( PDF ) Desenvolver: linhas que provocam práticas em arte

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UNIVERSIDADE FEDERAL DA BAHIA

ESCOLA DE BELAS ARTES

PROGRAMA DE PÓS-GRADUAÇÃO EM ARTES VISUAIS

SANDRA BEATRIZ DE BERDUCCY CHRISTIE

aruma

Linhas que provocam Práticas em Arte

Salvador

2008

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SANDRA BEATRIZ DE BERDUCCY CHRISTIE

aruma

Linhas que provocam Práticas em Arte

Dissertação apresentada ao Programa de Pós-Graduação

em Artes Visuais, na área de Linguagens Visuais

Contemporâneas, tendo como linha Processos Criativos

nas Artes Visuais, na Escola de Belas Artes,

Universidade Federal da Bahia, como requisito parcial

para obtenção do grau de Mestre em Artes Visuais.

Orientadora: Prof. Dra. Maria Virginia Gordilho

Martins (VigaGordilho)

Salvador

2008

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TERMO DE APROVAÇÃO

SANDRA BEATRIZ DE BERDUCCY CHRISTIE

aruma

Linhas que provocam Práticas em Arte

Dissertação aprovada como requisito parcial para obtenção do grau de Mestre

em Artes Visuais, na linha Processos Criativos, do Programa de Pós-Graduação

em Artes Visuais, Escola de Belas Artes, Universidade Federal da Bahia, pela

seguinte banca examinadora:

Maria Virginia Gordilho Martins – Orientadora_________________________

Doutora em Artes Visuais, Universidade de São Paulo (USP)

Universidade Federal da Bahia

Mariela Brazón Hernández__________________________________________

Doutora em Artes Visuais pela Universidade Federal de Rio de Janeiro (UFRJ)

José Antonio Saja ____________________________________________

Doutor em Filosofia pela Universidade Federal da Bahia (UFBA)

Salvador, 6 de junho de 2008.

AGRADECIMENTOS

Às instituições que me apoiaram:

À Universidade Federal da Bahia, ao Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais, nas

pessoas do Colegiado pela oportunidade que me deram de ser parte do Mestrado.

À Fundação de Apoio à Pesquisa do Estado da Bahia – (FAPESB), pela Bolsa sem a qual

a minha estada em Salvador, nem a conclusão do Mestrado teriam sido possíveis.

À Fundação Cultural do Estado Da Bahia (FUNCEB) e aos administradores do Forte

São Marcelo, pelo apoio na realização das exposições simultâneas Wakaychas e

DESENVOLVER, sonho feito realidade.

Existem muitas pessoas para agradecer neste percurso, mas não existe uma ordem.

Começarei agradecendo a minha família, especialmente a minha mãe, Betty e a minha

irmã Ibéria, pela ajuda, carinho e todas “las salvadas”.

A Bernardo, pois este trabalho não teria sido possível sem a sua companhia, apoio,

criatividade, cuidado nos detalhes e, sobre tudo, parceria em nossos projetos comuns.

Para agradecer a minha orientadora VigaGordilho, seu detalhado acompanhamento, sua

entrega, dedicação e amizade, não existem palavras, por isso uma vela do tamanho dela estará

pendurada nas alturas da colina do Bonfim.

Agradeço a todos meus professores do mestrado, especialmente a Prof. Celeste Wanner

e a Prof. Sônia Rangel, que foram determinantes para definir o rumo da minha pesquisa. E a

Professor Ricardo Biriba, pelo que aprendi com ele durante o Estagio Orientado.

A Mariela Brazón Hernandez, por seus valiosos comentários e sugestões bibliográficas.

Do mesmo modo, a meus colegas da aventura do Mestrado os artistas Bel Gouvêa,

Jordan Martins, Eva Arandas, Wagner Lacerda, Tinna Pimentel e Paulo Guinho pela troca de

idéias, as conversas e as caronas.

Aos amigos que me ajudaram a “ENVOLVER”: Mariela Brazón Hernández, Mauricio

Romero Sicre, Luis Cláudio Campos, José Henrique Barreto, Nina Galo, Nathanael Galo

Xavier, Josmara Fresoneze, Olimpo Pinheiro, Rosemary Bastos, Lindaura da Conceição, Vilma

Teixeira, Lua Santos, Ia Santos, Neilde Dos Santos, Hildete Da Paz e Maria Gordilho.

Aos Amigos Leonardo Cunha, Fabio Gatti, Lanussi Pascuali, Joanzito e especialmente a

Jucelia Teixeira, Lola Serrano e Juliana Liao.

A Paula Goitia, Maria Luisa López, a Roberto Rozo pelo silente, mas firme apoio.

Agradeço também aos secretários do MAV-EBA Taciana Almeida e de maneira especial

a Bruno Moura pela correção do português do presente texto.

Aos colegas e às crianças do Espaço Cultural da Fundação Pierre Verger, pelos

momentos compartilhados entre teares, tintas e miçangas, esse grato aprendizado se quedará no

meu coração.

RESUMO

Constituída por uma abordagem prático-teórica, esta pesquisa propõe práticas em arte

através da descoberta do espaço mediante ações provocadas pela linha, tomando-a como

elemento material e imaterial. Propõe-se uma apreciação de um percurso dinâmico, que ganha

espaços mediante o fazer proveniente de uma ação tradicional, como é a feitura do fio e a

tecelagem, assim como a experiência com meios próprios da arte contemporânea, como

fotografia, instalações, vídeo-arte e performance. Em ambas as instâncias o deslocamento existe

como uma constante. Mas esse não é um trânsito que avança em linha reta, em direção a um

único objetivo, senão um caminho excêntrico construído por várias ações contidas no verbo

DESENVOLVER, é dizer, ENVOLVER, VOLVER e VER. Tomam-se cada um destes verbos

como Acontecimentos, no sentido de serem uma conseqüência da ação entre as palavras e as

coisas. Estes associam as possibilidades de criação e reflexão. Ambos - Linhas e Acontecimentos

- apresentam-se aqui como elementos maleáveis em constante mutação e interação, constituindo

matéria e conceitos heterogêneos, podendo ser fragmentados e dispostos em diversas ordens,

constituindo um conjunto de obras que foram apresentadas no Forte São Marcelo em Salvador.

A relevância desta pesquisa consiste em conformar em obras conceitos, técnicas e

práticas tradicionais de arte, principalmente das culturas andina e afro-brasileira, com práticas

da arte contemporânea. Conciliar estas idéias revela não só preocupações como artista, mas

uma preocupação planetária que evidencia angústia pela própria identidade, o trânsito e o

híbrido. A Prática de arte proporciona algumas respostas, pois os produtos de mãos que nunca

descansam estão atestados por elementos restauradores entre vida e arte; não importa a técnica,

durante o processo o mundo adquire matizes diferentes.

Palavras-chave: Arte Contemporânea / Práticas em arte / Linha / Trânsito / Acontecimento

RESUMEN

Constituida por un abordaje práctico-teórico, este trabajo propone prácticas en

arte a través del descubrimiento del espacio mediante acciones provocadas por la línea,

tomándola como elemento material e inmaterial. Se propone una apreciación de un

recorrido dinámico, que gana espacios mediante una acción tradicional, como es la

elaboración del hilo y el tejido, así como la experiencia con medios propios del arte

contemporáneo, como la fotografía, instalaciones, vídeo-arte y performance. En ambas

instancias el desplazamiento existe como una constante. Pero no se trata de un tránsito

que avanza en línea recta, en dirección hacia un único objetivo, sino de un camino

excéntrico construido por varias acciones contenidas en el verbo DESENVOLVER, es

decir, ENVOLVER, VOLVER y VER. Se toman cada uno de estos verbos como

Acontecimientos, en el sentido de que estos son una consecuencia de la acción entre las

palabras y las cosas. Estos asocian las posibilidades de creación y reflexión. Ambos - Líneas

y Acontecimientos - se presentan aquí como elementos maleables, en constante mutación

e interacción, constituyendo materia y conceptos heterogéneos, pudiendo estos ser

fragmentados y dispuestos en diversas órdenes, constituyendo así un conjunto de obras

que fueron presentadas en el Fuerte San Marcelo, en Salvador - Bahia.

La relevancia de esta pesquisa consiste en conformar en obras conceptos, técnicas

y prácticas tradicionales de arte, sobre todo de las culturas andinas y afro-brasileña, con

prácticas del arte contemporáneo. Conciliar estas ideas revela no sólo preocupaciones

como artista, sino una preocupación planetaria que evidencia angustia por la propia

identidad, el tránsito y lo híbrido. La Práctica de arte proporciona algunas respuestas,

pues los productos de manos que nunca descansan están atestados de elementos

restauradores entre vida y arte; no importa la técnica, durante lo proceso el mundo

adquiere matices diferentes.

Palabras Claves: Arte Contemporáneo / Prácticas en arte / Línea / Tránsito /

Acontecimiento

Linhas que provocam Práticas em Arte

SUMÁRIO

INTRODUÇÃO......................................................................................................................... 10

1. O EMARANHADO INICIAL .............................................................................................. 20

2. ESPAÇOS DE AÇÃO............................................................................................................ 40

ESPAÇOS FÍSICOS.................................................................................................................. 46

ESPAÇOS SIMBÓLICOS ......................................................................................................... 59

3. UMA ORDEM POSSÍVEL................................................................................................... 66

AÇÃO I

VER................................................................................................................................. 85

AÇÃO II

VOLVER ........................................................................................................................ 96

AÇÃO III

ENVOLVER................................................................................................................. 109

AÇÃO IV

DESENVOLVER ......................................................................................................... 125

AÇÕES FINAIS........................................................................................................................ 131

Referências............................................................................................................................ 140

ANEXOS............................................................................................................................... 143

Fichas técnicas das Obras...................................................................................................... 152

ÍNDICE DE FIGURAS

Fig. 1 Escala de intensidades em tonalidades cinza. ................................................................... 24

Fig. 2 Escalas cromáticas, segundo a Teoria das cores de Goethe. ............................................. 25

Fig. 3 Esquema do DESENVOLVER......................................................................................... 34

Fig. 4 Esquema1.......................................................................................................................... 35

Fig. 5 Esquema2.......................................................................................................................... 36

Fig. 6 Vista aérea do Forte São Marcelo ..................................................................................... 38

Fig. 7 Amuleto que representa o Sapo e a rocha de “El Sapo” na beira do Lago Titicaca .......... 40

Fig. 8 Tecido da cultura Jalq’a – Bolívia ..................................................................................... 41

Fig. 9 Merzbau de Kurt Schwitters. 1923.................................................................................... 44

Fig. 10 Yves Klein, Salto no vazio 1960...................................................................................... 45

Fig. 11 Robert Smithson Spiral Jetty (pier ou cais espiral) 1970 .................................................... 46

Fig. 12 imagens das linhas de Nazca. Entre 200 a.C. e 600 d.C ................................................ 47

Fig. 13 Espaços rituais Projeção do Vulcão Licancabur- Bolívia................................................. 48

Fig. 14 Esquema do passo do sol nas ruínas de Uaxactún - Guatemala..................................... 49

Fig. 15 Obra de Edith Derdyk, 1999 .......................................................................................... 52

Fig. 16 Milhas de barbantes. Marcel Duchamp, 1942................................................................ 52

Fig. 17 Reticularea, Gego, 1968.................................................................................................. 53

Fig. 18 José Damasceno, Snooker, 2001....................................................................................... 56

Fig. 19 Dois momentos da queima da mesa ritual ..................................................................... 60

Fig. 20 Como explicar quadros a uma lebre morta. Joseph Beuys, 1965 ................................... 62

Fig. 21 Saxraña............................................................................................................................. 66

Fig. 22 Objetos achados no interior dos novelos........................................................................ 72

Fig. 23 A wakaycha da minha avó................................................................................................ 73

Fig. 24 aruma, no se cansa de pedir desejos. VigaGordilho, 2007............................................. 77

Fig. 25 Kimsooja em performance com os bottaris...................................................................... 78

Fig. 26 Las animas, La Paz- Bolivia............................................................................................... 79

Fig. 27 Sala Wakaychas, instalada no Forte São Marcelo........................................................... 82

Fig. 28 Sala VER durante a exposição no Forte São Marcelo. ................................................... 87

Fig. 29 Kimsooja, Needle Woman. 2005....................................................................................... 93

Fig. 30 Nam June Paik, Zen for TV............................................................................................ 103

Fig. 31 Trânsito entre intensidades........................................................................................... 112

Fig. 32 K’isas de um tecido tradicional da Bolívia. ................................................................... 113

Fig. 33 Tullmas de Ch’allapampa.Lago Titicaca........................................................................ 115

Fig. 34 Esquema do processo ritual da “cura pelo arco-íris”..................................................... 116

Fig. 35 Durante um dos mutirões convocados para ENVOLVER........................................... 118

Fig. 36 Barbantes tingidos......................................................................................................... 118

Fig. 37 Obra de Jesús Soto........................................................................................................ 120

Fig. 38 Montagem da série chiris na Sala DESENVOLVER..................................................... 121

Fig. 39 Lugares onde foi tecido o tear....................................................................................... 126

Fig. 40 Tocoyal de Almolonga - Guatemala. ............................................................................. 127

Fig. 41Fuso ou puschka.............................................................................................................. 133

Fig. 42 Faixa tecida.................................................................................................................... 137

Fig. 43 Variedade de fusos. ....................................................................................................... 145

Fig. 44 Imagem do processo de enfiado.................................................................................... 146

ÍNDICE DE OBRAS

Obra 1 Chordata Gryphus.Vista Frontal....................................................................................... 51

Obra 2 As indústrias. Vista lateral.............................................................................................. 54

Obra 3 Imagens do Vídeo-performance TEMPO....................................................................... 63

Obra 4 Ovillos viajeros .................................................................................................................. 70

Obra 5 Achachilas ........................................................................................................................ 71

Obra 6 Wakaycha Espiral ............................................................................................................ 75

Obra 7 Wakaycha oriooo............................................................................................................... 76

Obra 8 Wakaycha animas ............................................................................................................. 79

Obra 9

Wakaycha Chasqui ........................................................................................................... 81

Obra 10 Q’aiturastro, Rastro de linhas........................................................................................ 88

Obra 11 horizonte sem horizonte. Instalada no Museo Tambo Quirquincho. ......................... 97

Obra 12 horizonte sem horizonte. Instalada na Sala VOLVER no Forte São Marcelo. ............ 98

Obra 13 Puruma. ....................................................................................................................... 109

Obra 14 Uaxactún...................................................................................................................... 110

Obra 15 Dendê........................................................................................................................... 111

Obra 16 k’isa liriu. ..................................................................................................................... 114

Obra 17 Instalação Jatunkocha Sala ENVOLVER.................................................................... 117

Obra 18 yawarnina, sangue e fogo............................................................................................. 121

Obra 19 altamar......................................................................................................................... 122

Obra 20 vacaciones..................................................................................................................... 122

Obra 21 Sawri Llawthapita......................................................................................................... 125

Obra 22 Amigas. ....................................................................................................................... 129

Obra 23 Ação performativa no Forte São Marcelo................................................................... 132

Obra 24 Una concha para el Hayna Potosi .............................................................................. 138

INTRODUÇÃO

Esta dissertação intitulada DESENVOLVER Linhas que provocam Práticas em Arte,

elaborada no Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais, na área de pesquisa Processos

Criativos nas Artes Visuais, tem como objetivo criar uma linguagem visual mediante ações

provocadas pela linha, tomando-a como elemento material e imaterial. Propõe-se a apreciação

de um percurso dinâmico que ganha espaços mediante Práticas em arte; é dizer, tanto com

procedimentos provenientes de um fazer tradicional, como é a feitura do fio e a tecelagem,

quanto da experiência com meios próprios da arte contemporânea. Registram-se, através deste

percurso, observações e reflexões sobre as obras criadas, relacionando suas particularidades a

certos aspectos próprios da cultura andina, assim como a pensamentos de filósofos

contemporâneos.

A linha, componente essencial desta pesquisa, é concebida nos dois aspectos que

encerram o seu significado etimológico, pois a palavra latina línea contempla os conceitos de fio

e limite (AURÉLIO, 1999). Ambas as conotações são associadas respectivamente com a

materialidade e imaterialidade da linha. Estas características permitem relacioná-la com

elementos plásticos e virtuais. Assim sendo, nesta pesquisa, a linha, em seu aspecto material,

apresenta-se como fios, tramas, urdiduras e objetos diversos e, no seu aspecto imaterial,

relaciona-se com o efêmero e simbólico contido em imagens e ações imateriais, gerando

múltiplas possibilidades visuais e espaciais.

Abordou-se, também, o fazer metodológico a partir de dois conceitos que se

complementam, ou seja, considerei apropriado situar a metodologia desta pesquisa entre a

poiesis

e a práxis.

Entendida a poiesis (poética) como a conduta criativa, no sentido proposto

por Bachelard, no qual o poeta deve escrever, com lápis e papel, as imagens geradas no devaneio

(BACHELARD, 1988 p.16). Acredita-se que, do mesmo modo, o artista visual deve materializar

essas imagens valendo-se de diversas técnicas e ferramentas. Umberto Eco levanta a hipótese de

que na prática da arte contemporânea é notável que as obras estejam voltadas para a proposição

de novas poéticas. Para o autor, a poética define-se como as intenções que guiam as operações

A palavra Poética tem origem na palavra grega Poiesis que significa criação, confecção e fabricação.

A palavra Práxis provém do grego Prâxis, cujo significado é ação, atividade prática; exercício, uso.

artísticas, o que implicaria um modelo operacional abstrato assim como uma estrutura

conceitual que a gere formalmente. Com efeito, para compreender as proposições

contemporâneas, é necessário compreender as poéticas que elas engendram (ECO, 1970 p.246).

Mas se assume uma postura crítica quanto à poética, reconhecendo as convenções

relacionadas com ela nas artes visuais, convenções que poderiam ser associadas com a atitude

ensimesmada do artista e reforçariam a “distância estética” entre criação e o entorno como

atributo das obras. Por essa razão, utilizou-se também o que seria um elemento metodológico

restaurador da relação entre arte e vida: a práxis, entendida como ação efetiva e concreta dentro

de uma comunidade. Neste trabalho em arte, procuram-se situações e ações que expandam a

poiesis até convertê-la em prâxis, vinculando significados ontológicos com situações sociais e

políticas reais, apoiando-se organicamente sobre a possessão comum de valores: língua,

costumes, jeitos característicos e eventos cotidianos concretos.

Entre poiesis e prâxis, existe uma ampla gama de matizes, com diversos níveis de

complexidade, e quando neste trabalho fala-se de situações liminares ou marginais, também se

fala da condição híbrida presente na realidade do mundo contemporâneo. Assim, palavras

como: Trânsito, Memória, Não-lugar e Heterotopia revelam minhas preocupações como artista,

e evidenciam as incertezas e dúvidas sobre o próprio ser, estar e fazer no mundo e,

essencialmente, como habitante de um planeta em crise. Uma preocupação planetária que

demonstra angústia pela própria identidade. A idéia do trânsito como perda (despedida e

morte), e os segredos jamais desvendados de culturas que parecem extinguir-se. Inquietações

que evidenciam uma situação de instabilidade e incerteza. Como artista, descobri que uma

forma de “tratar” essa angustia é a Prática em arte.

É essa Prática que proporciona algumas respostas, pois os produtos das mãos que nunca

descansam estão atestados por elementos restauradores entre vida e arte; não importa a técnica

ou o meio, durante o processo o mundo adquire matizes diferentes. Da mesma maneira, a

Prática transita entre dois extremos: a presença de um mundo interior, no recolhimento de um

fazer tradicional, quase meditativo e inalterado, que compreende conhecimentos genuínos de

culturas antigas deste continente (andina, maia e afro-brasileira), mais especialmente das nações

quéchua

e aimara

, que constituem a matriz criativa e afetiva deste trabalho. E, pelo outro lado,

o mundo não menos complexo e extrovertido da arte contemporânea, onde se pode lidar com o

espaço externo e com o efêmero. Em ambas as instâncias o deslocamento existe como uma

constante. Mas, esse não é um trânsito que avança em linha reta, em direção a um único

objetivo, senão um caminho excêntrico construído por várias ações.

Considero que este trabalho, de maneira íntegra, está marcado por situações similares

de encontro de elementos contrastantes - começando por reconhecer sua natureza prático-

teórica - pois, encontra-se sempre em lugares intermediários, assumindo essa posição como um

genuíno espaço onde diversos fluxos convergem, e a partir dos quais podem ser exploradas

inúmeras possibilidades criativas. A primeira situação liminar, que considero importante tratar

nesta introdução, é justamente a necessidade de procurar um equilíbrio entre o fazer artístico

espontâneo, às vezes disperso, e o exercício acadêmico da escrita, que imprescinde de

objetividade, clareza metodológica e conceitual. Assim, escrever é uma tarefa complexa, pois

apresenta significativos desafios no caso específico da pesquisa em artes visuais: nesta área é

extremamente dificultoso liberar a escrita de certas paixões e fixações individuais e subjetivas,

até anedóticas. Por outro lado, está em jogo a fluidez e a intuição que caracterizam o processo

criativo, perante a possibilidade de reduzir a obra a uma explicação racional, que pode resultar

arbitrária, forçada, atribuindo a certas obras conceitos e associações que às vezes não tem nada a

ver com aquilo que se observa sob circunstâncias diferenciadas.

Detectada esta primeira situação, pude discernir os principais riscos aos quais estive

submetida no transcurso deste trabalho: a escrita autobiográfica, sem dúvida, foi um dos

maiores desafios, por tratar-se de um trabalho que referencia a memória. Já nos primeiros

manuscritos, terminei fazendo revelações carentes de importância para os novos rumos que iam

aparecendo na pesquisa e na obra. Mas, para não perder as contribuições e benefícios que esse

método pode sugerir, decidi seguir a experiência criativa de Roland Barthes (A Câmera Clara),

que se toma a si mesmo como medida do “saber” fotográfico. Adotando “a emoção como ponto

de partida”, ou seja, a emoção como forma de conhecimento, o autor formula a partir da sua

sensibilidade o traço fundamental sem o qual não haveria fotografia. Da mesma forma que esse

Cultura indígena sul-americana, da área andina, que habita principalmente no Peru, na Bolívia e no Equador,

cujo idioma, o quéchua, era a língua oficial dos incas, uma das maiores civilizações pré-colombianas e, à medida

que o Império se foi estendendo, sua utilização se divulgou por um extenso território da América do Sul.

Atualmente falam essa língua vários milhões de pessoas.

Aimaras ou Aimarás, povo que habita na alta meseta do Lago Titicaca, na Bolívia. A língua aimara é muito

divulgada e a falam diversos grupos indígenas como os Collas, Lupacas, Pacajes e outros.

autor utiliza elementos pessoais e emocionais como matéria-prima de seus próprios escritos e

criando a partir disso o seu estilo. Segundo Leyla Perrone Moisés, a lição de Barthes, como a de

todo artista, pode resumir-se no seguinte:

"Eis o que eu fiz isto não é para ser refeito, pois já está feito; mas o fato de que

eu o tenha feito prova que é fazível." (Sempre me impressionei, nos museus, por

esta lição exclusiva - nos dois sentidos - dos grandes quadros: "Eis aí, é isto; eu te

desafio a achar outra coisa tão certa como esta." Não um modelo, portanto

nenhuma lição efetiva, mas a afirmação de uma possibilidade e uma espécie de

desafio tranqüilo.) (PERRONE, Leyla. In: Barthes, 2004, p. 52).

Assim sendo, neste trabalho, proponho-me a seguir o rastro de um processo criativo

inserido em uma memória ampla, abrangente e inclusiva. Assumem-se as experiências que

conduziram à obra como uma forma de conhecimento e a escrita como uma outra forma de

criação, criando um entrelaçamento em todo o processo.

Desse modo, um outro desafio foi a apropriação de conceitos da filosofia, lingüística e

sociologia, os quais tinham que ser “deslocados” do texto original e inseridos no meu próprio

texto, ganhando assim outras implicações e gerando outras relações. Assim, busquei que as

leituras e revisões de textos se realizassem no mesmo tempo que o trabalho prático, fazendo

destas duas atividades parte integrante do dia a dia do atelier. Descobri dessa maneira que a

filosofia é mais uma ferramenta de trabalho na Prática do artista, no sentido de ser o trabalho

da arte um laboratório onde convergem possibilidades de descoberta, saberes paralelos e

pequenas verdades, que permitiriam criar um discurso com o qual o leitor, qualquer que este

seja, possa deixar-se conduzir e, sobretudo, oferecer-lhe alguma contribuição ou aporte sobre

experiências sui-generis da pesquisa em artes visuais na América Latina.

Em seguimento a este raciocínio, um outro desafio que tive que superar foi a falta de

distância física e temporal com o conjunto da obra. Acredito que todo artista pode avaliar

melhor a sua própria produção depois de algum tempo e de algum distanciamento dela. Deixar

a obra “amadurecer” poderia propiciar uma melhor e imparcial ponderação do artista sobre seu

próprio trabalho.

Foi com esta distância espacial e temporal que consegui ter uma visão cabal sobre o

conjunto de obras realizadas antes do mestrado. Essa situação propiciou um olhar crítico e me

levou a sentir a necessidade de sair do peso da pintura e dos tecidos bidimensionais, à busca da

leveza do espaço, sem renunciar ao elemento fundamental que é a linha. Não se trava de deixar

tudo e começar do zero, ao contrário, a pesquisa desenvolvida desde o ano 2001 sobre técnicas

tradicionais de tecelagem e corantes naturais na América Latina foi a que me proporcionou

conhecimentos e experiência de primeira fonte, graças aos quais pude discernir a importância

das práticas, processos criativos e as ações contidas nelas.

No tocante à distribuição da estrutura da presente dissertação, Nestor Garcia Canclini

foi inspirador, quando na “entrada” do livro Culturas Híbridas enfrenta o problema de como se

deveria escrever sobre essa complexidade cultural da América Latina, pontuando sobre isto que:

Para analisar as idas e vindas da modernidade, os cruzamentos das heranças

indígenas e coloniais com a arte contemporânea e as culturas eletrônicas, talvez

fosse melhor não fazer um livro. Também não um filme, nada que se entregue

em capítulos e vier desde um princípio até um final

. (GARCIA, 1990, p.16)

Neste livro, o autor propõe utilizar o texto como uma cidade que tem várias entradas e

acessos, onde cada capítulo remete aos outros e onde não deve importar por qual dos acessos se

chegou, pois “dentro tudo se mistura”. Concordando-se com esse pensamento, esta dissertação

está dividida em três partes, e apresenta um conjunto heterogêneo de obras e de reflexões: Na

primeira e segunda partes, intituladas O emaranhado inicial e Espaços de Ação, definem-se os

espaços que serão percorridos, a partir de uma “desordem original”; a terceira parte, Uma

ordem possível, apresenta uma das muitas possibilidades de dar ordem ao conjunto

predominantemente heterogêneo de obras produzidas durante o mestrado.

O emaranhado inicial lembra a desordem existente nas fibras antes de serem enfiadas.

Com base no conceito de acontecimento proposto por Deleuze, justifica-se a necessidade de achar

uma ordem para dar sustento ao conjunto diverso de obras e reflexões por elas geradas.

Reconhecem-se situações marginais e fragmentárias, próprias dos processos de hibridação. Neste

sentido, apoiei-me em autores como Nestor Garcia Canclini, Sergei Grusinski, Stuart Hall,

Paola Berenstein, entre outros, que descobriram no cotidiano das cidades da América Latina a

experiência estética no híbrido, no fragmentário e no marginal. Apresentam a cultura deste

continente como uma cultura híbrida, com características tanto modernas quanto pós-

modernas, uma sociedade de contrastes, onde tradição e alta tecnologia convivem junto a

condições de extrema desigualdade, as quais geram outras relações e “outros” espaços, sendo

Michel Foucault que nomeia a esses “espaços outros” como Heterotopias. Também se tenta

visualizar espaços de trânsito em um esquema concêntrico e dinâmico - tal como os círculos

concêntricos que uma pedra forma ao cair na água - que vai da concentração à diluição,

constituindo espaços de ação interconectados.

A partir desde ponto, na segunda parte, Espaços de ação, a tentativa está dirigida ao

reconhecimento dos espaços a serem transitados durante esta pesquisa. Considerei necessário

rever o que outros artistas ou movimentos tinham fundado à luz de um referencial pouco

convencional: o manejo do espaço nas manifestações artísticas das culturas pré-colombianas, a

partir de dois pontos: o suporte, ou seja, o espaço físico (tendo como referência as ruínas) e o

ritual, o espaço simbólico (tendo como referência os aspectos ritualísticos).

Para definir estes “espaços de ação”, resultou de grande importância o conhecimento

dos processos criativos das culturas andinas onde o “envolver”, ao fazer o fio, é mais do que

uma ação criativa, pois, no contexto do pensamento andino, esta ação se converte em uma

metáfora do tempo e do espaço. Estas afirmações quase intuitivas foram confirmadas com os

trabalhos de antropólogas como Verônica Cereceda, Olívia Harris e Teresse Bousse-Cassagne,

que escrevem sobre o pensamento têxtil e a estética na cultura andina.

Na terceira parte propõe-se Uma Ordem Possível, onde propõe-se que para sair do caos

é preciso definir um ponto de partida e eleger uma ordem entre muitas outras possíveis. Para

isso é preciso formar séries, através de ações. Em outras palavras, parte-se de um espaço

complexo e caótico que se perde na memória íntima, um lugar abarrotado de segredos e de

forças potenciais que propiciam a ação criativa, - um ponto de maior concentração - até chegar a

um estado de continuidade, como é o desenvolver, estado de trânsito que pode expandir-se até

limites imprevistos - pontos de diluição. As séries de obras, conformadas neste trabalho,

permitirão visualizar o trânsito entre concentração e diluição. O novelo será esse ponto de

maior concentração, como o Aleph, do conto de Borges (El Aleph, 1986) um “punto que contiene

todos los puntos”. O estado de diluição estará no Desenvolver: quando o olhar “acomodado” e

“acostumado” ao que sempre viu se desloca, começa um percurso, mergulha em outras culturas

igualmente intensas, igualmente vivas e complexas.

