vigente. Assim como a utopia. E a utopia, que

engloba a arte, é que consegue abrir um lugar para o impensado, para o que não

estava previsto, para uma possibilidade de implosão do poder constituído e que

determina a vida de todos nós. A utopia, ligada à arte, produz a esperança sobre

possibilidades de novas formas de existência.

“A utopia está tanto nos grandes movimentos sociais que a história já

conheceu, mas também nos pequenos atos que podem revolucionar o dia de

qualquer um de nós” (SOUSA, 2005 a). Neste sentido os fazeres artísticos de

232

Maiolino, Rands e Franca podem ser vistos como fazeres políticos, pois como

produções poéticas e tendo a força de alargar os limites do até então formalizado e

do representável, colocam-se como produção que desloca as fronteiras do

conhecido. Nos remetem a outras formas de pensamento e a uma consciência sobre

nossos atos e formas de relação cotidianos. E isto especialmente por sua forma de

utilizar a repetição.

A elaboração desta pesquisa exigiu a aproximação com as produções

dos artistas escolhidos e com diversas áreas de conhecimento que possibilitassem

uma articulação teórica sobre a repetição presente nestes processos poéticos.

Penso que foi possível realizar esta leitura e que esta oportunidade se mostrou

muito rica. A partir desta investigação se abrem muitas novas possibilidades de

pesquisa, a partir de desdobramentos das questões abordadas. Uma possibilidade

de ampliação da pesquisa seria um aprofundamento das questões do corpo, da

relação entre gesto e corpo na repetição.

Enfim, considero que a pesquisa se concluiu, mas que não está

fechada a novas formas de abordagem. E espero que tenha sido possível trazer

contribuições relevantes para a construção do pensamento sobre arte e para o

campo da pesquisa em poéticas visuais, em particular sobre a questão da repetição

e suas formas de utilização no contexto da contemporaneidade.

233

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Acesso em 20.11.2008.

MOREIRA, Jailton. Texto do catálogo da exposição ...and still counting...

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250

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VENÂNCIO FILHO, Paulo. A Mão Que Faz. Catálogo da exposição lnside the

Visibie. Disponível em: <http://www.museuvirtual.com.br>. Anna Maria Maiolino.

Acesso em 14.05.2006.

251

ANEXOS

252

A – CURRÍCULO RESUMIDO DOS ARTISTAS

A.1 ANNA MARIA MAIOLINO

Nasceu em 1942, em Scalea, na Itália; Brasileira; vive e trabalha em São Paulo/SP.

Em 1954, devido à escassez provocada pelo pós-guerra, muda-se para Caracas,

Venezuela, onde estuda na Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas entre 1958 e

1960, ano em que transfere-se para o Brasil. Em 1961, inicia curso de gravura em

madeira na Escola Nacional de Belas Artes - Enba, no Rio de Janeiro, e integra-se à

“Nova Figuração”, movimento de reação à abstração e tomada de posição frente ao

momento político brasileiro. Freqüenta o ateliê de Ivã Serpa no Museu de Arte

Moderna do Rio de Janeiro/MAM. Em 1967, participa da “Nova Objetividade

Brasileira” que, entre outros preceitos, propunha a superação do quadro de cavalete

em favor do objeto, sendo organizada por críticos e artistas, entre eles Hélio Oiticica.

Entre 1968 e 1971, estuda no Pratt Graphic Center, em Nova York.

A partir da década de 1970, começa a trabalhar com diversas mídias, como a

instalação, a fotografia e filmes. Participa, em Curitiba, do 1º Festival do Filme

Super-8, premiada com o filme “In-Out, Antropofagia”, seu primeiro trabalho em

vídeo. Participa também do Festival Internacional do Filme Super-8, no Space

Cardin, em Paris; da 5ª Jornada Brasileira de Curta-Metragem, em Salvador; e do 2º

Festival Nacional de Curta-Metragem, na Alliance Française du Brésil, no Rio de

Janeiro. No final da década de 1970, a artista passa a se dedicar à performances.

Em 1978, realiza “Mitos Vadios”, num terreno baldio da rua Augusta, em São Paulo,

e, em 1981, na rua Cardoso Júnior, “Entrevidas”, quando dúzias de ovos de galinha

são espalhados pelo chão, para que o público tivesse que driblar um “campo

minado”. Na década de 1980, começa a trabalhar com a argila por influência do

artista argentino Victor Grippo. Em 1990, recebe o prêmio de melhor mostra do ano,

da Associação Brasileira de Críticos de Arte - ABCA, pela exposição individual

realizada em 1989, no Centro Cultural Cândido Mendes. Realiza em Nova York, em

2002, exposição retrospectiva acompanhada do livro “A Life Line/Vida Afora”.

Exposições Individuais

2008

“Anna Maria Maiolino”, Galeria Manoel Macedo, Belo Horizonte, Brasil.

"Laços do Olhar – Itinerância Japão”, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brasil

2007

“O acaso e a necessidade”, Galeria Millan em São Paulo, Brasil.

“Pharos Centre for Contemporari Art”, Ilha de Chipre.

"Anna Maria Maiolino", Galeria Graça Brandão, Lisboa, Portugal

2006

“Anna Maria Maiolino: Territories of Immanence”, exposição retrospectiva, (MAC),

Miami Art Central. USA.

2005

“Muitos”, Exposição retrospectiva. Pinacoteca do Estado de São Paulo, Brasil.

253

“Hilomorfor-esculturas”, Galeria Gabinete de Arte Raquel Arnaud, São Paulo, Brasil

2004

"Segmentos", Galeria Mercedes Viegas Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brasil.

2003

"Indícios, Vestígios & Outros", Galeria Gabinete de Arte Raquel Arnaud, São Paulo,

Brasil.

2002

"Mostra Antológica de desenhos, a Life Line/Vida Afora", The Drawing Center, Nova

Iorque, EUA

Residência: montagem de uma instalação “in locus” e projecção retrospectiva de

filmes Super e Videos, Art in General, Nova Iorque, EUA

1999

“Codificações Matéricas”, Galeria de Arte Celma Albuquerque, Belo Horizonte, Minas

Gerais, Brasil

“+&-“, Galeria Raquel Arnaud, São Paulo, Brasil

1997

Joel Eldestein Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brasil

Projetos Eventos Especiais. FUNARTE, Rio de Janeiro, Brasil

1995

"Inside the Visible - Begin the Begine in Flanders", Kanaal Foundation, Kortrijk,

Bélgica

Galeria Debret, Embaixada do Brasil em Paris, França

Galeria Gabinete de Arte Raquel Arnaud, São Paulo, Brasil

Casa das Artes Miguel Dutra, Piracicaba, São Paulo, Brasil

1994

Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro, Brasil

1993

Galeria Gabinete de Arte Raquel Arnaud, São Paulo, Brasil

1991

Museu do Ingá, Niterói, Rio de Janeiro, Brasil

Fundação Romulo Maiorana, Belém, Pará, Brasil

Performance Galeria de Arte, Brasília, Distrito Federal, Brasil

Galeria de Arte e Acervo da Universidade Federal de Uberlândia, Minas Gerais,

Brasil

Galeria IBEU (Instituto Brasil-Estados Unidos) Rio de Janeiro, Brasil

Galeria Anna Maria Niemeyer, Rio de Janeiro, Brasil

1989

Pequena Galeria, Centro Cultural Cândido Mendes, Rio de Janeiro, Brasil

1987

Galeria Paulo Klabin, Rio de Janeiro, Brasil

1984

Arco - Arte Contemporânea, São Paulo, Brasil

1983

Matias Marcier, Rio de Janeiro, Brasil

1982

Galeria de Arte "Casa do Brasil", Roma, Itália

1981

Escritório Brasileiro de Artes, São Paulo, Brasil

1980

Feijão com Arroz, Núcleo de Arte Contemporânea NAC - Universidade Federal da

Paraíba e Centro Cultural Cândido Mendes, Rio de Janeiro, Brasil

254

1979

Feijão com Arroz, Galeria Aliança Francesa, Rio de Janeiro, Brasil

1976

Petite Galerie, Rio de Janeiro, Brasil

1974

Galeria Arte Global, São Paulo, Brasil

1973

Galeria Grupo B, Rio de Janeiro, Brasil

1967

Galeria Goeldi, Rio de Janeiro, Brasil

1964

Galeria G., Caracas, Venezuela

Exposições Coletivas (Seleção)

2008

"Estratégias para Entrar e Sair da Modernidade: Arte no Brasil 1911-1980 na

Coleção Itaú". Instituto Itaú Cultural, MASP, São Paulo, Brasil

"Revolutions – Forms that turn", Sidney, Austrália

2007

“New Perspectives in Latin American Art. 1930–2006: Exposição de Obras de uma

década de aquisições”. MoMA, New York, U.S.A.