Neste contexto, o trabalho começa a se organizar em séries. A primeira delas, intitulada

Wakaychas

, surge a partir da necessidade de evidenciar esse “ponto de partida” introspectivo,

interior e essencial, quieto e silencioso, à vez caótico e pleno de possibilidades, as quais são

resultado de um processo de amadurecimento em um trabalho em arte que toma a memória

como referência.

Do mesmo modo, um novelo foi o começo do percurso de Teseu, no labirinto de

Gnosos. Esse novelo continha a dual “linha de Ariadne”: linha-cartografia. Neste caso, também,

uma Linha-guia estende-se no espaço e define o percurso. Quem a “desenvolve” abre caminho,

progressivamente, ganha espaço até chegar a seu destino. Quem a “envolve” novamente, está

convidado a lembrar, desta forma “volve” ao ponto inicial. O “ver” será a ação reflexiva

essencial.

As ações que acontecem durante o percurso somam dimensões de espaço e tempo à

Linha, provocando diversas possibilidades visuais. Isto é uma ordem serial de ações provocadas

por ela e pela apropriação dos verbos que compõem a palavra DESENVOLVER, desdobrada da

seguinte maneira: VER, VOLVER, ENVOLVER e DESENVOLVER. Um crescimento

excêntrico e progressivo, de um desdobramento ao espaço e à ação. Cada um dos verbos do

desenvolver constitui uma ação ou acontecimento no sentido deleuziano: um verbo em

infinitivo como um encontro entre palavras e coisas. O Acontecimento–verbo nesta pesquisa

permite o encontro entre obras e reflexão teórica, mas também convida à ação natural da linha:

DESENVOLVER.

Os acontecimentos-ações terão a seguinte ordem nesta dissertação:

O VER do vídeo, que fala de

Q’ayturastro

rastro de linhas Vídeo arte que propicia

uma reflexão sobre os não-lugares, deslocamentos e migrações. VOLVER marca também um

trânsito por lugares definidos como utopias e heterotopias por Foucault, vistos através da obra

horizonte sem horizonte, vídeo-instalação cujo jogo de projeções e multiplicação de linhas

imaginárias provoca o repensar em laços imateriais entre histórias comuns. ENVOLVER trata

das ações provocadas pela materialidade da linha. Repetição e diferença, no ato criativo, que

dão lugar à série intitulada

Chiris

e a instalação

Jatunkocha

, profunda superfície.

DESENVOLVER é o acontecimento no qual se propõem obras onde a incompletude é uma

constante, em trânsito contínuo, como

Sawri llawthapita

, tear em processo e outras

experiências.

A exposição final deste conjunto de obras, mais uma ação performativa, foram

apresentadas no Forte São Marcelo, monumento histórico, de forma circular e concêntrica,

situado na Baía de Todos os Santos, em Salvador, realizada com a curadoria de VigaGordilho e

premiada com o edital Diálogos Estéticos da Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado Da

Bahia- FUNCEB. Dita exposição foi distribuída em cinco salas contíguas, propondo uma

montagem em Site Specific. São exatamente estes verbos DESENVOLVER: ENVOLVER,

VOLVER e VER que deram nome aos cinco espaços expositivos no Museu do Forte, tentando,

desta maneira, manter um diálogo entre a presente pesquisa e a estrutura concêntrica do

mesmo. Desse modo, a interação com a estrutura “envolvente” do mencionado monumento,

assim como a sua situação no mar e sua relação histórico espacial, com o trânsito dos navios,

dialogam com o conjunto das obras apresentadas, assim como com a minha Prática de arte.

Sob esta introdução, utilizo também como separata os verbos no infinitivo, já

referenciados, contidos na palavra DESENVOLVER, já que a extensa polissemia destas palavras

gera ainda mais possibilidades de interatuar com elas. Optou-se também, na escrita desta

dissertação, pelas imagens das obras relacionadas com o texto para permitir uma melhor

visibilidade. Salienta-se ainda que para maior compreensão das obras incluíram-se nos Anexos

as respectivas Fichas Técnicas, para proporcionar um maior detalhamento das mesmas. De igual

forma, incluíram-se algumas orientações técnicas de elaboração da linha da maneira tradicional.

Espera-se, que as obras possam falar por si mesmas e transmitir que cada uma delas é

produto de um aprendizado, onde a compreensão do mundo clarifica-se e se espelha, sendo

criada a partir de experiências concretas inseridas em espaços culturais, tanto complexos,

quanto misteriosos, fragmentados, híbridos e indômitos na sua origem.

1. O EMARANHADO INICIAL

O objeto da busca encontra-se habitualmente em outro reino, num reino diverso,

que pode estar situado muito distante em uma linha horizontal ou a grande

altura e profundidade em linha vertical. (Ítalo Calvino, 1988, p. 40)

Yo sé de un laberinto griego que es una línea única, recta.

En esa línea se han perdido tantos filósofos.

(Jorge Luis Borges, 1971, p.20)

Antes de iniciar a pesquisa, cada uma destas frases, para mim de ressonância

inquietante, deram-me uma idéia das dimensões que podia adquirir o objeto da procura que

empreendia. Situar uma linha no espaço oferecia inúmeras possibilidades, podendo-se formar

com ela um infinito eixo de coordenadas, x e y, e dessa forma abarcar todas as coisas entre

distância e profundidade, seja neste reino ou em outros reinos, como parece visualizar Ítalo

Calvino. O fato de a linha poder ser percebida como o labirinto unidimensional imaginado por

Borges, que convida a pensar em uma verdade única, “lógica e formal”, ou, da mesma maneira,

visualizá-la como um único corredor infinitamente divisível. Tão ampla podia ser a dimensão

do meu objeto que decidi começar pelo ponto onde se encontram a verticalidade e

horizontalidade de qualquer eixo de coordenadas: o ponto zero, ou seja, a origem da palavra

linha.

Considerar etimologicamente a palavra Linha proporcionou-me a chave para a

compreensão da mesma, como objeto no contexto desta dissertação: proveniente do latim linea,

sua significação traz dois termos: fio e limite

(AURÉLIO, 1999). A linha como “fio” remete à

materialidade da mesma, pois no seu aspecto material, apresenta-se como fios, tramas,

urdiduras e objetos diversos, no contexto de um espaço físico. A linha como “limite” lembra à

imaterialidade e relaciona-se com o efêmero contido em imagens e ações que se relacionam com

espaços simbólicos, e também se vinculam às convenções criadas pela dinâmica das sociedades

como as fronteiras ou as linhas produzidas por efeitos ópticos, como a linha do horizonte e as

linhas produzidas por qualquer elemento contrastante.

Assim, diante desta ótica, é possível identificar dois aspectos inerentes à linha:

materialidade e imaterialidade. Aspectos que, para um pensamento acostumado a separar

binariamente as coisas, poderiam ser facilmente contrapostos. Estes termos, aparentemente

contraditórios, lembram que, segundo o estruturalismo, que sustentou o pensamento ocidental

por séculos, é possível compreender “todas as coisas” através da sua organização em uma

“estrutura” constituída por oposições. Esta relação de oposição e de mútua exclusão é um dos

assuntos vitais para esta teoria. Desta maneira, as oposições binárias definem o estatuto de

contrários, ou bem de polaridade, entre elementos ou termos. Como exemplos podem-se

mencionar:

Luz ? Sombra

Bem ? Mal

Fêmea ? Macho

Cima ? Baixo

Material ? Imaterial (nosso caso)

Estas oposições mostrariam o modo como operam linguagem e pensamento; por

exemplo, um texto estaria composto por múltiplas oposições binárias que classificam os

sentidos que estas produzem, gerando uma “estrutura”. Esta forma de pensar derivaria em

hierárquica e ideológica, já que nela um dos termos recebe prioridade qualitativa sobre o outro,

e este resultaria ser inferior e indesejável com respeito ao primeiro, poder-se-ia dizer que esta

forma de pensar outorga qualidades morais e éticas, ou seja, parâmetros positivos ou negativos

aos termos em oposição. Esta estrutura mantém-se “estável com a condição de que os únicos

sentidos legitimados sejam aqueles que estejam construídos em términos de tais oposições”

(INNES, 2002, p.510). Para Jacques Derrida, forjador da prática crítica conhecida como a

desconstrução, essas dicotomias tendem a privilegiar a identidade, o imediato e a presença e

não assim a diferença, o deferimento e a ausência (INNES, 2002, p.134). Gera-se desta maneira a

idéia de uma verdade absoluta, que resulta como hegemônica, já que nada é aceito fora do seu

Modelo explicativo; isto engendra fanatismos e dogmas de toda classe, sem esquecer as

intolerâncias e as exclusões que provoca.

Jacques Derrida questiona o rigor desta estrutura na linguagem e desestabiliza as

operações de simples binarismo demonstrando que cada uma destas dicotomias contém,

intrinsecamente, elementos característicos do seu suposto “contrário”. Utilizando este

procedimento, pode-se demonstrar que, em definições de contrários ou termos extremos, como

a luz e a sombra, o que define a sombra é a diferença - a luz - mais do que sua própria escuridão.

É possível observar isto na definição do termo sombra no dicionário Aurélio:

Sombra:

[Do lat. umbra, pelo lat. vulg. sulumbra (= sub illa umbra) e pelo arc. * soombra.]

S. f. 1. Espaço sem luz, ou escurecido pela interposição de um corpo opaco

A partir deste pensamento, pode–se concluir que cada aspecto se vê “espreitado” por

um outro elemento de natureza oposta, que o define e o complementa. Com isto,

deshierarquiza-se a “estrutura”, reconhecendo-se que nenhum aspecto tem primazia estrutural

nem superioridade qualitativa e que, ao mesmo tempo, é impossível distinguir os limites nos

antagonismos. O significado surge dos graus nas relações, de similaridade e diferença, que as

palavras têm com outras no interior do código da língua.

Outra forma de desestabilizar estruturas fixas impostas à linguagem é reconhecer as

contradições internas que estas apresentam: paradoxos e ambigüidades, substituindo dessa

maneira a lógica de “um ou outro” ou “do oposto” pela lógica da aporia: “ambos/e nenhum”

(e/ou; nem/nem). O que Derrida chama de aporia são esses momentos em que as oposições

estão em mútua suspensão, e nenhum término tem supremacia estrutural, nem superioridade

qualitativa (INNES, 2002, p.135).

Uma função parecida com a aporia poderia ser a do paradoxo; este recurso mostra que

não é possível separar duas direções, que não é possível instaurar um sentido único para o

pensamento. O paradoxo é primeiramente o que destrói o bom sentido como sentido único,

mas depois é o que destrói o sentido comum como dotação de identidades fixas. É a afirmação

dos dois sentidos ao mesmo tempo, diz Deleuze:

Já que o sentido nunca está somente em um dos dois termos de uma dualidade

que opõe as coisas e as proposições, os substantivos e os verbos, as designações e

as expressões, é também a fronteira, o fio ou a articulação da diferença entre os

dois, e dispõe de uma impenetrabilidade que lhe é própria e na qual se espelha,

deve desenvolver-se em si mesmo em uma série de paradoxos, esta vez interiores

(DELEUZE, 1988 p.43)

Outros vários autores sustentam que reduzir o pensamento a sistemas binários tende a

impedir a criação, porque esta impõe sua interpretação, evitando, desta maneira, reconhecer

outros sistemas complexos e outras realidades culturais. Por exemplo, Gilbert Durand chama de

hermenêutica reducionista o estruturalismo exercido nos estudos etnográficos de Lévi-Strauss

porque este “recusa-se a tratar os termos como entidades independentes, tomando como base

da sua análise as relações entre os termos” o que inclui a possibilidade “de decifrar um conjunto

simbólico, reduzindo-o a relações significativas.”, é dizer, “reduzir o mito a um jogo estrutural”

(DURAND, 1988, p. 52), quando um mito, dentro de uma comunidade, constituiria um caso de

extrema complexidade simbólica.

Vale aqui também ressaltar a experiência da antropóloga Verónica Cereceda, quando se

propõe a descobrir o sentido da beleza nas culturas andinas. Esta autora desiste de propor uma

oposição binária, ou seja, contrapor o conceito de beleza com o de fealdade, porque nos

diversos textos de referência escolhidos para o seu estudo, o “feio” simplesmente não existe.

Dessa forma, a autora não achou um termo de oposição à beleza, senão níveis de beleza,

descobrindo que a beleza no mundo andino está intimamente ligada à emoção. Para despejar o

conceito da beleza, Cereceda propõe que esta ocupa um dos extremos de uma categoria estética

baseada na intensidade que poderia esquematizar-se da seguinte forma:

carente de emoção de beleza → com emoção de beleza

normalidade → exceção

A autora, com este esquema, pretende chamar atenção à delicadeza com que o

pensamento andino realiza aqui sua classificação de beleza: o que se destaca é o grau da emoção

estética - a viva intensidade emocional - que provocam as coisas, seres, paisagens, imagens. “É

esta viva emoção a que é privilegiada nos textos e que recebe uma significação adicional como

intermediária ou articuladora”

(1987, p. 218). Para precisar esta situação intermediária propõe a

idéia de mediação:

Mediação não é todo contato possível senão somente aquele que, sendo

difícil de lograr ou sendo perigoso, requer um intermediário: é a este

contato arriscado que se associa uma idéia da beleza. (CERECEDA,

1987, p. 219)

A mediação seria uma entidade independente que relaciona partes divididas ou em

discórdia, sem que elas percam sua identidade. A mediação é mais do que um ponto ou um

instante de contato: é capaz de recobrir-se com um sentido próprio e de expandir-se de uma

maneira complexa: seja em um processo onde existem excesso e ausência, seja em uma escala

entre concentração e diluição. Parafraseando ainda Cereceda: “Se a mediação parece outorgar à

beleza a ambigüidade que lhe é própria, a beleza, em câmbio, parece conferir à mediação um

caráter instável e perigoso” (1987, p.225). Por uma parte, a atração que exerce a beleza é difícil de

manejar, contém um aspecto perturbador e irracional, que a faz, talvez, um instrumento

apropriado para conectar com as potências do escuro, o desordenado, o que não pertence à

razão. Por outra parte, a beleza é capaz de seduzir em demasia, deslumbrar até provocar a perda

da consciência, a diluição.

As palavras dos autores referenciados ajudaram-me a definir as abordagens filosóficas da

pesquisa; para conceber o meu objeto como uma aporia, no sentido derridiano, como um

paradoxo, e a entendê-lo como “articulador”, é dizer, com capacidade de mediação, como é

proposto por V. Cereceda, atribuindo-lhe a capacidade de expansão de maneira complexa,

através de processos e/ou escalas de intensidades, originadas entre termos, conceitos e

identidades que poderiam ser considerados “contrapostos”. Assumo assim o caráter instável,

próprio da mediação, o que poderia conduzi-la a cometer atos extremos, ao choque das culturas

ou a outras situações dolorosas e liminares.

Portanto, no presente trabalho, a linha manter-se-á como um elemento polissêmico,

com ampla capacidade de transformação e trânsito, capacidades que permitirão articular

conceitos. Para isto, opera-se seguindo idéia de graus ou intensidades com as quais os elementos

se relacionam. Desta maneira, relativizam-se as relações de oposição entre material e imaterial,

civilizado e primitivo, tradicional e contemporâneo, ordem e desordem, dentre outros aspectos

que aqui serão assumidos como pontos de maior ou menor concentração. Para visualizar e

verificar o espaço que a linha-aporia percorre, pensei inicialmente em uma relação de

intensidades e graus, como se se tratasse de uma escala cromática de tons cinza entre branco e

preto, esquematizada a seguir:

Diluição Concentração

Fig. 1 Escala de intensidades em tonalidades cinza.

Posteriormente, observei que este razoamento poderia resultar muito simples e

igualmente redutor. Já que limitar o esquema á escala de cinzas implicava não reconhecer a

complexidade tal como esta se apresenta na natureza. Assim, para tornar evidente o espaço

onde elementos convivem, recorri às experiências realizadas pelo científico e poeta J.W. Goethe.

Este célebre autor demonstra (A Doutrina das cores) que as linhas produzidas pelo contraste da

luz e a sombra apresentam um limite apenas nominal, já que, se desdobrássemos essas linhas

encontraríamos amplos espaços compostos de determinadas gamas de cores, as quais estariam

determinadas a sua vez pelas condições em que estas são produzidas. (GOETHE, 1998) Desta

forma, “serão diferentes as cores que resultam entre o contraste de uma linha clara sobre um

borde escuro” [exemplo 1] das “cores que resolvem o contraste sobre um fundo claro: a través

de um cristal” [exemplo 2] e ainda é possível assistir à “síntese de ambas”.

Fig. 2 Escalas cromáticas, segundo a Teoria das cores

de Goethe.

Resulta interessante observar que, dentro de cada uma destas séries, não existem limites

definidos entre as cores, mas, mesmo assim, cada cor mantém suas particularidades, sendo cada

cor facilmente identificável; esta seria a representação que estava procurando para evidenciar o

espaço existente entre pontos de maior concentração e maior diluição: escalas não hierárquicas

e constantemente mutáveis, as quais se misturam com outras e podem ser influenciadas pelo

ambiente.

Assim, nessa dinâmica, transformando-se constantemente, aceitando contradições e

paradoxos a Linha, nas obras que constituem esta pesquisa em arte, evidencia-se entre

elementos com intensidades diversas, tenta aprender e desenvolver-se em domínios diferentes

mesmo sendo estes perigosos ou desestabilizadores, adversos a conservar uma estrutura.

Com estas abordagens surgem os primeiros questionamentos: Por que é tão importante

para esta pesquisa em arte definir a priori uma situação “articuladora”, de “mediação”, entre

elementos supostamente contrapostos, e cujo status é de “trânsito”? Serão estas circunstâncias

articuladoras, de algum modo, propícias para a criação?

No começo deste capítulo falou-se sobre a instabilidade do significado das palavras,

como também o confirma Stuart Hall “Os significados das palavras não são fixos, numa relação

um a um com os objetos e eventos no mundo existente fora da língua”. O significado surge nas

relações de similaridade e diferença que as palavras têm com outras palavras no interior do

código da língua. Neste ponto, Hall novamente lembra que “Nós sabemos que é a Noite porque

ela não é o Dia”, observando que o significado das palavras procura o fechamento, ou seja, a

identidade, mas este “fechamento” é constantemente perturbado pela diferença, chamando a

atenção sobre a analogia que existe entre língua e identidade: “Eu sei quem eu sou em relação

com o ‘outro’ que eu não posso ser” (2001, p. 40).

Pois bem, em uma primeira instância desta pesquisa considerei fundamental definir um

lugar de origem, um ponto de apoio, porque não dizer, senti o imperativo de assumir uma

“identidade” que definisse o meu fazer em arte e que este, a sua vez, seja a instância de partida

para a “nova poética” iniciada no mestrado

. Pensei que esse ponto de partida seria a cultura

quéchua, mas um sentimento de profunda ambivalência prevaleceu: somente podia considerar-

me dessa cultura por algum indefinido antepassado materno, por afinidade e pelas diversas

experiências com esta, as quais tinham influenciado fortemente a minha produção e pesquisa

em arte durante muitos anos. Ou, seria mais apropriado partir da condição mestiça, já que a

minha ascendência paterna é ítalo-espanhola? Mas, na América Latina a mestiçagem é um lugar

comum

e, o mestiço resulta um conceito que possui variadas conotações:

Ver o artigo de minha autoria intitulado “A memória como ponto de partida. Trançados de um processo

criativo”. Na revista bilíngüe Cultura Visual No. 10. PPGAV- EBA- UBFA. EDUFBA: Novembro 2007.

Na atualidade, menos de 10% da população da América Latina é indígena (a porcentagem é menor nos Estados

Unidos e Canadá). A presença do indígena é maior demograficamente na Bolívia, Peru, Equador e na Guatemala,

A compreensão da mestiçagem tropeça com hábitos intelectuais que conduzem

a preferir conjuntos monolíticos antes que espaços intermediários.

Efetivamente, é mais fácil identificar blocos sólidos que interstícios sem nome.

Preferimos considerar que «tudo o que parece ambíguo só o é aparentemente e

que a ambigüidade não existe». As aproximações dualistas seduzem pela sua

simplicidade e, quando se defendem na retórica da alteridade, confortam às

consciências ao tempo que satisfazem sede de pureza, de inocência e de

arcaísmo. (GRUZINSKI, 2000, p.48)

Assim, definir uma identidade como ponto de partida para uma poética em arte

resultou também uma tarefa difícil. Essa procura pela identidade levou-me a reconhecer que as

identidades não são um conjunto de rasgos fixos, essenciais e permanentes, e levou-me a aceitar,

também, a inexistência de uma identidade singular ou “identidade mestra”. Há tempo tinha-me

tornado no que Stuart Hall chama de “celebração móvel”: formada e transformada

continuamente em relação às formas pelas quais somos representados ou interpelados nos

sistemas culturais que nos rodeiam. Definida historicamente, não biologicamente, em palavras

do autor:

A identidade plenamente unificada, completa, segura, coerente é uma fantasia.

Ao invés disso, na medida em que os sistemas de representação cultural se

multiplicam, somos confrontados por uma multiplicidade desconcertante e

cambiante de identidades possíveis, com cada uma das quais poderíamos nos

identificar – ao menos temporariamente. (HALL, 2001 p.13)

Palavras com as quais Serge Gruzinski parece concordar:

A identidade é uma história pessoal que se vincula com capacidades volúveis de

interiorização ou de repulsa das normas inculcadas. Socialmente, o indivíduo

não deixa de enfrentar uma plêiade de interlocutores, dotados por sua vez de

identidades plurais, uma configuração de geometria variável ou em eclipse. A

identidade se define sempre a partir de relações e de interações múltiplas.

(GRUZINSKI, 2000, p.48)

Estas reflexões levaram-me a reconhecer que, nos últimos anos, acumulei experiências

com diversas culturas, além da cultura mestiça boliviana e da América Latina, culturas como a

quéchua, a aimara, a maia-queqchí

, a afro-brasileira, entre outras, em contextos rurais e

urbanos cosmopolitas, cada uma com suas particulares aproximações e intensidades. Tinha-me

e tem enorme força nesses países e em outros, como Colômbia e México [...]. Portanto, a composição de todas as

Américas requer a noção de mestiçagem, tanto no sentido biológico - produção de fenótipos a partir de

cruzamentos genéticos - como cultural: mistura de hábitos, crenças e formas de pensamento europeus com os

originários das sociedades americanas

(CANCLINI, 2003, p.72).

Os maias constituem um conjunto diverso de povos nativos americanos da Guatemala e do sul do México. O

termo maia é abrangente e ao mesmo tempo uma designação coletiva que inclui os povos da região que partilham,

de alguma forma, uma herança cultural e lingüística; porém, esta designação abarca muitas populações, sociedades

e grupos étnicos diferentes, cada um com as suas tradições particulares, culturas e identidade histórica, uma delas é

a Queqchi.

convertido em um ser em trânsito permanente, sem lugar fixo, e em constante viagem

exercitando constantemente a faculdade de sair e entrar dessas diversas realidades e de traduzir

essas experiências

E por que falar em “tradução”? Digo traduzir, apropriando-me de um conceito

mencionado por Hall, a tradução, a qual descreve aquelas formações de identidade que

atravessam e intersectam as fronteiras naturais, compostas por pessoas deslocadas da sua terra

natal. Essas pessoas retêm fortes vínculos com seus lugares de origem e com suas tradições, mas

sem a ilusão de um retorno ao passado. Elas são obrigadas a negociar com as novas culturas em

que vivem sem ser assimiladas por elas e sem perder completamente suas identidades. Elas

carregam traços das culturas, das tradições, das linguagens e das histórias particulares pelas

quais foram marcadas. A diferença é que elas não são, nem nunca serão unificadas, no velho

sentido, porque elas são irrevogavelmente o produto de várias histórias e culturas

interconectadas: “Os que pertencem a essas culturas híbridas devem aprender a habitar no

mínimo duas identidades, duas linguagens culturais, a traduzir e negociar entre elas” (HALL,

2001, p. 89).

Então, senti a necessidade de repensar essas “identidades” a partir da idéia de

hibridação. A hibridação não é um conceito unívoco, ao contrário, é um termo utilizado tanto

na biologia quanto nos diversos estudos culturais, incluída a arte contemporânea. A definição

que o antropólogo e pesquisador Néstor Garcia Canclini dá ao termo hibridação é a de

“processos socioculturais nos quais estruturas ou práticas discretas, que existiam em forma

separada, se combinam para gerar novas estruturas, objetos e práticas” (2003, p. 62). Segundo

esse autor, o conceito de hibridação colaborou para sair dos discursos biologistas e essencialistas

da identidade, a autenticidade e a pureza cultural e racial. A palavra hibridação aparece como

um termo maleável para nomear múltiplas misturas, nas quais não se combinam somente

elementos étnicos ou religiosos. Com freqüência a hibridação surge da criatividade individual e

coletiva, não só na vida cotidiana, senão também nas artes. Chamam-se híbridos os processos

que intersectam produtos das tecnologias avançadas e processos sociais modernos ou pós-

modernos. Podem-se identificar múltiplas alianças fecundas na arte contemporânea; um

exemplo amplamente aceito é o filme The pillow book, de Peter Greenaway, onde:

No livro “Itinerarios transculturales”, Clifford pergunta-se se a noção de viagem é mais adequada que outras

utilizadas no pensamento pós-moderno: deslocamento, nomadismo, peregrinagem (CLIFFORD, 1999, p.77).

A palavra tradução vem etimologicamente do latim traducere significando transferir, transportar entre fronteiras.

as imagens do cineasta compõem marchetarias “de uma beleza surpreendente e

perturbadora ao mesmo tempo”: visões da corte nipônica do Século X,

empréstimos do cinema japonês dos anos cinqüenta, ou um desfile de moda

contemporâneo em uma Hong Kong de finais de século. Estas seqüências se

incrustam como telas na tela, e dialogam com a cena principal criando um

desenvolvimento tão homogêneo que o olhar do espectador não consegue

desprender-se desta visão. (GRUZINSKI, 2000, p.116)

Assim, inúmeros exemplos podem falar de hibridações, evidenciando a produtividade e

o poder inovador de muitas misturas interculturais. Por isso muitos autores propõem como

objeto de estudo da identidade a heterogeneidade e a hibridação interculturais. Pois a

hibridação ocorre em condições históricas e sociais específicas, no meio de sistemas de

produção e consumo, que às vezes operam como coações, segundo pode apreciar-se na vida de

muitos migrantes.

Existem muitos acordos criados pelas sociedades que promovem, mas que também

condicionam a hibridação, como são as fronteiras e as cidades. A globalização dilui as fronteiras

entre países, mas, ao mesmo tempo, as torna extremamente controladas, e as megalópoles

multilíngües e multiculturais, como Londres, Berlin, Nova York, Los Angeles, Buenos Aires,

São Paulo, México e Honk Kong, são centros onde a hibridação fomenta maiores conflitos e

maior criatividade cultural. “A intensificação da interculturalidade migratória, econômica e da

mídia mostram que não há somente fusão, coesão, osmose, se não a confrontação e diálogo”

(CANCLINI, 2003, p.72). Nos movimentos recentes provocados pela globalização (como os

skinheads, punks na Europa ou Chiapas e o MST na América Latina) advertimos que a

hibridação não só integra e gera mestiçagens; também segrega, produz e evidencia desigualdades

e estimula reações (lembre-se a característica instável própria da mediação). Da mesma maneira,

segundo Canclini, os fluxos crescentes entre centro e periferia devem ser examinados junto com

as assimetrias entre os mercados, os Estados e os níveis educativos; isso ajudaria a evitar o risco

de ver a mestiçagem e a hibridação como simples homogeneização e reconciliação intercultural.

Neste contexto, resulta importante reconhecer situações como o Marginal e o Fragmentário.

O Marginal, como tudo o que está fora ou longe do “centro de uma sociedade”, é difícil

de ser percorrido a não ser que se pertença a ele. A condição do Marginal lembra essas situações

urbanas extremas nas cidades contemporâneas: a marginalidade que se vivencia nas periferias

das cidades. São regiões afastadas do centro urbano, em geral carentes em infra-estrutura e

serviços básicos, e que abrigam os setores de baixa renda da população. Considera-se, também,

que se é de alguma forma marginal quando se pertence a países periféricos, ou

“subdesenvolvidos”, em oposição aos “desenvolvidos”. Estes últimos constituídos como o centro

do sistema econômico mundial. Nestas sociedades massivas, que estimulam a constante

concorrência, existem fatores que acentuam a situação marginal, como o ser mulher e/ou

pertencer a um grupo étnico ou racial historicamente marginalizado. Como mulher que vem de

um país no qual ainda persistem características coloniais e altos índices de subdesenvolvimento,

não só no sentido econômico e tecnológico, senão nos aspectos fundamentais (saúde, educação

e serviços básicos), coincido com as situações de marginalidade acima apresentadas, motivo pelo

qual me reconheço como habitante desses chamados “outros espaços”, ou heterotopias, dos

quais falarei nos seguintes capítulos. Assumo essa situação de marginalidade junto com a dos

processos de hibridação, porque ambas me permitirão exercitar a faculdade de transitar, sair e

entrar destes mundos contrastados percorrendo espaços que talvez fossem vedados para alguns,

mas que proporcionam certa liberdade de trânsito.