"La Batalla de Los Géneros”,CGAC – Centro Galego de Arte Contemporanea,

Espanha

"Role Play: Feminist Art Revisited 1960-1980”, Galerie Lelong, Nova Iorque, E.U.A

“wack! Art and the Feminist Revolution”, MOCA, Los Angeles, E.U.A.

"Atlas América, Oi Futuro", Rio de Janeiro, Brasil.

"Desenho Contemporâneo". Oficina Cultural de Uberlândia. Minas Gerais, Brasil.

"Arte em Questão – Anos 70 no Brasil". Instituto Tomie Otake, São Paulo, Brasil.

2006

"The sites of Latin American Abstraction".CIFO, Miami, Flórida. USA

"Desenho Contemporâneo", Galeria Lourdes Saraiva Queiroz. Minas Gerais, Brasil.

"Manobras Radicais", CCBB, São Paulo, Brasil.

"Entre a Palavra e a Imagem", (exposição itinerante) Fundação Luis Seone, A

Corunha, Espanha.

"Museu de Amadeo Souza Cardoso", em Amarante, Portugal.

.Accrochage 06, Galeria Graça Brandão, Porto, Portugal

Constelações Afectivas II, Galeria Graça Brandão, Lisboa, Portugal

Territories of Immanence – retrospectiva, MAC, Miami, EUA

2005

Entre Muitos – retrospectiva, Pinacoteca do estado de São Paulo, Brasil.

O Corpo na Arte Contemporânea Brasileira – Instituto Itaú Cultural, São Paulo,

Brasil.

Aspectos da Coleção 1960-1970- Arte Contemporânea: os primeiros anos, MAM,

Rio de Janeiro, Brasil

Trajetória/Trajatorias, Gabinete de Arte Raquel Arnaud, São Paulo, Brasil

2004

CASA - poética do espaço na arte brasilieira Museu Vale do Rio Doce, Espírito

Santo, Brasil.

255

Arte contemporânea Brasileira nas Coleções do Rio, MAM, Rio de Janeiro, Brasil

UNBOUND. Victoria Miro Gallery – Parasol Unit, Londres, Inglaterra

Arte Contemporânea: Uma História em Aberto – Gabinete de Arte Raquel Arnaud,

São Paulo, Brasil

Da Gravura a Arte – Arte SESC / Rio de Janeiro, Brasil

On Paper - Nicole Klagsburn Gallery, Nova Iorque, EUA

Conversa Contemporânea – Gabinete de Arte Raquel Arnaud, São Paulo, Brasil

MoMa et el Museo Latin American and Caribbean Art from the Collection of the

Museum of Modern Art – El Museo Del Barrio, Nova Iorque, EUA

30 Artistas, Galeria Mercedes Viegas, Rio de Janeiro, Brasil

Papel & Tinta, Espaço Cultural Santander, Rio Grande do Sul, Brasil

Arte Visceral, MAM, Rio de Janeiro, Brasil

2003

Ateliê FINEP. “Arroz & Feijão - 2003”- Instalação, Paço Imperial, Rio de Janeiro,

Brasil

Arte e Sociedade - Uma Relação Polêmica. Itaú Cultural, São Paulo, Brasil

Layers of Brazilian Art. Faulconer Gallery, Iowa, EUA

Coletiva 2003, Galeria Mercedes Viegas, Rio de Janeiro, Brasil

Coleções III, Galeria Luisa Strina, coord.: Nessia Leonzini, São Paulo, Brasil

2002

Genealogia do Espaço, Espaço Experimento, Parque das Ruínas, Rio de Janeiro,

Brasil

Caminho do Contemporâneo 1952/2002, Paço Imperial, Rio de Janeiro, Brasil

BEU: 1991 a 2001, uma década de Arte Contemporânea, Instituto Brasil-Estados

Unidos, Rio de Janeiro, Brasil.

Mostra Paralela no Galpão Design, Gabinete de Arte Raquel Arnaud, São Paulo,

Brasil.

Gilbero Chateaubriand: aspectos de uma coleção II, MAM, Rio de Janeiro.

2001

Virgin Territory – The National Museum of Women in the Arts. A experiência

brasileira e Lucio Fontana – Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro, Brasil

Trajetória da Luz na Arte Brasileira, Itaú Cultural, São Paulo, Brasil

Aquarela Brasileira, Centro Cultural Light, Rio de Janeiro, Brasil

“Mulheres de Laura”: Um Nó Cego, Casa de Cultura Laura Alvim, Rio de Janeiro,

Brasil

“O Século das Mulheres – Algumas Artistas”, Casa de Petrópolis, Rio de Janeiro,

Brasil

“Situações”, anos 70, Fundação Casa França-Brasil, Rio de Janeiro, Brasil

Mostra Marginalia - Anos 70 – O experimentalismo no Superoito Brasileiro. Itaú

Cultural, São Paulo, Brasil

Gilbero Chateaubriand: aspectos de uma coleção, MAM, Rio de Janeiro, Brasil

2000

"An Experiment, The Sixties Legacy", exposição internacional itinerante. Organizada

pela IC Nova Iorque, EUA. Inagurane Collection of Modern and Contemporary Art of

the National

Gallery, Praga, República Checa; Zacheta-National Gallery of Contemporary Art,

Varsóvia, Polónia; Paço Imperial , Rio de Janeiro, Brasil; University of California,

Berkeley, EUA; Portlhand Art Museum, Porthland, Oregon, EUA

Obra Nova, Museu de Arte Contemporânea, Universidade de São Paulo, Brasil

"Acervo MAM uma seleção", Rio de Janeiro, Brasil

Exposição. Brito Cimino Arte Contemporânea e Moderna, São Paulo, Brasil

256

Duas Fases do Brasil, MAM, Rio de Janeiro, Brasil

1999

“A forma na Floresta”, Museu do Açude, Rio de Janeiro, Brasil

Gravura Brasileira Contemporânea, X Bienal de Serveira, Coleção Relia Grece

Editora, Vila Nova de Serveira, Portugal

The Third Eye, Art in General, Nova Iorque, EUA

Book As Art XI, The National Museum of Women in The Arts, Nova Iorque, EUA

Realigning Vision: Alternatives Current in South America – Drawing, Museum of Art

in Miami, Florida, EUA

Fidelidade e Mémori, Litografia na Unicid, São Paulo, Brasil

1998

Roteiros, XXIV Bienal de São Paulo, Parque do Ibirapuera, Brasil

Realigning Vision: Alternatives Current in South America – Drawing, Museum of

Contemporary Art, Monterrey, Mexico

Realigning Vision: Alternatives Current in South America – Drawing, Museum of Fine

Arts, Caracas, Venezuela

Formas Transitivas: Arte Brasileira, Construção e Invenção – 1970/1998, no

Gabinete de Arte Raquel Arnaud

1997

In Site 97. San Diego (USA), Tijuana (México)

Realigning Vision: Alternatives current in South. El Museo del Barrio, Nova Iorque;

Arkansas Art Center, Little Rock, Akansas; Huntington Gallery, Austin (Texas); Still

undecided U.S. venue - Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela

Mostra Comemorativa IBEU (60 anos) 1937-1997, Galeria IBEU, Rio de Janeiro,

Brasil

Projeto Impressões Intinerantes. Casa do Brasil (fevereiro), Madrid, Espanha

Projeto Impressões Intinerantes. Centro de Estudos Brasileiros (outubro), Buenos

Aires, Argentina

1996

Inside the Visible, The Institute of Contemporary Art, Boston, EUA (Mostra Itinerante

de Mulheres Artistas do Século XX); The National Museum of Women in the Art,

Washington, EUA; Art Gallery of Western Australia, Perth, Austrália.

Projeto Impressões Intinerantes, Palácio das Artes (setembro), Belo Horizonte,

Minas Gerais, Brasil

Projeto Impressões Intinerantes. Uisna do Gasômetro (julho), Porto Alegre, Rio

Grande do Sul, Brasil

Projeto Impressões Intinerantes. Casa da América Latina (maio), Brasília, Brasil

Projeto Impressões Intinerantes. Museu da Gravura (abril), Curitiba, Paraná, Brasil

1995

Bienal Barro de America, Caracas, Venezuela

Três Gerações Artistas Mulheres, Museu da República, Rio de Janeiro, Brasil

Segmentos, Galeria P.A. Objetos de Arte, Rio de Janeiro, Brasil

Fronteira dos Vazios, Museu de Arte Moderna, São Paulo, Brasil

Mostra América, Fundação Cultural, Curitiba, Paraná, Brasil

Projeto Impressões Intinerantes. Museu de Arte de Santa Catarina (maio),

Florianópolis, Santa Catarina, Brasil

V Bienal Nacional de Santos: Artes Visuais. Santos, Brasil

1994

Fronteira dos Vazios, Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro, Brasil

Multiple Word - An International survey of artists books. The Atlanta College of Art

Galery, Atlanta, EUA

257

Arte com a Palavra - Coleção Gilberto Chateaubriand, Bolsa de Valores do Rio de

Janeiro, Brasil

Preto no Branco e/ou... Escola de Artes Visuais Parque Lage, Rio de Janeiro, Brasil

A Espessura do Signo - Desenho Brasileiro Contemporâneo, Karmeliter Kloster,

Frankfurt, Alemanha

Brasil Século XX. XXII Bienal de São Paulo, Parque Ibirapuera, São Paulo, Brasil

Projeto Impressões Intinerantes. Galeria do Museu do Ingá (abril), Niterói, Rio de

Janeiro, Brasil

Projeto Impressões Intinerantes. Escola de Artes Visuais do Parque Lage (janeiro),

Rio de Janeiro, Brasil

.oética da Resistência: Aspectos da Gravura Brasileira, MAM/RJ, Rio de Janeiro,

Brasil

1993

Brasil: "Segni D'Arte", Veneza, Itália

O Desenho Moderno no Brasil, Coleção Gilberto Chateaubriand, Galeria de Arte

Sesi, São Paulo, Brasil

Xilogravura do Cordel. Fundação Espaço Cultural da Paraíba, FUNESC, João

Pessoa, Paraíba, Brasil

Eduardo Sued, Nuno Ramos, Frida Baranek, Anna Maria Maiolino..., Shopping

Morumbi, organização Gabinete de Arte Raquel Arnaud, São Paulo, Brasil

1992

Gravura de Arte no Brasil: Proposta para um mapeamento, Centro Cultural Banco do

Brasil, Rio de Janeiro, Brasil

AMERICA - Bride of the Sun. 500 years Latin America and the Low Countries, Royal

Museum of Fine Arts, Antuérpia, Bélgica

X Mostra de Gravura, Curitiba, Paraná, Brasil

Diferenças. Coletiva Acervo do Centro Cultural Cândido Mendes. Museu Nacional de

Belas Artes, Rio de Janeiro, Brasil (Curadoria: Marcio Doctor)

O que você faz agora, Geração 60. Jovem Arte Contemporânea Revisitada, MAC,

São Paulo, Brasil

Litogravura: métodos e conceitos. Santo André, São Paulo, Brasil

1991

O Clássico no Contemporâneo. Paço das Artes, São Paulo, Brasil. (Curadoria: Paulo

Herkenhoff)

XXI Bienal de São Paulo (Instalação De Vita Migrare: Anno MCMXCI), São Paulo,

Brasil

1990

Gente de Fibra (Instalação), SESC Pompéia, São Paulo, Brasil

1989

Figura e Objeto, Galeria Millan, São Paulo, Brasil

Rio Hoje, MAM, Rio de Janeiro, Brasil

1987

IV The International Drawing Triennale, Wroclaw, Polónia

Ao Colecionador. Exposição comemorativa do lançamento do livro “Entre dois

séculos, a Arte Brasileira do Século XX na Coleção Gilberto Chateaubriand”, Museu

de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brasil

Nova Figuração Rio / Buenos Aires. Galeria do Instituto Cultural Brasil-Argentina, Rio

de Janeiro, Brasil

1986

Sete Décadas da Presença Italiana na Arte Brasileira. Paço das Artes, Rio de

Janeiro, Brasil

258

Gravura no Brasil: Anos 60. Espaço Cultural Sérgio Porto, Rio de Janeiro, Brasil

Brasil Desenho. Exposição intinerante, FUNARTE, Rio de Janeiro, Brasil

Destaque Arte Contemporânea Brasileira, MAM, São Paulo, Brasil

Caligrafias e Escrituras. FUNARTE, Rio de Janeiro, Brasil

1984

I Bienal de La Habana, Cuba

A Xilogravura na História da Arte Brasileira. Exposição Intinerante, FUNARTE, Rio

de Janeiro, Brasil

1983

VI Bienal Internacional de Arte, Valparaíso, Chile

XVI Bienal de São Paulo, Brasil - Cinema de Artista

1982

Brazilian Super-8, Millenium, Film Workshop, Inc. Nova Iorque, EUA

O.V.S.I. (Objetos Voladores Si Identificados) - Instalação. Caracas, Venezuela

Salviamo Venezia. Associazione Culturale per la Ricerca Visiva. Prodenome, Itália

Por la Victoria. Exposición Internacional de Trabajos Gráficos. Festival Internacional

en solidaridad con los pueblos de Centro América y el Caribe, México

1981

II Trienal Internacional de Desenho, Wroclaw, Polónia

HMST: 4 Instalações e 4 Artistas. Paulo Herkenhoff, Anna Maria Maiolino, Katie van

Scherpenberg e Celeida Tostes. Instalação de Anna Maria Maiolino: Entrevidas.

Paço das Artes, São Paulo, Brasil

1980

III Salão Nacional de Artes Plásticas, Rio de Janeiro, Brasil

1979

Os Artistas Amélia Toledo, Anna Maria Maiolino, Luiz Ferreira, Maria do Carmo

Secco, Maria Luiza Saddi, Mauro Kleiman, Osmar Fonseca e Rogério Luz ocupam

com atividades, mostras e debates o Espaço da Aliança Francesa de Botafogo, Rio

de Janeiro, Brasil

Multimídia Internacional ECA-USP, São Paulo, Brasil

Contemporary Brazilian Works on Paper, Nobé Gallery, Nova Iorque, EUA

II Salão Nacional de Artes Plásticas, Rio de Janeiro, Brasil

1978

Mitos Vadios (performance). Terreno baldio na rua Augusta, São Paulo, Brasil

Objeto na Arte. Brasil, Anos 60. Museu de Arte Brasileira, Fundação Álvares

Penteado, São Paulo, Brasil

1977

Arte Brasileira, Anos 60 e 70, Coleção Gilberto Chateaubriand, Casarão João

Alfredo, Recife, Pernambuco, Brasil

Arte Atual de Ibero-América, Centro Cultural de la Villa de Madrid, Espanha

1976

II Festival de Arte FPA: O Corpo. Exposições e Projeções, Belo Horizonte, Minas

Gerais, Brasil

II Festival Nacional de Curta Metragem, Alliance Française du Brésil, Rio de Janeiro,

Brasil

V Jornada Brasileira de Curta Metragem, Salvador, Bahia, Brasil

Arte Brasileira Anos 60 e 70. Coleção Gilberto Chateaubriand, Museu de Arte da

Bahia, Salvador, Brasil

III Mês do Cinema Brasileiro. Cineclube Gláuber Rocha, Rio de Janeiro, Brasil

1975

Desenho Brasileiro 1974. Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brasil

259

Mostra de Arte Experimental de Filme Super-8, Audiovisual, videoteipe. Maison de

France, Rio de Janeiro, Brasil

28 Artistas do Brasil (exposição intinerante): Museo de Arte de Lima; Museo de

Bellas Artes de Caracas; Museo de la Tetulia de Cali; Museo de Zea de Medelin,

Banco Central del Ecuador. Promoção: Itamaraty

1974

Panorama de Arte Atual Brasileira. Desenho. Museu de Arte Moderna, São Paulo,

Brasil

Carnival at New York, Museum of Modern Art, Nova Iorque, EUA

XXIII Salão Nacional de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brasil

12 Desenhistas do Rio de Janeiro. Galeria Maison de France, Rio de Janeiro, Brasil

I Festival de Filme Super-8, Curitiba, Paraná, Brasil

IX Salão de Arte de Campinas: Desenho Brasileiro. Campinas, São Paulo, Brasil

Festival Internacional do Filme Super-8, Space Cardin, Paris, França

II Feira Nacional. Centro Cultural D.C.E., Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil

Galeria Intercontinental, Rio de Janeiro, Brasil

1973

Indagação sobre a Natureza, Significado e Função de Obra de Arte, Instituto Brasil-

Estados Unidos, Rio de Janeiro, Brasil

Trienal Internacional de Gravuras originais em cores, Renchen, Suíça

XXII Salão Nacional de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brasil