O marginal também poderia ser a condição do artista contemporâneo. Paola B. Jacques

viu na obra de Hélio Oiticica esta condição marginal que lhe permitiu falar, no livro A Estética

da Ginga, sobre a apropriação e a lógica fragmentária, presente tanto no cotidiano

indiscutivelmente marginal de um morador de favela quanto no fazer do artista (2003, p. 21- 62).

O primeiro utiliza resíduos de construções para se abrigar e abrigar sua família e o segundo

apropria-se de imagens, vivências, objetos e técnicas do cotidiano para atribuir-lhes “outros”

significados e sentidos.

A mesma atitude predomina diante da tecnologia; a arte se serve de instrumentos e

meios avançados e de consumo popular, como rádios, monitores de televisão, câmeras, entre

outros, mas também se apropria de instrumentos e suportes tradicionais. O artista re-processa

linguagens e as ordena segundo sua pesquisa e poética. Ele tem a sua disposição, como

instrumental de trabalho, um conjunto variado de imagens, meios e linguagens e, como o

construtor da favela, coleta o que está ao seu alcance. O gesto de apropriação do artista permite

ponderar com amplitude a presença do híbrido em linguagens poéticas contemporâneas. Pois o

artista é quem se apropria dos fragmentos que seu entorno lhe oferece e cria, dessa forma, obras

onde os limites fluem e são dinâmicos. As instalações, por exemplo, constituem um gesto de

apropriação de objetos e de espaços, comum na arte contemporânea.

De tal modo, os processos de hibridação podem ser conseqüências da apropriação e da

união de fragmentos. O fragmento tem limites próprios, um sentido singular, intrínseco, que

não pode ser compreendido numa lógica unitária. Seu espaço, como o espaço de nossa linha, “é

o do não-lugar, o lugar do meio, o local deslocado, em suspensão, transitório, em construção”

(JACQUES, 2003, p. 91).

Como se viu até aqui, são vários os fatores que propiciam a hibridação, o marginal e

fragmentário. Conceitos importantes para esta pesquisa, que não se apresentam como conceitos

estáticos, ao contrário, graças a estes se pode ver a importância de ressaltar os processos de

hibridação, antes do conceito de hibridez, propriamente dito. Garcia Canclini aconselha aplicar

à hibridação um movimento de trânsito e provisionalidade com estas palavras:

Se falarmos da hibridação como um processo ao qual se pode aceder e que se

pode abandoar, do qual se pode ser excluído ao que podem subordinar-nos, é

possível entender melhor como os sujeitos se comportam a respeito do que as

relações interculturais lhes permitem harmonizar e do que lhes resulta

inconciliável. Assim podem-se trabalhar os processos de hibridação em relação

com a desigualdade entre as culturas, com as possibilidades de apropriar-se de

várias à vez em classes e grupos diferentes, e portanto respeito das assimetrias do

poder e o prestigio (CANCLINI, 2000, p.69).

Assim, em lugar de conceber a hibridação como um conjunto de misturas bem

sucedidas, procurei identificar os seus condicionantes. Para aplicar este conceito de uma

maneira não ingênua, é imprescindível uma consciência crítica de seus limites, considerando

ademais aquilo que não se deseja, ou não quer, ou não pode ser hibridado. Vemos então a

hibridação como algo ao que se pode chegar, do qual é possível sair, e no que estar implica

fazer-se responsável do in-solúvel, aquilo que nunca se resolve por completo (CANCLINI, 2000,

p.71).

Assim, trata-se de reconhecer o que há de doloroso, o que não chega a ser fusionado, e a

aceitar à vez o que cada um ganha e perde ao hibridar-se.

Neste ponto, os questionamentos sobre uma identidade para criar a minha poética

visual diluíram-se para dar passo a outras perguntas: O que na minha Prática resiste a ser

hibridado? O que é insolúvel? O que se mantém intocado? Será que a arte é aquilo que permite

nomear o que não se pode hibridar?

Apresentou-se, desse modo, uma situação sem retorno; a viagem tinha realmente

acontecido: por isso não podia mais representar “uma só identidade”, como reconheço que fiz

em muitas obras antes de 2006, obras que evidenciavam facilmente símbolos andinos em telas e

tecidos

(Ver Anexo 1). Mas a representação identitária já tinha iniciado seu próprio

questionamento e contradição. Resisti a produzir versões estandardizadas, desenraizadas,

ilusórias e extravagantes, sob o rótulo de “contemporâneo”, o que vejo em muitos artistas que

apresentam apropriações aleatórias ou jogos de palavras, na procura de provocar tensão e

impacto por qualquer via. Não encontrei nestes artistas uma condição que acho fundamental

para a criação em arte: a Prática.

Então questionei o próprio fazer, coloquei-o no campo “instável e conflitivo da tradução

e da traição”, como sugere Clanclini, “Para repensar o que nos une e nos distancia desta

desgarrada e hiper-comunicada vida. As buscas artísticas são chaves nesta tarefa se logram ser

linguagem e vertigem à vez” (2000, p.80). Questionei o que é possível hibridar e o que não é na

minha Prática. Tentei seguir atentamente os processos de hibridação que a minha obra ia

experimentando, ou pretenderia experimentar, até o ponto em que lograsse encontrar o que

não podia ser hibridado, sem descuidar da procura inicial da minha pesquisa: experimentar

com o espaço, sair da bidimensionalidade através da linha. Para fazer essas duas coisas, tive que

repensar e organizar toda minha bagagem de desordenados fragmentos.

Nascia a suspeita de que existe desordem pior do que aquela do incongruente e

da aproximação do que não convém; seria a desordem que faz cintilar os

fragmentos de um grande número de ordens possíveis na dimensão, sem lei

nem geometria do heteróclito. (FOUCAULT, 1995. p XII)

Da mesma maneira que Foucault, ao começar o livro as Palavras e as coisas, descobri a

desordem de inúmeras ordens possíveis, achei-me na situação instável das possibilidades, mas

reconheci nisso uma desordem inicial, um emaranhado objetivo e subjetivo. Enfrentei a confusão

dos meus próprios “fragmentos”. Podia conceber esse estado de caos como concentração,

densidade e intensidade e visualizá-lo como o velo de lã sem enfiar: um emaranhado que

aparece como uma unidade fibrosa e compacta à vez. Considerei aquele velo como uma origem

mítica, que pode resultar um passo de um estado a outro. Mas como sair desse caos? Da

Vejam-se amostras destas obras no Anexo 1 e nos seguintes websites:

http://www.dberduccy.bo.nu

http://www.ksphoto.com/Art

http://pigmentathesource.com

desordem natural? Precisava de um elemento, embora ainda amplo, que me permitisse começar

a minha busca inicial do “espaço” e, com ele, a tridimensionalidade e a leveza para a minha

obra. A forma de ganhar espaço é através de deslocamentos. Neste ponto decidi que seriam

deslocamentos, é dizer, ações, que em uma primeira instância serviriam para realizar a “ação do

crivo” necessária para sair do caos (DELEUZE, 1987). Porém, falar em ações é falar de algo

demasiado amplo, precisava de um movimento ou uma séria deles. Devia achar um fio

condutor, ou melhor, ainda criá-lo. Neste ponto, estas palavras de Michel Focault possibilitaram

uma resposta:

O impossível não é a vizinhança das coisas (diversas), é o lugar mesmo onde elas

poderiam avizinhar-se [...] Onde poderiam elas jamais se encontrar, a não ser na

voz imaterial que pronuncia sua enumeração, a não ser na página que a

transcreve? Onde poderiam eles se justapor, senão no não-lugar da linguagem?

(FOUCAULT, 2000 p.XI.)

Foi justamente na linguagem onde inicialmente resolvi a procura. Faltava-me uma

palavra, era necessário fazer um exercício de terminologia: era imperativo começar a nomear,

dar início, dessa maneira, ao ato criativo. Devia arrancá-la da linguagem corrente para apropriar-

me dela. Uma palavra que incluía o meu fazer e me permita transitar espaços com a linha: só

pode ser um verbo, é dizer, uma força ativa. Um verbo em infinitivo, sem passado nem futuro,

por considerar que nos verbos em infinitivo existe algo que está em disposição permanente, um

devir que não cessa de alcançar-nos e à vez preceder-nos. Todos eles são instante, sem passado

nem futuro. Em eterno devir.

O verbo é a condição indispensável a todo discurso, sem ele não é possível dizer que há

linguagem. Para Foucault “o verbo afirma”. O autor reconhece, dentre todos os verbos, um

dotado de uma função verbal “tênue, mas essencial”: o verbo Ser. Segundo ele “A essência

inteira da linguagem se encontra nessa palavra singular” (2000, p.131). Para mim o verbo

essencial tinha que estar relacionado com a linha e as ações que ela provoca, então decidi

questionar minha prática, colocando-a em terreno instável. Literalmente, detectei no processo

de formação do fio, a partir da sua potencialidade na lã, ainda sem enfiar, uma concentração,

na qual estariam contidas todas as possibilidades. A ação do crivo a realizaria a prática de fazer o

fio: cujos movimentos são envolver e Desenvolver

. Deste modo encontrei o acontecimento.

Desenvolver, na língua espanhola, têm o sentido português de “desenrolar”. E o “desenvolver” do português teria

a conotação de “desarrollar” em espanhol. Aplico as duas conotações como complementares neste trabalho.

Filosoficamente, o termo acontecimento, no sentido empregado por Deleuze, ocorre

quando surge um problema, um questionamento, que favorece um processo imaginativo a

constituir o virtual, pressupõe o tempo presente e visa a sua atualização. Quando o virtual,

como entidade, adquire consistência, tal fato constitui um acontecimento, um ato de criação.

Propriamente, o acontecimento, como o processo, não começa nem acaba, pois

tem uma parte sombria e secreta que não pára de se subtrair ou de acrescentar a

sua atualização. [uma Potencial criatividade]. Deleuze pensa que não existe

predominância entre pensar e criar. (P. Mangadita. In: JACQUES, 2003, p. 6).

Pois bem, tinha achado o Verbo DESENVOLVER, um acontecimento pleno de

possibilidades, que daí em diante seria propício para meu processo de criação. Contudo, ainda

não tinha saído do caos dos meus fragmentos. “Só há uma maneira de sair do caos”, diz

Deleuze citando a Leibniz

, “fazendo séries”. A série para ele seria a primeira palavra depois do

caos. “Um pensamento de tipo serial poderia ser capaz de elaborar a lógica do acontecimento, já

que os acontecimentos apresentam-se em séries, séries convergentes e divergentes entre as quais

se estabelecem diversas sínteses” (DELEUZE, 1987). Lembrando que os acontecimentos

expressam-se mediante verbos no infinitivo para formar as séries que compõem o

DESENVOLVER, recorri simplesmente à fragmentação do verbo, descobrindo a maleabilidade

e polissemia a ele inerentes. Cada um desses fragmentos se converteu em séries independentes

do próprio acontecimento de DESENVOLVER conforme esquema abaixo:

Fig. 3 Esquema do DESENVOLVER.

Um verbo-acontecimento tinha-se descomposto em quatro verbos em infinitivo, que por

sua vez são acontecimentos. Cada um relaciona-se com meu fazer apresentando diversos matizes

Aula de Gilles Deleuze sobre o acontecimento em Leibniz. França, 1987.

e escalas. São impessoais, intemporais, incorpóreos. Provêm do encontro com os corpos e

atribuem-lhes sentido. Ações-acontecimentos que relacionam as palavras e as coisas. O sentido

apareceu de um só golpe.

Deleuze diz que um acontecimento “é uma conjunção de séries convergentes que tendem

a um limite” (DELEUZE, 1987), então cada uma dessas séries caracteriza-se por uma vibração,

algo parecido a “uma série infinita que entra em relações de todo e de partes; baixo a influencia

de algum elemento que atua como um crivo, (a ação de DESENVOLVER ocasionada pelo fuso)

respeito de uma diversidade disjuntiva inicial”. As características internas que definem e que

constituem as séries são as intensidades, que seriam como as vibrações musicais, ou as

tonalidades independentes representadas nas cores de Goethe. Sobre tais idéias, então, concebo

a relação entre palavras, coisas, ações, acontecimentos e intensidades que se podem representar

da seguinte maneira:

Fig. 4 Esquema1.

Segundo Deleuze existe uma “tendência das séries a um ponto comum de máxima

concentração” (1987), imagem que pode remontar às circunferências produzidas por uma pedra

ao cair na água. O ponto de convergência relaciona-se com o ponto de maior concentração, no

centro, para depois se diluir até alcançar seus limites ou não. A presença desse ponto de

convergência muda a representação do anterior esquema, e propõe um outro, desta vez baseado

na convergência:

Fig. 5 Esquema2.

Criou-se, com esta representação, um esquema que mostra uma multiplicidade

abrangente, um crescimento horizontal e rizomático. Horizontal no sentido entendido por

Lechte, quando fala sobre um pensamento que paradoxalmente não leva a uma ordem de

uniformidade (todos no mesmo nível), uma quase-ordem da diferença, em que:

O eixo horizontal não acarreta a questão de limites entre identidades, como

acontece com o pensamento representacional baseado no Mesmo, mas leva, em

vez disso, à permeabilidade de todos os limites e barreiras. É por isso que o

pensamento horizontal passa ao largo do (não se opõe ao) pensamento vertical

da hierarquia burocrática cotidiana - o pensamento que acarreta a consolidação

de identidades. (LECHTE, 2003, p.121)

E um crescimento rizomático, porque como no conceito de Deleuze, em um rizoma,

não existe uma unidade, um eixo central, como existe, por exemplo, numa árvore. O que temos

são multiplicidades de dimensões, intensidades e naturezas variáveis. Situações de trânsito, que

vão desde um nível de máxima concentração até os seus próprios limites e não pertence a uma

lógica unitária e rígida, onde as ações realizadas neste espaço apresentam-se como seres

polimorfos capazes de traçar linhas de fuga ou de variações; as mesmas afetariam um sistema

dominante impedindo-lhe sua homogeneidade, possibilitando a criação de devires menores

para re-inventar novas combinatórias. Por isso, em uma multiplicidade de ações, uma

conjuntura dá passo à outra: como o movimento de um zoom, como um relato que sucede ao

interior do outro e vai ampliando seu raio de ação de um centro até a periferia, de um ponto

desordenado de máxima concentração até um limite desconhecido.

Essa forma de apresentar o acontecimento aproxima-nos de definir o percurso desta

pesquisa, e aparecerá ao longo deste trabalho. Mas também resulta interessante observar o

diálogo desta representação concêntrica com a concepção do pensamento andino sobre as

forças a que os seres estão submetidos; segundo o pensamento andino, como é representado

pela antropologia:

O mundo em que vivemos é um espaço caracterizado por forças centrífugas que

vão passando da sua máxima concentração no centro (taypi) à sua máxima

difusão nas bordas, da vida à morte, do selvagem ao social. (BOUYSSE;

HARRIS, 1987 p. 27)

Como observaram as antropólogas Bouysse e Harris, nos saberes dos antigos povos

andinos a maior concentração corresponde a uma inesgotável origem mítica, conhecida como

taypi

(em quéchua: centro). O taypi evoca a concentração de forças e a multiplicidade potencial.

Parece que esta posição central permite reduzir a contraposição entre contrários (awqa). “Taypi é

o lugar onde podem conviver as diferenças, é o tempo mítico original, quando diversas nações

[...] surgiram do mesmo centro”

(BOUYSSE; HARRIS, 1987, p. 12).

Será que com essa cartografia fluida encontrarei o ponto limite que me permita

descobrir o indômito, o que se resiste a ser hibridado? Para empreender essa tarefa nas seguintes

linhas, começarei por reconhecer esses espaços, para depois progressivamente percorrê-los

mediante ações. Espaços povoados de intensidades diversas, as quais questionarão e provocarão

Práticas em arte.

Para exercer essas práticas em arte, elegeu-se o Forte São Marcelo, identificando na sua

estrutura características afines com esta pesquisa (Fig.6). Propondo uma montagem em Site

Specific, distribuída em celas ou pequenas salas, ordenando-as segundo as ações contidas no

verbo DESENVOLVER: ENVOLVER, VOLVER e VER. Desse modo a interação com a

estrutura “envolvente” e concêntrica, do mencionado monumento, assim também com a sua

situação no mar, sua conotação histórica com a colônia e a relação com o trânsito dos navios

farão parte do conjunto das obras ali apresentadas.

Taypi é um princípio que dá ordem ao universo mítico (MILLA, 2003), é a parte central e o lugar de origem de onde se

desprendem todas as coisas.

Fig. 6 Vista aérea do Forte São Marcelo.

2. ESPAÇOS DE AÇÃO

Poucos observam que o lugar onde está situada Copacabana, uma pequena cidade na

beira do Lago Titicaca, na Bolívia, recebe o primeiro raio de luz ao começar o dia. Poder-se-ia

pensar que aquela localização é um acaso, mas por que esta não poderia ter sido planejada?

Copacabana está rodeada de antigos observatórios astrológicos e espaços rituais. Trata-se de

uma cidade milenar onde vários cultos se misturam. Um lugar de peregrinações. Quem a visita

não acha estranho que um barqueiro aimara se aproxime para oferecer um curto passeio no

lago, até chegar a “El Sapo”.

Considerado um lugar sagrado, “El Sapo” recebe inumeráveis oferendas de habitantes

dos redores e de peregrinos. Depois de pouco tempo de navegação o barqueiro assinala na

direção de uma rocha ao pé de um morro. Geralmente os viajantes não percebem mais do que

um lugar onde, evidentemente, se rende culto, próprio dos costumes andinos. Mas não se

consegue ver sinal de sapo nenhum. O barqueiro permanece em silêncio por um momento e

põe, novamente, o motor em marcha em direção à margem do lago. A maior parte dos

passageiros, ao chegar à terra, desce e agradece sem se perguntar porque não conseguiram ver

“El Sapo”. Eu mesma passei várias vezes por esse lugar tentando encontrar a misteriosa imagem.

Um dia, quando navegava

pelo Lago Titicaca, com outro

destino, passei perto dessa rocha e

ao invés de concentrar o meu olhar

nela, enfoquei minha atenção na

sombra, que era projetada pelo sol

do meio dia naquela grande pedra,

percebendo que a sombra da rocha

era a imagem que efetivamente

tinha a forma inconfundível de um

enorme sapo (Fig. 7). “El Sapo”

parecia flutuar sobre as águas azuis

do lago. Guardei para mim a emoção de descobrir o segredo do barqueiro, uma emoção

estética, considerando que presenciei uma espetacular obra de arte, ao tempo que uma forma

Fig. 7 Amuleto que representa o Sapo e a rocha de “El

Sapo” na beira do Lago Titicaca.

diferenciada de ver o mundo fazia-se evidente para meus olhos: o olhar particular da cultura

andina (DE BERDUCCY, 2007, p.9).

Rocha e sombra, conectando materialidade e imaterialidade, formam um símbolo

cultural plenamente vigente para a cultura andina: El Sapo. A descoberta daquela imagem

composta pela sombra dessa enorme pedra, converteu-se no acontecimento determinante a

partir do qual surgiriam outros acontecimentos. Para apreciar a verdadeira magnitude deste

episódio, foi necessário ponderar as mesmas coisas que um observador deve considerar, quando

enfrentado a um tecido andino. Por exemplo, segundo Verônica Cereceda, para observar um

tecido da cultura jalq’a (Fig. 8) é preciso ter em conta:

[1] Uma idéia de segredo. Um mundo que está ali, mas não se oferece

plenamente ao olhar, este mundo não precisa de nós para ser o que é. [2] Uma

idéia de “não construído pelo homem”, não organizado por ou para sua

compreensão. [3] Uma idéia de “umbral”: a difícil percepção obriga a determos

um instante para adequar não só nossos olhos, senão também nossa alma –

como a porta de um lugar sagrado- [...]. [4] E um tema: o de universos andinos

caracterizados por esses rasgos (obscuro, confuso, ambíguo) mundos de

antepassados, de mortos, do sonho, espaços de deuses subterrâneos. (1993,

p.30)

Estes pontos, junto às referenciadas

experiências de percepção, evidenciaram a

necessidade de compreensão dos espaços - suportes e

processos - utilizados na arte pré-colombiana, para o

qual se deve “adequar a alma e o olhar”, ou como diz

o paradoxo: é necessário fechar os olhos para ver

melhor.

Como esta antropóloga, vários autores, como

T. Gisbert e S. Parga, observam que os tecidos

andinos constituem todo um universo conceitual e

simbólico que surpreende por sua relação com o

espaço: no tecido podem-se ler à vez a região de

procedência do possuidor da prenda, assim mesmo,

as relações que mantém com outras comarcas. O

tecido também descreve a paisagem. Mas uma outra

enumeração minha.

Fig. 8 Tecido da cultura Jalq’a – Bolívia.

dimensão abre-se se se considera o corpo como suporte para o tecido. A forma como estes são

colocados no corpo tem um alto valor significativo, até na atualidade, sendo nas celebrações

comunitárias o seu espaço de expressão por excelência. Da mesma forma:

Outros contextos visuais mais amplos que o espaço reduzido do tecido também

se oferecem a uma leitura. Aludiremos somente ao vasto espaço constituído

pelo mundo que nos rodeia: As montanhas, encruzilhadas de caminhos,

confluência de rios. Em tudo isto não só se lê uma sinalização para o trânsito;

reconhecem-se também relações com os antepassados, com os seus vizinhos e

com seus deuses. (BOUYSSE; HARRIS, 1987, p.13)

Neste ponto, surge a possibilidade de um novo olhar, ou seja, de renovar critérios

estereotipados para compreender

a arte pré-colombiana a partir de suas relações espaciais. Para

isto será imprescindível o interesse e o olhar do artista pesquisador aos suportes e sua relação

com processos e espaços.

Assim sendo, imagens de El Sapo e do tecido Jallq’a podem ser vistos de dois pontos de

vista igualmente válidos: o suporte, ou seja, o espaço físico, e o ritual, o espaço simbólico (estes

poderiam lembrar, facilmente, materialidade e imaterialidade).

Nas seguintes páginas, examina-se o espaço físico no contexto da sua utilização na arte

contemporânea, tocando diretamente as relações entre suportes e espaços, especialmente em

lugares específicos - Site Specific -, tendo como referenciais os espaços rituais da cultura maia e

andina, atualmente considerados “ruínas”. Posteriormente, recorre-se às relações rituais do

espaço simbólico, como espaços recorridos ancestralmente em ações rituais. Para contextualizar

esta temática em toda sua amplitude, recorrer-se-á a experiências de artistas contemporâneose as

minhas próprias experiências, que justamente relacionam as práticas em arte a estes espaços.

A compreensão é a captação das relações internas e profundas mediante a penetração na intimidade. Entender

um fato a partir de dentro, na sua particularidade, respeitando a originalidade e a indivisibilidade dos fenômenos,

significa tratar de entender, através da interpretação, o sentido que as pessoas dão a suas próprias situações. No

lugar de parcelar o real, como faz a explicação, a compreensão respeita a totalidade da experiência vivida; assim, o

ato de compreensão reúne as diferentes partes em um todo compreensivo.

A incorporação do espaço nas Artes Visuais marcou um momento que se conhece como

pós-modernismo artístico. Nesse âmbito, os artistas, cada qual a seu modo, alheiam-se das

funções normativas da tradição modernista e tentam libertar-se de regras preestabelecidas: não

se enunciam mais as mensagens messiânicas e Manifestos, próprios das vanguardas e das

ideologias; nega-se a autonomia da arte e a separação desta do mundo, idéias que foram

espalhadas pelo modernismo (PAINE, 2002, p. 529).

Como tentativas de dirigir a arte às coisas do mundo, à natureza, à realidade urbana e ao

mundo da tecnologia, as obras articulam diferentes linguagens – dança, música, pintura, teatro,

escultura, literatura, etc. Desafiando as classificações habituais, colocando em questão o caráter

das representações artísticas e a própria definição de arte. Interpelam criticamente também o

mercado e o sistema de validação da arte. Impossível pensar a arte, a partir de então, em

categorias como "pintura" ou "escultura". Na cena contemporânea - que se esboça num mercado

internacionalizado das novas mídias e tecnologias e de variados atores sociais que aliam política

e subjetividade (negros, mulheres, homossexuais, etc.) - explodem os enquadramentos sociais e

artísticos do modernismo, abrindo-se experiências culturais díspares.

Neste contexto, nos diferentes discursos, tanto sociais quanto da arte contemporânea,

aparecem continuamente termos como “País”, “Território”, “Espaço”, coisas todas que indicam

um sentimento de pertença, algo emocional: o lugar é um vínculo, um laço que não é abstrato,

teórico ou racional. Um laço que não está constituído a partir de um ideal inalcançável, pelo

contrário, apóia-se, organicamente, sobre a possessão comum de valores enraizados: língua,

costumes, jeitos característicos; coisas cotidianas, concretas, unidas em um paradoxo aparente, e

que constitui o material e o espiritual dos povos.

Os artistas contemporâneos inauguraram uma outra relação com o espaço, inédita nas

artes desde a Idade Média, incorporaram-no à obra e o transformam constantemente. A relação

espaço-obra-suporte, na arte contemporânea, pode ser uma das formas de determinar o que se

conhece como linguagem visual. Desta maneira, uma obra disposta em um ambiente expositivo

que ocupa só o seu próprio espaço será chamada de objeto, se esta se estende além de seus

próprios limites e interage com outros objetos, é chamada de instalação, quando estas instalações

excedem os limites dos espaços convencionais e fechados e propõem a interação com a

natureza, será chamada de land-art. Em outro âmbito, existe a possibilidade de que a obra tenha

o corpo como suporte, e abarca o espaço através dos movimentos do artista, será chamada de

performance ou ação performativa. É muito importante não esquecer neste razoamento a mistura

entre estas referidas linguagens. Neste sentido, Lúcia Santaella, quando fala da classificação da

linguagem visual

, lembra-nos que, ao tratar de misturas de paradigmas, o campo das artes é

privilegiado, já que a:

Ilustração dessas misturas pode ser encontrada nos fenômenos artísticos que

receberam o nome de hibridação das artes e contemporaneamente comparecem

de modo mais cabal nas instalações, onde os objetos, imagens artesanalmente

produzidas, esculturas, fotos, filmes, vídeos, imagens sintéticas são misturados

numa arquitetura, com dimensões, por vezes, até mesmo urbanísticas,

responsável pela criação de paisagens sígnicas que instauram uma nova ordem

perceptiva e vivencial em ambientes imaginativos e críticos capazes de regenerar

a sensibilidade do receptor para o mundo em que vive. (SANTAELLA, 2005,

p.183)

Inicialmente, com a instalação, a obra foi lançada no espaço, com o auxílio de materiais

muito variados, na tentativa de construir certo ambiente ou cena, cujo movimento está dado

pela relação entre objetos,

construções, o ponto de vista e o

corpo do observador. Para a

apreensão da obra é preciso

percorrê-la, passar entre suas peças,

cores e objetos. Anúncios precoces

do que viria a ser designado como

instalações podem ser localizadas

nas obras “Merz” de Kurt

Schwitters, a primeira delas em

Hannover (Fig.9).

No inicio da de década de

60, Yves Klein realizou o que

poderíamos considerar a primeira

performance, O salto no vazio (Fig. 10 página seguinte). Uma composição fotográfica que retrata

a Yves Klein lançando-se livremente no espaço, da janela de seu ateliê (um ano antes do

primeiro vôo espacial tripulado). Nesta obra, além de existir um rompimento com o espaço

Segundo a classificação da autora: os três paradigmas da imagem são pré-fotográficos, fotográficos e pós-

fotográficos. (SANTAELLA, 2005)

Fig. 9 Merzbau de Kurt Schwitters. 1923.

tradicional, uma quebra de paradigmas na história da arte ocidental, existe também a ruptura

com o lugar de criação do artista: o ateliê.

Os artistas contemporâneos, com suas pesquisas sobre suportes e com a sua necessidade

de sair das galerias, questionaram a concepção espacial na arte. Assim, a história da arte, na sua

totalidade, esta constituída por constantes quebras e entrecruzamentos de paradigmas. Um

paradigma sucede o outro, de forma que a humanidade muda constantemente sua forma de

compreender o seu entorno e, pelo mesmo, de perceber a arte e de, mediante esta, perceber e

relacionar-se com o mundo.

Vejamos algumas possibilidades de explorar esses e “outros espaços” com a arte, dando

atenção a experiências de artistas que relacionam sua prática com espaços físicos e simbólicos,

reconhecendo em suas obras os antecedentes poucos convencionais da arte das culturas antigas.

Fig. 10 Yves Klein, Salto no vazio 1960.

ESPAÇOS FÍSICOS

O Site constitui uma outra forma de nomear o espaço contemporâneo. As obras montadas

em ambientes específicos serão chamadas Site-specific. As poéticas que surgem da relação com o

espaço incorporam aos seus processos criativos as particularidades de um lugar peculiar, real,

tangível e com história. Tratam-se, em geral, de trabalhos planejados para um determinado

local, em que a intervenção do artista dialoga com o meio circundante, para o qual a obra é

elaborada. Nesse sentido, a noção de Site liga-se à idéia de arte-ambiente, que sinaliza a

tendência da produção contemporânea de voltar-se para o espaço, incorporando-o à obra. É

possível afirmar ainda que as obras ou instalações Site-specific podem remeter à noção de arte

pública que designa, em seu sentido corrente, a arte realizada fora dos espaços tradicionalmente

dedicados a ela, ou seja, os museus e as galerias. A idéia geral é que se trata de arte fisicamente

acessível, que modifica a paisagem circundante, de modo temporário ou permanente.