Exposição “O Rosto e a Obra”. Galeria Grupo B, Rio de Janeiro, Brasil

X Bienal dos Jovens, Paris, França

II Mostra de Artes Visuais, Niterói, Rio de Janeiro, Brasil

II Salão de Artes Visuais, Porto Alegre, Rio Grande do Sul, Brasil

Expo-Projeção (som, audiovisual, Super-8, 16 mm). Organização e coordenação de

Aracy de Amaral, São Paulo, Brasil

V Salão Nacional de Arte. Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil

1972

II Bienal del Grabado Latino-Americano, San Jose de Porto Rico

XXI Salão Nacional de Arte Moderna. Rio de Janeiro, Brasil

I Salão de Artes Plásticas de Santa Catarina. Florianópolis, Santa Catarina, Brasil

Salão de Campinas, São Paulo, Brasil

1971

Salão Jovem. Campinas, São Paulo, Brasil

I Salão da Eletrobrás. Museu de Arte Moderna, São Paulo, Brasil

1968

XXII Salão Municipal de Belas Artes. Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil

Domingo das Bandeiras. Praça General Osório, Rio de Janeiro, Brasil

II Salão Esso. Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brasil

1967

VIII Bienal de São Paulo, São Paulo, Brasil

Nova Objetividade Brasileira. Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brasil

Ciclo de Estudos do E.N.S.A. (Vanguarda Brasileira). Museu de Arte Moderna, Rio

de Janeiro, Brasil

II Exposição Jovem Gravura Nacional. Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro,

Brasil

IV Salão de Arte Moderna do Distrito Federal, Brasília, Brasil

III Salão de Arte Contemporânea de Campinas, São Paulo, Brasil

XXI Salão Municipal de Belas Artes. Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil

Gravura Brasileira Contemporânea. Galeria Domma Omladine, Belgrado, Jugoslávia

260

1966

III Salão de Arte Moderna do Distrito Federal, Brasília, Brasil

I Bienal da Bahia, Salvador, Bahia, Brasil

Opinião 1966. Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brasil

1965

Salão Nacional de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brasil

1963

XX Salão Paranaense de Belas Artes. Curitiba, Paraná, Brasil

Três Artistas, Anna Maria Maiolino, Rubens Gerschman e Antonio Grosso. Clube

Alto da Boa Vista, Rio de Janeiro, Brasil

Coletiva. Enba, Rio de Janeiro, Brasil

1962

Salão do Trabalho. Galeria das Folhas, São Paulo, Brasil

1960

IV Salón de Jóvenes Pintores, Caracas, Venezuela

XXI Salón Oficial de Arte Venezoelano, Caracas, Venezuela

1959

III Salón de Jóvenes Pintores, Caracas, Venezuela

1958

Salón de Jóvenes Pintores, Caracas, Venezuela

Outros

2006

“Arte en América Latina, Articulaciones. Encuentro Académico Artbo 2006, Bogotá,

Colômbia.

2004

Cultura Brasileira – Diálogos. Anna Maria Maiolino & Silviano Santiago. Fundação

Casa Rui Barbosa, 15 de abril. Rio de Janeiro, Brasil.

Transnational Art Seminar – University of Arts London / The London Institute, 20 de

maio. Londres, Inglaterra.

II Ciranda de Psicanálise e Arte – Os Discursos Delirantes. “Desejo-Subjetividade-

Hibridade”. Museu Nacional de Belas Artes (em nome do Sr. Paulo Herkenhoff) e

Escola Lacaniana de Psicanálise e, 29 de agosto. Rio de Janeiro, Brasil

2001

Symposium: Brazil: Cross-Cultural Terrains, Janeiro 12-13 Museo Solomon R.

Guggenheim e El. Museum del Barrio. Painel com Cristopher Dunn; Roberto Da

Matta; Anna Maria Maiolino e Gabriel Perez-Barreiro. Nova Iorque, EUA

Dialogos três, Centro Cultural Hélio Oiticica, Rio de Janeiro, Brasil

Coleções

Jack S. Blanton Museum of Art, Austin, Texas, EUA

Museo del Barrio, Nova Iorque, EUA

MoMA. Museu de Arte Moderna, Nova Iorque, EUA

Museu de Arte de Campina Grande, Paraíba, Brasil

261

Departamento de Cultura da Secretaria de Educação e Cultura da Paraíba

Museu de Arte Contemporânea de Campinas, Prefeitura Municipal, São Paulo, Brasil

Museu de Arte da Prefeitura de Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil

Fundação Cultural do Distrito Federal, Brasília, Brasil

FUNARTE - Fundação Nacional de Arte, Rio de Janeiro, Brasil

Fundação Álvares Penteado, São Paulo, Brasil

Museu de Arte Contemporânea, São Paulo, Brasil

Coleção Gilberto Chateaubriand

Coleção Banco de Boston

Coleção do Centro Cultural Cândido Mendes, Rio de Janeiro, Brasil

Museu Nacional La Habana, Cuba

Museu de Arte Moderna, São Paulo, Brasil

Biblioteca Nacional do Rio de Janeiro, Brasil

Museu da Imagem e do Som, Rio de Janeiro, Brasil

Museu D. João VI. Universidade Federal do Rio de Janeiro, Brasil

Museu do Açude, Rio de Janeiro, Brasil

Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Brasil

University of Essex – Latin American Collection, Inglaterra

Museu Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro, Brasil.

Coleção Ella Cisneros, Miami, USA

Museu de Arte de Campina Grande, Paraíba, Brasil.

Museu de Arte Contemporânea de São Paulo, Brasil.

Pinacoteca do Estado de São Paulo, Brasil.

Fundação Cisneros, Caracas, Venezuela.

Prêmios

1994

Prêmio APCA (Associação Paulista de Críticos de Artes) - Os Melhores de 1993 -

Pesquisa de Linguagem, exposição "Um, Nenhum, Cem Mil", Galeria de Arte Raquel

Arnaud, São Paulo, Brasil

1989

Prêmio Mário Pedrosa - Melhor Mostra, concedido pela ABCA 1990 (Associação

Brasileira de Críticos de Arte), Rio de Janeiro, Brasil

1980

Prêmio de Aquisição - III Salão Nacional de Artes Plásticas, Rio de Janeiro, Brasil

1974

(IN-OUT Antropofagia) - Filme premiado no I Festival de Filme Super-8, Curitiba,

Paraná, Brasil

Prêmio Intercontinental 1974 - Galeria Intercontinental, Rio de Janeiro, Brasil

Fontes:

Disponível em:

<http://www.galeriagracabrandao.com/index.php?menu=art&artista_id=65&art_menu=bio>. Acesso

em 30.11.2008.

<http://www.cultura.gov.br/brasil_arte_contemporanea/?page_id=63>. Acesso em 30.11.2008.

262

A.2 NICK RANDS

Nick Rands nasceu em Chester, na Inglaterra em 1955.

Estudou Artes Plásticas na Reading University e Arte Educação na Bristol University.

Ensinou arte na Inglaterra e em Botswana, e trabalhou com Educação em Galerias

na Inglaterra. Participou como artista no Intercâmbio Southern Arts - Brasil em 1992,

e mudou-se para o Brasil em 1998. Reside e trabalha em Porto Alegre e Londres.

Estudos

1974-78 - University of Reading, Dept Fine Art. B.A. Hons Fine Art (Bacharelado).

1980-81 - University of Bristol/Bristol Polytechnic. P.G.C.E./A.T.D. (Pós Graduação).