Para experimentar estas obras, é preciso que o espectador se coloque dentro delas,

percorrendo os caminhos e passagens que projetam. A ênfase é colocada na percepção, pensada

como experiência ou atividade que ajuda a produzir a realidade descoberta. O trabalho de arte é

concebido desta maneira, como fruto das relações entre espaço, tempo, luz e campo de visão do

observador, com sua própria experiência. O espaço físico é aquilo que nos circunda, por tanto

que pode ser tocado, manipulado,

fotografado e penetrado.

Dentre as inúmeras

propostas que desenvolvem o

recurso de Site-specific, as obras de

grandes dimensões ganham muitas

possibilidades, já que propõem

uma outra forma de ver a arte. A

natureza é o locus mesmo onde se

pode observar que a arte se

enraíza. Artistas, como Robert

Smithson, realizaram suas

intervenções em espaços físicos

Fig. 11 Robert Smithson Spiral Jetty (pier ou cais espiral) 1970.

amplificados: desertos, lagos, canyons, planícies e

planaltos. É o caso da obra Spiral Jetty (pier ou cais

espiral), gigantesco caracol de terra e pedras

construído sobre o Great Salt Lake, em Utah (Fig.11

Página anterior). Diante de obras como as de

Smithson, é difícil não evocar a arqueologia de

civilizações antigas, como as obras realizadas pelas

culturas andinas. Estas transcenderam até chegar à

época atual onde facilmente poderiam confundir-se e

até superar algumas obras de exímios artistas

contemporâneos. Poderia estender-me em exemplos,

mas só mencionarei algumas destas obras, como as

linhas de Nazca, na península de Ica – Peru, um

deserto inteiro convertido em uma enorme cena

para a Land Art (Fig. 12). O que as diferenciaria é o

fato dessas linhas serem mais do que uma tentativa

artística pois cada uma dessas linhas está orientada segundo os movimentos do sol e das

estrelas, o que sugere que poderiam ter sido feitas seguindo os movimentos das estrelas,

denotando um alto grau de observações e conhecimentos astronômicos.

Poucos reparam nas qualidades estéticas dessas peças monumentais que podem ter

como suporte um deserto, ou ser uma arquitetura complexa, ou simplesmente uma intervenção

realizada em paragens longe da vista ou da percepção comum das pessoas (Fig. 13 Página

seguinte). Pode tratar-se, também, de espaços apropriados da natureza, e convertidos pelo

imaginário coletivo, em lugares motivo de culto, desde tempos antigos até o dia de hoje, como a

roca de El Sapo no lago Titicaca. A imagem-sombra do sapo flutuando sobre o lago revela não

somente a utilização do espaço, senão também um conhecimento e uma busca de interatuar

com os movimentos do sol, gerando uma obra dinâmica. Tratam-se sem dúvida de obras que se

relacionam com esferas míticas, mas também ligadas fortemente a experiências com a

observação do universo.

Fig. 12 imagens das linhas de Nazca. Entre 200

a.C. e 600 d.C.

Talvez os homens afastaram-se da natureza e

já não consigam mais ler os símbolos contidos nos

fenômenos naturais. Os lugares onde aconteciam os

“ritos cíclicos” quase não têm sentido para o homem

contemporâneo; têm sido abandonados e relegados à

condição de ruínas. Este é o caso de lugares

construídos com avançados sistemas numéricos e

astronômicos, altos templos construídos sobre

elevadas pirâmides maciças de pedra, como os da

cidade maia de Tikal (Petén - Guatemala), cujos

principais edifícios foram construídos a traves da

projeção da constelação da Ursa Maior. Ou como

Uaxactún: o observatório maia mais antigo que se

tem referência (Fig.14 Página seguinte), o qual ainda

encerrado hermeticamente na floresta maia continua

marcando, silenciosamente, o passo do sol e dos

astros. Uaxactún deixou, talvez, de interatuar com os homens, mas continua interagindo com o

universo: estas ruínas são obras de arte que não perderão vigência enquanto siga existindo o

movimento do sol e dos planetas. O movimento do sol completa as ruínas, dá-lhes vida.

Outros exemplos são os templos de Kalassasaya (Tiawanaku - Bolívia) construído a partir

da projeção do Cruzeiro do Sul sobre a terra, e Pilkokaina, uma outra misteriosa construção na

cordilheira dos Andes; ambos fazem pensar na existência da fragilidade dos homens e na

perenidade da natureza.

Todos estes espaços, hoje conhecidos como ruínas, podem ser reconstruídos pela

sensibilidade dos que penetram e percorrem em suas profundidades e escuridões, espaços

abraçados pelo tempo. São vestígios que encerram vida, não somente na memória do que

aconteceu nelas, senão pelo que acontece sutilmente em todas as coisas que têm contato com o

tempo. Estão vivas: a luz escorrega por pequenas fendas, criando linhas que atravessam o

espaço, árvores crescem nos muros; nelas existe um cíclico jogo entre luzes e sombras, sempre

mutantes. O sol faz das ruínas obras de arte em movimento.

Fig. 13 Espaços rituais Projeção do Vulcão

Licancabur- Bolívia.

Fig. 14 Esquema do passo do sol nas ruínas de Uaxactún - Guatemala.

Todas as sociedades produzem ruínas, ainda mais cidades com tanta história, como

Salvador-Bahia e suas muitas ruínas espalhadas em lugares inimagináveis. Uma delas é a antiga

Fábrica Fratelli Vita, localizada à beira do mar, na Cidade Baixa. No interior desta ruína

também a luz do sol penetra e realiza seu percurso.

Foi justamente nesta ruína, a antiga Fábrica de refrigerantes Fratelli Vita, onde tive a

oportunidade de exercer a minha própria procura pelo espaço, sem perder o meu elemento

principal: a linha e as possibilidades visuais e espaciais que esta produz. Constitui-se como uma

das primeiras experiências realizadas no transcurso do Mestrado em Artes Visuais

. Através de

duas obras consegui concretizar meus objetivos iniciais: a primeira intitulada

Chordata

Gryphus

, uma experimentação com linhas, e a segunda, As indústrias, instalação em Site

Specific, é uma obra que propõe um sistema complexo, composto de diferentes linguagens

visuais. Possui características híbridas e empréstimos de várias linguagens e situações

interpretativas. Em ambas as obras procura-se, desde sua concepção, um diálogo com o

contexto, um edifício abandonado e em ruínas, e o aproveitamento da luz e das características

do espaço. Estas obras foram

criadas e exibidas ao público no mesmo dia, junto com as obras de

outros 20 artistas, em um evento chamado RUÍNAS, Processos Criativos (Anexo 4), nas ruínas

dessa antiga fábrica. A seguir uma breve descrição e reflexão sobre essas obras.

Obras realizadas na disciplina Teoria e Técnicas de Processos Criativos, ministrada pela Prof. Dra. VigaGordilho.

Chordata Gryphus.

Chordata Gryphus

, ciclo vital de um ser de linhas.

Sol tú que naciste en mi ojo derecho

Y moriste en mi ojo izquierdo

(HUIDOBRO, 1984 p.79)

Chordata Gryphus

. Trata-se de uma obra de caráter processual e efêmero, na qual se

procurou o diálogo com o contexto, a partir de certos elementos existentes no terceiro andar da

fábrica abandonada, onde não existia teto e predominava um sol intenso. Lá foi inevitável não

lembrar outras ruínas pré-colombianas que me eram familiares.

No intento de evocar esse

diálogo que as ruínas-observatório

têm com o sol, nasceu a idéia de

criar uma interferência com linhas

que projetassem o percurso do sol

no interior da fábrica através de

uma clarabóia de 6 x 6 metros, que

ocupava o lugar central do edifício.

Assim, projetou-se uma forma

caprichosa e orgânica - mas

também efêmera - um ser feito de

linhas.

Chordata Gryphus

é um

breve ciclo vital de um ser de

linhas, que nasce de um novelo e é tão efêmero quanto o dia: Chordata é uma palavra em latim,

que significa “corda” e é, ao mesmo tempo, um filo que, segundo a taxonomia animal, inclui

todos os seres que têm coluna vertebral, todos os seres simétricos, desde os anfíbios até os

vertebrados, irmanando seres minúsculos com elefantes, lagartos com aves e a todos estes com o

ser humano. Gryphus remete à idéia de hieróglifo, às inscrições das ruínas maias e andinas,

gravadas em pedra; mas também gryphus é escritura com linhas; na obra, as linhas que projeta o

sol no seu percurso e as linhas que evoluem momento a momento.

Obra 1 Chordata Gryphus.Vista Frontal

Como já foi dito, a

clarabóia cumpriu um papel

fundamental, serviu como uma

espécie de moldura para uma

enorme estrutura formada por fios:

foram metros e metros de linhas

de barbante tingido. O processo de

montagem foi árduo e somente foi

possível com a ajuda de quatro

pessoas. E, ao final do dia, ao

tempo que o sol caía, o ser de

linhas também desapareceu para se

converter, novamente, em novelos.

Esta obra dialoga com o conjunto de obras da artista paulistana Edith Derdyk. Ela junta

linhas e grampos, inventa formas que parecem cobrar vida: nas suas composições, as formações

de linhas adquirem uma presença dinâmica, como se se tratasse da sombra de algum ser (Fig.

15). Na obra desta artista é constante a utilização de metros de fio preto que se desprendem de

vários pontos próximos, um dos outros, e interatuam de maneira paralela, mas sem serem

tramados ou tecidos, constituindo o conjunto uma estrutura que se dissemina no espaço.

Uma das primeiras

instalações com fios foi (Milhas de

barbantes), realizada por Marcel

Duchamp em 1942 (Fig. 16). No

contexto de uma das exposições

surrealistas em Nova York,

Duchamp fecha uma sala com

cordas, definindo, com sua

intervenção, um ambiente

particular que interferia nas obras

da exposição.

Fig. 15 Obra de Edith Derdyk, 1999.

Fig. 16 Milhas de barbantes. Marcel Duchamp, 1942.

Durante as últimas décadas, artistas de distintas procedências experimentaram as

instalações, como Gego, Gertrudis Goldmichdt, artista que nasceu em 1912 na Alemanha, e

trabalhou e morreu na Venezuela. Fala-se desta artista porque no trabalho que ela realizou

durante décadas podem-se observar os elementos-chave que tocam esta obra montada na antiga

fábrica. Gego foi uma artista visual

que trabalhou com um alfabeto

que se põe de manifesto, segundo

Victor Guédez, com o

estabelecimento de três códigos;

eles são: o ponto, a linha e o vazio.

O ponto é a unidade visual

mínima e associa-se com o

conceito de “lugar”. No caso de

Gego, este lugar de reunião se

estabelece mediante argolas,

canudos, nós ou enlaces que são

circunstanciais a sua gramática construtiva. Na sua vasta obra, a linha é a força ativa que se

desprende de um ponto em deslocamento. Para Gego, as linhas podem ser uma estrutura reta,

curva quebrada ou mista; de jeito similar têm uma trajetória e interatuam de maneira cruzada,

paralela, tramada ou tecida. A linha tem a maior responsabilidade nas resoluções de Gego. O

terceiro dos códigos do alfabeto desta artista é o vazio. Na obra de Gego, o vazio não é entorno

ou âmbito que rodeia o objeto, é componente material e estrutural. Constitui-se como uma

particular forma de silêncio e uma peculiar maneira de repouso, que a presença do fruidor

ativa. Então se pode dizer: as obras de Gego são composições de linhas sensíveis, que atuam

como uma cadeia articulada através de pontos estruturais e que está firmada mediante a

presença de vazios (Fig. 17).

Nesta ordem o significado de espaço é proposto novamente por esta artista,

porque em lugar de algo incorpóreo, etéreo e gasoso, adquire implicações

expressivas e expandidas. (GUÉDEZ, 1997, p.59)

Na serie Telas, de 1957, Gego se expressa mediante volumes aéreos que produzem

vibrações e efeitos de desmaterialização formal; do mesmo jeito, as sombras que projetam

formas que ela cria são um motivo inspirador para realizar esta pesquisa. Apesar de que ela não

gostava de definir seu trabalho como linhas projetadas no espaço, é isto mesmo que chamou

Fig. 17 Reticularea, Gego, 1968.

minha atenção e provocou-me para a realização da obra Cordatha Griphus. Mas a minha

intenção foi procurar além da experimentação formal da linha com o espaço. Assim, considero

esta obra como parte de um processo de pesquisa que posteriormente empreenderá outros

caminhos.

Obra 2 As indústrias. Vista lateral.

As indústrias: uma ponderação sobre o desperdício

A experiência de montar

uma obra em uma fábrica em

ruínas resulta em um ato de

abertura de possibilidades

perceptivas, que convidam ao

diálogo entre o espectador e o seu

entorno, propondo aspectos tais

como a reflexão sobre o fazer do

ser humano na terra. A instalação

intitulada As indústrias apresenta-

se como uma ponderação sobre a

dicotomia entre a natureza e as

indústrias e tudo o que elas representam.

A primeira impressão, ao percorrer os espaços, foi a percepção dos tons cinzentos e

esverdeados das paredes umedecidas, provocados pelas texturas de pintura descascada, mofo e

concreto - próprias das ruínas -, constituindo-se um conjunto tonal harmônico somado à

transparência azul do mar, que era possível visualizar através do que alguma vez foram janelas.

No espaço onde a obra foi instalada, o olhar do observador percorre o muro mergulhando nas

texturas, nos cantos, nas raízes que se entrelaçam com as paredes. Destas saem também canos

enferrujados, cujas sombras caem do muro sobre o chão, mudando sigilosamente, segundo a

segundo, com a luz do sol.

Nesse terceiro andar da fábrica abandonada já que não existem mais a cobertura nem o

abrigo do teto, é possível encarar diretamente o céu e sentir a amplitude do horizonte. Mas esta

visão da linha do horizonte apresenta-se fragmentada ou a “intervalos”, graças às antigas janelas

ao longo do muro. Dada a continuidade da seqüência de janelas ao redor do espaço da

instalação, se realizou uma intervenção com pintura em uma delas, que foi fechada, dita

intervenção foi realizada com dois tons de pintura azul. O mesmo tratamento foi realizado em

um outro plano da instalação que pode ser visto através de uma pequena janela no muro.

As indústrias. Detalhe da pintura.

Criou-se um efeito de profundidade e distância em relação ao espectador, estabelecendo-se,

assim, um jogo de planos que dão continuidade à linha do horizonte em níveis diferentes.

A intervenção foi feita com economia de recursos: linhas de algodão colorido em ato

silencioso escorregam pelos canos que alguma vez funcionaram como parte de uma verdadeira

fábrica. São linhas imóveis, como capturadas no tempo, sem movimento nem som, em pacífico

protesto contra o desperdício. As finas linhas lembram torneiras abertas. Parece que agonizam,

desmaiam e se espalham no chão cinza, dando a impressão de que o que escorrega por elas e se

espalha no chão não é outra coisa que o mesmo mar e o céu.

Posteriormente, encontrei em um trabalho de José Damasceno, uma forma similar de

dar materialidade ao imaterial através da linha. Trata-se de uma instalação que dá corporeidade

à luz por meio de grandes quantidades de linhas, questionando materialidade e imaterialidade e

outorgando uma outra função à linha, pois esta pode aparecer nas instalações não somente

como ela mesma, senão também adquirindo outras materialidades, no caso d’As indústrias,

como água e céu, e a luz, na obra Snooker, 2001 (Fig. 18), de José Damasceno, como luz.

Venâncio Filho comenta o trabalho deste artista relacionando-o com o paradoxo da

materialidade.

A luz de uma mesa de sinuca jorra um amarelo Van Gogh, um pigmento bólide

desestruturado que dá a alucinatória inversão à materialidade luminosa. Sempre

uma demonstração muito precisa, calculada, de extremo rigor. O delirante exige

a mais absoluta claridade. (In: CANONJIA, 2002, p.27)

Fig. 18 José Damasceno, Snooker, 2001.

Uma visão do futuro?

Na instalação As indústrias, o título tem um

efeito multiplicador, pois a intenção de denominá-la

assim foi criar uma generalização e representar a

função, não de uma senão de todas as fábricas

existentes. A partir desta associação se descobre na

relação instalação-paisagem uma referência sobre a

ação do homem e o papel das suas criações: as

indústrias, utilizadas em função de interesses - como

os das multinacionais, de apropriar-se da água -,

esgotando os recursos, consumindo lentamente a

paisagem. Uma indústria poluente que, como a

maioria das indústrias, lentamente vai esgotando a

água e o ar.

Mediante um gesto de respeitosa

apropriação, a mesma fábrica foi representada,

incorporando nela outros elementos como a pintura,

texturas e linhas. Estabeleceu-se uma conexão espacial, existencial e temporal entre a figura e

aquilo que ela denota, ao manter uma forte relação dinâmica com as características da fábrica.

Por esta razão, a força desta obra se radica no fato de ser apresentada em uma fábrica que já não

pode mais funcionar, como o subtítulo diz, será uma visão de futuro?

A instalação coloca a presença do espectador em uma situação dupla: como parte da

humanidade que provoca aquela paisagem que explora a natureza e como observador passivo

ante essa realidade de saqueio e desperdício. Para fazer esta afirmação, tomam-se como

referencial episódios opostos à passividade, como os acontecidos em Cochabamba, Bolívia, no

ano de 2003, onde a população manifestou-se contra a privatização da água, expulsando as

multinacionais que pretendiam o monopólio da água dessa região.

As indústrias. Detalhe dos canos.

As indústrias Vista Frontal.

ESPAÇOS SIMBÓLICOS

O espaço simbólico é onde a ação se organiza através dos movimentos, das palavras, dos

sons, dos gestos, da ação em si, envolvendo a todos no mesmo lugar. É onde o espaço físico

torna-se expressivo e a ação-ritual ganha vida através de um discurso simbólico. Para celebrar

tanto um ritual quanto uma performance é necessário, antes de tudo, “sair” da vida habitual. E

como se acredita ser o ritual co-natural ao homem, essa “saída” também faz, de certo modo,

parte do cotidiano.

Através do ritual tenta-se perceber o mundo e nós mesmos, imersos nele. Diversas são as

óticas pelas quais podemos encarar os rituais. Por um lado, podemos considerá-los como uma

espécie de força integradora social, por outro, um modo de “dizer” algo “indizível”:

Toda a ação ritual é uma forma de linguagem, os rituais seriam a expressão de

idéias complexas que não podem encontrar um resultado comunicativo a não

ser através do mito ou da ação ritual. (TERRIN, Aldo. In: PORTUGAL, 2006,

p.62)

Como uma ação simbólica que é, o ritual auxilia o homem na organização das suas

experiências no mundo. É a partir da ação que nossas idéias e pensamentos se formam. Rito e

mito possuem uma natureza modelar, certo valor de ensino, de contato com nossos primórdios,

de volta ao início, atribuindo à nossa existência uma orientação vital. O símbolo, o mito e o

ritual expressam, em planos diferenciados, o conteúdo essencial das atitudes humanas, o

enfrentamento com o desconhecido e o oculto. Os símbolos culturais são aqueles que, de certo

modo, expressam “pequenas verdades” dentro do contexto daquela cultura que os emprega e,

por mais modificações que tenham sofrido ao longo do tempo, continuam sendo aceitos e

utilizados.

Na cultura andina, a harmonização com o mundo está particularmente ligada a

momentos de emergência; situações difíceis, como quando o homem se vê diante de catástrofes

naturais. Além dos “ritos de crise”, também podemos localizar os “ritos de cura”, que são ritos

que têm por objetivo a cura da mente, corpo e alma. Nesta cultura, o ritual está relacionado à

imagem de umbral: lembra o trânsito e o passo de um estado a outro, uma procura de união

entre intensidades. Esta idéia de união está presente nos atos cerimoniais relacionados com as

águas, onde a figura do sapo, habitante das profundidades do Lago, lugar escuro e de forças

subterrâneas, deslocado dessas profundidades e exposto ao sol, tem a capacidade de chamar a

água da chuva, sendo que este pertence a um outro extremo do espaço: as alturas. Por isso o

sapo é considerado um ser de zonas liminares (BOUYSSE; HARRIS, 1987, p.27). Outro ritual

parecido acontece quando as chuvas demoram a chegar aos vales; o Yatiri, “homem que sabe”,

chama a chuva: leva uma concha de mar à cima de uma montanha coberta de neve. Com isto,

ele realiza um ato simbólico que “une” as águas das profundezas do mar com as águas da neve

que pertencem ao outro extremo: o alto da montanha.

neste mundo liminar chegamos em uma espécie de fusão entre os elementos,

[...] as cimas das montanhas, são zonas de fronteira entre o céu e a terra. Nas

cimas altas acumula-se a neve, sentem-se os grandes gelos, ou o calor extremo

emitido pelos vulcões [...]. Outros Fenômenos meteorológicos, como o arco-íris

e o raio, evidenciam a união de extremos. (BOUYSSE; HARRIS, 1987, p.24)

O deslocamento do sapo ou a concha como

elementos de união poderiam dar-nos uma chave

para compreender a arte andina antiga: a união de

forças extremas mediante um ato que rompe seus

limites. Através de tais atos de união, é possível

invocar, perguntar e agradecer às entidades da

natureza, mas também interagir com ela de uma

forma estreita. Existem também atos simbólicos no cotidiano. O ato simbólico andino mais

comum é o ato de agradecimento à terra (ch’alla), este ato simples que, ao espalhar licor sobre

ela, “une” o que esta por cima com o que está por baixo, une desejos não pronunciados com a

terra que os absorve.

Esta idéia esta presente também no momento

ritual da queima da “mesa”, como pedido ou como

agradecimento, no momento da queima o fogo

transforma em fumaça a oferenda e esta fumaça

eleva-se, até chegar às altas montanhas (Fig. 19).

Existem também inumeráveis rituais inseridos no

cotidiano andino e muitos deles têm a ver com

linhas e com a ação que as produz: o fio enfiado à

esquerda tem propriedades de proteção, por

exemplo, quando alguma pessoa querida vai embora,

esta tem que amarrar uma linha vermelha enfiada à esquerda na munheca da pessoa que fica

Fig. 19 Dois momentos da queima da mesa

ritual.

para evitar o amartelo, a dor da saudade. Em outras palavras, durante estes pequenos atos

simbólicos:

A dizibilidade do mundo é levada à sua expressividade através do agir estilizado

e ordenado, como percepção imediata com o mundo mesmo. De fato, é o agir

que está harmonizando com o mundo, não o pensar. (TERRIN, Aldo. In:

PORTUGAL, 2006, p.64)

Como nos rituais, alguns artistas abrem mão de um amplo sistema simbólico, com suas

ações utilizando-se de elementos de uma linguagem cotidiana, mas, ao mesmo tempo, afastando

sua ação de ações comuns, instituindo uma espécie de “deslocamento da situação” que vivemos

no dia-a-dia para obter um olhar refletido sobre este, dando lugar a uma transformação da

realidade. Essa é uma das intenções dos artistas que utilizam o seu corpo e suas ações para a

Prática criativa.

As performances do grupo Fluxus, por exemplo, desde seu início, entre 1961 e 1963,

propõem uma projeção inédita a essa forma de arte. Os experimentos de Nam June Paik, assim

como os de John Cage - por exemplo, Theather Piece # 1, 1952 -, que associam performance,

música, vídeo e televisão, estão comprometidos com a exploração de sons e paisagens sonoras

tiradas do cotidiano, desenhando claramente o projeto do Fluxus de romper as barreiras entre

arte e não-arte. O nome de Joseph Beuys liga-se também ao grupo e à realização de

performances - nome que ele recusava, preferindo o termo "ação" - que se particularizam pelas

conexões que estabelecem com um universo mitológico, mágico e espiritual. A repetição de

elementos e temas na obra do artista acabou por criar uma estrutura simbólica interna e

própria:

Quando nos aproximamos de seus trabalhos, cedo ou tarde nos apropriamos

desta estrutura e passamos a ler sua obra através dela. A maioria dos objetos e

múltiplos do artista são objetos-testemunhos, “vestígios” de ações; a verdadeira

obra se dava em ação e estas sobras, como restos de rituais, marcam e cristalizam

a idéia, a ação. (PORTUGAL, 2006, p.66)

Um objeto era sempre uma metáfora de algo que ia além da matéria. O feltro, o coiote,

a lebre e a gordura. Beuys investia o objeto de uma perspectiva metafórica, digamos,

edificadora. Nele, a matéria da qual o objeto é composto, por exemplo, a gordura, vem a ser o

símbolo encarnado do que a constitui: energia condensada, ponto de convergência entre isto

que é visível e aquilo que não o é. Na maior parte das vezes, no ambiente estavam os elementos

que o artista utilizaria e este ia sendo construído durante o decorrer da própria ação. Ao

promover uma reestruturação do espaço físico, o artista acabava por alcançar um espaço

significativo, manipulando símbolos que se tornaram marcas de seu trabalho. (Fig. 20). A

presença e a escolha de seus elementos simbólicos demonstram o universol do artista. Quando

consultado sobre a utilização de elementos xamânicos em suas obras diz:

Muitas destas realidades são estados do tipo que muitas pessoas chamaram de

elementos xamânicos. Entretanto, eles não o são em um sentido atávico.

Quando eu faço algo xamânico, eu estou usando elementos xamânicos

admitidamente como elementos do passado, com a intenção de expressar

alguma coisa sobre uma possibilidade futura. (In: PORTUGAL, 2006, p.90)

O artista tentava estabelecer com o público

uma relação mediante a qual fosse capaz de

proporcionar um mergulho na ação, de modo que

os espectadores saíssem do espaço da ação

modificados, para que a mensagem e discussão que

tentava promover não fossem entendidas apenas

por vias racionais.

A busca por entendimentos de símbolos

antigos, um olhar cuidadoso sobre a mitologia, faz-

se necessária, uma vez que estes podem esconder

em si, dentro de pequenas verdades, um sentido

ampliado da existência. Abrindo mão de aspectos

comuns aos que podemos observar em práticas

rituais e nas ações como as de Beuys, resulta

necessário estabelecer, mediante ações, um lugar e

um tempo de reflexão, pois, talvez mais do que

nunca, nesta época sejam necessários ritos cíclicos e ritos de cura. A seguir, podemos mencionar

uma experiência na procura deste sentido ritual e protetor dentro de ações simbólicas,

interagindo com o mundo: A vídeo-perfomance TEMPO (ver DVD em anexo).

Fig. 20 Como explicar quadros a uma lebre

morta. Joseph Beuys, 1965.

TEMPO Vídeo-Performance

Mostra uma intervenção em Site-specific, realizada com linhas que envolvem uma árvore

localizada à beira do mar, em Bom Jesus dos Pobres, no Recôncavo Baiano, a começos de 2007.

Esta intervenção é efêmera, já que se desenvolve em um lugar alheio aos circuitos da arte,

inclusive de qualquer espectador. Poderia facilmente ser considerada uma ação ritual, onde

aparece uma evocação à idéia de ciclo, o sentido circular e progressivo e quase meditativo do

envolver.

Foi concebida como um diálogo com a performance de Tomas Schmit realizada no

festival Fluxus, em Ámsterdam (1963), na qual o artista, meticulosamente arrumado e vestido de

traje, colocou-se no centro de um círculo de garrafas, todas vazias, à exceção de uma, que havia

previamente enchido de água. Dirigindo-se para um ponto arbitrário do círculo, metodicamente

dedicou-se a verter água da garrafa cheia à outra vazia que estava a sua direita. Esta ação - de

passar o conteúdo de um recipiente cheio a outro vazio, no sentido dos ponteiros do relógio -

prolongou-se até que toda água se havia derramado ou evaporado. Esta performance, intitulada

Zyklus fûr Wassereimer (Ciclo para rimas de água), apóia-se em ações diretas, simples e sutis. A

partitura permite sua execução com algo entre dez a trinta garrafas. A duração dependerá da

velocidade e precisão demonstradas pelo artista à hora de verter a água, processo que poderia

resolver-se em pouco tempo ou prolongar-se interminavelmente (STILES, 2002 p.141).

Considera-se que esta performance dialoga com a obra TEMPO, justamente por essa situação

cíclica e repetitiva inerentes ao ato

de envolver.

No Vídeo-performance, as

linhas, em uma cadência cíclica,

vão cobrindo progressivamente

uma pequena amendoeira; como

sinal de uma intervenção sem

agressão, as formigas que habitam

a árvore, continuaram

tranqüilamente seu percurso. A

árvore, à medida que é envolvida,

vai evidenciando uma forma

Obra 3 Imagens do Vídeo-performance TEMPO.

feminina. Pouco a pouco o ato que começou como uma experiência que relaciona a memória

intrínseca nos materiais com elementos da cultura afro-brasileira que evocam Oroco, o Orixá do

tempo, foi-se transformando em um ato silencioso que simboliza proteção e cuidado presente

em todas as culturas e em todos os tempos.

Pouco depois de concluir este vídeo, paradoxalmente, toda esta zona do Recôncavo

baiano sofreu um vazamento de tóxicos, afetando irreversivelmente os moradores, a flora e a

fauna. Depois deste incidente esta ação tinha adquirido um outro caráter: tinha-se convertido

em um ritual de cura, que como todo rito, possui um caráter de repetibilidade, o que não

significa que dure para sempre. Em suma, é uma ação ritual que pede seu próprio tempo, assim

como pede seu próprio espaço.

Durante a ação ritual, a suspensão do tempo

acontece, pois sua duração não é medida

convencionalmente, esta possui um tempo

característico e intrínseco. No entanto, a experiência

temporal é subjetiva. Além do tempo comercial e do

tempo existencial, há ainda o tempo sagrado. “Pode-

se designar o tempo no qual se põe a celebração de

um ritual um tempo místico, às vezes realizado pela

repetição pura e simples da ação dotada de um

arquétipo mítico.” (PORTUGAL, 2006, p.83).