Exposições Individuais

2007 - Obras Fotográficas. Galeria Gestual, Porto Alegre RS, Brazil

2005 - …and still counting… Bermondsey Street Studio, London

Galeria Gestual, Porto Alegre RS, Brazil

2004 - Painting by Numbers. Galeria Gestual, Porto Alegre RS, Brazil

2003 - Where the sea meets the sky. Fotogaleria, Porto Alegre Brazil

2001 - Mud Works. Espaço Cultural Sérgio Porto, Rio de Janeiro, RJ Brazil

Pinturas. Fundação Cultural de Curitiba, PR Brazil

Mud Works. Fundação Cultural de Criciuma, Criciuma SC Brazil

Earthly Spheres. Nordern Farm Arts Centre, Maidenhead, England

The Winchester Gallery, Winchester, England

Pinturas. Galeria Sotero Cosme, Casa de Cultura Mario Quintana,

Porto Alegre RS. Brazil

2000 - Pinturas. Pinacoteca da Feevale, Novo Hamburgo, RS, Brazil

263

Eye LevelsGaleria Iberê Camargo, Usina do Gasômetro, Porto Alegre, Brazil

1999 - Esferas Terrestres. Torreão, Porto Alegre, Brazil

1998 - Watching the waves/Sowing the seed. Windsor Arts Centre Windsor, England

Earthly spheres. Warehouse, Norwich, England

1996 - Line by Line. Evreham Iver, Bucks, England

Gallery in The Forest. Grizedale, Cumbria, England

1995 - Line by Line. Isambard Brunel School. Portsmouth, England

1994 - Line by Line. The Peveril Centre. Eastleigh, England

Atrium Gallery. Bournemouth University, England

Windrush Leisure Centre, Witney Oxon, England

Bridgemary Community School, Gosport, England

Ensor Byfield. Southampton, England

The Bracknell Gallery, South Hill Park Arts Centre. Bracknell,

England

1992 - Staying in Line. Bedales Gallery, Petersfield, England

Upstairs Gallery, Upton Park. Dorset, England

Instituto de Artes UFRGS Porto Alegre, RS Brazil

1982 - Photographic Pieces/Timed Activities. Axiom Centre, Cheltenham, England

Exposições Coletivas

2004 – Heterodoxia. MASC Florianópolis , SC Brazil

1+1+1. Museu da Gravura, Bagé, RS Brazil

2003 - 1+1+1. Galeria Gestual, Porto Alegre RS Brazil

Um território da fotografia. Galeria dos Arcos, Usina do Gasômetro, Porto

Alegre RS Brazil

264

III Salão National de Arte de Goiás. Goiania, GO Brazil

24º Salão de Arte de Riberão Preto. Riberão Preto, SP Brazil

2002 - III Salão de Porto Alegre. Porto Alegre RS Brazil

II Salão National de Arte de Goiás, Goiania, GO Brazil

II Salão de Arte UNI-BH, Belo Horizonte, MG Brazil

Forest The Southern Arts Touring Exhibition Service, England

2000 - Bah-zart. Obra Aberta Porto Alegre RS Brazil

II Salão de Porto Alegre. Porto Alegre, Usina do Gasômetro, Porto Alegre

1999 - Chart. Angel Row Gallery, Nottingham, England.

Coletiva Obra Aberta. Galeria Chaves, Porto Alegre

1998 – 2001 - Sticks. The Southern Arts Touring Exhibition Service, England

1997 - The Space of the Page. Henry Moore Institute, Leeds, England

1996-7 – Repetition. Corn Exchange Newbury, Winchester Gallery

The Gantry Southampton, England

Nuova Icona, Venice

Milton Keynes Crafts Guild

Artsway, Sway, England

Cacco Zanchi, Aalst, Belgium

1995 - Words. Aspex Gallery Portsmouth, England

Artspace. Square Tower Portsmouth, England

1994 - Art Kites. Milton Keynes Kite Festival. Milton Keynes, England

1993 - On Paper. Contact Gallery, Norwich, England

Repetere. Solar dos Camara, Porto Alegre RS Brazil

1992 - East End Open Studios. Deborah House, Hackney, England

1990 - Artists in Botswana. National Gallery of Botswana. Gaborone, Botswana

265

1984 - R.W.A. Annual Exhibition. Royal West of England Academy, Bristol, England

1982 - Group Photography 2. Axiom Centre , Cheltenham, England

1978 - Wessex Artists. Southampton City Art Gallery, England

Livros de Artista

1993 - Line By line. Full Stretch The Winchester Gallery

2003 – Premonitor. Arte Especifica para Livro / Book specific works

Residências de artista

1998 - Warehouse Artists’ Studios. Norwich, England

1996 - Grizedale Forest Painting Residency Grizedale, Cumbria, England

1992 - Institituto de Artes, UFRGS Porto Alegre Brasil. Southern Arts/ British Council

Brazil Exchange

Atividades didáticas, assessorias e outros

1981-89 - Professor de Arte e Fotografia. Barton Peveril College. Eastleigh

Hampshire, England

1989-90 - Chefe do departamento de artes. Kgosi Kgari Sechele ll Sênior Secondary

School, Molepolole, Botswana

1990-91 - Art Teacher. Southfield Comprehensive. Workington, Cumbria, England

1991-98 - Orientador pedagógico. The Southern Arts Touring Exhibition Service. The

Winchester Gallery, England

1995-8 - Conselheiro de artes visuais e educação do comitê Southern Arts,

Inglaterra

266

2000 - Curso de desenho: Atelier Livre da Prefeitura. Porto Alegre, Brazil

Júri de Seleção para Espaços de Exposições da SMC da Prefeitura

Municipal de Porto Alegre

Artista Convidado – Projeto de Extensão, Instituto de Artes da UFRGS

Velhas Mãos – Novas Tecnologias

2000 e 2001 - Curso de extensão. UFRGS, Art in English

Fonte:

Disponível em: <http://www.nickrands.com/>. Acesso em 30.11.2008.

267

A.3 PATRÍCIA FRANCA

Patrícia Dias Franca Huchet nasceu em 1958. Graduada pela Université de Paris

VIII (1987), mestre (1991) e doutora pela Université de Paris I, Panthéon/Sorbonne

(1995). Professora titular da EBA/UFMG e colaboradora em grupo de pesquisa da

Université de Paris I (Pantheon-Sorbonne/CRAV – Centre de Recherches en Arts

Visuels) e CRECI Paris III. Coordena o grupo Concepções Contemporâneas da Arte

na EBA/UFMG. Foi residente na Fondation Danae, França. Em 2003 participou do

colóquio de artistas pesquisadores Lê Contresens dans l’art, na Sorbonne, França.

Realiza exposições individuais e coletivas em diferentes países desde 1983.

Participou de várias exposições na França, com destaque para o Salon de la Jeune

Peinture, em Paris, onde obteve uma Sala Especial em 1993 ocasionando a

exposição Mácula. Em 1993 participou do Projeto Tremplin do FRAC Niort, França,

do Projeto Kunstverein Hurth, Alemanha e da Bienal de Nice. No ano seguinte foi

artista residente na Föndation Dänae, onde desenvolveu pesquisa, editoração e uma

exposição individual, Orange. A convite do Professor Júlio Plaza (1995) foi bolsista

recém-doutor no CAP Centro de Artes Plásticas da Escola de Comunicações e Artes

da Universidade de São Paulo, trabalhando na graduação e pós-graduação.

Ingressou na Escola de Belas Artes da UFMG em 1997, no Departamento de

Desenho, atuando também no Mestrado em Artes Visuais. Através da introdução da

fotografia no seu trabalho, iniciou um novo processo com a imagem: Absorção

Impregnação Opacidade Recobrimento, que resultou em pesquisas, publicações e

exposições. Com essa obra ganhou o Prêmio Brasília de Artes Visuais em 1998.

Recentemente mostrou o trabalho Os quatro temperamentos e participou da

exposição Transparence et Opacité, no Québec. Em 2008 segue suas pesquisas no

CRECI, na Universidade de Paris III, em estágio Pós Doutoral com orientação de

Philippe Dubois.

Exposições Individuais

2008 - Os Quatro Temperamentos, Galeria Genesco Murta, Palácio das Artes, Belo

Horizonte/MG

268

2006 - Alegoric Motiv: Variações, instalação

2005 - Pequena Constelação Semântica, instalação

2004 - Anarquivos [Pérolas]; Anarquivos: Sentimentos Topológicos I; Anarquivos

[Perda]; Lençóis; Sentimentos Topológicos I; Anarquivos: O Gabinete Verde;

Anarquivos: Sentimentos Topológicos II

2003 - Orange, Re-instalação

2001 - Uma Questão Longínqua, Usina do Gasômetro, Galeria Iberê Camargo, Porto

Alegre e Palácio das Artes

1998 - Absorção, Impregnação, Opacidade, Recobrimento, Centro Cultural Cândido

Mendes, Rio de Janeiro/RJ

1996 - Dessemelhanças, Centro Cultural São Paulo/SP

1994 - Oranges, Foudation Danäe, Centre International de Recherche et de Création

Transdiciplinaires, Pouilly, França

1994 - Zona de Impermanência, Galeria Macunaíma, Instituto Brasileiro de Arte e

Cultura, Funarte, IBAC, Rio de Janeiro/RJ

1993 - Mácula, Grand Palais, Paris

1990 - Pinturas, Palácio das Artes

Exposições Coletivas

2008 - Colagens Contemporâneas: Cruzamentos Impuros, Pinacoteca Barão de

Santo Ângelo, Instituto de Artes da UFRGS, Porto Alegre/RS

2008 - O Terceiro Espaço, Galeria Emma Thomas, São Paulo/SP

2008 - Transparence et Opacité, Le Fabrique, Québec, Canadá

269

2007 - Anunciação [Colagem],Galeria de Arte da Cemig, Belo Horizonte/MG

2007 - Ciudad Invadida, Projeto de Curadoria Internacional Itinerante, Galeria da

Escola de Belas – Artes da UFMG, Belo Horizonte/MG

2006 - Ciudad Invadida, Projeto de Curadoria Internacional Itinerante, Valência,

Espanha

2005 - Exposições coletivas: Pequenos Formatos; Pequenos Formatos II; Acervo

Espelhado; Disposição

2004 - Cinco + Sete, Exposições 1 e 2, PACE Galeria de Arte, Belo Horizonte/MG

2004 - Exposições coletivas: Microlições de Coisas; Contato II; Plasticidade; 8

Olhares; Proposta; Formar; Modular; L-Atitudes; Anarquivos: Contato

2003 - Exposições coletivas: Travessia em Suspenso; Desenho; L-Atitudes II

2002 - 14 na Rua, Pelotas/RS

2002 - Regras do Jogo, Galeria Manoel Macedo, Belo Horizonte/MG

2002 - Contato, Paço das Artes, São Paulo/SP

2001 - Galeria Celma Albuquerque, Belo Horizonte/MG

2001 - Linhas de Fuga, Espaço Cultural Cemig, Belo Horizonte/MG

2000 - L-Atitudes, Galeria da Escola de Belas Artes da UFMG, Belo Horizonte/MG

1999 - Panorâmica 98, Centro Cultural Cândido Mendes, Rio de Janeiro/RJ

1999 - Grande Círculo das Pequenas Coisas, Museu de Arte de Florianópolis/SC

1998 - Prêmio Brasília de Artes Visuais, Museu de Arte de Brasília

1997 - Dublês de Corpo - Visões do Múltiplo Contemporâneo, Galeria Múltipla, SP

270

1996 - Arte no Campus, IV Congresso da Associação Internacional de Semiótica

Visual, PUC

1994 - Projet "Le Créer", Fundation Danäe, Pouilly, França

1993 - Territoires, Le Parvi, Paris

1993 - Projeto Macunaíma, Funarte, Rio de Janeiro/RJ

1993 - Skulpturen Kunstpreis E.V, KunstVerein Hürth E.V, Hüth, Alemanha

1993 - Jeune Peinture, Palais Acropóli, Nice, França

1993 - Tremplin 1993, Moulin du Roc, FRAC, Niort, França

1993 - Histoire des Femmes, Galeria La Ferronnerie, Paris

1992 - Locus Suspectus - La Ligne l'Objet, Espace Latino-Américain

1992 - Prix Rencontres des Deux Mondes, Espace Latino-Américain, Paris

1990 - Galerie Annie Lagier, Isle-sur-Sorgue

1990 - Nuit Paris Beaubourg, Galerie La Ferronnerie, Paris

1990 - Quatre Bresiliennes Contemporaines, Galerie La Ferronnerie, Paris

1988 - Blanc Papier - Une Hommage a Krasno, Espace Latino-Américain, Paris

1988 - Festival Révolutionnaire de la Jeynesse, Parc Départemental Chérioux, Vitry-

sur-Seine, França

1988 - Jeune Peinture, jeune Expression, Galerie de Nesle, Paris

1988 - Tempus Motus, Galeira Métamorphose, Paris

1988 - Kleine Formate von Latein-Americanischen Kunstler, Galeria El Patio,

Bremen, Alemanha

271

Participação em salões

1993 - XIII Bienal Méditerranéenne, Palais Acropólis, Nice, França

1990 - Salão Paulista, São Paulo

1988 – 43º Salon de Mai, Grand Palais, França

1988 - Salão de Arte Contemporânea de Pernambuco

1987 - 42º Salon de Mai, Grand Palais, França

1983 - 23º Salão de Arte de Belo Horizonte

Prêmios

1998 - Prêmio Brasília de Artes Visuais, Brasília

1994 - Fondation Danäe, Centre International de Recherche er de Création

Transdiciplinaire, Pouilly, França

1993 - Salle Spéciale Un Jour, Un Peintre, Salon de La Jeune Peinture, Grand

Palais, França

1989-88 - Jeune Membre de L'Espace Latino-Américan, Paris

Fontes:

Disponível em: <http://www.comartevirtual.com.br/patfranc.htm>. Acesso em 30.11.2008.

Disponível em: <http://lattes.cnpq.br

/9065267896846482>. Acesso em 30.11.2008.

FRANCA, Patrícia; NAZARIO, Luiz. Concepções Contemporâneas da Arte. Belo Horizonte: Editora

UFMG, 2006.

272

B – ENTREVISTAS

B.1 ANNA MARIA MAIOLINO

Perguntas enviadas:

1. Em seus trabalhos com argila, da década de 90, há uma poética que opera

com repetição. A repetição está presente desde o processo de feitura. Que

aspectos de sua produção produzem esta repetição?

2. Como é pensada a questão da repetição em seu trabalho? Existe intenção

prévia de trabalhar com repetição? Em que sentido?

3. Há algum autor de referência pessoal para abordar a repetição em seu

trabalho? E referenciais artísticos também para esta questão?

4. A repetição está presente também em outras séries, outros trabalhos? De que

maneira se articula nestes? Há relação com os trabalhos de argila?

5. A presença do múltiplo, ligado à repetição, destaca-se em seu trabalho. Em

alguns conjuntos há uma quantidade muito grande de múltiplos, com muita

quantidade de matéria trabalhada. Qual a importância deste aspecto neste

contexto?

6. Conforme Deleuze, “em todos os sentidos, a repetição é transgressão”. Você

poderia considerar a repetição em seu trabalho como um dispositivo de

transgressão? Por quê?

7. Os trabalhos com argila são queimados ou crus? São feitos no local,

transportados...?

Resposta em forma de texto:

Iniciei em 1991, passei a utilizar a repetição de forma espontânea e intuitiva. Foi o

interesse no processo de elaboração da obra que me fez valorizar a serialidade

implícita desse processo. Há de se ter presente que minha primeira formação foi a

de gravadora. Na técnica da gravura, a tiragem da imagem é feita por repetição.

Entretanto, mesmo tendo utilizado a repetição na série de desenhos Aleph realizada

nos anos 80, somente nos anos 90 que a repetição como pulsão de vida, por tanto

sempre singular, tomou espaço na esculturas/instalações e no desenho. Nestes

trabalhos existe uma relação direta entre os materiais utilizados e meu próprio corpo,

273

a inter-relação com os gestos utilizados. A primeira exposição que realizei com uma

grande visão desse encontro com a repetição foi Um, Nenhum, Cem Mil em 1993 no

Gabinete de Arte Raquel Arnaud, quando escrevi o texto que lhe coloco a seguir.

Estas esculturas-objetos (1991-1993) são imagens de conteúdo material, formadas

na conjuntura do tempo infinito e do instante. Esta obra persegue a repetição da

ação do gesto. Gesto que, por ser natureza, não se repete. No igual há o diferente.

Essa igualdades/diferenças da ação da mão sobre a argila são recolhidas no molde

no segundo estágio do trabalho e logo petrificadas no positivo final, em gesso ou

cimento. Nestas esculturas-objetos há aspectos de trabalho em aberto -obra não

concluída-, pois no uso do módulo encontramos a possibilidade de retomada, de

acréscimo. O módulo, além de facilitar o transporte, a manipulação, é pausa,

segmento, é jornada de trabalho, que existe na continuidade possível ao infinito. No

ordenamento causal o instante se personifica no gesto em repouso. A obra foge,

assim, à “supremacia da imaginação formal”. Trata-se de uma obra dinâmica,

trabalho de continuidade da “mão criadora autônoma e, pôr isso, feliz, que sonha

seus próprios sonhos e escapa à tirania da visão, enfrenta os desafios concretos do

mundo concreto, levada pela vontade de poder, pelo poder da vontade. Expressam

devaneios de força material, movida pelas suas grandes funções psíquicas: a

vontade e a imaginação”. Movida por essa mesma vontade se dá o ordenamento da

obra ao acaso. Na intimidade da obra, a repetição do gesto: a forma (o rolinho, a

bolinha) se afirma e se anula dinamicamente, forçando a ação de um outro gesto, na

busca de uma identificação que nunca se conclui. Assim ela sempre será: “Um,

Nenhum, Cem Mil”.