Os mitos e os ritos possibilitam a instauração

de um outro tempo, podendo mesmo alcançar a sua

suspensão, em alguns casos mediante ação de

repetição, como o envolver. Esta “quebra” do tempo

cotidiano é fator primordial para que se alcance a fase liminar ou de transe. Por ser uma ação, o

rito “manipula” o tempo estabelecendo uma “pausa simbólica”. O rito acaba por estabelecer na

vida do homem um momento de pausa, um momento propício para a reflexão, pois si existe

alguma coisa que não condiz com a estrutura e a condição do rito é a pressa; ele se desenvolve

em seu próprio ritmo. O rito ordena. O poder criativo, a fecundidade, reside, pelo contrário, na

desordem. Este tipo de espaço simbólico também será explorado na tentativa de definir uma

ordem possível através de ações.

Imagem do Vídeo-performance TEMPO.

3. UMA ORDEM POSSÍVEL

Nas terras que estão ao pé da Cordilheira Real dos Andes, quando uma menina

completa treze anos a família presenteia-lhe com uma pele de ovelha. A partir

desse momento, o lugar da casa onde esta pele será colocada vai determinar o

espaço da jovem. Este espaço chama-se Saxraña. Nele penteará, ou seja, dará

ordem a seus longos cabelos, com uma raiz que tem o mesmo nome: Saxraña

(Fig. 21). Pentear-se-á devagar, de cima para baixo, no amanhecer, limite da

noite e do que será o novo dia. Ainda com os olhos fechados, entre o sonho e a

vigília, ela trançará seu cabelo. Assim, nesse ritual de encontro interior, com

esse olhar para dentro, todos os dias, ela se prepara para tecer. Essa é a hora em

que o Saxra

, o ser mítico que governa os tecidos, aparece às tecelãs jalq’a para

guiá-las ao mundo escuro e interior, espaço liminar, de onde se extraem as

imagens que depois entrelaçam aos tecidos

Nos tecidos da comunidade quéchua jalq’a (zona oeste da Bolívia), as tecelãs

representam o mundo caótico e desordenado “trabalhosamente perceptível” (Fig. 8 Página 41)

povoado de diferentes espécies de seres estranhos,

chamados de Khurus (em quéchua significa

indômito, selvagem, não domesticável), que desafiam

toda lógica e perspectiva. Nos tecidos, os khurus, seres

sem definição de sexo, estão em constante atividade

de procriação. “Los khurus siempre están haciendo sus

wawas. Tudo isso sugere que os esses seres habitam

um espaço (ou tempo-espaço) onde a vida multiplica-

se em profusão, mas sem diferenciar-se ainda...”

(CERECEDA, 1993, p 38). Esta qualidade de caos, de

desordem, as tecelãs a expressam com a frase em

quéchua “chaxrusqa kanan tian” (tem que ser

desordenado): a desordem é, pois, um valor.

Este mundo é habitado pelo saxra, o ser que

propicia a criação. O mundo visual do saxra

corresponde com o impreciso, com a percepção

O saxra é uma deidade que entre os jalq’a corresponde não só aos interiores da terra e água subterrânea, como em

outras partes dos Andes, senão também à deidade de passagens solitárias, especialmente momentos de penumbra;

está fortemente ligada à criação.

Texto do convite da exposição itinerante En la hora del saxra, realizada por Sandra De Berduccy no Museu de Belas

Artes Bonaerense. Argentina, 2003.

Fig. 21 Saxraña.

difícil, com o escuro, com a cor cambiante, e em outra ordem das coisas, com a procriação (de

animais e plantas), a riqueza e a criação artística (música, tecido, etc.). Cereceda afirma que a

cultura “Jalq’a toma o tema do saxra e o transforma duplamente: de um mundo virtual em

um mundo real [do qual podemos falar]; de uma experiência pavorosa [do caos], em uma

experiência profundamente estética” (1993, p. 43).

Como já se disse anteriormente, o poder criativo, a fecundidade, reside na desordem

(por não dizer o caos) que é próprio do puruma, um mundo perigoso de luz difusa. Mundo que,

além disso, inclui seres “marginais”, que vivem fora das normas das sociedades - que ameaçam

porque pecam justamente contra a ordem; daí que representam a forma mais extrema do poder,

ao mesmo tempo fecundo e perigoso, que reside nas bordas.

Lembremos a idéias de marginalidade e mediação propostas na

primeira parte desta dissertação, ambas contêm um elemento

perturbador que as fazem talvez instrumentos apropriados para

conectar com as potências do escuro, o desordenado, o que não

pertence à razão. E também, como já se expôs, estas culturas localizam sua origem mítica em um

centro de maior concentração de onde todas as coisas convergem - o taypi. Da mesma forma,

localizam nesse espaço caótico o momento da criação.

Por essa razão que os processos criativos da música e do tecido da cultura andina

fazem sempre alguma referência a um componente interior, ritual e espacial. Que pode

concretizar-se para os músicos no ritual de busca da nova melodia no território e tempo

próprios do sirinu

, e, para as tecelãs, no encontro com o saxra também em territórios

liminares, e mais comumente no devaneio

. É possível penetrar e procurar esse “estado -

espaço” criativo em lugares concretos, que têm características ligantes ou de ponte entre duas

realidades opostas; procuram-no em lugares como as entradas das cavernas, os olhos d’água,

lugares com grandes pedras, como El Sapo. Igualmente, entre o sonho e a vigília, ou em

tempos específicos, como a aurora ou o pôr do sol, que se constituem como tempos

intermediários entre as faces do dia. Este estado-espaço, do qual falam também muitas outras

culturas chamadas de xamânicas, pode ser transitado: adentram nele músicos, tecelãs, além

Sirinu, é o ser mítico que inspira a música.

O devaneio, segundo Bachelard é o poder que permite ao homem penetrar nas coisas. O devaneio não é uma

atividade vaga, difusa, mas uma atividade dirigida, é uma força imaginante que encontra seu dinamismo diante da

novidade. É “a mais móvel, a mais metamorfoseante, a mais inteiramente livre das formas” (BARBOSA, 1993.

p38)

dos homens de conhecimento, para depois dar materialidade às imagens neles recolhidas e

logo compartilhá-las com a comunidade. Desta maneira, a criação artística, na antiguidade

andina, ligava também um mundo interior e mítico com o mundo social e coletivo, não

menos complexo. Exemplo disto são os processos de elaboração têxtil.

Desde a época pré-colombiana, a tradição têxtil andina tem desenvolvido, ademais de

destreza no manejo das técnicas e sutileza no acabamento, uma infinidade de variações, que

resolvem determinadas necessidades de desenho, dando por resultado uma diversidade de

procedimentos. Estes diversos procedimentos, assim como os utensílios e a lógica mesma do

tear, estão constituídos por elementos básicos que são constantes

em todo tipo de têxtil. Os diversos processos da elaboração dos

têxteis tradicionais são prolongados, requerem de um tempo

especial, originariamente foram realizados durante o ano inteiro,

acompanhando o ciclo agrícola, pois incluem muitas etapas onde

participam a comunidade toda: desde pastorear as ovelhas até o tecido e enfeite dos bordes,

para culminar nas festas onde estes tecidos expõem-se e são parte ativa dos rituais.

Para entender a importância do processo criativo nas artes tradicionais foi preciso

transitar os espaços da cultura andina, desvendar e incluir-me nos seus domínios. Depois de

vários anos de pesquisa e aprendizado de técnicas têxteis tradicionais, especialmente quando

consegui dominar a técnica do fiado tradicional, foi possível comprovar que os processos do

tecido na cultura andina fazem sempre alguma referência a um componente interior e, por

que não dizer, meditativo, como origem. Quando se adquire destreza no enfiado, processo de

torção mediante o qual o emaranhado de fibras forma-se em fios, chamados, em quéchua,

q’aitu, não se necessita de uma atenção especial, converte-se em uma segunda atenção: algum

motor íntimo vai criando o fio. Bernabé Cobo, cronista da colônia em terras andinas o

confirma, mas também remonta-nos à antiguidade desta prática:

Fiam as índias não só nas suas casas, mas também quando andam fora delas,

ora quando paradas, ora andando, sempre que não levem as mãos ocupadas,

não lhes é impedimento andar para que deixem de ir fiando, como vão as mais

encontramos nas ruas, quando fiam sentadas costumam assentar o fuso sobre

alguns de seus pratos pequenos de barro. (COBO, Bernabé. Historia del Nuevo

Mundo. Tomo II. Madrid, 1956 [1653] Cap XI; Pag 258 In: DE BERDUCCY,

2001, p. 32 )

Desta forma, cada fiandeira-tecelã, com sua forma particular, manipula a lã e o fuso com

tal destreza que pareceria estar executando uma espécie de dança, envolvendo o fio em um

conjunto de movimentos de: tensão-distensão, movimento-repouso, etc. (veja o processo

completo do fiado no Anexo 3). A partir do fiado, começa-se a dar materialidade à linha,

partindo do emaranhado “uniforme”, do caos existente na lã crua. Fio é, então, o conjunto de

fibras unidas por torção que resultam em uma linha comprida; estas fibras entrecruzadas

conformam a estrutura de todos os tecidos. A delicadeza dos tecidos andinos radica, em grande

parte, na fineza e regularidade do fiado. O fio deve ser semelhante e regular, fino, mas o

suficientemente forte e elástico para suportar a manipulação.

O fiado das fibras, sejam estas vegetais ou animais (Anexo 2), realiza-se com movimentos

específicos das mãos: primeiro, os dedos da mão direita fazem girar o fuso e com este

movimento reúnem-se as fibras da lã em um só fio comprido que

inicialmente é reunido na mão esquerda, para depois envolvê-lo

na parte inferior do fuso. Esta operação realiza-se até conseguir

fio suficiente para formar dois novelos. Posteriormente, com um

fuso maior, ambas as mãos fazem girar entre as palmas dois fios

simples para que, torcidos juntos, constituam a linha final.

O dicionário de Ludovico Bertónio, dicionário aimara/castelhano mais antigo que se

tem referência, designa esses movimentos das mãos com o verbo phalatha:

1) fazer girar algo “entre” as palmas, já sejam as fibras de palha para formar a

corda, já seja um palito sobre outro pau seco, para produzir fogo;

2) fazer girar algo “com os dedos da mão”.

Curiosamente […] são justamente os dois movimentos das mãos necessários

para fabricar o fio com o qual se tece. (BERTONIO. In: CERECEDA, 1987.

p.137)

Para Veronica Cereceda resulta sugestivo que este termo “phalata” também signifique

“formoso”, “bem feito”. Será que a beleza do phalata parece, assim, com a beleza do que é “bem

envolvido”, do que é “bem torcido”? Trata-se de uma metáfora têxtil? E será que a passagem de

um estado de caos a um outro estado podia ser valorada esteticamente? Se isso acontecia na

antigüidade, acontecerá no contexto da arte contemporânea? Responder-se-á essas perguntas nas

ações finais que formam parte desta pesquisa.

Antes lembremos que com estes movimentos, também se dá passo a um outro elemento

que remonta a uma origem, o qual está formado graças aos movimentos de envolver e desenvolver:

o novelo. Nele estão concentrados quilômetros de linhas que podem caber na mão. Portanto, o

novelo revela-se como ponto de partida, sua forma circular pode conter quilômetros de linhas

diversas; nele se encontram concentrados materialidade e subjetividade; neste estado, o novelo

apresenta-se como um pequeno cúmulo de possibilidades onde a obra toda se encontra em

potência, nas palavras de VigaGordilho: “além do novelo de lã transformar-se em semente e

fruto, ele é essencialmente ninho”

Obra 4 Ovillos viajeros.

Com o novelo e sua simplicidade estética, foram realizadas várias obras explorando as

características que este possui, como na série fotográfica intitulada

ovillos viajeros

(novelos

viajantes) (Obra 4 Páginas anteriores), onde novelos aparecem em diferentes cenas e/ou

assumindo características diversas, como as de sementes, frutos, ninhos, etc. interagindo com

espaços e lugares. Distribuíram-se essas imagens como adesivos, dando continuidade à

itinerância desses novelos.

O novelo enquanto acúmulo de memória, a

qual está inserida na materialidade das fibras que o

formam, aparece na obra

achachilas

(ancestrais)

(Obra 5) que apresenta uma composição com novelos

diversos, os quais foram pendurados, permitindo ao

observador apreciar as diferentes cores, texturas e até

o cheiro das fibras de tons naturais de animais como

alpaca, lhama, vicunha ou ovelha.

Contudo, a fascinação e inquietação que os

novelos me provocavam não estavam precisamente

na aparência externa deles, senão literalmente em

suas profundezas, pois, às vezes, encontram-se no

interior dos novelos produzidos por tecelãs indígenas

pequenos objetos heterogêneos. É um costume que,

para começar a envolver o fio para formar o novelo,

a fiandeira utilize alguns objetos, tais como

sementes, pequenas pedras, pedras de raio ou restos de cerâmicas Estes são objetos geralmente

simples, mas não carentes de importância. Com o tempo descobri que apresentam duas

características: a primeira, se trata de artefatos próximos da fiandeira, é dizer, são objetos que

ela recolhe do seu espaço próximo, sendo assim, podem dar a idéia do lugar e o contexto onde

Apresentada na exposição Banco à Memória, no Forte de Montserrat, em Salvador. Exposição organizada pelo

Grupo de Pesquisa “Matéria, Conceito e Memória em Poéticas Visuais Contemporâneas”, em junho de 2007.

Obra 5 Achachilas.

a fiandeira começou a envolver o novelo

.. E a segunda característica, é que estes objetos podem

equiparar-se com uma espécie de assinatura, a qual só pode ser vista no final de uma obra. Por

isso, sempre é emocionante achar esses objetos no final dos novelos alheios, pareceria que se

tratasse de mensagens importantes e secretas, por este motivo guardo-os cuidadosamente em

uma pequena caixa. (Fig. 22).

Fig. 22 Objetos achados no interior dos novelos.

A possibilidade de achar uma semente, pedra ou pedaço de cerâmica deixada por uma

remota tecelã aimara ou maia-queqchi no interior dos novelos que levo comigo, às vezes

durante muito tempo, remonta-me a um mundo de coisas secretas, de objetos guardados,

tesouros pessoais. Estes são chamados de wakaychas ou manqanchas em quéchua e aimara,

respectivamente. Um mundo inspirador para criar a primeira “série que me permitirá sair do

caos”.

Um caso peculiar são os novelos de algodão de Santiago Aguascalientes, na Guatemala, que foram envolvidos em

retalhos de papel jornal, onde ainda se podia ler a data e o lugar.

A idéia de acumular wakaychas remonta-se em tempos pretéritos. Minha avó iniciou-me

no mistério das wakaychas: escondendo-as de mim. Ela foi uma mulher rodeada de costumes e

rituais. Seus pequenos baús e latinhas lotadas de objetos antigos e diversos, que muitas vezes “as

crianças não podiam presenciar”, me convenceram que as coisas que ela escondia tinham um

valor inapreciável. Só há pouco tempo, numa breve visita à casa materna, consegui explorar um

pequeno baú que ela guardava sob chave (Fig. 23). Moedas e notas antigas, muitas chaves,

mostravam um tesouro simples, mas ao mesmo tempo misterioso e carregado de significação.

Quantos segredos da minha avó eu nunca descobri? Por que cada um desses elementos foram

ciosamente guardados? Indo mais além, também pensava todos os segredos das antigas tecelãs,

as verdadeiras mestras, que realizaram tecidos nunca igualados. Essa memória estaria inserida

nos objetos que elas deixaram dentro os novelos? Pensar em o que não se tinha dito e o que se

tinha esquecido provocou-me na criação da série de

pequenas caixas chamadas wakaychas.

A série

Wakaychas

apresenta um conjunto

de pequenas caixas com elementos diversos que se

relacionam com a memória intrínseca em materiais e

conceitos das culturas andina, maia e afro-brasileira.

O verbo quéchua wakaychay significa preservar,

conservar, guardar como tesouro. Daí a palavra

Wakaycha, que nomeia qualquer objeto que é

guardado. Esse objeto tem um sentido pessoal; seu

valor, mesmo sendo jóia, supera o valor econômico.

As wakaychas podem ser sementes, búzios, moedas,

bonecas de pano, pedras ou qualquer objeto catado

da natureza e que tem significado especial e merece

ser guardado com todos os cuidados. São geralmente

conservados em lugares escuros e secretos.

Na página seguinte: Conjunto de Wakaychas.

Fig. 23 A wakaycha da minha avó.

A origem da palavra wakaycha poderia encontrar-se na expressão Wakaychana, um

vocábulo quéchua utilizado para designar os baús, móveis antigos que serviam para manter,

numa ordem impecável, os tecidos e roupas. Mas também o termo Wak’a pode dar uma luz

sobre sua significação. Wak’a assinala um lugar sagrado para a cultura andina: lugares de

origem, geralmente escondidos, escuros e misteriosos. Por isso os colonizadores traduziram

esse termo como “diabo”, mas “identificá-los com Satanás não teve o efeito de erradicá-los

totalmente, senão o de situá-los em um contexto clandestino e interior, onde o diabo cristão

mudou radicalmente de caráter” (BOUYSSE; HARRIS, 1987, p.36) adquirindo a conotação de

Saxra, termo que, segundo Bouysse e Harris,

alude a seu caráter secreto e “clandestino”.

O termo utilizado na zona aimara para

denominar as coisas guardadas é manqhancha.

Manqha (abaixo em aimara) tem uma carga

metafórica de segredo e escondido. A mesma

conotação que afetaria à denominação do espaço-

tempo conhecido como manqha pacha, que foi

equiparado a inferno. Para os andinos, as

entidades que povoam o maqha pacha seriam os

mortos: conhecidos como chullpa, achachilas, avôs

(ancestrais) ou puruma, uma entidade indômita

que habita nas margens da sociedade. Assim,

como a Rocha de El Sapo, “as wakas eram objeto

de um culto ao antepassado fundador e ao

mesmo tempo desempenhavam funções

astrológicas e astronômicas, indispensáveis para o

funcionamento do calendário agrícola” (BOUYSSE; HARRIS, 1987, p.20).

Será por isso que o dono dos objetos guardados recorre a eles em momentos

“críticos”, como acontece nos rituais? Uma espécie de guia: objetos, porções de memória que

nos unem aos nossos antepassados? Poderiam ser símbolos? E se se assumisse cada um dos

objetos presentes nas wakaychas como um símbolo particular e pessoal? Serão as

wakaychas

Obra 6 Wakaycha Espiral.

uma relação pessoal e simbólica com nossos ancestrais, rituais pessoais onde intervém uma

memória ampla?

Segundo Gilber Durand, todo conhecimento e compreensão da realidade se dão através

dessa relação imagem–sentido que constitui os símbolos. Estes têm um alto valor evocativo,

mágico ou místico que, por convenção arbitrária ou não, representa ou designa uma realidade

complexa ou sintetiza observações que relacionam o mundo e fundam uma cultura. O mesmo

autor destaca a importância do símbolo como elemento de união entre imagem e sentido:

A função simbólica, [...] no homem, o lugar de “passagem” de reunião dos

contrários: o símbolo em sua essência e quase em sua etimologia (Sinnbild em

alemão) é unificador de pares de opostos. Em termos aristotélicos ele seria a

faculdade de “manter unido” o sentido (Sinn = o sentido) consciente que capta e

recorta precisamente os objetos e a matéria-prima (Bild = imagem) que emana

do fundo do inconsciente. (DURAND, 1988, p.62)

Ao falar de símbolo penetramos em um mundo de amplos significados. Tendo os

símbolos um princípio de analogia, ao representar ou substituir uma outra coisa por sua forma

ou sua natureza, sempre evocam,

representam ou substituem, num

determinado contexto, algo

abstrato ou ausente. Cada

sociedade, ou atualmente cada

tribo urbana, escolhe seus

símbolos. Estamos cercados de

símbolos por toda parte. Tudo

pode assumir significação

simbólica, desde objetos oriundos

da natureza a objetos

confeccionados pela mão do

homem, ou até formas abstratas.

Os elementos que estão dentro das wakaychas foram selecionados, ordenados e

guardados porque existe familiaridade com eles. Não é uma relação racional, mas, ao contrário

está fortemente relacionada com lembranças de experiências intensas, com certas pessoas ou

objetos. Neste ponto se torna significativo citar a série das caixas de afeto trabalhadas por

VigaGordilho. Nesta série que, segundo a artista, invoca a “memória afetiva”

Obra 7 Wakaycha oriooo.

(VIGAGORDILHO, 2004 p.149), cada uma das pequenas caixas brancas contém bonecas de pano

branco, utilizados pela cultura afro-brasileira como vodus. Criadas para agradecer pela ajuda

recebida, as caixas levam o nome das pessoas que a artista conheceu durante diversas viagens no

interior do Brasil e na África. Da mesma forma, “Cada uma dessas caixas encerra um universo

de significados, que revelam relações entre os seres e as águas e outros acontecimentos”, assim

“Seu gentil, não tira os pés do rio” e “Dona Macabo Mulengo, empregava as palavras sempre em

diminutivo” (Ibid, 2008, p16) (Fig.24).

Fig. 24 aruma, não se cansa de pedir desejos.

VigaGordilho. 2007.

A artista coreana Kimsooja, por sua vez, toma da sua cultura o bottari, um pacote que

contém objetos que são geralmente flexíveis, como roupa, colchas, livros. O atado é um tipo de

bagagem improvisado que é muito comum na Coréia. Com a idéia de bagagem, o bottari pode

conter coisas de pouco valor, mas imprescindíveis para aqueles que saem de seus repousos: esse

pacote contém o absolutamente essencial. A artista lembra a descoberta do bottari: “Todo

mundo tem bottaris ao redor”. Diz

a artista “O atado era algo novo a

mim. Era uma escultura e uma

pintura" (KIMSOOJA, 2006).

Oferecia-lhe a possibilidade de

mover-se de uma superfície plana

para um volume simplesmente

fazendo nós. Mas o bottari levou a

artista a um campo inesperado de

conotações ao interagir com eles

em variadas performances (Fig.25).

O bottari de Kimsooja é um

elemento real que cumpre sua

função de recipiente e ao mesmo tempo de um objeto simbólico que conceitua o gesto

mundano de envolver, mas com um sentido móvel e provisório. Um artigo essencial para os

migrantes

Como nos bottari, as wakaychas podem ser guardadas e envoltas em tecidos, em latas ou

em pequenas caixas de madeira, como as Caixas de Afeto. Algumas das caixas da série Wakaychas

foram construídas ou adaptadas para ter um duplo fundo, no qual se podem encontrar - ou

talvez não - desenhos e pinturas com aquarelas sobre papéis com diferentes texturas, muitas

vezes papel artesanal, construídos com folhas e frutos de lugares particulares, os quais também

teriam uma conotação de wakaycha.

Os significados estão sujeitos a múltiplos câmbios, pois podem variar, inclusive de uma

pessoa à outra, segundo os cânones culturais destas. É por isso que não aprofundarei sobre

possíveis efeitos provocados em quem tem nas mãos uma wakaycha; simplesmente pontuarei os

Fig. 25 Kimsooja em performance com os bottaris.

significados culturais de alguns elementos recorrentes nestes objetos: a semente chamada

wairuru, os búzios e linhas, entre outros.

Em muitas das pequenas

caixas existe também o envolver de

linhas para formar diversas

composições, nas quais a ordem

outorgada a cada um deles denota

um sentido peculiar; esse é o caso

Wakaycha

Espiral: (Obra 6

Página 75) onde pequenos caracóis

catados nas praias de Salvador

foram envolvidos com lã de ovelha

tingida de diversos tons de azul e

fiada a mão. Formando pequenos

novelos, estes objetos foram dispostos em ordem centrífuga. Da mesma forma, o fundo da caixa

tem desenhos que evocam o espiral. Uma forma lúdica, uma saudade de criança que nunca

brincou no mar.

Com a mesma lógica de envolver estruturas tubulares utilizadas em outras obras, nasce a

Wakaycha ánimas

(Obra 8). Trata-se de pequenas canas de bambu, envoltas com duas linhas de

lã de alpaca com cores

naturais enfiadas a mão. Sua

disposição lembra uma zona

periférica da cidade de La

Paz, conhecida como Valle de

la Luna e Las ánimas, que são

enormes morros de areia

formados, durante milhares

de anos, pela erosão hídrica

e eólica. Estes morros

formam conjuntos muito

particulares (Fig. 26). Estes

Obra 8 Wakaycha ánimas.

Fig. 26 Las ánimas, La Paz- Bolivia

morros, nestes dias, estão desaparecendo sob o maquinário da construção civil. Neste caso,

pretendo que envolver tenha um sentido de proteção para essas paragens.

Um poder similar de proteção, desta vez da cultura afro-brasileira, acompanha também

os elementos de cor branca presentes na

Wakaycha

oriooo

(Obra 7 Página 76): os búzios. Os

búzios, utilizados para a adivinhação identificam o Orixá das águas salgadas, Iemanjá. O titulo

dessa obra provêem da saudação aos antepassados para pedir-lhes manter em ordem e claridade

os pensamentos; esta saudação realiza-se de manhã cedo colocando as mãos na cabeça, com as

palavras em Ioruba: Oriooo, Oriooo...

. Estes búzios foram dispostos na parte central da caixa,

flanqueada por canas de bambu envoltas com diferentes tipos de fibras brancas: lã crua de

ovelha e algodão, entre outras.

Wakaycha

Chasqui

(Obra 9) (chasqui, mensageiro, em português). Nesta obra pode-

se encontrar também o sentido simbólico e cultural sintetizado em uma pequena semente

chamada Wairuru, que é uma pequena semente tropical, vermelha e preta, conhecida no Brasil

como “Olho de cabra”. Essa semente concentra vários domínios de significação: até começos do

século XVII, a palavra wayruru designava algo muito charmoso, uma beleza extrema que parecia

ter poderes de comunicação com o sobrenatural. Desde a antiguidade é amplamente apreciada,

como confirma o cronista Bernabé Cobo:

Estimam muito estas sementes os indígenas, afirmando valer contra o mal de

coração e melancolias, tomando de seus pós em vinho e água de cheiro. Além

disto, dizem que uma série delas ao pescoço, serve contra as tristezas do coração,

e que confortam a vista e o cérebro. (COBO In: CERECEDA, 1987, p.170)

As propriedades mágicas e curativas destas sementes são amplamente aceitas até hoje no

cotidiano dos povos andinos; utilizadas como amuletos, trazem sorte, saúde, dinheiro e amor.

Guardadas junto com troços de pedra ímã e moedas antigas, preservam o bem-estar da família.

Envoltos em lã preta, reproduzem-se e criam wayruritos, que além de serem instrumentos de

adivinhação, são oferendas às deidades como o Saxra e o arco-íris.

Sua brilhante superfície manchada de escuro pode representar o ideal andino de beleza.

Segundo Verônica Cereceda, o pensamento aimara escolheu-o como ideal de beleza, não por

ser uma idéia plástica simples - uma cor inteira, um branco, um vermelho -, mas uma idéia

complexa: um “conflito óptico” que “se expressa sobre a reduzida superfície de uma semente,

Informação proporcionada por Dona Cici, Mestre Griô (Mestre da tradição oral afro-brasileira) na Fundação

Pierre Verger, Salvador–Bahia.

onde inevitavelmente os contrários (opaco e brilhante: preto e vermelho) aparecem

constrangidos” (CERECEDA, 1987, p. 173). O encontro desse vermelho claro e puro com um

tom opaco muito escuro, em grandes superfícies nos pareceria de uma grande violência. Não

obstante, no tamanho reduzido das sementes se dá melhor, como uma nota de encantamento: a

minimização permite a união óptica das cores de uma diferença cromática.

Obra 9

Wakaycha Chasqui.

Falarei mais adiante (na Ação 3 - Envolver) sobre a união de ditas diferenças cromáticas.

Por enquanto, minha intenção é situar os Wairurus da

Wakaycha

Chasqui

como mensageiros

(chasqui), como intermediação, que propicia a união de duas cores diferenciadas, no caso:

pequenos novelos vermelhos e pretos, que têm a mesma semente no seu interior. Assim, é

possível visualizar as múltiplas variedades e intensidades que podem existir entre a luz e a

sombra, tanto em pequenas quanto em grandes proporções, tanto em uma pequena caixa

quanto em um panorama mais extenso, tão intenso como a terra mesma.

O conjunto das wakaychas foi instalado na exposição final, em uma cela localizada em

um lugar quase escondido e central dentro da estrutura do Forte (ver mapa da exposição em

anexo). Nesta montagem (Fig. 27 Página seguinte) privilegiou-se a criação de um espaço

pequeno e uma iluminação localizada que permita ao espectador a visualização de todos os

detalhes, propiciando a proximidade dele com as obras. As wakaychas constituíram o início do

percurso que conduzia às outras salas da exposição. Uma espécie de trânsito entre o interior, a

memória das wakaychas e o inalcançável do DESENVOLVER.

Fig. 27 Sala Wakaychas, instalada no Forte São Marcelo.

AÇÃO I

VER

O VER, como ação, é o acontecimento que inicia o trajeto. Parte do verbo latino videre

(ver). Destaca o tempo presente, valoriza o olhar a partir da individualidade; conjugado ainda

em latim, o presente da primeira pessoa do singular é Vídeo. A palavra Vídeo pode ser traduzida

em português como eu vejo e em espanhol como yo veo. O yo veo re-significa o ponto de vista e

também a situação do espaço-tempo na criação artística. A vídeo-arte, como se a conhece para

diferenciá-la do vídeo caseiro, publicitário ou musical, presta-se para o emprego do corpo como

suporte e motivo. Inúmeras e constantes experimentações de diversos artistas, desde 1964,

dotaram a vídeo-arte da qualidade de ser um instrumento de expressão. No fazer do vídeo é

determinante a “vontade” do artista, da forma como ele organiza sua experiência sensível.