Este meu escrito foi baseado num texto “Bachelard e Monet: O Olho e a Mão” de

José Américo Motta Pessanha, e o título foi tomado emprestado de uma obra de

Pirandello.

Foi a partir desta exposição e deste texto que por sugestão de meu filho, Micael

Herschmann, que em 1997 li Deleuze pela primeira vez. Lendo Diferença e

Repetição deste, me senti intima do seu pensamento e pude perceber que eu,

artista, através da experiência, resultante do fazer, havia chegado a perceber o que

Deleuze havia feito com o pensamento. É evidente que há muita maneira para a

elaboração do pensamento e a reflexão. Como nos sabemos, a arte em todos os

274

tempos, foi e é uma das metodologias que nos proporciona elaborar o

conhecimento.

É possível que a repetição seja paradoxalmente uma transgressão, no sentido que

ela busca uma continuidade e uma permanência, que contrasta com nosso mundo

contemporâneo, acelerado, em que vivemos. Este nos exigindo sempre novidades

apressadas e superficiais. Esticar o tempo do fazer, escapar da aceleração

contemporânea, buscar profundidade na relação do processo com as matérias e

perceber o gasto energético do cansaço do trabalho extensivo com a repetição é um

ganho para mim, pois posso me perceber renovada em toda repetição. Afirmo-lhe

que através da experiência pude perceber claramente o que diz Deleuze: a repetição

é sempre diferença. E há modéstia na repetição que nos engrandece, pois afirma

sempre a singularidade do ato criativo.

* A artista enviou vários textos de outros autores que discutem a questão da repetição e outras em

seu trabalho. Os textos estão na seção seguinte dos anexos.

275

B.2 NICK RANDS

Perguntas enviadas:

1. O seu trabalho com pintura se constitui a partir de uma prática que opera com

repetição. E resulta em uma poética onde esta se faz presente, se deixa ver.

Que aspectos de seu processo de produção produzem repetição?

2. Existe a intenção prévia de trabalhar com repetição? Em que sentido?

3. Em outras séries de trabalhos também é perceptível a presença da repetição.

Em todos seus processos há uma mesma maneira de perceber, pensar,

operar com ela?

4. Como você vê a relação entre repetição e variação em suas pinturas com

barro?

5. Há algum autor de referência pessoal para abordar a repetição em seu

trabalho? E referenciais artísticos também para esta questão?

6. Você vê alguma relação entre seu trabalho e o trabalho em processo de

Roman Opalka (Opalka 1965/ 1 -

∞)? Se sim, qual ou quais?

7. Conforme Deleuze, “em todos os sentidos, a repetição é transgressão”. Você

poderia considerar a repetição em seu trabalho como um dispositivo de

transgressão? Por quê?

8. As esferas foram feitas no local de coleta ou depois? Guardas as terras

úmidas para utilizar depois? As esferas são queimadas?

Respostas:

It's really quite difficult to answer your questions, as they are not really things I think

of much. Neither do I think it beneficial to think of them much. I am very reluctant to

make any form of critical (or other) analysis of my work or my practice as I do not

believe that I can pin it down. I leave that task to other people - please feel free!

There are things I consider when I set about the process of making work, but these

things are constantly varying, and emphasising one thing to the exclusion of another

would be imbalanced and would still not get to the heart of what I do or how and why

I do it, which can only be found in the work itself and its relationship with the

spectator.

276

So, I'm not going to be able to answer your questions directly, but here are a few

thoughts.

Repetition is just one factor of many in making a work. My interest in repetitive

processes is related to an interest and enjoyment of hand- made objects, manual

labour, walking, breathing.

At one stage I was concerned with repeating something very small (a gesture or

action) to form something very big, in the sense of attempting to achieve a sense of

scale. Grains of sand, footsteps walked...

Repeating processes is as good a way as any as becoming physically involved in

the process of making.

Making work using systems (and perhaps systems are really what it's about) avoids

the unproductive time in the studio spent staring at a canvas trying to make creative

decisions. When I make work using systems, most, if not all of the creative decisions

are made beforehand, and my work as a maker is simply to follow the system,

almost as a machine.

I don't consciously acknowledge any individual writers or artists. I do what I do. It is

doubtless affected by what I see and what read and hear, but there are no direct

sources. Everything, from pulp fiction to country music to Piero della Francesca to

Jackson Pollock to Robert Browning to Shakespeare etc., etc., it's all in there

somewhere, but I'm not going to try and separate it out to 'explain' things.

So, not much help I suppose, but that's all I can tell you at the moment.

I'm attaching one or two statements I have made about the work at certain stages

over the years, which may or may not be of assistance.

1. O seu trabalho com pintura se constitui a partir de uma prática que opera com

repetição. E resulta em uma poética onde esta se faz presente, se deixa ver. Que

aspectos de seu processo de produção produzem repetição? That's for the

spectator to decide if they think it's important

2. Existe a intenção prévia de trabalhar com repetição? Em que sentido? Please

see attached statements and draw your own conclusions

3. Em outras séries de trabalhos também é perceptível a presença da repetição. Em

todos seus processos há uma mesma maneira de perceber, pensar, operar com

ela? It's not really something I think about. Please see the attached

statements

4. Como você vê a relação entre repetição e variação em suas pinturas com barro?

I'm not especially interested in the relation between repetition and variation.

If the spectator finds that interesting, that's fine

5. Há algum autor de referência pessoal para abordar a repetição em seu trabalho?

E referenciais artísticos também para esta questão? Not really

277

6. Você vê alguma relação entre seu trabalho e o trabalho em processo de Roman

Opalka (Opalka 1965/ 1 - ∞)? Se sim, qual ou quais? Not particularly

7. Conforme Deleuze, “em todos os sentidos, a repetição é transgressão”. Você

poderia considerar a repetição em seu trabalho como um dispositivo de

transgressão? Por quê? Not really

8. As esferas do trabalho "Esferas Terrestres" foram feitas no local de coleta ou

depois? Sometimes where the mud was found, sometimes later. Guardas as

terras úmidas para utilizar depois? Not particularly, it's just a matter of adding

water. As esferas são queimadas? No

* Na seção seguinte dos anexos constam os apontamentos que Rands enviou em resposta às

questões, juntamente com o exposto acima.

Tradução das respostas de Nick Rands:

É realmente bem difícil responder suas perguntas, já que são coisas nas quais

realmente não penso muito. Tampouco acho benéfico pensar muito sobre elas.

Estou muito relutante em fazer qualquer forma de crítica (ou outra) análise do meu

trabalho ou prática, já que não acredito que eu possa esclarecer. Deixo esta tarefa

para outros – por favor sinta-se à vontade! Há coisas que considero quando

determino o processo de fazer o trabalho, mas estas coisas estão constantemente

variando, e enfatizar uma coisa para excluir outra, seria desequilíbrio e ainda não

chegaria no âmago do que faço ou como e por quê o faço, o que pode ser

encontrado somente no trabalho em si e na sua relação com o espectador.

Então, não serei capaz de responder suas perguntas diretamente, mas aqui vão

alguns pensamentos.

A repetição é somente um fator, entre muitos, ao fazer o trabalho. Meu interesse nos

processos repetitivos está relacionado ao interesse e prazer em objetos feitos à

mão, trabalho manual, andar, respirar.

Em um determinado estágio estive preocupado em repetir algo muito pequeno (um

gesto ou ação) a fim de formar alguma coisa muito grande, na tentativa de alcançar

um senso de escala. Grãos de areia, passos dados ...

278

Repetir processos é uma forma tão boa quanto a de estar fisicamente envolvido no

processo de feitura.

Fazer o trabalho usando sistemas (e talvez sistemas sirvam para isto mesmo) evita o

tempo improdutivo no estúdio gasto com o fixar de olhos na tela tentando tomar

decisões criativas. Quando faço trabalhos usando sistemas, a maioria, se não todas

as decisões criativas são feitas antecipadamente, e meu trabalho como um fazedor

é simplesmente seguir o sistema, quase como uma máquina.

Não faço o reconhecimento consciente de nenhum escritor ou artista. Faço o que

faço. Há sem dúvida influência do que vejo, leio e escuto, mas não há fontes diretas.

Tudo, desde pulp fiction a música country, Piero della Francesca, Jackson Pollock,

Robert Browning, Shakespeare, etc, etc, está tudo lá em algum lugar, mas não vou

tentar separar para ‘explicar’ coisas.

Então, pouca ajuda, suponho, mas isso é tudo que realmente posso lhe dizer no

momento. Desculpa pela demora em responder. Simplesmente acabo esquecendo.

Estou anexando uma ou duas declarações que fiz sobre o trabalho em certos

estágios ao longo dos anos, que podem ou não ser de ajuda.

1. O seu trabalho com pintura se constitui a partir de uma prática que opera com

repetição. E resulta em uma poética onde esta se faz presente, se deixa ver. Que

aspectos de seu processo de produção produzem repetição? Isso é para o

espectador decidir se ele achar que é importante.

2. Existe a intenção prévia de trabalhar com repetição? Em que sentido? Por favor,

veja as declarações em anexo e tire suas próprias conclusões.

3. Em outras séries de trabalhos também é perceptível a presença da repetição. Em

todos seus processos há uma mesma maneira de perceber, pensar, operar com

ela? Realmente não é algo sobre o qual eu pense. Por favor, veja as

declarações em anexo.

4. Como você vê a relação entre repetição e variação em suas pinturas com barro?

Não estou especialmente interessado na relação entre a repetição e a

variação. Se o espectador achar isso interessante, está bem.

5. Há algum autor de referência pessoal para abordar a repetição em seu trabalho?

E referenciais artísticos também para esta questão? Não realmente.

6. Você vê alguma relação entre seu trabalho e o trabalho em processo de Roman

Opalka (Opalka 1965/ 1 -

∞)? Se sim, qual ou quais? Não particularmente.

279

7. Conforme Deleuze, “em todos os sentidos, a repetição é transgressão”. Você

poderia considerar a repetição em seu trabalho como um dispositivo de

transgressão? Por quê? Não realmente.

8. As esferas do trabalho "Esferas Terrestres" foram feitas no local de coleta ou

depois? Às vezes onde o barro foi encontrado, às vezes mais tarde. Guardas

as terras úmidas para utilizar depois? Não particularmente, é só uma questão

de acrescentar água. As esferas são queimadas? Não.

280

B.3 PATRÍCIA FRANCA

Perguntas enviadas:

1. Em “Seis Famílias de Objetos” há uma poética que opera com repetição.

Onde está a repetição no processo poiético? Que aspectos do processo de

feitura de seus trabalhos produzem repetição?

2. Existiu uma intenção consciente de trabalhar com a repetição nestas séries?

Em que sentido?

3. Há, em outras séries ou outros trabalhos, a presença de repetição? Se sim,

de que forma se manifesta? Há relação com Seis Famílias de Objetos?

4. Além dos autores citados no artigo da Revista Porto Arte, há outros

referenciais teóricos para a questão da repetição em seu trabalho? E artísticos?

5. A partir de seu trabalho se poderia pensar na série como desdobramento da

diferença?

6. Conforme Deleuze, “em todos os sentidos, a repetição é transgressão”. Você

poderia considerar a repetição em seu trabalho como um dispositivo de

transgressão? Por quê?

Respostas:

Em “Seis Famílias de Objetos” há uma poética que opera com repetição. Onde está

a repetição no processo poiético? Que aspectos do processo de feitura de seus

trabalhos produzem repetição?

A prática com as seis famílias, aconteceu de forma natural, mas percebi que o

movimento com elas me levava a repetir. Era preciso, quase como um sentimento,

reiterar para que alguma coisa permanecesse. A possibilidade de aprendizado –

prazer, desafio e tudo o que podemos aqui implicar quando trabalhamos – me

parecia e ainda me parece impossível com apenas um objeto (no meu caso). Repetir

introduz necessariamente uma diferença, um ritmo, uma temporalidade, uma lógica

espacial. Ela também introduz uma espécie de narrativa muda, mesmo que o

trabalho esteja voltado para uma forma abstrata ou esteja lidando e relacionando

com os espaços do não. O não sentido, o não entendimento, o por que não. Essa

narrativa muda é o que um conjunto de trabalhos oriundos da repetição começa a

nos revelar. Algo dai começa a surgir, a criar um sentido, uma direção, uma força e

281

de repente, algo que estava escondido atrás da repetição é desvendado, sentido,

conhecido. Posso dizer que, para mim, a repetição é uma prática de conhecimento.

E a força que trabalha no interior da repetição é o intervalo de um objeto ao outro,

uma espécie de equilibrio. Podemos pegar o exemplo do trabalho Mácula. Fiz um

primeiro trabalho em dezembro de 1991 e o último em 1996. Do primeiro ao último

tem uma grande diferença: os seus corpos são os mesmos, os materiais e a cor

também – o vermelho e o branco – mas os contextos espaciais para os quais foram

projetados é que mudou, porque fui aprendendo com a família que crescendo, pedia

mais espaço, mais resolução, mais movimento e experiência.

Assim, a repetição no processo poético está na experiência com o tempo. Posso até

mesmo acreditar que a repetição é uma das figuras do tempo, pois a percepção dele

é sempre uma consciência dos instantes, com intervalos e ritmos, uma imagem da

propria vida com seus anos, meses, dias, horas, minutos se repetindo

indefinidamente e nossas atividades: acordar, se lembrar dos sonhos, levantar,

tomar o seu café, preparar o dia, viver o dia. Um dia após o outro e um dia diferente

do outro. Aliás, uma prática que se repete, em um tempo de uma vida – vinte e cinco

anos por exemplo – começa a fazer um sentido, a criar uma cartografia que se

estende para dentro de você.

2. Existiu uma intenção consciente de trabalhar com a repetição nestas séries? Em

que sentido?

Percebo que todo o meu trabalho está sob o signo da repetição. Antes mesmo das

Seis famílias, que são A acolhida do silêncio, Repousos, Mácula, Fios Condutores,

Envelopes e Receptáculo de coisas, eu já havia trabalhado com séries de desenhos,

séries de fotografias, séries de pintura. Depois das seis famílias veio o trabalho

Absorção Impregnação Opacidade e Recobrimento em três movimentos. O vermelho

que era a imagem do corpo (1998) o azul noturno que se chamou o sono (1999) e o

verde que foi a Claraevidência (2000). Depois veio a Questão Longínqua em duas

partes, em seguida os Amar(elos) que é um conjunto de fotografias desenhos e

pequenos objetos para uma instalação. São muitas fotografias onde a questão é o

amarelo. Assim passei para os Anarquivos, que foi uma grande repetição em três

partes novamente.

Agora estou trabalhando com Os quatro temperamentos, onde a repetição continua

282

a fomentar outro procedimento. Já são quatro; o colérico, o fleumático o melancólico

e o sangüíneo. Mas cada um possui no trabalho a mesma grade estrutural, por

exemplo: suas imagens, seu texto, sua cor, seu desenho e sua instalação. O curioso

é que as diferenças começam a se agrupar e fazem depois novas repetições.

Sobre o referencial teórico que pergunta, posso te dizer que li Diferença e Repetição

de Gilles Deleuze, mas que foi através da prática que percebi o que é repetir. Mas,

leituras diversas de textos de artistas e textos de autores fenomenólogos, que

abordam a questão do tempo, ajudaram a elucidar pouco a pouco sobre esse

procedimento: Merleau-Ponty, Bergson, Georges Didi-Huberman são autores que li.

Acho que os artistas que trabalham com processos sempre elaboram repetições.

Por exemplo: a figura do livro no trabalho de Waltércio Caldas, a recuperação de

uma imagem fotográfica no trabalho de Rosângela Rennó, a recorrência do signo no

trabalho de Hélio Fervenza, a linha no trabalho de Edith Derdyk, a colagem no

trabalho de Jean-Luc Godart, a publicidade no trabalho de Philippe Thomas, a ironia

no trabalho de Ben, o formal para Daniel Buren e por ai podemos escrever páginas e

páginas de tantos artistas. E a repetição também se repete em suas modalidades

para cada um desses artistas, penso em minha prática, que tem a cor, mas que

também tem a instalação, a fotografia, a imagem da mão, a colagem como alguns

signos de repetição trabalhada.

3 . Conforme Deleuze, “em todos os sentidos, a repetição é transgressão”. Você

poderia considerar a repetição em seu trabalho como um dispositivo de

transgressão? Por quê?

Preciso saber o contexto específico em que ele falou isso, não sei se posso dizer

que todos os movimentos de repetição no trabalho que desenvolvo e desenvolvi são

transgressões. Mas posso afirmar que uma certa quantidade de trabalho com a

repetição, criando e gerando uma espacialidade concreta, afirmando um enunciado

que possua razão e sensibilidade pode sim, ser uma transgressão; no sentido que

penetramos em um espaço de conhecimento através da e com a arte, onde ai, não

existem leis estabelecidas e, por isso, podemos transgredir nossos limites de

percepção sobre nós mesmos e o mundo que nos envolve.

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