Materializar a imagem na vídeo-arte será estabelecer um lugar de olhar para,

partindo deste, perceber e reconhecer o mundo, adotar um modo interior de

organização dessas experiências para depois dar-lhes uma dimensão pública. A

arte do vídeo propõe uma resposta pessoal aos fenômenos tecnológicos e de

comunicação que impõem os chamados “novos meios”. (TAQUINI, 2007, p1)

A vídeo-arte tenta dirigir a criação artística às coisas do mundo, à natureza, à realidade

urbana e ao mundo da tecnologia, desafiando as classificações habituais de exposição de arte e

colocando em questão o caráter das representações artísticas e a própria definição de arte. Nesse

sentido, a vídeo-arte foi e continua sendo um reservatório de manifestações referidas às

temáticas de gênero e questionamento de identidade. Pela sua independência, o vídeo pode

constituir um espaço onde se dirimem problemáticas de grupos minoritários em conflito,

dando voz e imagem a eles.

Colocado numa posição intermediária entre o espectador do cinema e o da galeria, o

observador da obra é convocado a uma forma de olhar que implica um processo diferenciado,

distante da imagem narrativa e seqüencial projetada na tela cinematográfica e da observação de

uma obra “permanente”, tal como costuma ocorrer numa exposição de arte. O campo de visão

do espectador amplia-se ao transitar das imagens em movimento do vídeo ao espaço

circundante da galeria. As cenas, sons e cores que os vídeos reproduzem, mais do que

confinados ao monitor, expandem-se de modo geral sobre e ao redor das paredes, conferindo

ao espaço um sentido de atividade: o olho do espectador mira a tela e além dela, as paredes,

relacionando as imagens que o envolvem.

Uma das razões pelas quais edito vídeos, depois de investigar durante anos técnicas

têxteis da América Latina, radica na descoberta que tanto a produção e edição de imagens

quanto a escolha de materiais para tecido e o tecido em si proporcionam-me infinitas

possibilidades relacionadas à composição de imagens-fragmentos, onde escolher, cortar, juntar e

ordenar tornam-se um ato de criação. Tanto para tecer em qualquer técnica, quanto para editar

vídeos, precisa-se de fragmentos; a poética residirá justamente na dimensão aleatória do

resultado, sempre inesperado e intermediário. A edição, como o tecer, são Práticas em arte que

ordenam fragmentos, seja de imagens ou de fios; enquanto que os mesmos tecidos podem servir

como referentes para formar seqüências compositivas complexas, sem perder os sentidos e a

referência cultural presentes neles. A materialidade desses fragmentos, no caso linhas enfiadas a

mão, dentre outras, e a imaterialidade das imagens digitais dialogam e interatuam de diversas

formas.

O vídeo, nesta pesquisa artística, resulta de um diálogo de experiências, um espaço onde

imagens se aglutinam com diversas “junturas”, propiciando o encontro de fluxos existentes, tal

como em um assemblage. O vídeo propicia a justaposição de elementos heterogêneos, sendo a

imagem o “outro lugar possível”, o motivo unificador, onde estes poderiam ter encontro em

infinitas possibilidades de ordem. Por mais inusitada que seja esta ordem, muitas vezes pode

responder a certas particularidades culturais.

Por esta razão, apresentou-se na sala VER (Fig. 28 Página seguinte) da exposição do

Forte São Marcelo a vídeo-performance intitulada

Q’aiturastro

, Rastro de linhas (Ver DVD

anexo). A partir deste vídeo surgem duas vias de reflexão, a primeira sobre o seu caráter de

performance em Site-specific e a segunda sobre as conotações que pode ter na sua representação

em relação a temas como as migrações e a memória. Através de uma construção simbólica e da

evocação cultural, surgem sinais da existência de espaços que se conhecem como não-lugar, nos

quais as diferentes culturas se encontram e dialogam.

Fig. 28 Sala VER durante a exposição no Forte

São Marcelo.

Q’aiturastro

(do quéchua

q’aitu fio de lã natural e rastro do

espanhol, trilha, indício;

significaria em português: Rastro

de linhas) trata-se de um vídeo de

5 minutos que registra as imagens

de uma performance realizada no

Salar de Uyuni, nos Andes

bolivianos (2007). O vídeo registra

uma experiência sensível, propícia

também para o encontro de

imagens simbólicas, paisagens

sonoras e a criação musical, com a trilha sonora composta por Bernardo Rozo, a partir da

aleatoriedade (ROZO, 2007).

O vídeo registra quatro movimentos da performance que relacionam a elaboração

tradicional do fio de lã, chamado em quéchua q'aitu, com as práticas de migração das pessoas

que por diversos motivos se vêem forçadas a procurar melhores perspectivas. Em cada um dos

movimentos titulados com palavras quéchuas, são evocados diferentes elementos das culturas

andinas, como a pushka, ou fuso (Fig. 41 e 43 Páginas 132 e 145 respectivamente), e os enfeites,

estes últimos utilizados para o cabelo, chamados tullmas (Fig.33 Página 115). Estes elementos

podem ser considerados como símbolos culturais, que vão mudando no processo das migrações

de diversas comunidades para os contextos urbanos, ou mesmo para outros países.

pampa

branca

O Salar de Uyuni é um imenso deserto branco de sal petrificado, chamado antigamente

kachilaguna (Kachi, em quéchua, sal, e Laguna, em espanhol, lagoa), localizado nos

departamentos de Potosí e de Oruro, no sudoeste da Bolívia, a 3.650m de altitude. Herança de

um antigo lago salgado pré-histórico, o Salar tem aproximadamente 12.000km² de superficie. Lá

o horizonte tem predominância: uma idéia de imensidade que pode ser comparada com a

vastidão do mar, a sensação de caminhar nele é deslocar-se em um lugar que sai de toda

Obra 10 Q’aiturastro, Rastro de linhas..

experiência topográfica antes conhecida. A perspectiva e as distâncias confundem-se, não

existem caminhos demarcados dentro dele, só alguns aleijados pontos de referência; por isso,

perder-se é muito comum entre esses espaços monocromos onde se impõem o azul e branco.

Esses tipos de extensões, sem variações visíveis, são chamadas em quéchua Pampa. Esta

palavra significa espaço plano, sem grandes distinções de colinas ou quebradas. Estes espaços

desabitados encontram sua manifestação nos tecidos andinos: na linguagem têxtil estes espaços

são geralmente tecidos com lã escura. Esse espaço, também monocromático, ocupa uma porção

considerável do tecido. Parece ser uma representação do não-social, o silvestre, daquilo não

condicionado pela sociedade, um terreno sem cultivo, uma criança recém nascida, e também da

entidade puruma, habitante do manq’apacha, o mundo escuro e secreto, mas criativo ao mesmo

tempo.

Quis utilizar esta conotação que se tem dos espaços amplos na cultura andina em direta

relação com a significação do sal para esta cultura. O sal, cujas propriedades físicas incluem o

alinhar e conservar, também é usado nos seguintes momentos:

no batismo, para diferenciar o menino assim “socializado” dos recém-nascidos

que pertencem ao mundo não diferenciado dos diabos. [...] O sal é utilizado

para defender à sociedade dos que poderiam agir contra ela. [...] também contra

o granizo. Por outra parte, quando as pessoas entram em comunicação com os

“diabos”, têm que abster-se do sal. (BOUYSSE; HARRIS, 1987, p.51).

Assim, o sal corresponderia ao mundo complexo e condimentado de Deus. Existem

também na tradição oral andina certas histórias, como a “menina que conheceu o sabor do sal”:

narram que na antiguidade mítica personagens que saíram do ceio comunitário e conheceram

“as vantagens da civilização”, entre elas o tempero do sal, quando regressam para casa não

podem ser as mesmas, pois não conseguem mais consumir alimentos sem sal, o que as enche de

aflições e de contradições entre o próprio e o alheio.

Pois bem, depois de evidenciar essas possíveis associações, no vídeo Q’aiturastro o sal

será tomado como “civilização”, é dizer, como uma metáfora dos grandes centros urbanos, um

espaço enorme que confunde a todos os seres, como acontece com os moradores multiculturais,

anônimos - ou não - que se deslocam nas grandes capitais. Cidades onde o ser humano se

descobre em solidão, situação que se vê agravada quando se trata de migrantes: um enorme não-

lugar.

Reflito neste vídeo a minha própria condição de estrangeira em diferentes países, mas

também lembro de duas amigas de adolescência, Katita e Basita, meninas quéchua-falantes do

interior de Capinota

. Elas ensinaram-me a trançar meu cabelo com tullmas. Ao voltar à casa

delas para procurá-las, depois de alguns anos, não as encontrei mais, tinham “ido a trabajar”,

tinham migrado, e até agora não tenho notícias delas.

Parte I .

Orqo

(Montanha).

A imensidade branca do Salar vê-se interrompida no horizonte por uma aleijada

montanha, e em um plano mais próximo, por um emaranhado de negro que contrasta

fortemente com a branca rigidez

do sal cristalizado. A presença da

performer-fiandeira pareceria

finalmente esclarecer de que se

trata aquela visão que pareceria

uma projeção da montanha: velo

de lã de alpaca preta, que

imediatamente é começado a

enfiar, da maneira tradicional.

Parte II.

Ripuy

(Ir).

Estabelecendo um jogo com o

tempo, mediante a imagem fixa e a imagem em movimento, surge a figura da performer,

penteada da maneira tradicional, é dizer com os cabelos trançados com tullmas, mas neste caso

as tullmas caem até o chão, em forma de pequenos novelos. A figura está vestida de preto, da

mesma cor que os novelos espalhados no chão, os quais contrastam com o branco do sal.

Quando a performer começa a caminhar, os novelos se desenvolvem esticando as tranças

gerando nelas uma posição horizontal, como se existisse um “peso” que a performer parece

arrastando com ela: A dor do deslocamento.

Capinota, vale situado a 173 km de Cochabamba – Bolívia.

Q’aiturastro

Rastro de linhas.

Parte III

Q’aiturastro

(Rastro de linhas).

Essa caminhada é uma procissão lenta e pesada que parecia não ter final, naquele mar

de sal. O momento da partida? As longas horas em nos encontramos perdidos nas cidades, sem

conseguirmos nos comunicar? Distâncias e separações, onde a única referência seria o próprio

percurso.

Q’aiturastro, brincando um pouco com as palavras em quéchua e espanhol, Kay-tu-rastro

também pode significar “aqui esta tu rastro”. Uma tomada de consciência do próprio caminho,

andando, uma forma de materializar o imaterial e imperceptível. Uma história qualquer entre

tantas de milhares de migrantes que diariamente saem, se não na procura de melhores

condições econômicas, na procura de seus próprios sonhos.

Parte III

Kutimuy

(volver).

Uma idéia parecida com o exílio: um tabu pesa sobre o retorno, ou o postergamento

deste para um futuro remoto: Dá medo voltar para atrás. Volver seria pegar as linhas, juntá-las

em um novelo, aglutinando todas essas experiências. Na conclusão, o novelo é lançado pela

performer ao desconhecido: logo depois, se escuta (em off) o peso profundo deste objeto,

quando entra em contato com o solo branquicento, levando-a imediatamente em direção a

outros sentidos, quiçá para percorrer outras estradas.

As paisagens sonoras de um

não lugar.

Essas preocupações com o exílio e as migrações faz parte também das obras de Kimsooja.

Um outro tipo de relações se pode abranger na obra dessa artista - cujo trabalho, os botaris, foi

citado anteriormente -, ela realiza vídeos, instalações, performances, evidenciando sua origem

coreana mediante objetos próprios dessa cultura. O trabalho de Kimsooja caracteriza-se por

realizar obras nas quais aborda temáticas como o nomadismo, ponto-chave da sua arte. Os

panos - especialmente as colchas tradicionais coreanas de cores vivas -, as seqüências de luz, o

som, os cantos dos monges tibetanos, gregorianos e islâmicos, sua própria respiração, todos eles

são alguns dos recursos que utiliza como uma senha de identidade no seu trabalho, uma sutil

forma de lembrar da situação social, o exílio, o trânsito, o anonimato, que os coreanos sofreram

e sofrem atualmente. Agulhas, telas, fios, colchas fazem parte de seu universo criativo. Coser,

envolver, estender, dobrar, desdobrar, cobrir definem algumas das atividades mais constantes da

artista.

Em 2005, Kimsooja realizou Needle Woman (Fig. 28), uma obra que recolhe imagens da

artista de costas em seis diferentes cidades: Patan (Nepal), Jerusalém (Israel), Sana’ (Yemen),

Havana (Cuba), Rio de Janeiro (Brasil), N’Djamena (Chad), em uma vídeo-instalação

distribuída mediante seis canais de vídeo simultaneamente, apresentado como loop, com 10'30"

de duração, acompanhada de um total silêncio.(Fig.29)

Fig. 29 Kimsooja, Needle Woman. 2005.

Q’aiturastro

, promovo o diálogo das imagens de vídeo registradas com a

composição musical que joga com recursos aleatórios; se vincula de maneira profunda com

aspectos extra-musicais ao revelar fenômenos socioculturais atuais que acontecem nas grandes

capitais.

O resultado final sublinha de forma sutil o caráter itinerante da performer que

aparece em cena, cuja trajetória é desenhada pelos rastros de uma

multiplicidade de culturas em contato. Nos sons de uma indefinida cultura

milenar, que acabam entrelaçados com as convulsões rítmicas das grandes

capitais, descobrimos que os sujeitos são capazes de ser universais sem o risco de

se perder nas sombras de uma homogeneização cultural muda e anônima.

Assim, consegue-se escutar o “peso” daquilo que carregamos no caminho que

percorremos hoje em dia: o difícil passeio pelo mundo inteiro, cujo

deslocamento se depara com paisagens frias e desoladas, mas que, ao mesmo

tempo, são magníficas, cálidas e aconchegantes. (ROZO, 2007)

Desta forma o eu vejo, do verbo VER permite ampliar as possibilidades de criação

com diferentes linguagens, obras multidisciplinares que diluem os limites espaciais, sem

perder por isto as suas particularidades culturais.

AÇÃO II

VOLVER

Soy el marino que cose los horizontes cortados.

(HUIDOBRO, 1984 p.43)

VOLVER propõe uma matriz de reflexão a partir da idéia de heterotopia. Para

contextualizar esta afirmação, dedicam-se segmentos desta proposta a visitar o pensamento de

Michel Foucault, Umberto Eco e Ítalo Calvino. Também se recorre a cadências musicais e sons

do cotidiano que evocam a memória e formas diferenciadas de conceber o mundo, a vida e a

morte de quem, como eu, é habitante de lugares heterotópicos.

O termo heterotopia foi definido por Michel Foucault durante um encontro de

arquitetos. Com este termo, este autor comprovou que existiam, em culturas e em épocas

diversas, espaços específicos inseridos nos espaços sociais cotidianos, mas com funções

diferentes e muitas vezes opostas. Denominou a estes espaços heterotopias. Do pensamento de

Foucault, recupero alguns elementos que servirão para conceituar a obra horizonte sem

horizonte no âmbito da heterotopia. Um desses elementos é o espaço, pois segundo o que

Foucault escreveu em 1967: “nossa época atual é talvez a época do espaço. Estamos na época do

simultâneo, estamos na época da justaposição, na época da cerca e do longe (e) do lado a lado”

(FOUCAULT, 1967). Quando Foucault fez esta afirmação estava começando esse processo de

profusão dos espaços justapostos, condição que resulta exacerbada no contexto atual.

Foucault interessou-se pela descrição de lugares com a propriedade de relacionar-se com

outros de um modo que neutralizam, suspendem ou revertem o conjunto de relações

designadas a eles. Esses lugares se classificam em dois tipos: as utopias, locais sem lugar real,

projetados para o futuro ou associados a um passado, sempre em referência a um presente que

se quer negar; e as heterotopias, locais reais e experimentáveis, que mantêm, no entanto, uma

configuração isolada, nos quais a vida social pode aparecer contradita, invertida ou reduzida a

somente alguns dos seus aspectos. São espaços reais que não estão vazios, isto é, que poderiam

ser ocupados por coisas e pessoas, constituindo assim um conjunto de relações que definiriam

situações interdependentes umas das outras.

A heterotopia se contrapõe ao espaço cotidiano e, simplesmente, está presente. Esta não

projeta nenhuma fantasia, além disso, as heterotopias incomodam, pois desafiam as

representações convencionais e a imagem do pensamento por estarem compostas por

justaposições de coisas que não estão usualmente próximas e porque incluem, com freqüência,

a noção de Marginal. O conceito de heterotopia inclui também a aptidão de “justapor em um

único lugar real vários espaços, vários locais que são incompatíveis neles mesmos”. Neste

sentido, justaposição de espaços e a situação liminar ou marginal são características da obra

horizonte sem horizonte (ver DVD anexo).

horizonte sem horizonte

O vídeo horizonte sem

horizonte captura imagens de

navios que circulam em um espaço

invertido, são navios-objetos em

realidades justapostas. Em outubro

de 2007, esta obra foi instalada no

Museo Tambo Quirquincha, na

cidade de La Paz - Bolívia, no

contexto da Bienal Internacional

de Arte SIART

. Onde a projeção

deste vídeo esteve flanqueada por

dois espelhos (1,50 x 1,20m),

dispostos em um ângulo que

possibilita o reflexo da imagem em movimento e sua conseqüente multiplicação. Em contraste

com a escuridão do ambiente, a projeção, multiplicada pelos espelhos, cria um aspecto

predominantemente horizontal (Obra 11).

A mesma projeção, durante a exposição no Forte São Marcelo, na sala VOLVER, teve

um caráter mais experimental (Obra 12 Página seguinte). Ampliou-se a projeção a toda a parede

frontal da sala, flanqueando-a por duas lâminas de revestimento espelhado, as quais, em lugar

de refletir o percurso dos navios, ocasionaram sua distorção, provocando uma outra leitura para

o espectador, que teve a possibilidade de penetrar na vídeo-instalação.

A participação neste evento foi reconhecida com uma menção honorífica. Posteriormente, esta vídeo-instalação

foi montada no Centro de Arte Contemporáneo do Espaço Patiño, em dezembro de 2007.

Obra 11 horizonte sem horizonte. Instalada no Museo Tambo

Quirquincho.

Obra 12 horizonte sem horizonte. Instalada na Sala VOLVER no

Forte São Marcelo.

Com esta experiência conseguiu-se observar que em cada um dos lugares onde foi

instalada a obra, esta adquiriu sentidos diferenciados. Lembre-se que o Tambo Quirquincha,

atual museu de arte, foi antigamente um lugar de descanso, onde viajantes passavam a noite e

comerciantes armazenavam alimentos; dito Tambo ocupou um lugar central na conquista

espanhola da cidade de La Paz (antiga Chuquiagomarca), da mesma forma que o Forte São

Marcelo foi um lugar central para o desenvolvimento da conquista portuguesa. Este

monumento histórico, antigamente conhecido como Forte do Mar, é uma estrutura

arquitetônica militar, projetada em 1650 para a guerra defensiva no porto de Salvador, quando

capital do Brasil Colonial. Sua planta circular implantada no meio do mar permitia a visão

privilegiada, o que possibilitava à artilharia disparar em qualquer direção: uma solução

encontrada para a defesa do porto da capital colonial do Brasil contra os ataques de navios

piratas e de corsários invasores. Assim, horizonte sem horizonte, montada nestes lugares

particulares, evoca a memória e convida a pensar em perdas, migrações e saques, mas também

propõe ponderar que em uma obra de arte:

A concepção de contexto toma um sentido mais amplo do que o associado

apenas às condições físico-simbólicas dos lugares de exposição; remete também

às condições de aprendizagem dos indivíduos. O que ultrapassa as regras se

alojaria na experiência do sentido, em que o sentimento e a cognição estão

unificados. (VINHOSA, 2005, p.143)

Com estes elementos simbólicos propicia-se um ambiente intimista, onde a música de

um bolero de cavalaria e as imagens projetadas envolvem o espectador conduzindo-o a fazer suas

próprias associações e relações. Cada visitante da vídeo-instalação, com sua própria relação com

a morte e com lugares heterotópicos, deixa de ser um espectador passivo: existe algo que ativa a

memória. Assim, esta obra deixa de ser contemplativa. Com isto não quero denotar um sentido

da obra, que é essencialmente aberta, nem escapar de um julgamento crítico sobre a realidade.

O julgamento fica em suspenso, e uma maior liberdade (de sonhar e imaginar outras

acumulações e disposições diferentes) ficará a critério daquele que olha.

Um pedaço flutuante de espaço.

Navios enormes, navios de carga, navios de passageiros, veleiros que vão e vêm, cada um

diferente do outro. Esta diferença radica em que cada um deles é um mundo. Assim, neste

ponto, é impossível deixar de citar Foucault quando fala do navio como:

um pedaço flutuante de espaço, um lugar sem lugar, que vive por ele mesmo,

que está fechado sobre si e que ao mesmo tempo está exposto ao infinito do

mar e que, de porto em porto, de margem em margem, de bordel em bordel, vai

até as colônias a buscar o mais precioso que elas encerram nos seus jardins[…] a

maior reserva de imaginação. O navio é a heterotopía por excelência.

(FOUCAULT, 1967)

Pouco antes que ingressassem na Baía de Todos os Santos, em Salvador-Bahia, as

imagens destes navios foram capturadas da minha casa-atelier no bairro do Rio Vermelho, de

onde vejo passar diariamente esses navios-organismos, imaginando que vêm da África, da

Europa, da Amazônia; imaginando também que as caravelas dos portugueses que “descobriram”

estas terras fizeram esse mesmo percurso neste preciso lugar. Pois, antes da chegada dos

europeus, esta região foi habitada pela nação Tupínambae. Em 1510 foi palco do naufrágio de

um barco francês, de cuja tripulação fazia parte Diogo Álvares, chamado pelos indígenas

Caramuru. Diz-se que Caramuru foi resgatado pelos indígenas, no lugar que depois seria o bairro

de Rio Vermelho. Posteriormente, em 29 de Março de 1549, chegam Tomé de Sousa e sua

comitiva, em seis embarcações: três navios, duas caravelas e um bergantín, com ordens do rei de

Portugal de fundar uma cidade-fortaleza chamada de São Salvador. Nasce assim a cidade de

Salvador. Foram navios que começaram este percurso, trazendo exércitos, sacerdotes e escravos,

retornando depois, como diz Foucault, com “o mais precioso que as colônias encerram nos seus

jardins” acumulado no seu interior.

Estes navios, sendo assim, heterogêneos, têm em comum o movimento, o mesmo

trânsito os unifica, todos vão à direção de diferentes portos, flutuando na encruzilhada de mil

caminhos que é o mar. A dimensão aberta do oceano e sua condição simbólica como território

101

indômito impõem a possibilidade e a incerteza. O mar, lugar de aventuras e de perdição, pode

ser também espaço de criação e descobrimento, onde o navio se entrega, guiado pelo sol e as

estrelas, ao infinito da imaginação e dos acasos. Sem esquecer a condição simbólica de elemento

purificador, como sucede nos ritos da cultura afro-brasileira. No dia 2 de fevereiro, à beira do

mar, no bairro de Rio Vermelho, realiza-se a celebração a Iemanjá, Orixá do mar, entidade

protetora e purificadora do Candomblé. Da praia, inúmeros barcos levam mar adentro grandes

oferendas de flores e pedidos, trazidas por milhares de pessoas.

A poética da acumulação

Cada navio, sendo uma unidade, e cada trecho de mar que percorre, um horizonte, as

imagens se constituem como elementos ou objetos independentes. A imagem completa que se

apresenta no vídeo não seria outra coisa mais que uma acumulação de navios-objetos. Uma

tendência recorrente em que o artista, como faria um colecionador, acumula e ordena objetos,

gerando uma poética da acumulação, mas uma acumulação que não está ordenada como uma

enciclopédia, ou como um tesouro e tampouco evoca uma representação de um mundo ideal,

uma utopia.

Esta obra é uma coleta de fragmentos de horizontes que contêm navios, cada um com

sua própria velocidade, e que estão longe, no meio do mar. Qualquer ser estranho “poderia

amontoá-los a todos e encerrá-los em uma caixa” (ECO, 1999, p.16). Distorcidos pela distância,

estes navios-objetos efetivamente parecem muito pequenos, pareceria que se os pode pegar com

a mão, mas essa fragilidade só é uma ilusão porque se trata, em alguns casos, de maquinarias de

mais de 80 metros de comprimento, cujas imagens foram registradas sistematicamente em

vídeo. O “Isso Foi” e o “isso que vejo se encontrou lá, nesse mesmo lugar” são expressões ditas

ante esses registros, valiosas provas de uma presença, pois certamente esses navios existem e

estiveram lá.

Escolhi o vídeo como linguagem para esta obra porque acho que estes horizontes, como

imagens em movimento, se constituem em um olhar atento que revela detalhes, algumas vezes

imperceptíveis, pormenores de fatos que pertencem irremediavelmente ao passado. Ao

apresentar a permanência de um ato ou fato efêmero, que pode ser repetido inumeráveis vezes,

cada uma dessas imagens pode ser distribuída ou ensamblada de diversas formas; as infinitas

102

possibilidades relacionadas à composição de imagens-fragmentos, onde escolher, cortar, juntar e

ordenar tornam-se um ato de criação.

Neste ato criativo, exerço a função do marinho que corta e costura horizontes,

imaginado pelo poeta Huidobro e citado no começo deste apartado. Assim, justapondo um

horizonte vertical a outro, se aglutinam diversas “junturas”. Propicia-se o encontro de fluxos

existentes, tal como em um assemblage.

todos os outros lugares reais que se podem encontrar no interior da cultura

estão ao mesmo tempo representados, questionados e invertidos, espécies de

lugares que estão fora de todos os lugares, mesmo que sejam, no entanto,

efetivamente localizáveis. (FOUCAULT, 1967)

Localizáveis ou reconhecíveis, como o não-lugar que constitui o limite do mar e do céu,

horizontes heterogêneos se justapõem na obra horizonte sem horizonte, sendo a imagem do

vídeo o único lugar possível, o motivo unificador, onde estes poderiam ter encontro nessa

ordem.

Umberto Eco diz que

qualquer coleta de coisas similares

dispostas em ordem não é mais

que “a acumulação do diverso à luz

de um motivo unificador, mesmo

que seja mínimo” (1999, p.17).

Neste ponto voltamos à ação do

crivo necessária para sair do nosso

“Emaranhado Inicial”. Foucault,

por sua parte, explicou o mesmo

em 1966, no livro As palavras e as

Coisas; quando leu um conto de Jorge Luis Borges, em que citava uma “certa enciclopédia

chinesa”, segundo a qual os animais se classificariam em: “a) pertencentes ao imperador, b)

embalsamados, c) domesticados, d) leitões, e) sirenes, f) fabulosos, g) cachorros em liberdade, h)

incluídos na presente classificação J) que se agitam como loucos [...]”. Essa distribuição primeiro

lhe fez rir, mas depois, sentiu o mal-estar da suspeita de que existe um grande número de

ordens possíveis na “dimensão, sem lei nem geometria, do heterogêneo”. O impossível não é a

proximidade das coisas, mas o lugar onde elas poderiam aproximar-se (FOUCAULT, 1995 p. XII).

horizonte sem horizonte. Frame do Vídeo.

103

Na obra horizonte sem horizonte, a imagem do vídeo é a página em branco, o crivo, ou

a mesa que dá sustento à diversidade. Neste caso, de navios. A imagem está distribuída de

maneira simétrica ao longo de um horizonte vertical, desafiando assim a convenção da

representação horizontal consagrada desde o Renascimento na cultura ocidental.

Foi interessante achar na obra de Nam June Paik, Zen for TV, (Fig. 30) a mesma

preocupação com a manipulação do vertical e o horizontal. Mas nesta obra, minha verdadeira

referência é um tecido andino, onde a distribuição vertical não contradiz em nada a concepção

espacial presente nos tecidos tradicionais. No vídeo, os navios diluem-se encontrando paralelo

nas linhas verticais de um tecido aimara, que é também utilizado para carregar, armazenar e

transportar, talvez a mesma função dos navios.

A composição do tecido,

predominantemente vertical, apresenta-se em listas

paralelas com poucas variações tonais. Estes tecidos

em geral são feitos com lã natural de lhamas e

alpacas. Os diferentes tons de marrom alteram-se

entre claros e escuros, de modo a ir ressaltando a

diferença entre intensidades. Este jogo entre

intensidades presentes no tecido é chamado allqa.

Allqa é todo contraste nítido, não só entre claro e

escuro, mas também entre as cores que o olho capta

como complementares. Trata-se do desenho presente

em sacos grandes tecidos nas terras andinas, sacos

que apresentam poucas variantes em diferentes

regiões, mesmo muito afastadas entre si. Diferente

do que sucede com outras peças tecidas, este

desenho não se transforma de maneira essencial ao atravessar fronteiras de uma comunidade,

nem inclusive de uma região à outra, ou seja, não expressa diretamente o grupo étnico. Este

desenho em listas permaneceu estranhamente inalterável através dos séculos. Ainda na

atualidade, ele é utilizado para carregar e armazenar alimentos. Funções de acumulação e

deslocamento similares à dos navios, mas também com a função de armazenar que tem um

tambo, do qual falamos anteriormente.

Fig. 30 Nam June Paik, Zen for TV.

104

Tomei respeitosamente a referência cultural contida no tecido como um diálogo entre

presente e passado, assumindo uma distribuição espacial que resultaria em um lugar de um

mito, é dizer, de uma concepção diferente de ver e de organizar o mundo. Uma referência

mítica a um lugar que tem sua própria distribuição e classificação das coisas. Como na China,

lugar de origem da enciclopédia onde está a classificação dos animais do conto de Borges, que

tanto impressionou Foucault.

Esse tecido é uma forma acabada, uma referência que remonta à certeza de uma

identidade cultural pan-andina, porque “se constroem formas acabadas no momento em que se

tem certeza da própria identidade cultural”; ao invés “se fazem enumerações quando se está

ante uma série desconexa de fenômenos no interior dos quais se procura uma regra que ainda

não foi definida” (ECO, 1999 p. 16). Assim, em horizonte sem horizonte, os navios são

enumerações, trânsito e busca, um contínuo levar e trazer, não existe um lugar fixo, senão

muitas perguntas. O tecido, ao contrário, é uma imagem terminada: um modelo de universo.

Um modelo de universo

Por que se quer gerar esse jogo de horizontalidade através da multiplicação com

espelhos do que já está multiplicado? Para responder esta pergunta, seria interessante

aproximar-nos do pensamento de Ítalo Calvino sobre a multiplicidade, uma das propostas que

ele lança nas “vésperas do novo milênio”. Este autor faz a apologia da novela como uma obra

que se assemelha a uma grande rede: “uma estrutura facetada em que cada texto curto está

próximo dos outros em uma sucessão que não implica uma conseqüente hierarquia, mas uma

rede dentro da qual se podem traçar múltiplos percursos e extrair conclusões diversas e

ramificadas” (CALVINO, 1990, p.86).

Calvino também declara sua admiração por Borges; diz que cada texto do escritor

argentino contém um modelo do universo ou um atributo do universo - o infinito, o

inumerável, o tempo, o eterno, o compreendido simultaneamente e o cíclico. Diz que estes

textos são sempre contidos em poucas páginas, com exemplar economia de expressão; seus

contos adotam freqüentemente a forma exterior de algum gênero da literatura popular, formas

consagradas por um longo uso, que as transforma quase em “estruturas míticas”. E finalmente,

a idéia central do conto em Borges inclui um tempo multíplice e ramificado no qual cada

presente se bifurca em dois futuros, de modo que forma “uma rede crescente e vertiginosa de

105

tempos divergentes, convergentes e paralelos”. Essa idéia de infinitos universos contemporâneos

em que todas as possibilidades se realizam em todas as combinações possíveis não é uma

digressão do conto e sim a “própria condição para que o protagonista se sinta autorizado a

cometer um delito absurdo e abominável” (1990, p.133). Uma analogia surge entre a obra

horizonte sem horizonte e obras que incluem universos paralelos, tempos sobrepostos e, por

que não, o reflexo dos espelhos que tanto horror causava a Borges, porque multiplicava o

número dos homens. O espelho, segundo Foucault, provoca “uma sorte de experiência mista”.

É uma utopia, porque é um lugar sem lugar, e ao mesmo tempo funciona como uma

heterotopia, no sentido de que transforma este lugar que se ocupa, no momento exato em que

alguém se olha no vidro, em absolutamente real. Esse jogo de real e irreal nos aproximaria do

terceiro princípio da heterotopia proposto por Foucault, onde ela, “Tem o poder de justapor

em um só lugar real, múltiplos espaços, múltiplos lugares que são em si mesmos incompatíveis”

(FOUCAULT, 1967).

Os espelhos ampliam infinitamente a visão do horizonte, convertendo a obra em um

paradoxo; nos ajudarão, assim, a chegar a um horizonte sem horizonte, a desfazer e questionar

a convenção de uma linha que une, para nossos olhos, os limites do mar e do céu. E ao mesmo

tempo, por que não, refletir uma realidade como uma justaposição de culturas européias,

africanas e indígenas. Que melhor lugar para isso que o Forte São Marcelo?

Uma cadência em rumo limite

El mar está cargado de naufrágios

(HIDOBRO,1984, p.47)

A música nesta obra convida a um papel ativo. Foram escolhidos para esta vídeo-

instalação fragmentos do Terremoto de Sipe-Sipe, um Bolero de Cavalaria composto em 1939

pelos músicos bolivianos Daniel Albornoz e Felipe V. Rivera. A musicóloga Jenny Cárdenas

define esta forma musical como um “clássico da música crioulo-mestiça da

Bolívia”(CÀRDENAS, 2000).

Por ser um gênero de música marcial, a referência aos combatentes da Guerra del Chaco

é quase que imediata. Na contenda, os soldados partiam a um destino incerto, acompanhados

Conflito bélico entre Bolívia e Paraguai entre 1932 e 1935.

106

pela cadência dessa melodia “exultante” e “jubilosa”, a mesma que também despedirá os ex-

combatentes dessa guerra, no seu próprio enterro. Esta relação com o ritual funerário se repete

freqüentemente em velórios e enterros, mas também

remete, logo, a situações pontuais e características em direta relação com

momentos dramáticos da história política deste país. O sentimento que gera em

amplos setores da sociedade boliviana […] ao abrir espaços de reflexão sobre

fatos passados ou que estão sucedendo, determinou que se inscreva como um

elemento democratizante e ao mesmo tempo identitário. (CÁRDENAS, 2000)

Como o que sucede quando multidões estão reunidas nos momentos mais tensos das

manifestações: tensão e morte, que a cadência do Terremoto de Sipe-Sipe não deixou de

acompanhar, em outubro de 2003, quando lançada ao ar pelas caixas de som da Central Obrera

Boliviana, na Praça San Francisco

Por isso, a eleição desta obra musical não foi por acaso; essa música ressoa com

constância em minha mente quando vejo o lento e diário transcurso dos navios. A velocidade

desses grandes navios, distorcida pela distância, remetia-me à densidade da atmosfera “do

terremoto”, cuja dolorosa cadência me cativou de tal forma que a tenho escutado com obsessão

durante anos, como uma maneira de entender e enfrentar meus próprios medos. Muitas vezes

associei o terremoto com o Réquiem de Mozart, mas Terremoto de Sipe-Sipe, para mim, sempre teve

um território definido, assim como uma relação cultural com a morte, a perda, e emoções que

segundo uma nota que comenta a vídeo-instalação, no Tambo Quirquincha, publicada num

jornal da Bolívia, é um sentimento sutilmente compartilhado:

Horizonte sem horizonte, de Sandra De Berduccy, é a obra que com maior

força exibe o desenvolvimento de um discurso próprio que evoluciona. De

Berduccy continua nesta peça com sua exploração do têxtil como linguagem,

desta vez através do vídeo. Fala de tecido sem necessidade de tecer. O faz com

uma seqüência interminável de navios que viajam pela trama pictórico-têxtil que

vai mudando ao ritmo de um bolero de cavalaria. É um vídeo que toca fibras

íntimas do boliviano — o mar longínquo —, de forma emotiva e plástica.

(VARGAS, La Razón, 2007).

Na Bolívia, nesta data, injustas medidas econômicas tentaram ser implantadas pelo governo; a população reagiu e

saiu às ruas, tendo como conseqüência a renúncia e fuga do presidente à época, Gonzalo Sánchez de Lozada, mas

também um considerável número de mortos e feridos.

Grifo meu.

107

[Do lat. involvere.]

Abranger, abarcar.→ Trazer em si;

encerrar, conter.→ Implicar,

importar.→ Seduzir, cativar, prender,

enlear, aliciar, atrair, encantar.→

Cercar, rodear.→ Enredar;

comprometer.→ Trazer como

conseqüência; originar.→ Confundir;

misturar.→ Cobrir, enrolando;

embrulhar.→ Tomar parte;

intrometer-se.→ Embrulhar-se;

ocultar-se.→ Toldar-se, anuviar-se,

turvar-se; cobrir-se.→ Misturar-se,

mesclar-se, confundir-se.→

Relacionar-se afetiva e/ou

sexualmente com outrem.

108

AÇÃO III

109

ENVOLVER

ENVOLVER é um ato que inclui repetição, sendo a esta um modo de exercer o tempo

de maneira cíclica e diferenciada. A repetição precisa, então, de um deslocamento para ser

diferencia. Quanto à materialidade, neste trabalho existem, no ENVOLVER, dois elementos:

um que envolve (linha) e um outro elemento que é envolvido (estrutura cilíndrica). Estes

elementos geram uma espécie de tramado conhecido como tecidos de um só elemento, cujo

antecedente pode ser encontrado na técnica pré-colombiana, conhecida em espanhol como

enrrollado. Dita técnica foi utilizada para a criação de adereços e peças que depois eram incluídas

nos tecidos. Posteriormente foi utilizada, entre outras coisas, para a elaboração de tullmas, os

enfeites para o cabelo, e em alguns instrumentos musicais. Ao explorar as possibilidades

plásticas e visuais que estes elementos provocam, surgiram diferentes séries de obras a partir de

envolver estruturas tubulares, as quais foram denominadas

Chiris

; cada

chiri

, como unidade,

comporta-se dentro de um conjunto, como um módulo susceptível a inúmeras associações.

Assim, os chiris formarão tanto a instalação penetrável

Jatunkocha

quanto uma série própria,

realizados com degradações coloridas.

CHIRIS

As obras construídas tendo o

Chiri

como

unidade aproximam-se dos princípios da tradição

têxtil e da elaboração de alguns instrumentos

musicais da região andina. Realizadas com base de

estruturas cilíndricas de papelão, que depois de

serem preparadas e acondicionadas, no tocante a

tamanho e cor, foram envolvidas com linhas de

diferentes tonalidades, tendo por base a forma

tradicional do tecido de um só elemento. Cabe

mencionar que quem utiliza esta técnica não precisa

dar nós para realizar a junção dos diversos

fragmentos de linhas coloridas. Quanto à utilização

Obra 13 Puruma.

110

de cor, estas peças utilizam o recurso cromático de degradações de cores, chamadas k’isas, muito

comum em alguns têxteis aimaras e quéchuas. Da mesma maneira, têm inspiração nos

instrumentos de sopro de mesmo nome, também originários das regiões andinas da Bolívia.

Estes são formados de finas canas de bambu, cujo tamanho varia entre 80 cm até mais de metro

e meio de comprimento, motivo pelo qual chegam a emitir sons graves e profundos. Estes

instrumentos são envolvidos com uma fina linha de tons naturais de lã de alpaca e geralmente

são tocados na cima das montanhas, em situações

rituais.

Os chiris vêm em pares chamadas arca e ira;

um deles terá três canas (arca) e o outro quatro (ira).

Cada cana diferencia-se das outras graças às sutis

diferenças tonais próprias da lã de alpaca que as

envolve, constituindo listas que se vão ordenando da

mais escura à mais clara, produzindo a impressão de

que um mesmo tom transforma-se fazendo aparecer

seus matizes de intensidades.

Estas degradações de cores e texturas, como

se mencionou, são elementos recorrentes nos tecidos

andinos, as quais nomearemos com o termo k'isa,

segundo Verônica Cereceda. Resulta numa fina

escala cromática, que graças a um efeito óptico de

contraste aparece como a parte iluminada dos

tecidos, como se fosse um estalo de cor brilhante. “Escolher as cores que encherão as posições

no interior da escala é, na verdade, a arte de ‘construir’ uma impressão: fazer com que uma

essência descontínua pareça uma continuidade” (CERECEDA, 1987, p.189). É precisamente esta

ilusão que parece unir a parte escura e plana do tecido (pampa), com a parte de maior

intensidade (k’isa), os tons desaturados da pampa apresentam-se em um dos extremos destas

degradações. k’isa é um espaço de amável transição, “doce”, “suave”. Esta palavra quéchua

também é um termo utilizado para chamar as frutas desidratadas, como banana e pêssego, doces

tradicionais que eram procurados, antes da chegada do açúcar nas culturas andinas.

Obra 14 Uaxactún.

111

Diferenciam-se das listas presentes no tecido

citado em VOLVER, porque neste os diferentes tons

de marrom, dispostos em bandas, alternam-se entre

claros e escuros, de modo a ressaltar uma diferença

entre a sombra e a luz. Como já se disse, este

encontro entre a sombra e a luz é chamado allqa.

Allqa vai mediada por algum tipo de enlace, que

conecta ou permite o encontro entre tons

diferenciados (a diferencia nas cores ou na sombra e

a luz). Nestes têxteis andinos, tais enlaces tomam

com freqüência a forma de listas - duas ou mais - que

se interpõem entre as franjas contrastantes. Ou a

forma de estreitas listas ou finas fileiras. É

interessante advertir que as retas que formam listas

verticais, as k’isas, também são uma forma de unir

elementos contrastantes como a luz e a sombra,

nesse sentido o allqa seria um antecessor das k'isas.

Para Cereceda, este tipo de desenhos e tratamento

de cores repetem exatamente a estrutura dos

wairurus, as pequenas sementes (1987 p. 190),

presentes neste trabalho nas wakaychas. Nestas

sementes existe um conflito óptico que se repete nos

tecidos, já que aquelas aparecem divididas

nitidamente em dois espaços: um de cor vermelha,

muito intensa, brilhante e pura; o outro, de uma cor

que o olho identifica a primeira vista como preto,

mas que na verdade apresenta-se às vezes como um

marrom escuro. Segundo esta autora, apesar destas

pequenas variantes, o que permanece inalterável entre estes dois tons é uma relação de

contraste. O que salta aos olhos é uma aberta diferença, uma oposição entre opaco e brilhante.

Se expressa tanto sobre a reduzida superfície de uma semente, quanto na allqa, e nas

degradações reduzidas de cor, cuja minimização permite a união óptica das intensidades

Obra 15 Dendê.

112

cromáticas. A estrutura das k'isas nos lembra, naturalmente, a estrutura dos wayrurus, mas k'isas

manifestam um terceiro termo, um elemento conciliador na oposição da cor.

Esta articulação evocaria o trânsito entre concentração e diluição, deixando em

evidencia um espaço de dissolução de limites que dá passo a escalas de diferentes intensidades,

as quais também serão aplicadas nas composições cromáticas nas obras da série

Chiris

. Esta

escala de degradações pode oferecer infinitas variantes, se traduzidos aos tons naturais de velo

de lã de ovelha, alpaca, lhama e vicunha.

A combinação de diferentes matizes de marrons, somados a outra variedade de matizes

cinzentos, deram origem à obra intitulada Puruma, a entidade habitante de lugares liminares

(Obra 14 p.110), que consta de um conjunto de oito estruturas cilíndricas, sendo a maior de

1,50 de altura. O cromatismo desta obra lembra as degradações chamadas em quéchua k'ura

k'isa, quer dizer k'isa crua, que é aquilo que não passou ainda por nenhuma preparação e que

não está alinhado, situação que lembra a do território indômito dos espaços desolados, ou o

território de fértil criatividade e desordem habitado pelo Puruma. “Nestas regiões que colidem

com um mundo de forças estranhas, as formas e as cores se podem borrar e desdobrar”

(BOUYSSE; HARRIS, 1987, p. 27). Como acontece com as cores de Goethe, “o fenômeno

cromático pressupõe o deslocamento de imagens”.

Lembremos agora o esquema apresentado no início deste trabalho, onde o espaço de

dissolução de limites permite a presença de uma infinita gama de tonalidades, cuja ordem e

disposição com relação ao centro possibilitam o trânsito entre diferentes intensidades. (Fig. 31)

Fig. 31 Trânsito entre intensidades.

113

O mesmo fenômeno acontece quando se trata de cores. No caso, de lã de ovelha ou

alpaca que passam pelo processo de tintura e fixação. Pois, para a lã passar pelo processo de

tingimento precisa de mordentes e substâncias que ajudem a fixar as cores às fibras; dessas, o sal

é, sem dúvida, uma das mais

utilizadas. Neste ponto poder-se-ia

fazer novamente referência ao sal

como sinônimo de atividade

racional, e de civilização, porque

implica uma Prática criativa

dirigida à expressão mediante

cores. “Na verdade toda a maestria

das k'isas é só possível quando a

tecelã fabrica ela mesma suas cores,

produzindo à vontade, através do

tingimento, os graus com que

formará suas escalas” (CERECEDA, 1987, p.187). Estas cores produzidas por tinturaria são

chamados p'ana (Fig.32 ); são cores muito brilhantes e puras, lembram o espectro solar, e que

teriam uma origem mítica no arco-íris:

Se bem se diz, de uma maneira geral, que as degradações vêm do arco-íris, as

mulheres se defendem de toda possibilidade de uma cópia. “eu não sei roubar-

lhe suas k'isas (ao arco-íris)” diziam às vezes, criticando a alguma tecelã

imaginária que pudesse fazer tal...“Eu saco as minhas do meu coração”

(CERECEDA, 1987, p. 190).

O que as k'isas tentam lembrar do arco-íris é seu princípio lógico: o da mais perfeita

união, onde, no entanto, cada identidade se conserva com força. Mas as cores das degradações

tecidas, apesar de suas ilusões, são imutáveis e tingem uma matéria-prima que tem certo peso e

permanência: a lã. Por suas cores, o arco-íris, além de enlace mágico com um plano

sobrenatural, é considerado uma waka (lugar sagrado) que esta ligada à fecundidade e à riqueza

metálica do mundo subterrâneo. Por isso, estas degradações também podem ser perigosas;

devem ser utilizadas justo onde convém, sem se abusar delas, porque ao utilizá-las em excesso

pode-se provocar uma grande confusão e uma visão nem sempre agradável. Estas degradações,

pois, também possuem, nesse sentido, um caráter perigoso.

Fig. 32 K’isas de um tecido tradicional da Bolívia.

114

Os nomes das

k’isas

Verônica Cereceda diz que as listas de cores que formam uma degradação não se lêem

por si mesmas: “é a pequena escala que vai desde à sombra à luz que constitui uma unidade

mínima de sentido” (1987 p. 188) e que recebe nome unitário a partir de seu tom central (do seu

taypi). Se diz, assim:

k'isa cho'jjña (verde),

k'isa líriu (rosa intenso ligeiramente violeta)

k'isa jaruma (laranja),

k'isa larama (azul).

k'isa q'ellu (amarelo)

Estas gamas e escalas podem-se combinar e sofrem infinitas variações, inclusive

adicionando mais cores, caso em que também recebem nomes específicos. Também é possível

ver que, junto aos tons muito vivos e puros, as k'isas dão-se a liberdade de incorporar tons

escuros e opacos, como o preto, para definir às vezes o extremo da sombra, ou o branco, para

marcar um ponto de luz, aumentando o efeito do brilho do total da escala. Trata-se de

estruturas realizadas a partir da subjetividade de cada tecelã; exigem uma cuidadosa seleção de

suas cores pensando em uma continuidade entre o contraste de seus extremos (às vezes uma

k'isa verde começa em um preto e termina em um amarelo), e onde as degradações devem criar

a ilusão de uma transformação sem quebra, que lembre o efeito encantador do arco-íris.

Obra 16 k’isa liriu.

115

O encanto de envolver

As degradações de cor nos devolvem assim toda essa grata

sensualidade que acompanha a beleza e o trânsito.

(CERECEDA, 1987 p. 200)

Terão as k'isas propriedades mágicas que lhes permitem enlaçar dois planos diferentes da

realidade, tal como as tinham também as sementes de wairuru e o arco-íris? O fato é que o velo

colorido faz parte também, junto com os wairurus, de diferentes mesas rituais (Fig.19 Página 60).

As degradações de cor não são somente listas, breves e estreitas, senão também sugerem que

estão implicadas em um processo de reprodução. Poderíamos considerar então, que o desenho

de um tecido com k'isas é a expressão óptica e sincrônica do processo ritual de um trânsito.

No cotidiano, as mulheres seguram suas tranças com tullmas,

enfeites feitos com lãs coloridas. Se diz que as tullmas fazem florescer os

cabelos trançados e ao mesmo tempo indicam o lugar de origem de sua

portadora e, segundo suas cores e complexidade, seriam uma forma de

encantar e seduzir (Fig. 33),. Além das tullmas, variados objetos de lã

dispõem suas cores em degradação; muitos deles participam de

cerimônias onde “todo este estalo de cor atrairá a boa sorte e a procriação

da tropa de alpacas e lhamas” (CERECEDA, 1987, p.203). De onde

provém o poder de mediação das degradações de cor? As escalas

cromáticas explicitam, claramente, que são um esforço por unir a sombra

e a luz, passando através das cores, brilho que metaforicamente permitirá

uma transformação em outro plano da realidade. Este poder

transformador evidencia-se, segundo Cereceda, em algumas cerimônias

de cura mágicas que se baseiam nas cores, como o ritual de cura mágica

Chipaya

. Conhecido como “cura pelo arco-íris”, no qual o curandeiro, ao

longo da noite, entre invocações e libações, irá colocando sobre o coxim

redondo do velo de lã anéis concêntricos de velo de ovelha, tingido de

diversas cores, tal como podemos ver no desenho deste rito feito pelo próprio médico

(CERECEDA, 1987 p. 213). Este desenho lembraria o nosso esquema concêntrico inicial (Fig.34

Página seguinte).

A cultura chipaya está localizada na beira do Lago Poopó, no departamento de Oruro-Bolívia.

Fig. 33 Tullmas de

Ch’allapampa.Lago

Titicaca.

116

Fig. 34 Esquema do processo ritual da “cura pelo arco-íris”.

117

JATUNKOCHA

profunda superfície.

Disposta, na sala ENVOLVER, em uma área de 33m

, esta instalação foi formada por

aproximadamente 150 estruturas cilíndricas, cujo comprimento varia entre 1,70m e 30cm, os

quais foram envolvidos, em um processo coletivo (Fig. 35 Página seguinte), com barbante

tingido. Estes tubos foram suspensos em uma estrutura de cabo de aço à altura do teto (Obra

17).

Obra 17 Instalação Jatunkocha Sala

ENVOLVER.

Esta instalação cria um conjunto, como um só ser composto por inúmeras partes, cuja

unidade modular refere-se nominalmente aos instrumentos de sopro, anteriormente descritos

como

chiris

- instrumentos que se tocam no alto das montanhas -, mas cujo conjunto, ao ser

penetrado, ganha outras conotações. O lugar de montagem constituiu-se em um espaço de

trânsito que tenta evocar um mergulho no fundo do mar, envolvente para o espectador. A obra

está acompanhada por uma sutil intervenção sonora, criada com uma ampla gama de

instrumentos e matizes de sopro, assim como de palavras em quéchua e sonidos

onomatopéicos. Paisagens sonoras que multiplicam a experiência de caminhar por esse espaço.

118

O título da instalação corresponde às diversas

palavras quéchuas e aimaras que nomeiam o mar, as

quais seriam jatunkocha, “grande lagoa”, ou

mamakocha, “lagoa madre”. Segundo o dicionário de

Bertonio, cchamaca significa também lago sem solo, e

tuta, “mar profundo”, mas também significa noite,

em quéchua. Todas estas conotações remeteram-me à

profundidade do mar, e ao mesmo tempo ao abismo

existente no céu e as suas cores durante o dia, as

quais evidentemente influem à sua vez na coloração

do mar. Paradoxalmente, desde a remota

antigüidade, os espaços profundos foram objeto de

culto à chuva, que vem do alto do céu. Espaços

extremos que fazem referência aos limites superiores

entre terra e céu. Esta instalação refere às grandes

extensões de água que deixam passar a fluência das

forças subterrâneas. Às águas nos altos montes, a neve, e às águas profundas. Lembremos que

nestas regiões que limitam com um mundo de forças estranhas, as formas e as cores se podem

apagar e desdobrar. O excesso se expressa em paixão cega, arroubamento, perda da consciência

ou identidade.

Assim, as estruturas cilíndricas foram cobertas por barbante tingido com

diversos tons de azul, semelhantes às

k’isas larama (azuis) e às k'isas cho'jjña

(verdes), assim como por

combinações destas (Fig.36).

Evocando um grande tecido

tridimensional, no qual é possível

penetrar da mesma forma como se

mergulha no mar ou, repetindo a

experiência, de ser molhado pela

chuva, estabelece-se assim uma

provocação ao visitante.

Fig. 35 Durante um dos mutirões convocados

para ENVOLVER.

Fig. 36 Barbantes tingidos.

120

Ao falar em instalações “Penetráveis” é difícil

deixar de falar da produção do artista venezuelano

Jesús Soto, cujo caráter lúdico faz com que os

espectadores se vejam “impelidos a ingressar para

vivenciar a plenitude do Espaço” (BRAZÓN, 2007

p.62). Segundo a historiadora Mariela B. Hernández,

as obras de Jesús Soto (Fig. 37):

São entidades limitadas, mas que, ao mesmo tempo, por

serem "permeáveis" e "transponíveis", possuem fronteiras

que atuam como passagens abertas entre O "interior" e O

"exterior", e nunca como barreiras rígidas a serem

forçadas pelo fruidor”. Os Penetráveis deste artista

também oferecem a oportunidade de vivenciar uma

temporalidade "diferente". Pois entrar em um Penetrável

é como dar um passo fora da vida real e distanciar-nos em

certos aspectos do resto do mundo. Desse modo,

transladamo-nos a uma esfera lúdica, na qual é possível

viver situações excepcionais e ignorar as normas

habituais. (2007 p.62).

Assim, da mesma forma que “O Penetrável não está

feito apenas para ‘passar por’ ele, sua estrutura e materialidade favorecem e estimulam a ação

no seu interior”. A instalação

Jatunkocha

aceita o desafio de ser penetrada e abrir a

possibilidade dessa experiência ao espectador.

SÉRIE

CHIRIS

Foram realizadas várias experiências com estruturas tubulares envolvidas com varias

gamas de cores de lãs, as quais constituíram as obras da série

Chiri

s, as quais poderiam ser

fixadas a um suporte ou instaladas livremente em qualquer espaço. Por exemplo, na obra

chamada

Uaxactún

(Obra 14 Página 110), utilizou-se a k'isa cho'jjña, ou seja, uma escala

cromática que parte de tons escuros até o amarelo, sendo a cor verde a predominante, fixando

os 10 cilindros em diferentes níveis. Já nas obras

Dendê

(Obra 15 Página 111) e

Ocaso

, foram

utilizadas variações das k'isa q'ellu, tons amarelos com cores vermelhas predominantes, no caso

da primeira, lembrando os tons vivos existentes no azeite de dendê da culinária baiana. Em

outros casos de variações de k’isas, uma mesma degradação pôde ser desdobrada a partir seja do

seu ponto de sombra ou do seu ponto de luz, aparecendo como uma simetria espelhada. Este

Fig. 37 Obra de Jesús Soto.

121

desdobramento é a única possibilidade que tem uma degradação para combinar-se consigo

mesma. Este seria o caso da peça intitulada k’isa liriu (Obra 16 Página 114).

Fig.38 Montagem da série chiris na Sala DESENVOLVER.

Esta série de obras foi exposta na sala DESENVOLVER, da exposição no Forte São

Marcelo (Fig. 38), onde também se procurou o diálogo com um elemento presente na sala: a

solitária, um dos lugares mais impressionantes desse prédio histórico. Trata-se de um espaço de

aproximadamente 1 x 2 metros, antigo lugar de castigo

a inimigos cativos, escravos e presos políticos. Em

lugar de cobrir aquele espaço, interagiu-se com ele,

colocando no seu interior várias estruturas cilíndricas

pintadas com tons que vão desde o amarelo fraco até o

preto. k’isa jaruma: intitulou-se esta obra com as

palavras em quéchua

yawarnina

, em português:

sangue e fogo (Obra 18).

Outra série de trabalhos em estruturas

circulares relacionadas com o mar e o horizonte são

altamar

(Obra 19 Página seguinte) e

vacaciones

(Obra

20 Página seguinte); em ambas as obras cria-se a linha

do horizonte através de um jogo de contrastes entre

tons escuros e fracos.

Obra 18 yawarnina, sangue e fogo.

122

Obra 19 altamar.

Obra 20 vacaciones.

123

[De des + envolver.]

Fazer crescer ou medrar. → Fazer que

progrida, aumente, melhore, se adiante. →

Fazer uso de; pôr em prática; empregar;

exercer, aplicar. → Dar origem a; originar,

gerar, produzir.→ Expor extensamente, ou

com minúcia.→ Tirar o acanhamento, a

timidez.→ Tirar do invólucro; desenrolar.→

expandir.→ Aumentar as faculdades

mediúnicas→ Movimentar-se com

determinada velocidade.→ Tornar-se maior

ou mais forte; crescer.→ Estender-se,

prolongar→ Aumentar, progredir.→

Progredir intelectualmente; adiantar-se;

instruir-se.→ Ter desenvolvimento.

124

AÇÃO IV

125

DESENVOLVER

Los hombres entre la yerba buscaban las fronteras.

(HUIDOBRO, 1984, p.34)

Até este ponto, um verbo-acontecimento, DESENVOLVER, tem se descomposto em

quatro verbos no infinitivo, cada um deles acontecimentos. Cada um destes relaciona-se com

minhas Práticas em arte de maneiras diversas.

Tomo novamente as palavras de Deleuze, quando diz que um acontecimento “é uma

conjunção de séries convergentes que tendem a um limite” (DELEUZE, 1987). Durante a presente

pesquisa, fui conformando séries de obras heterogêneas, tendo a Prática em arte como ponto

comum entre todas elas. Um outro ponto em comum presente nas obras anteriores seria sua

finitude, pois se apresentaram como obras concluídas, apesar de estarem ainda submetidas a

algumas variações e

experimentações na montagem. A

partir de DESENVOLVER temos

alcançado um ponto de diluição,

com obras que poderão alcançar

seus limites ou não; são obras em

processo, fragmentárias, em

trânsito. Nesse sentido, criaram-se

obras híbridas, mantendo cada

linguagem seu caráter autônomo,

mas deixando uma espécie de

“incompletude” que faz da

experiência e percepção do

espectador um outro fragmento que integra a obra. O trabalho em processo está precisamente

nessa “incompletude” com a qual somos confrontados com o acaso, o aleatório, o ocasional, o

efêmero, como o tear em processo, Sawri Llawthapita (Obra 21).

Obra 21 Sawri Llawthapita.

126

Sawri Llawthapita

, tear em processo.

As palavras aimaras Sawri Llawthapita denotam o verbo e o sujeito do ato de tecer: “ser-

tecelão”. Este tear tradicional adquiriu materialidade em diferentes lugares do continente:

geraram-se através dele vínculos invisíveis entre as mãos de muitas tecelãs, que teceram fibras

naturais e tranças de cabelo doadas por homens, mulheres e crianças.

Ao contrário do que acontece com um tecido terminado, um tear em processo,

“incompleto”, sugere movimento. Este tear, particularmente, propõe ações individuais e

coletivas. Por isso, poderia ser concebida como uma ação performativa permanente. O tear, como

obra processual, irrompe no espaço da criação coletiva e propicia assim uma dinâmica entre

tempo e espaço dispostos em um

percurso

O tear é desmontável, sua

carga de elos e conexões é fácil de

transportar. Por isso é possível

continuar a tecê-lo em qualquer

lugar. Só é preciso pendurá-lo em

uma árvore ou em um gancho e

procurar a tensão certa para

trabalhar a vontade. Desde a

concepção e a montagem do tear,

em La Paz no ano 2003, junto

com o artista peruano-norte-

americano Aymar Copaccatti, a idéia de autoria e de pertença da obra se diluem

. Depois foi

tecido junto com tecelãs e tecelões, conhecedores de diferentes técnicas, em países como

Bolívia, Argentina, El Salvador, Guatemala e Estados Unidos. Agora o Brasil é uma estação

mais do seu caminho. Em cada um destes lugares, o tecido continua evoluindo e enriquecendo-

se de ares e experiências (Fig. 39). Sem data marcada nem pressa para concluir-se, continua

crescendo intermitentemente.

A primeira experiência de tecido coletivo deste tear foi registrada por um Programa da Televisão Boliviana

Nacional, dedicado aos têxteis. Programa “Nuestras empresas”. Dir: Fernando Arispe. Novembro 2003. 0:30:15

aprox. Também foi amplamente registrado na imprensa.

Fig. 39 Lugares onde foi tecido o tear.

127

Esta obra tem como antecedentes alguns acontecimentos importantes, como o de ter

nas minhas próprias mãos um tipo de chapéu (gorro) ritual procedente de Tiawanaku

. Estar

perto de uma peça tão antiga gerava em mim uma mistura de emoções, era como um encontro

com o mais sábio dos mestres; por isso me aproximei com cuidado e respeito. Então consegui

ver, com assombro, que estava tecido com lãs coloridas e cabelos humanos. Não posso descrever

com palavras a sensação que essa descoberta me provocou, mas muitas perguntas passaram por

minha mente: seria só uma pessoa o “doador do cabelo”, o tecelão ou a tecelã é o dono(a) do

chapéu? Seriam várias pessoas? Em quais situações esse chapéu seria utilizado? Quantas coisas

aconteceram até ele chegar às minhas mãos? Esse objeto, que para mim estava carregado de uma

força impressionante, ainda apresentava um detalhe: como um adereço final, a peça tinha,

também, uma fina trança de cabelo.

Milton Eyzaguirre, antropólogo, que compartilhou esses

momentos comigo, diz, em uma entrevista publicada em um jornal

boliviano, que a força do cabelo, na cultura andina antiga, radicava em

que este continha a presença das pessoas. Nessa entrevista ele ainda

afirma: “Não devemos esquecer que, na visão do mundo andino, pensa-

se em mais do que uma alma pertencente a uma pessoa; então,

aparentemente uma dessas almas se desprendia do corpo junto com os

cabelos”. Ademais, acrescenta que no antigo império do Cuzco “o Inca

mandava objetos pessoais, incluindo seus cabelos, a qualquer outra parte

do território, para ter presença em todos esses lugares” (LA RAZÓN,

2007).

O encontro com esse objeto e essas referências ao significado

inerente a eles deram começo a outras experiências e observações

relacionadas com o cabelo. Pude comprovar que no cotidiano de

algumas cidades da América Latina, o cabelo não deixou de ter

importância. Nas ruas da cidade de La Paz, Bolívia, por exemplo, ainda é

comum ver mulheres que penteiam seus cabelos com duas tranças que

O ano de 2001, como parte da pesquisa sobre técnicas têxteis andinas, participei como voluntária na montagem

de 300 peças de tecidos andinos para a exposição Tres milenios de tejidos, no Museo Nacional de Etnografia y

Folklore em La Paz, Bolívia. Tiawanaku é uma cultura pré-colombiana, localizada ao sudoeste do lago Titicaca no

atual departamento de La Paz – Bolívia. Foi um centro cerimonial da cultura andina, pertencente ao Período do

Horizonte Meio (800 a 1.100 D.C.).

Fig. 40 Tocoyal de

Almolonga -

Guatemala.

128

caem nas costas; estas tranças, como já falamos anteriormente, são seguradas por tullmas, tanto

como enfeite de lãs coloridas, como lugar de procedência. Nas ruas de Salvador, igualmente,

pode-se ver que muitas mulheres têm desenvolvido uma estética de origem africana, de

penteados complexos que utilizam múltiplas e finas tranças. Também as mulheres da

Guatemala ainda usam nas suas tranças fitas tecidas, compridas e coloridas, chamadas tocoyal

(Fig. 40 Página anterior), com as quais envolvem suas tranças, terminando como adorno na

cabeça. Este símbolo cultural lembra Ixchel, deusa maia das mulheres, da lua e do tecido; a

mesma que foi representada em cerâmicas e talhada em pedra com uma serpente como

toucado. Todas estas referências às tranças de cabelo, ainda plenamente vigentes na geração de

relações simbólicas, como matéria converteram-se na obra

Sawri Llawthapita

As tranças são diversas: podem ser tão

compridas e escuras, como os cabelos de Rebeca e

das outras amigas da Guatemala; loiros quase

brancos como os das crianças dos Estados Unidos;

tingidos de vermelho como os da minha amiga Ceci;

ou laranja intenso, como o mega-hair que ganhei de

Mariana em Salvador. Ao receber tranças para serem

tecidas, vinha a mim a imagem da jovem tecelã no

seu espaço, penteando seu cabelo todas as manhãs, e

pensava também no gorro de Tiawanaku, pois a partir

dessas experiências gerou-se todo esse processo.

O “sentido mágico” do tear foi formando-se

junto com o tecido: alguns casais pediam tecer

próximas as tranças deles, as mães pediam juntar

suas tranças com as das filhas, as amigas solicitavam a mesma coisa. Mas, quando o dono ou a

dona das tranças, já tecidas, tentava reconhecer a sua, não o conseguia, porque estas já se

tinham [con]fundido com as outras. Uma parte do seu próprio corpo se havia convertido em

parte de outra unidade, também orgânica. Uma unidade fragmentária nos materiais que a

nutrem: fragmentos do corpo, como são os cabelos. Esta obra inclui a situação do inacabado. “o

Existem muitos tipos de tocoyal e, da mesma forma que as tullmas, eles indicam o lugar de origem, demonstrando

inclusive hierarquia, como é o caso do tocoyal de Santiago de Atitlán: uma fina fita vermelha, que vai aumentando

com a idade da portadora. Assim, as mais velhas têm tocoyales com tantas voltas que parecem um chapéu.

O tear tecido na Fundação Pierre Verger

129

fragmento proclama silêncio e uma verdade sempre interna, dentro de si mesmo. Seu espaço é

o do não-lugar, o lugar do meio, o local deslocado, em suspensão, transitório, em construção”

(JACQUES, 2003, p. 91).

No Brasil a experiência ganhou um matiz particular, pois foi tecida com crianças que

aprenderam a tecer nas aulas de teares, ministradas por mim no Espaço Cultural da Fundação

Pierre Verger, em Salvador, (Página anterior) sendo a primeira vez que as pessoas que eu mesma

ensinei a tecer teceram no tear itinerante. Esta obra também foi apresentada como parte das

conclusões parciais da pesquisa do Mestrado em Artes Visuais, no Seminário de Estudantes

Pesquisadores em Artes Visuais – SEPAV, em novembro do mesmo ano. Da mesma forma,

apresentou-se na exposição Guard(a)res, a meados do ano de 2006. No Forte São Marcelo

foram organizadas oficinas onde também se realizou o tecido do tear interagindo com os

visitantes.

Um tecido sem linhas.

Entre as experiências com teares tradicionais

inconclusos, destacam-se obras com fotografias,

como Amigas (Obra 22), que aproxima duas

técnicas, confirmando a importância do fragmento

neste conjunto de obras. Neste caso, a fotografia é

cortada em finas listas de meio centímetro,

posteriormente montadas como se se tratassem de

tear tradicional, ou seja, com suportes de cana de

bambu, onde o “tecido” era a imagem impressa. No

primeiro exemplo, duas fotografias de 10 x 15 cm

foram cortadas em franjas verticais e dispostas à

maneira de uma urdidura na ordem de um tear

tradicional e, posteriormente, tecidas com lã de

alpaca. Foi deixada “incompleta”, evidenciando assim o processo inerente ao tear.

O tear resulta num modo de fazer que abraça um processo e um procedimento

compartilhado. Com este, não pretendo por um ponto final ao caminho excêntrico e fluido das

ações-acontecimentos, do DESENVOLVER; ao contrário, assumo que esse desenvolvimento

durará enquanto exista criação.

Obra 22 Amigas.

131

AÇÕES FINAIS

Chegou o momento de dar um alto e avaliar o aprendido. Embora por enquanto seja

difícil saber se todo este percurso serviu para resolver as perguntas propostas no início desta

pesquisa, ou, ao contrário, para aumentar o número delas. Considero que as ações provocadas

pela linha seguirão seu DESENVOLVER, por isso não é possível “finalizar”, com a tradicional

“conclusão”; em lugar disso proponho certas AÇÕES FINAIS. Algumas destas, para serem

realizadas, traspassarão o prazo de impressão das presentes linhas. O agradecer pela ajuda

recebida e o meu próprio retorno a “casa” serão ações que marcarão o fechamento de mais um

trânsito.

Durante esta pesquisa questionei minha Prática em arte; para isso aprendi a dominar

vários procedimentos técnicos, ou seja, a conhecer os recursos dos materiais e equipamentos

mínimos necessários para conseguir qualquer produção. Aspectos fundamentais para transpor

em obras o que poderia permanecer em idéias. No entanto, enquanto tentava dominar as

técnicas e tecnologias como a edição de vídeos, tentei tirar proveito conceitual e expressivo das

mesmas, dirigindo-as a resolver minha “identidade” e à procura do que se resiste a ser

hibridado. É dizer, não reduzir a prática à técnica, senão fazer uso delas reinventando-as e

manipulando-as segundo necessidades vitais. E ainda mudá-las e combiná-las com o objetivo de

preservar as intenções iniciais.

Assim, posso asseverar agora que a manipulação das técnicas deve estar a serviço da

intenção do artista; só assim se poderá exercer uma Prática em arte. Dessa forma, ao aliar

processo e procedimentos, técnicas e conceitos, comportamentos e produtos, o artista exerce

sua Prática. A qual, além do domínio de certas técnicas expressivas, pressupõe o

estabelecimento de uma conduta operacional; esta, segundo Vinhosa:

antes de ser uma mecânica, implica a elaboração contínua de uma disciplina

interior que ministra uma prática objetiva. Assim, certas ocupações rotineiras,

como passear pela cidade, fotografar, conceituar, classificar, ler um livro, podem

muito bem derivar de uma conduta operacional, pois podem nutrir a criação.

(VINHOSA, 2005 p.156)

Esta conduta operacional, segundo o mesmo autor, deve estar inserida em uma

“experiência de mundo” que vá além do “mundo da Arte”, como se transcreve a seguir:

132

A obra tendo saído de uma experiência de mundo que ultrapassa a do mundo

da arte, e sendo este mais amplo do que o campo, a relação com a obra pode ter

uma entrada ao mesmo tempo mais ampla e mais estreita. Mais ampla, porque a

prática poderá sempre se valer de estratégias notadamente públicas. Mais

estreita, porque a comunidade, antes de ser uma entidade a priori, se funda na

experiência do sentido. Na condição que o receptor partilhe da visão de mundo

do artista, os mundos deste e daquele entram em interface no momento mesmo

em que o receptor '‛produz" a obra. Assim, da atitude de artista à atitude do

artista, a forma artística proposta pode escapar aos limites impostos pelo campo

e se lançar no mundo. (2005, p.157)

Depois desta acertada reflexão, que traz novamente à tona o conceito de práxis, surgem

mais perguntas: DESENVOLVER e os verbos que se desprendem dele incluem uma

experiência de mundo? Estes estão relacionados com a vida ou são as minhas especulações

individuais? Se não for assim, qual seria para mim a ação ou conduta operacional que insere

uma experiência de mundo? Que ação individual pode provocar ações coletivas? Será que na

minha prática utilizo, da mesma maneira que Joseph Beuys,“elementos do passado, com a

intenção de expressar alguma coisa sobre uma possibilidade futura”? Exerço uma pratica do

passado? Do futuro? É tradicional ou contemporânea?

Já dissemos que a única maneira em que o artista pode contestar a avalanche das suas

próprias perguntas é mediante a Prática. E foi a Prática que possibilitou a resposta. Quis

lembrar uma prática silenciosa, mas muito poderosa. Desta maneira, a Ação performativa,

apresentada na área externa do Forte São Marcelo, em 25 de abril de 2008, dia da abertura das

exposições simultâneas Wakaychas e

DESENVOLVER, proporciona

conotações simbólicas e estéticas

que resultaria interessante analisar.

Esta ação (Obra 23 e Página 134)

apresenta uma prática tradicional,

que deslocada a esse espaço em

especial adquire outros fluxos e

sentidos, questionando a dicotomia

entre o tradicional e o

contemporâneo e inserindo na obra

a experiência de mundo.

Obra 23. Ação performativa no Forte São Marcelo.

133

Nessa Ação, a Prática foi a elaboração tradicional do fio a partir das fibras do velo de

ovelha e alpaca (Anexo 3). Assim como foi descrito no corpo do texto desta dissertação o fiado

é uma parte do processo de elaboração de tecidos, este processo agrupa indivíduos em torno de

uma ordem produtiva comum. Como qualquer técnica engendra objetos, no caso: o fuso ou a

puschka (nome quéchua). Objetos como este adquirem valor simbólico e se somam, em seguida,

a um modo singular de compreensão do espaço e do tempo, pois a manipulação destes objetos

engendra tradição e, por isto,

memória.

A puschka é um objeto

simples, que se torna dinâmico com

a presença da tecelã, sua

simplicidade ganha complexidade

com o movimento: não é um objeto

isolado, a sua prática gera uma

segunda atenção, porque não, uma

conduta operacional. O seu

movimento natural é envolver e

desenvolver. Este objeto adquire,

desta forma, o aspecto simbólico de “energia concentrada”, será o que o diferencia de um

simples objeto. Este objeto torna-se simbólico na medida que seu significado vai além do que

sugere de imediato: funciona muito mais a partir de uma memória coletiva e difusa que de um

conhecimento histórico dos acontecimentos. Sendo a manipulação da pushcka uma prática

cultural, revela uma experiência de mundo. Quis deixar à linha provocar uma prática e exercer

esse fazer silencioso, e realizar essa ação em um dos lugares mais emblemáticos da colônia do

continente: o Forte São Marcelo. Esta ação apresentada como performance evidencia uma

prática artística que no contexto simbólico em que a experiência tem lugar adquire outras

conotações, o objeto não está separado das condições espaço-temporais, assim como essas não

se dissociam de um sistema de representação intrínseco a uma prática. Ademais, procurou-se a

interseção entre o objeto, o sujeito e o meio ambiente. O passo do sol cumpriu também um

papel ativo nesta ação, pois, à medida que o sol ia se pondo no horizonte, a silhueta da

fiandeira - performer ganhava espaço na ampla área central externa do Forte. Diálogo entre o

sol, a antiga ruína e uma prática que também sobreviveu o tempo.

Fig. 41Fuso ou pushka.

135

Lembre-se que o enfiado a mão é um das

poucas práticas tradicionais que permaneceram

inalteradas dentre as diversas manifestações artísticas

das primeiras nações da América, pois somente

algumas práticas conseguiram suportar o embate da

colonização. Para o olhar europeu-barroco

dos

colonizadores, o valor da arte andina estava

exclusivamente nos materiais preciosos com que

eram produzidas: ouro, prata, jade, entre outras. Esta

perseguição teve como uma das suas conseqüências a

designificação de alguns elementos, não somente

iconográficos, senão de outros elementos simbólicos

milenares, como sementes e folhas, que cumpriam

uma função central nos cultos; as representações

tiveram um destino similar. Finalmente, as cerâmicas

e os tecidos foram entendidos como objetos ornamentais: uma arte menor. A estas atitudes

desqualificativas soma-se a idéia persistente até os dias de hoje de que se trata de culturas

carentes de sistema de escrita, desqualificando deste modo todo um sistema expressivo que vai

muito além da língua falada e da sua representação gráfica.

Apesar de tudo, a prática do fiado não foi objetivo direto da perseguição colonial. O fuso

e a prática que ele propicia é um desses objetos desqualificados. Até os nossos dias, em países

como a Bolívia, este processo é visto como arcaico e somente praticado por mulheres quéchuas

e aimaras, a maior parte delas idosas, sendo este fazer relegado dia-a-dia pelos jovens, mais

interessados pelas novidades do mundo globalizado que nas práticas de para eles “épocas

passadas”. Neste ponto considero importantes as palavras de Michel Mafessoli, quanto a esse

tema das práticas e memória coletivas e o que elas impulsionam; o autor propõe:

No século XV, na Itália, tinha começado o período que se conhece como Renascença, marcando o trânsito do

mundo Medieval ao mundo Moderno, mas os países da península ibérica colonizadores da América do Sul

demoraram em aplicá-lo plenamente até meados do século XVI. Isto explica os critérios ainda barrocos com que os

colonizadores viam a arte das civilizações das Américas.

Ação no Forte são Marcelo.

136

Não se trata de nenhuma nostalgia de uma ordem social que se desvaneceu.

Tampouco se trata de lamentar uma comunidade pré-moderna de contornos

indefinidos, mas antes de reconhecer que, a um mundo que se acaba está e

vias de suceder um novo estilo de existência. (MAFESSOLI, 1995, p 23)

Acredito que o artista é plenamente capaz de criar as condições para que a partir de

essas Práticas, possibilidades futuras e novas combinações possam suceder. Uma experiência

coletiva pode participar de uma experiência pessoal do artista como um elemento de coesão

social. Sempre e quando seja uma ação que se inspire em uma dimensão do coletivo, abraçando

nossas expectativas pessoais em relação à arte e ao mundo.

Na ação no Forte São Marcelo, a experiência privada tenta religar uma ação tão simples,

ao mundo contemporâneo. Então, nesse determinado contexto, o fato de enfiar impugnou a

oposição entre tradicional e contemporâneo. Mas não consiste em executar um só ato, capaz de

mudar a terra, senão em multiplicidade de AÇÕES e novas combinações delas gerando devires.

Para o qual o artista-pesquisador deve estar atento porque as respostas também estão no

cotidiano...

137

Então, O que não pode ser hibridado?

Desta vez as mãos de outras tecelãs darão a resposta:

Fig. 42 Faixa tecida.

ase savim tejir los campesinas volivianas

Esta faixa, tecida da maneira tradicional, transcreve a pronuncia do espanhol, comum

no quéchua falante (sem dúvida a tecelã o é). Traduzido ao português quase - literalmente:

assim sabem tecer as camponesas bolivianas

As mulheres com esse tecido respondem que a memória e algumas práticas não podem

ser hibridadas, simplesmente porque seguimos conjugando no infinitivo o verbo TECER, como

um acontecimento; como o mostra a tão original faixa: TECER ainda está no devir. O devir

implica diferença: o TECER não é identidade, é diferença.

Nas minhas próprias Práticas TECER, ENFIAR, FOTOGRAFAR, FILMAR, EDITAR

não serão mais procura de identidade e sim da diferença. Serão práticas para descobrir o devir

da diferença; a partir de agora dependerá de como essas diferenças produzem situações

interconectadas, que a sua vez se traduzam em acontecimentos múltiplos, que produzam outros

devires. Práticas comprometidas, que construam enunciados coletivos, que incluam

populações, multiplicidades, territórios, afetos, velocidades e intensidades.

138

Obra 24 Una concha para el Hayna Potosí.

139

140

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143

ANEXOS

Anexo 1. Cartões postais. Mostra do trabalho anterior ao mestrado.

144

Anexo 2. Tipos de fibras animais

Chama-se fibra a cada um dos finos filamentos que constituem um fio; estas podem ser

animais ou vegetais (como o algodão), as quais variam tanto nas suas propriedades plásticas:

resistência, elasticidade, flexibilidade, cor, brilho, textura, etc., assim como nas suas aplicações.

A lã é a principal fibra de origem animal utilizada em toda a zona andina; é extraída dos

camelídeos originários do planalto andino: lhama (Lama glama), alpaca (Lama pacus) e vicunha

(Glama vicuña). A estes animais, genuínos provedores de fibras, soma-se a ovelha (Ovis aries), que

foi introduzida no continente durante a colonização.

Utilizam-se estas fibras em geral nas suas cores naturais, as quais podem variar em ricos

tons intermediários do preto ao branco, passando por uma ampla gama de cinzas e marrons.

Há, também, uma infinidade de nomes específicos para assinalar as diferentes tonalidades da lã,

de acordo com sua localização sobre as diferentes partes do corpo do animal, chegando a

formar-se ao redor desta um complicado sistema de classificação pela sua cor e qualidade (DE

BERDUCCY, 2002, p18)

Lã de lhama Lã de alpaca Lã de vicunha Lã de ovelha

145

Anexo 3. Processo de fiado.

Fig. 43 Variedade de fusos.

Fio é o conjunto de fibras unidas por torção que resultam em uma fibra comprida; estas

fibras entrecruzadas conformam a estrutura de todos os tecidos. A delicadeza dos tecidos

andinos radica, em grande parte, na fineza e regularidade do fiado. O fio deve ser semelhante e

regular, fino, mas o suficientemente forte e elástico para suportar a manipulação.

Dentre os povos andinos, desde a antigüidade, esta torção é realizada com um fuso

(chamada puschka em quíchua e qapu em aimara). Estes instrumentos têm variações

concordando a fibra com a qualidade do fio desejado, é dizer, existe diferença entre os fusos

utilizados para lã de vicunha, a qual é mais fina, e para a lã de ovelha, mais tosca. Para este

último, utiliza-se uma varinha de aproximadamente 30 cm de largura que conta, na parte

inferior, com um disco de madeira que serve de contrapeso.

146

Fig. 44 Imagem do processo de enfiado.

Geralmente se enfia no sentido dos ponteiros do relógio (à direita), mas também em

direção contrária a eles. Este tipo de enfiado tem um sentido mágico.

Quando a fibra já está fiada, se tomam duas meadas da mesma qualidade, juntando os

cabos, e depois se torcem ambos, sempre em direção oposta ao lado que foi fiado, em um fuso

chamado Kanti em quíchua e em aimara, qapukanti. Este fuso é maior e mais pesado que o

utilizado para fiar e deve girar para o lado contrário do fiado. O resultado deste processo é um

fio duplo mais forte e resistente. A esta manobra se denomina kantido. Este processo de união

de dois novelos pode ter variantes como a combinação de uma ou mais cores.

Anexo 4

148

Anexo 5

Convite e mapa da distribuição das salas.

149

Gazeta do Forte: uma nota sobre as exposições Wakaychas e DESENVOLVER.

152

Fichas técnicas das Obras

Obra 1.....................................................................................52

Título: Chordata Gryphus

Instalação aérea, progressiva, montagem e projeção de linhas.

Dimensões: 6 x 6 metros

Materiais: Linhas de algodão, clarabóia do prédio e luz do sol.

Obra executada em Site Specific, nas ruínas da Fábrica Fratelli Vita,

Cidade Baixa, Salvador.

Ano: 2006.

Obra 2 .....................................................................................54

Título: As indústrias

Instalação em Site Specific, inclui pintura e linhas de algodão.

Dimensões: 20m x 3m x 5m

Projeto: Ruínas Processos Criativos, como parte da disciplina Teoria

e técnicas de processos criativos, Ministrada pela prof. Doc.

VigaGordilho.

Ano: 2006

Obra 3.....................................................................................63

Titulo: TEMPO

Duração do Vídeo: 0:07:14

Formato: DVD

Fotografia: Tinna Pimentel, Isabel Gouvêa, Bernardo Rozo e Sandra

De Berduccy.

Performers: Sandra De Berduccy e Bernardo Rozo

Edição: Sandra De Berduccy

Música: Bernardo Rozo

Ano: 2007

Obra 4 .....................................................................................70

Título: Ovillos viajeros

Técnica: Fotografia digital distribuída em adesivos

Dimensões: Variáveis

Ano: 2007

Obra 5.....................................................................................71

Título: Achachilas

Técnica: novelos de fibras animais, enfiadas a mão.

Dimensões Variáveis

Ano: 2007

153

Obra 6.....................................................................................75

Título: Wakaycha Espiral

Técnica: Búzios e lã de ovelha tingida

Dimensões: 16 x 22 x 5 cm

Ano: 2007

Obra 7.....................................................................................76

Título: Wakaycha oriooo

Técnica: Búzios, bambu e fibras de algodão

Dimensões: 18 x 12 x 6 cm

Ano: 2007

Obra 8.....................................................................................79

Título: Wakaycha animas

Técnica: Bambu e lã de alpaca enfiada a mão

Dimensões: 16 x 22 x 5 cm

Ano: 2007

Obra 9.....................................................................................81

Título: Wakaycha Chasqui

Técnica: Bambu e lã de alpaca enfiada a mão

Dimensões: 18 x 12 x 6 cm

Ano: 2007

Obra 10....................................................................................88

Título: Q’aiturastro

Formato: DVD Duração: 00:05:20

Autor: aruma (Sandra De Berduccy)

Salar de Uyuni- Bolívia

Data de produção: Agosto - Novembro 2007

Fotografia: aruma, Paula Goitia, Clement Belon.

Música: Bernardo Rozo

Performer: aruma

Edição: aruma

Produção: Atelier de produção artística Berdebértigo

154

Obra 11....................................................................................97

Título: horizonte sem horizonte Instalada no Museo Tambo

Quirquincho

Vídeo apresentado na Bienal Internacional de Arte SIART Arte

Joven- Bolívia 2007

Formato: DVD Duración: 00:04:55

Autor: aruma (Sandra De Berduccy)

Locação: Salvador – Bahia – Brasil

Data de produção: Septiembre 2006 - Mayo 2007

Imagens, fotografia e edição: aruma

Imagem do tecido da zona de Macha tomada do livro Textiles en los Andes Bolivianos, T. Gisbert, S.

Arce y M. Cajias. Editorial Quipus, Bolivia 2003.

Música: Fragmentos de El terremoto de Sipe-Sipe, bolero de cavalaria.

Autores: Daniel Albornoz y Felipe V. Rivera, 1939

Direção musical: Bernardo Rozo

Produção: Atelier de produção artística Berdebértigo.

Obra 13..................................................................................109

Título: Puruma

Técnica: Estruturas cilíndricas e lã de alpaca e outros

Dimensões altura 120 e largura variável.

Ano: 2008

Obra 14..................................................................................110

Título: Uaxactún

Técnica: Estruturas cilíndricas e lã de ovelha tingida

Dimensões: 137 x 55 cm

Ano: 2007

Obra 15.................................................................................111

Título: Dendê

Técnica: Estruturas cilíndricas e lã de ovelha tingida

Dimensões: 130 x 35 cm

Ano: 2008

155

Obra 16................................................................................114

Título: k’isa liriu

Técnica: Estrutura cilíndrica e lã de ovelha tingida

Dimensões: 130 x 10 cm

Ano: 2008

Obra 17................................................................................117

Título: Instalação Jatunkocha

Sala ENVOLVER

Dimensões da instalação: Área de 11 m2.

Materiais: 150 estruturas cilíndricas, barbante tingido cabo de aço

Música Bernardo Rozo

Obra 18................................................................................121

Título: yawarnina, sangue e fogo

Técnica: Estruturas cilíndricas e tinta acrílica

Dimensões variáveis

Ano: 2008

Obra 19................................................................................122

Título: altamar

Técnica: Estruturas cilíndricas e lã de ovelha tingida

Dimensões: 130 x 45 cm

Ano: 2007

Obra 20................................................................................122

Título: vacaciones

Técnica: Estruturas cilíndricas e lã de ovelha tingida

Dimensões: 70 x 80 cm

Ano: 2008

156

Obra 21................................................................................125

Título: Sawri llawthapitha

Linguagem: Performance interativa – obra processual e itinerante

Instalação: Lugares públicos, férias, eventos culturais.

Registro: Fotografia, vídeo e imprensa.

Ano: 2003 -2007

Bolívia (Cochabamba, La Paz), Argentina (La Plata e Buenos Aires),

El Salvador (San Salvador), Guatemala (Antigua Guatemala,

Uaxactún - El Petén) e Estados Unidos ( Florida - Seattle e

California) Brasil (Salvador- Bahia).

Obra22................................................................................129

Título: Amigas

Técnica: Fotografia e tear tradicional

Dimensões: 10 x 15 cm

Ano: 2006

Obra23..................................................................................133

Título: Ação performativa

Lugar: Forte São Marcelo

Fotografia: Fabio Gatty e Bernardo Rozo

Ano: 2008

Obra24.................................................................................. 138

Título: Una concha para el Huayna Potosí.

Técnica: Fotografia e tear tradicional

Dimensões variáveis

Ano: 2006

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